Já faz algum tempo que ninguém parece se importar muito com os lançamentos. Os filmes que “saíram” nos últimos meses foram poucos e, em grande parte, não eram exatamente as melhores coisas que os estúdios tinham a oferecer. Além disso, o lançamento em um serviço de streaming não parecia ser capaz de criar o mesmo sentimento que uma grande estreia no cinema...

Entretanto, nos últimos dias, Soul e Wonder Woman 1984 mudaram um pouco essa história. As duas produções ficaram um tempo na gaveta, esperando as coisas se acalmarem, mas acabaram ganhando o público de casa mesmo (ao menos por aqui, onde as medidas de isolamento social continuam em vigor). Soul, em particular, mexeu com as pessoas, com uma temática bastante sensível e direcionada para fazer adultos chorarem (o fato de as pessoas estarem vivendo em meio a uma pandemia desde março “ajuda” neste ponto).

Joe (Jamie Foxx) é um cara simples, que está tentando a vida como músico de jazz em Nova York. Enquanto não consegue seu grande momento, ele dá aulas em uma escola pública e segue sonhando, o que também envolve uma dose de atritos com sua mãe (Phylicia Rashad), que deseja um pouco mais de estabilidade para o filho. Quando consegue uma oportunidade única – a chance de tocar com Dorothea Williams (Angela Bassett) – bom... Joe simplesmente cai em um bueiro (veja bem, esse ainda é um desenho animado).

A partir daí, passamos a acompanhar Joe em suas tentativas de sair do além e retornar para seu corpo, para poder viver “seu grande momento”, alcançar “seu objetivo” e realizar “seu propósito”. E, como você deve ter adivinhado, tudo isso está entre aspas por algum motivo.

No processo, ele precisa lidar com a ressentida alma 22 (Tina Fey), que está no além há muito tempo, mas não pode viver porque é incapaz de encontrar algo que a inspire. Para completar, ele precisa contornar toda uma parte burocrático-administrativa, que envolve o contador de almas Terry (Rachel House) e os conselheiros Jerry (Alice Braga e Richard Ayoade). Ainda bem que surge a ajuda do “doidão” Moonwind (Graham Norton) – ou não.

Apesar da aventura em si ser simples e da trama, no fundo, não ser exatamente inovadora, Soul se aproveita do melhor que a Pixar e o diretor Pete Docter têm a oferecer: uma boa premissa e uma sensibilidade no ponto certo. O filme é engraçado, divertido e, principalmente, reconfortante. Em algum momento durante a exibição, você percebe que realmente não se trata mais de um filme para crianças com uma mensagem que os adultos podem aproveitar. Esta é uma produção para adultos, com alguns elementos visuais que podem distrair as crianças.

Sem a necessidade de um grande vilão ou de uma reviravolta clara, Soul também evita dar respostas fáceis. Por exemplo, fica bem claro ao longo do filme que Joe é um bom professor. Ele consegue sua grande oportunidade por indicação de um aluno que o tem em alta estima. Ele inspira as crianças. É a ele que uma menina recorre quando está repleta de inseguranças. Mas o filme não troca o “propósito de sua alma” porque está muito difícil para ele se realizar enquanto músico de jazz em Nova York (o que, convenhamos, realmente é algo para poucos).

A verdade é que o protagonista muda ao longo de sua jornada – exatamente como deve ser em uma boa história –, mas as respostas são mais complexas do que se poderia imaginar em um primeiro momento, algo que não vemos todos os dias em um filme (ainda mais em uma animação para o grande público). E isso só faz com que Soul seja ainda mais tocante e tenha um alcance mais amplo.

Para completar, depois de fazer uma pausa para enxugar as lágrimas, você também vai perceber o quanto este filme é bonito. Além de um trabalho de iluminação primoroso e cenários que beiram o realismo, a Pixar também misturou referências visuais e conseguiu criar um contraste muito interessante entre a vida na Terra e o além. Inclusive, em um primeiro momento, o “lado de lá” parece fantástico e muito interessante, mas, ao mesmo tempo, ele simplesmente não consegue competir com “o lado de cá”. E quando esses dois mundos se encontram, as soluções encontradas são criativas e deliciosas de assistir.

Outras divagações:
Inside Out

Quando Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles foi originalmente lançado, eu ainda era nova para assistir ao filme – nos Estados Unidos, a produção recebeu a classificação R, para maiores de idade; no Brasil, a classificação indicativa é 14 anos. Ainda assim, eu consigo me recordar das expectativas em relação ao longa-metragem e de toda uma curiosidade que existia em relação a ele (talvez seja uma memória fabricada, mas eu acredito nela). Claro que eu não fazia ideia do subtexto homossexual ou do fato de que uma garotinha e um homem adulto se beijam, porém, eu sabia que os atores principais eram galãs de Hollywood e que se tratava de uma história de vampiros, criaturas ao mesmo tempo muito assustadoras e muito sedutoras.

Em resumo, Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles conta a história da morte de Louis (Brad Pitt) e toda sua trajetória como um vampiro, atravessando um período de quase 200 anos. Assassinado e transformado por Lestat (Tom Cruise), um vampiro cruel e que se diverte em caçar humanos, Louis sente remorso em matar, o que faz com que haja atritos entre os dois. Eventualmente, ambos acabam se envolvendo com a morte da pequena Claudia (Kirsten Dunst) e os três passam a viver juntos, como uma família. Mas eles desconhecem a existência de outros vampiros e decidem partir em uma jornada que os leva de encontro a Armand (Antonio Banderas). O conhecimento, porém, tem seu preço.

Baseado em um livro de Anne Rice publicado em 1976, chega a ser impressionante que esta história tenha demorado quase 20 anos para chegar às telas do cinema. A obra original se tornou um sucesso de vendas e sua adaptação foi considerada por diversas vezes, com direito a uma série de nomes importantes sendo considerados para os papeis principais. Em algum momento, John Travolta esteve vinculado ao papel de Lestat.

Hoje, porém, é difícil imaginar outros atores encarnando estes personagens tão icônicos (bom, alguns até tentaram). As escolhas, aliás, foram bastante criticadas à época, com direito a um posicionamento formal da autora contra a escalação de Tom Cruise. Assim que ela viu o filme, entretanto, tudo foi esquecido. Afinal, esta é uma daquelas oportunidades em que Cruise pode se desligar da figura de bom moço e trazer à tona toda uma camada de loucura e cinismo. Ao lado de um Brad Pitt mais contido e que se contenta em ser charmoso, ele tem ainda mais oportunidades de se destacar.

E é bom ressaltar que boa parte dos méritos de Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles está no interesse do público pelo elenco (e, atualmente, na mística construída ao redor do filme). A história, convenhamos, não é muito complexa, seguindo apenas uma sequência de acontecimentos derivada da própria natureza dos personagens enquanto vampiros. Todo o grande confronto final é um pouco confuso e a motivação dos “vilões” nunca fica exatamente clara.

Ainda assim, acredito que há poucos filmes com apelos similares. Este é um filme criado para o público feminino adulto (com um claro subtexto LGBT), com atores bonitos e charmosos sendo misteriosos, inconsequentes, violentos e sedentos. Por mais que o “mom porn” tenha sido redescoberto com Fifty Shades of Grey e afins, falta a eles a elegância de Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles. Mas, convenhamos, isto é realmente para poucos.

Baseado em um elogiado romance de J.M. Ledgard e dirigido por Wim Wenders, Submergence parece ser destinado a algum tipo de grandeza. O roteiro, assinado por Erin Dignam, não poupa o uso de palavras difíceis e frases poéticas, enaltecendo a inteligência e o refino dos protagonistas. Mas, ainda que toda a ambientação seja interessante, o longa metragem simplesmente não consegue envolver o público.

E, sinceramente, a culpa nem é dos personagens, que são bem interessantes. Danielle Flinders (Alicia Vikander) é uma professora e pesquisadora que está prestes a embarcar em um submarino rumo às profundezas do oceano, em busca de formas primitivas de vida. James More (James McAvoy) é um agente secreto britânico que tem uma arriscada missão a cumprir na Somália.

A grande questão de Submergence está no recorte da história. Ambos os protagonistas estão vivendo a expectativa de acontecimentos que podem mudar as suas vidas para sempre – e é neste momento que eles se encontram em uma pousada paradisíaca. Em poucos dias, eles se envolvem e se apaixonam, apenas para se separarem e começarem a viver em meio a incertezas sobre o destino um do outro.

No caso de More, as coisas dão errado muito rapidamente. Capturado e mantido em cativeiro, ele não consegue se comunicar com sua amada, embora a mantenha em seus pensamentos. Ela, por sua vez, precisa lidar com a ansiedade crescente e com as inseguranças causadas pela ausência dele. A angústia é tanta que a própria pesquisa pode acabar sendo prejudicada.

O problema é que, por mais que o romance entre os dois pareça crível e seja interessante, não há um envolvimento grande o suficiente para justificar o enorme apego que os dois demonstram nos momentos de ausência. Para completar, há uma clara diferença entre os sofrimentos retratados. Enquanto ele usa suas lembranças para se manter são e vivo, ela praticamente se afoga no desespero provocado pela ausência de notícias. Enquanto ele está em condições que deterioram seu corpo e sua mente, ela está em segurança e acompanhada de amigos, mas se isola.

Enquanto narrativa, Submergence é bem construído. O filme faz paralelos entre a vivência de seus dois personagens, explora duas situações bem distintas e intercala suas histórias de uma maneira que funciona. A própria forma como o inesperado romance se desenrola também é fascinante de assistir, com cada gesto e cada conversa representando um momento crucial para a construção de algo maior entre os dois protagonistas. O elenco muito bem preparado também ajuda.

Porém, ao apostar nos conceitos abstratos de interposição de luz e escuridão, raso e profundo, a produção acaba escorregando em suas próprias pretensões. Sinceramente, não vejo problemas em um filme trocar a ação e o movimento por diálogo (até gosto!), mas esse não é exatamente o caso, até porque a distância física impede os protagonistas de conversarem e desenvolverem sua própria história.

Submergence apresenta sua metáfora e, pouco depois, espera que você se sinta envolvido por ela em um nível muito profundo, deliciando-se em detalhes e frases esparsas, mas bem colocadas. É tudo muito bonito e muito bem feito, mas, infelizmente, isso talvez seja pedir demais.

De vez em quando, acho bom ir ver um filme sem ter muita ideia do que vou encontrar. Esse foi o caso de Dumplin', que resolvi encarar mesmo sabendo apenas uma sinopse breve e que Jennifer Aniston estava no elenco – assim, a presença de Danielle Macdonald já foi uma ótima surpresa (embora eu esteja no aguardo de papéis mais desafiadores para ela)!

A história é uma daquelas tramas tipicamente estadunidenses. Willowdean (Macdonald) é uma jovem acima do peso que tem problemas de autoestima e uma relação complicada com a mãe, Rosie (Jennifer Aniston). Ainda assim, ela viveu uma infância feliz na companhia de sua tia Lucy (Hilliary Begley), da melhor amiga Ellen (Odeya Rush) e de toda a discografia de Dolly Parton (que, aliás, lançou canções inéditas no filme). Porém, as coisas em sua vida ficam confusas com a morte da tia e o crescente interesse de um colega de trabalho bonitão, Bo (Luke Benward).

Como parte de seu processo de luto, Willowdean resolve colocar em prática um sonho não realizado de sua tia: entrar em um concurso de beleza local. Porém, ela encara sua própria inscrição como uma forma de protesto contra a sociedade e contra a própria mãe, que venceu o concurso na adolescência e, atualmente, trabalha na organização da cerimônia. A seu lado, além de Ellen, estão a rebelde Hannah (Bex Taylor-Klaus) e a “outra gordinha” do colégio, a inocente Millie (Maddie Baillio).

Sinceramente, todo o andamento da produção é bastante óbvio. Dumplin' não foi feito para ser um grande drama, mas é uma comédia dramática que se sustenta razoavelmente bem. Os problemas das protagonistas não são infundados e ela realmente se comporta como uma adolescente real. Infelizmente, a mãe e as amigas (e até mesmo as “inimigas”) poderiam ter um pouco mais de profundidade, o que enriqueceria bastante a produção, mas isso não incomoda tanto assim (e, bom, cada uma delas tem seu momento para brilhar).

Particularmente, fico feliz que a história tenha realmente se concentrado no drama pessoal de Willowdean em vez de se transformar em uma comédia romântica. Ainda que haja algumas cenas interessantes com seu potencial interesse romântico, o foco segue no crescimento pessoal da protagonista e, principalmente, ela não depende dele para a resolução do conflito final.

Outro momento interessante de Dumplin' é a forma como Lucy é representada. Apesar de ter convivido com a tia por grande parte de sua vida, a protagonista ainda não a conhece por completo. Em sua trajetória de descobertas está a própria participação no concurso de beleza, além de uma visita a um misterioso bar (o que garante ótimas participações especiais, com destaque para Ginger Minj).

Por conta disso, embora esse seja um filme de “transformação” onde a beleza cumpre um papel importante, as personagens não se deixam ludibriar pelas promessas trazidas pelo conceito de “se reinventar”. Elas buscam confiança a partir do grupo, fortalecendo-se em conjunto e dando uma nova dimensão para o que foram buscar.

Assim, ainda que esta não seja uma grande obra-prima do cinema, Dumplin' é divertido e cumpre bem seus objetivos. A história é delicada e contada com bastante carinho, trazendo todos os clichês do gênero, mas adaptados para uma nova geração. Considerando que a diretora Anne Fletcher também foi a responsável por The Proposal, preciso dizer que ela segue se atualizando e melhorando – e que esse é o caminho.

Outras divagações:
Hot Pursuit

A conquista de espaços tradicionalmente “brancos” e “privilegiados” é um desafio muito grande. Ao tratar sobre um jovem negro e periférico que conquista uma vaga para estudar medicina, M-8: Quando a Morte Socorre a Vida parece até exagerado. É paulada atrás de paulada, situação desagradável atrás de situações ainda mais desagradáveis. Mas não é exagero, não. Todos os episódios de racismo que surgem na tela são situações bastante plausíveis e absurdamente frequentes. Para um rapaz imaturo, que está começando a enfrentar o mundo sozinho, a situação pode se tornar insuportável.

Mas parece que Maurício (Juan Paiva) está enxergando coisas onde não têm. Em suas aulas de anatomia, ele e um grupo de colegas precisam estudar o cadáver M-8 (Raphael Logam), porém, Maurício começa a vê-lo abrir os olhos e até mesmo andar pelos corredores, além de ter pesadelos em que ele e o corpo trocam de lugar. O fato de que todos os corpos estudados são negros em uma turma majoritariamente branca também começa a afetar o rapaz, que desconfia que M-8 pode ser o filho de uma das mães que protestam incansavelmente contra o misterioso desaparecimento de diversos jovens negros.

Para desvendar esse mistério, Maurício acaba aceitando de forma relutante as ajudas eventuais de dois colegas de turma, Suzana (Giulia Gayoso) e Domingos (Bruno Peixoto), embora tenha um pouco de dificuldade em se comunicar e expressar seus sentimentos. Além disso, ele faz amizade com os assistentes do laboratório de anatomia (Ailton Graça e Alan Rocha) e mantém boas relações com a secretária do curso (Zezé Motta), as únicas pessoas negras na faculdade (digo, além dele mesmo e dos cadáveres). Para completar, em casa, ele tem o apoio de sua mãe (Mariana Nunes), uma mulher forte e que frequenta um terreiro.

Com uma temática um tanto quanto macabra, M-8: Quando a Morte Socorre a Vida alimenta a tensão de suas sequências ao praticamente não usar trilha sonora. Mas que fique claro: há músicas e muito bem colocadas, diga-se de passagem; minha observação se refere às melodias instrumentais de fundo, que frequentemente ditam “o tom” de cenas.

De qualquer modo, soma-se a isso a questão de que o protagonista é um rapaz não muito amigável lidando com uma situação difícil, o que o torna um tanto quanto soturno. Como resultado, eu confesso que, durante boa parte da produção, esperei por algo diferente. Treinada por Hollywood, criei expectativas por um suspense com elementos de terror – e poderia ter me decepcionado por não encontrar exatamente isso.

Mas o que o diretor Jeferson De – que assina o roteiro ao lado de Carolina Castro e Felipe Sholl – acaba entregando é algo muito mais calcado na realidade (o que não deixa de ser assustador, dadas as circunstâncias). Embora o filme tenha aspectos sobrenaturais, seu desenvolvimento e sua resolução estão muito mais vinculados ao mundo dos vivos. Ainda que isso acabe (vejam só!) justificando o subtítulo da produção, preciso admitir que essa forma de frasear a situação alimentou a perspectiva errada que eu criei do filme (quero crer que não serei a única).

M-8: Quando a Morte Socorre a Vida é o filme nacional que precisamos encarar com mais frequência. É uma história bastante brasileira, conectada com a população e com as narrativas que podemos tirar de nossas vivências. É uma pena que o atual contexto de pandemia atrapalhe o acesso a obras como essa (ainda mais que o habitual). Ainda assim, espero que a produção encontre quem a aprecie, quem se surpreenda com ela e quem aprenda com ela.

O Natal sempre foi uma das minhas épocas preferidas do ano. Alguns dos filmes que retratam este período – devidamente acompanhados de mensagens piegas sobre amor, união familiar e que presentes não são tudo na vida – vêm acompanhados de boas lembranças e sentimentos. No fundo, com uma ou outra exceção, eu sei que eles não são exatamente grandes obras-primas. Mas, por mais que eu seja uma velha rabugenta, meu coração não é de pedra.

Por isso, resolvi dar uma chance sincera para 10 Horas para o Natal. A história é bem singela (como deve ser) e, ainda que a narração com quebra da quarta parede (com a protagonista olhando direto para a câmera) seja um tanto quanto manjada, é preciso considerar que esse é realmente um filme mais voltado para o público infantil. Todo o humor é bem bobo – o que inclui a famigerada piada do pavê – e há pouco apelo para o público mais velho. Ao mesmo tempo, a magia do Natal passou para deixar sua marca.

10 Horas para o Natal conta a história das comemorações da família Silva, formada pelo casal Sônia (Karina Ramil) e Marcos Henrique (Luis Lobianco) e por seus três filhos: a independente Julia (Giulia Benitte), o saco de pancada Miguel (Pedro Miranda) e a manhosa Bia (Lorena Queiroz). Eles tinham todo um ritual e as crianças se divertiam bastante durante toda a noite, quando também recebiam a visita da avó Nena (Jandira Martini) e do tio Sílvio (Marcelo Laham).

Contudo, o divórcio de Sônia e Marcos Henrique levou a uma mudança radical nas tradições e as crianças acabaram passando por um Natal, digamos assim, bem chato. Para evitar que isso se repita, eles bolam um plano: em plena véspera de Natal, vão até a 25 de março, uma rua no centro de São Paulo (SP) que é famosa pelo enlouquecido comércio de bugigangas, e tentam comprar tudo o que é necessário para a festa dentro de um limitado orçamento de R$ 50.

Obviamente, as coisas não saem exatamente como o planejado – até porque eles nem tinham um plano muito bem estruturado. Com muitos momentos de quase desistência, alguns de abnegação e vários de desespero, os irmãos reforçam um laço de amizade que estava quase esquecido e, ao longo da tarde (e parte da noite), acabam encontrando o verdadeiro espírito natalino.

A aventura em si até que é divertida, ainda que eu tenha me irritado um pouco com a personalidade das crianças (eu avisei que sou uma velha rabugenta!). A mais nova, em especial, é retratada como uma menina muito mimada, do tipo que consegue qualquer coisa na base do grito e os outros dois frequentemente se dobram as suas vontades. Ao mesmo tempo, ela deveria ser uma criança mais inocente, que ainda acredita no Papai Noel e quer desesperadamente entregar sua cartinha, mas o efeito é quebrado porque ela abertamente alterna entre táticas de gritaria e fofura para manipular os adultos (sendo que ela nem é tão pequena assim).

Em seus momentos finais – depois que tudo parece realmente dar errado –, 10 Horas para o Natal conseguiu o que (para mim) foram suas cenas de redenção, com direito a uma participação bem especial de Arthur Kohl. O filme, obviamente, não é brilhante, inovador ou sequer a coisa mais encantadora da estação, mas ele consegue passar a sua mensagem: o mais importante é ter a oportunidade de viver momentos de carinho em família. E é aí que mora a beleza do Natal.

Outras divagações:
Confissões de Adolescente - O Filme

Embora Martin Scorsese seja um dos meus diretores favoritos, parece que ele pede muito quando entrega um filme de 3h30. E por mais que eu possa maratonar uma série e ver mais que quatro episódios de 50 minutos cada – o que daria um total de 3h20 –, o compromisso exigido por um filme como The Irishman parece ser muito maior.

Obviamente, eu não posso exigir dos outros (ou até de mim mesma) coisas como “não pause” ou todo um “grande respeito” pela “arte cinematográfica”. Mas, de alguma forma, isso está incrustado em mim e eu gostaria de ver este filme sem sequer poder pausar e com todas as condições de temperatura e pressão adequadas. Sinceramente, eu gostaria de ter visto esse filme no cinema e acho que eu gostaria mais dele nestas condições. Infelizmente, não foi assim que aconteceu – e, para completar, eu me sinto na obrigação de ser grata pela Netflix por propiciar que esse filme tenha sido realizado.

De qualquer modo, se você também acredita que Martin Scorsese e Robert De Niro devam fazer quantos filmes eles quiserem (ao contrário dos executivos dos grandes estúdios, que aparentemente já cansaram de ver os dois juntos), The Irishman é o filme certo para você. Isso sem contar que o longa-metragem trouxe a primeira parceria entre Scorsese e Al Pacino, o que é algo que você com certeza precisa conferir.

Baseado em um livro de Charles Brandt (que criou uma história de ficção com base em acontecimentos reais) e com roteiro de Steven Zaillian, The Irishman acompanha a “carreira” de um assassino da máfia. A princípio, Frank “The Irishman” Sheeran (Robert De Niro) era só um pai trabalhador, interessado em complementar a renda – nem que fosse desviando carga de seu caminhão. Ele sabia que estava se metendo com gente perigosa e fazendo coisas ilegais, mas não parecia se importar muito com isso. Soma-se a isso um jeito quietão, um gosto por explosivos e algumas provas de lealdade e, bom... Basta dizer que ele é um profissional bem sucedido, ainda que nunca tenha muito espaço sob os holofotes.

Entre os principais “chefes” de Sheeran estão o poderoso Russell Bufalino (Joe Pesci) e o líder sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino). A seu modo, Sheeran desenvolve uma amizade com ambos e um desentendimento entre os dois pode ser capaz de o colocar em uma sinuca de bico – além de marcar para sempre seu relacionamento com uma de suas filhas, Peggy (Anna Paquin).

Por mais que esta seja a sinopse de The Irishman, o filme não é exatamente sobre isso. O que a produção faz é tentar humanizar uma figura que sempre é retratada como pouco inteligente e relativamente descartável: o brutamontes. Ao longo da trama, o personagem de De Niro tem diferentes responsabilidades, mas ele nunca é o líder, nunca é o cérebro por trás de nada. Ele faz o trabalho sujo, ajuda a acalmar ânimos exaltados, é cúmplice de um bocado de crimes e até oferece conselhos. Mas, a princípio, ele não parece ser o protagonista da história. Ele apenas obedece a ordens.

Porém, “humanizar” talvez não seja a palavra mais adequada aqui. O filme faz uma escolha consciente em retratar a família do personagem – que é inteiramente feminina – com pouco destaque. Anna Paquin, por exemplo, está em diversas cenas, mas tem pouquíssimas falas. O divórcio do protagonista também é tratado de forma bastante ligeira. Com isso, toda uma camada de drama fica apenas implícita, como se ele mesmo não se desse conta do que acontece sob seu teto, ou simplesmente não se importasse. Ao mesmo tempo, o trabalho e as lealdades de um mundo totalmente masculino ganham relevância.

The Irishman, desta forma, é um filme que olha para trás, sendo proposital e constantemente nostálgico. Ele conta uma história que acontece no passado de seus próprios personagens e, para isso, foram escolhidos atores que precisaram ser rejuvenescidos digitalmente (os efeitos, aliás, são realmente muito bons!). As escolhas narrativas da produção e o mundo que ela retrata não existem mais e cada vez mais se afastam da imaginação popular. Para completar, o longa-metragem foi filmado e editado com brilhantismo, mas com uma estética obviamente datada, fazendo referência a obras que já eram “de época” há 20, 30 anos.

Com tudo isso, quero dizer que The Irishman se parece com uma despedida. Por mais que novos “filmes de máfia” possam ser feitos no futuro, quantos terão a honra de reunir Martin Scorsese, Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci e Harvey Keitel? Quantos poderão ser efetivamente comparados com as grandes obras do gênero feitas no passado?

Então, posso garantir que não é fácil ver um filme tão longo e tão demandante (ainda mais com a carência de grandes sequências de ação), mas é ótimo que esse filme pôde ser feito com tanto apreço e profissionalismo. E embora você não seja obrigado a reverenciar um filme – ainda mais um que, sim, tem suas falhas –, dê uma chance para The Irishman.

Outras divagações:
The King of Comedy
Casino
No Direction Home: Bob Dylan
The Departed
Shutter Island
Hugo
The Wolf of Wall Street

Entre todos os filmes da extensa carreira de Woody Allen, Shadows and Fog se destaca por alguns motivos nada gloriosos. Para começar, a produção foi um fracasso de público e crítica na época do lançamento (a ponto da rede de locadoras Blockbuster decidir simplesmente não comprar a obra para suas unidades nos Estados Unidos).

A isso se soma o fato de que este foi um dos filmes mais caros do diretor até então, principalmente devido à construção de um cenário grandioso que fica encoberto por uma intensa neblina ao longo de todo o longa-metragem. Por fim, esta foi a penúltima parceria entre Allen e Mia Farrow e a última lançada antes dos escândalos que envolveram o divórcio de ambos.

Mas isso não quer dizer que Shadows and Fog não tenha seus méritos. Um deles está no fato de que se trata de uma espécie de pastiche do expressionismo alemão, com referências a F.W. Murnau, Georg Wilhelm Pabst e, principalmente, Fritz Lang. Convenhamos que não é qualquer diretor que consegue sinal verde para tocar uma obra com essa temática!

Além disso, o elenco está repleto de grandes nomes, algo que caracterizou os filmes do diretor por um grande tempo. Entre os mais conhecidos estão: John Malkovich, Madonna, Lily Tomlin, Jodie Foster, Kathy Bates, John Cusack, John C. Reilly, William H. Macy e Wallace Shawn (em alguns casos, as participações são realmente muito breves, no melhor esquema “piscou, perdeu”).

Em resumo, a história de Shadows and Fog acontece durante uma única noite. Max Kleinman (Woody Allen) é um funcionário de escritório subserviente que está em busca de uma promoção. Ele é acordado no meio da noite por um grupo de homens poderosos para se juntar a um misterioso plano que pretende capturar um serial killer que vem atuando nas noites de neblina cerrada. Porém, ninguém se dá ao trabalho de explicar qual é a função dele neste misterioso plano e Kleinman passa a vagar pela cidade, cruzando com várias pessoas suspeitas (e algumas futuras vítimas) pelo caminho.

Eventualmente, a trajetória dele se cruza com a de Irmy (Mia Farrow), uma artista de circo que acabou de abandonar sua moradia e seu namorado (John Malkovich). No processo de encontrar um lugar para dormir, ela é acolhida por um grupo de prostitutas e aceita uma riquíssima oferta de um estudante (John Cusack) para fazer sexo com ele. As consequências desta decisão, entretanto, envolvem linhas tortas.

De maneira geral, Shadows and Fog é divertido de acompanhar. A história não tem exatamente muito sentido e não fica claro onde o filme pretende chegar – mas, sinceramente, eu acho que isso pode ser visto como um ponto favorável. O texto mostra que Woody Allen ainda estava em forma no começo dos anos 1990, trazendo personagens e piadas com línguas bastante rápidas.

Obviamente, quem tem expectativas de encontrar algo mais próximo aos filmes que estão sendo referenciados deve se decepcionar. Esta é uma produção de Woody Allen do começo ao fim, do protagonista bobão ao momento inesperado de surrealismo, passando pela personagem feminina secundária que é melhor desenvolvida que o próprio personagem principal. A verdade é que o longa-metragem não traz nada de exatamente inovador, explorando o estilo de crônica narrativa que caracteriza muitos dos filmes do cineasta.

Para completar, considerando que o diretor vinha em uma trajetória descendente ao longo dos anos 1980, é natural que a recepção ao filme não tenha sido exatamente calorosa na época. Dito isso, Shadows and Fog atualmente funciona como uma divertida descoberta, praticamente uma curiosidade em meio aos (atuais) 50 filmes do cineasta.

Outras divagações:
Bananas
Everything You Always Wanted to Know About Sex * But Were Afraid to Ask
Sleeper
Love and Death
Annie Hall
Interiors
Manhattan
Stardust Memories
A Midsummer Night's Sex Comedy
Zelig
Broadway Danny Rose
The Purple Rose of Cairo
Hannah and Her Sisters
Radio Days
September
Another Woman
Crimes and Misdemeanors
Alice
Scoop
Whatever Works
Midnight in Paris
To Rome with Love
Magic in the Moonlight
Irrational Man
Café Society

Já faz algum tempo que uma amiga me indicou o documentário Raul: O Início, o Fim e o Meio. Sinceramente, fico chateada comigo mesma por demorar tanto para finalmente dar uma chance a esta produção, que está disponível na Netflix e tem direção de Walter Carvalho e de Leonardo Gudel, também responsável pelo roteiro.

De maneira geral, o objetivo do filme é simultaneamente simples e complexo: contar a história de vida de um dos maiores nomes do rock nacional. É simples porque se trata de um objetivo lógico e fácil de ser traçado por meio da carreira, dos amigos, da família e, especialmente, das namoradas. Mas também é complexo, pois é bastante difícil chegar a realmente entender uma pessoa como Raul Seixas, com seu gênio artístico aflorado, suas referências diversas e as relações complexas com seus parceiros de composição.

E, caso você esteja se questionando: sim, Paulo Coelho está no filme. Ele tem algumas das frases mais marcantes do documentário, admitindo ter introduzido Raul no mundo das drogas e do misticismo – sem arrependimentos. Felizmente, esses depoimentos não exatamente conduzem a narrativa, que se concentra muito mais em conectar os pontos entre as obras de Raul e suas principais influência que em devanear sobre as experiências do cantor com substâncias ilícitas.

Aliás, há uma linha bastante delicada aí. Raul: O Início, o Fim e o Meio dá ao espectador diversos indícios sobre a personalidade de seu retratado, mas nunca se aprofunda muito em quem realmente foi Raul Seixas. Ao final, talvez ele se torne ainda mais misterioso do que era antes do início do filme.

Um dos principais motivos para isso é justamente o escopo. O filme explora desde a infância em Salvador (BA) – com as primeiras transgressões e a grande admiração por Elvis Presley –, até a morte do artista, com o adoecimento, o ostracismo entre as gravadoras, novos relacionamentos e a última turnê, na companhia de Marcelo Nova. Ao longo desse caminho, todos os principais pontos são abordados (o que inclui até mesmo a participação em uma seita demoníaca), mas nenhum recebe uma parcela realmente significativa do documentário.

Uma das vantagens dessa escolha é que Raul: O Início, o Fim e o Meio pode se dedicar a todas as principais canções. Ao navegar pela carreira do músico, seus principais sucessos vão surgindo aqui e ali, ditando o futuro de muitos de seus relacionamentos e a forma como ele era percebido pelo público. Ainda que o próprio Raul não se defina como um artista político, suas letras são colocadas em um contexto histórico ao longo da produção – e, aqui, estamos falando dos anos 1970 e 1980.

Preciso dizer que, ao mesmo tempo em que é a carreira de Raul Seixas que dita o ritmo do filme (em mais de um sentido), são seus relacionamentos amorosos que garantem um vislumbre mais humano. Ao menos sob o meu olhar, o músico sempre foi uma figura mística, maluca e tão louca quanto brilhante. Mas suas namoradas e esposas – assim como a bem demarcada exceção da primeira esposa – colocam os pés no chão, falam sobre o dia a dia, as inseguranças, as alegrias, as desilusões e as amizades (tanto as reais quanto as que existem apenas no palco).

Por mais que não seja um mergulho profundo, Raul: O Início, o Fim e o Meio é uma deliciosa imersão em um universo que tem muito a ser explorado. Para quem conhece pouco sobre o artista, esta é uma boa forma de colocar sua obra dentro de um contexto mais amplo e entender suas principais influências e referências. E, mesmo para quem conhece um pouco mais, acredito que ainda há informações novas a serem absorvidas.

Minha relação com Rebecca é de longa data, como relato na resenha do filme de 1940. Quando soube que seria lançada uma nova versão, resolvi ler o livro para me preparar e ter uma visão mais ampla do que deveria encontrar. O que descobri foi uma narrativa bastante datada e com um tom moralista curioso, mas com seus charmes. O principal deles é justamente a forma como a personagem título está sempre presente, mesmo que toda a história esteja sendo contada por uma pessoa que nunca a conheceu.

A princípio, o visual desta nova produção é bastante interessante e bonito. O diretor Ben Wheatley e sua equipe capricharam em cenários e figurinos que efetivamente ajudam a contar a história. A arquitetura e os elementos decorativos da casa onde a trama se passa fazem parte do sentimento de constante opressão vivido pela protagonista, que sente pequena em meio a tanta grandeza, atrapalhada em meio a tanta delicadeza e, principalmente, inadequada diante de costumes tão específicos e diferentes dos seus.

Rebecca acompanha uma jovem sem família ou prospectos (Lily James), que se casa com um homem mais velho, bastante rico e que se tornou viúvo há aproximadamente um ano, Maxim de Winter (Armie Hammer). A chegada dela na imponente propriedade familiar é acompanhada por uma dose de desconfiança por parte dos empregados da residência, em especial pela governanta Mrs. Danvers (Kristin Scott Thomas), que era particularmente apegada à esposa falecida, Rebecca.

Ainda que o administrador da propriedade (Tom Goodman-Hill) e a cunhada (Keeley Hawes) pareçam dispostos a ajudar na adaptação, a jovem esposa esbarra constantemente em comparações com Rebecca, que incluem seus hábitos refinados, seu comportamento acolhedor e sua grande beleza. Ela não sabe lidar com o peso deste legado, que cai desavisado sob suas costas, e encontra um muro ao redor de seu marido, que a impede de discutir o assunto.

Mas este muro está prestes a desabar quando um barco é encontrado nas proximidades da propriedade. Nele, está o corpo de Rebecca e algumas novas evidências, o que leva a uma investigação sobre as reais causas de sua morte. Neste processo, a personalidade irretocável da falecida começa a demonstrar rachaduras, algumas envolvendo o misterioso Jack Favell (Sam Riley).

Uma das principais diferenças entre este filme e a versão de 1940 está neste momento. Devido à censura existente na época, a produção anterior não pôde ser fiel aos acontecimentos do livro, mas isto foi remediado aqui, o que deixa a trama mais interessante. Ao mesmo tempo, a condensação da história faz com que o personagem de Armie Hammer não seja muito bem desenvolvido e suas ações acabam tendo justificativas muito fracas.

Outra grande questão está na tentativa de dar mais personalidade à protagonista. Enquanto no livro ela é representada como uma menina sonhadora, que se torna cada vez mais insegura, aqui ela passa a ter momentos mais vivazes, efetivamente tomando decisões e agindo, sem apenas se deixar levar. Embora isso ajude a fazer a trama andar mais rapidamente, também acaba mudando o tom da história ao diminuir a constante opressão.

Aliás, os momentos mais reativos da protagonista acabam fazendo com que algo mude em Rebecca. Enquanto a história original traz um romance que é atrapalhado por acontecimentos terríveis do passado (acompanhado por um amadurecimento forçado da personagem principal), esta nova versão faz o público questionar a motivação dos protagonistas. Com qualquer outro narrador, Rebecca poderia se tornar uma vítima e os protagonistas poderiam ser os vilões.

O que quero dizer é que o público não consegue se envolver o suficiente com os protagonistas, a ponto de torcer pela felicidade deles. Pelo contrário, eles parecem estar movendo mundos e fundos, usando de todos os privilégios trazidos pela riqueza e pela elevada posição social, para serem felizes às custas dos outros. A narrativa desanda a tal ponto que a assustadora Mrs. Danvers deixa de ser uma ameaça e passa a ser mais uma vítima das circunstâncias.

Assim, à medida que a história se desenrola, os sentimentos que o filme deveria transmitir não correspondem com o que efetivamente é percebido. Com isso, as atuações parecem superficiais e as conclusões se tornam insatisfatórias. Rebecca é um filme lindo, mas algo nele azedou.

Outras divagações:
High-Rise

Com os cinemas fechados em boa parte do mundo e diversas produções lidando com hiatos e atrasos, cerimônias como o Oscar enfrentam um momento, no mínimo, curioso. Em outros tempos, The Trial of the Chicago 7 receberia alguma atenção por conta dos grandes nomes em seu elenco e produção, mas acredito que toda a animação acabaria antes mesmo da virada do ano. No contexto atual, entretanto, talvez o longa-metragem tenha chances de conquistar um número razoável de indicações.

Não me entendam mal: o filme é bom e prende a atenção. Escrito e dirigido por Aaron Sorkin a partir de acontecimentos reais, ele mantém o padrão de qualidade esperado, assim como o ritmo acelerado de palavras por minuto. Além disso, o elenco repleto de grandes atores consegue segurar muito bem uma história que acontece, em grande parte, em um único cenário: um tribunal (há flashbacks, não se preocupe).

The Trial of the Chicago 7 conta a história do julgamento de sete líderes de diferentes organizações, acusados de conspirar para criar tumultos violentos durante a convenção do Partido Democrata de 1968, realizada em Chicago. A princípio uma manifestação contra a Guerra do Vietnã (ou seja, não confundir com as manifestações do movimento negro, realizadas na mesma cidade e no mesmo ano), o evento saiu de controle e acabou em confrontos violentos com a polícia.

Os acusados são: Tom Hayden (Eddie Redmayne) e Rennie Davis (Alex Sharp), membros da Sociedade Democrata Estudantil; Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen) e Jerry Rubin (Jeremy Strong), cofundadores do Partido Internacional da Juventude, os Yippies; David Dellinger (John Carroll Lynch), um ativista do movimento pacifista; e os ativistas antiguerra Lee Weiner (Noah Robbins) e John Froines (Danny Flaherty). Por fim, o cofundador do Partido dos Panteras Negras, Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II) também se senta no banco dos réus, perfazendo oito acusados no total. Mas, bom, ele é negro...

Além disso, o julgamento ainda envolve advogados experientes (Mark Rylance e Ben Shenkman), um promotor jovem e ambicioso (Joseph Gordon-Levitt) e um juiz bastante tendencioso (Frank Langella). Isso sem contar o júri e as inúmeras testemunhas, já que o julgamento durou mais de seis meses. Pois é!

Ao longo do filme, a situação de cada um dos acusados, seu papel nos protestos e as relações entre eles vão sendo explorados, com destaque para os personagens de Eddie Redmayne e Sacha Baron Cohen. Embora estejam tecnicamente “do mesmo lado”, eles têm filosofias bastante diferentes, com o primeiro querendo crescer dentro do sistema já estabelecido e o segundo usando táticas “alternativas” de se fazer ouvir politicamente.

Com tanta coisa concentrada ao longo de duas horas de filme, The Trial of the Chicago 7 é repleto de detalhes interessantes e consegue manter constantemente a sensação de que tudo pode mudar a qualquer momento. Cada nova revelação trazida por uma testemunha tem a possibilidade de enrolar ainda mais algum dos acusados e é encarada como se realmente fosse uma novidade (embora, obviamente, eles saibam o que fizeram e o que disseram durante os protestos).

Inclusive, considerando o momento político atual e o contexto eleitoral dos Estados Unidos, muitos dos temas levantados pelo filme se tornam ainda mais relevantes. Sorkin, aliás, nem sequer nega a relação. Ao mesmo tempo, de acordo com ele, o roteiro não foi mudado para facilitar essa comparação, mas as circunstâncias que parecem refletir o roteiro.

Assim, ainda que a “fórmula” (ou o “estilo”, você que sabe) do cineasta contar suas histórias tenha cansado um pouco, estas escolhas funcionam muito bem em The Trial of the Chicago 7 e seguem sendo capazes de prender e fascinar o público. Talvez a falta de algo realmente inovador faça com que a produção não se destaque na temporada de premiações, mas este não deixa de ser um dos filmes essenciais de 2020.

Outras divagações:
The Social Network
Moneyball
Steve Jobs
Molly's Game

Em tempos de pandemia, ir ao cinema se transformou em algo difícil, cheio de restrições e permitido apenas em alguns lugares. Ao longo dos últimos meses, eu comecei a sentir falta não somente da experiência de ir a uma sala de cinema como também de ver um filme novo, um lançamento. Inclusive, The Devil All the Time nem chamaria muito a minha atenção em tempos normais (o elenco é interessante, preciso admitir), mas eu acabei me rendendo à perspectiva de ver algo fresquinho, que acabou de ser disponibilizado ao público. E, antes que alguém questione, eu já vi o filme faz algum tempo, mas demorei para conseguir um tempo para efetivamente me sentar e escrever sobre ele.

Para começar, The Devil All the Time não é um filme de terror. Alguns materiais de divulgação que vi – e a ideia que o próprio título dá – geraram uma série de expectativas frustradas. Inclusive, acredito que uma parte significa da recepção negativa da produção deriva disso. Esta, na verdade, é uma história sobre a opressão das crenças e da sociedade sobre indivíduos que apenas precisam seguir em frente. Mas, infelizmente, esta é uma mensagem que dificilmente será absorvida por quem mais precisa dela.

A trama é construída por pequenas histórias que se cruzam. Willard (Bill Skarsgård) é um jovem que volta traumatizado da guerra. Arvin (Michael Banks Repeta, Tom Holland) é seu filho, que acaba conhecendo grandes sofrimentos cedo demais. Por sua vez, Helen Hatton (Mia Wasikowska) é uma jovem que perdeu tudo e reencontra seu caminho na religião e no extremismo apresentado por Roy (Harry Melling). A filha deles é Lenora (Eliza Scanlen), uma menina ingênua, que busca por conforto junto a um novo padre local, Preston Teagardin (Robert Pattinson). Já Sandy (Riley Keough) e Carl (Jason Clarke) possuem uma estranha obsessão, mas ela está começando a ficar cansada. Ao mesmo tempo, o irmão dela, Lee Bodecker (Sebastian Stan), é um homem da lei que suja as mãos ao se envolver com política.

Nesse entremeio, nada do que acontece em The Devil All the Time é exatamente bom ou reconfortante. Baseado em um livro de Donald Ray Pollock (que também é o narrador), o filme traz uma tragédia atrás da outra. A vida destas pessoas está tão envolta em acontecimentos ruins, que as coisas apenas se somam, em uma sequência de acontecimentos quase intragável. Digo “quase” porque, ao mesmo tempo, é impossível tirar os olhos da tela e parar de acompanhar. A força e a garra destes personagens, independente da motivação de cada um, é fascinante e mostra o quanto o ser humano sempre pode ir mais longe, seja em sua luta para sobreviver, seja na necessidade de executar seus prazeres.

Para completar, o filme possui uma localização bem própria no tempo e no espaço. Passado nos anos 1950 e 1960, o longa-metragem acontece na zona rural, entre o sul de Ohio e a Virgínia Ocidental. Com isso, os personagens possuem sotaques muito próprios e criam certa distância do público, justamente por serem “diferentes” e “peculiares”. Ao mesmo tempo, eles chamam o público para aquele lugar e aquele tempo e você passa a se questionar quem você seria naquela realidade, como que você se comportaria naquele mundo que, ao mesmo tempo, é tão distante e tão próximos.

E, como eu mencionei os sotaques, preciso falar do trabalho de voz de Robert Pattinson, que, segundo o diretor do filme, Antonio Campos, é “um gênio louco, que pode fazer qualquer coisa”. Para quem já viu alguns filmes do ator, as primeiras cenas de The Devil All the Time trazem um estranhamento. Ele não só tem um sotaque ainda mais acentuado que o resto do elenco – ressaltando seu papel como um “forasteiro” –, mas sua voz está diferente do habitual, o que ajuda na construção e na percepção do personagem.

De modo geral, The Devil All the Time não é uma obra fácil de digerir. Ainda que ele traga mais ideias do que é capaz de aprofundar, o filme consegue se aproveitar muito bem de um elenco competente e bastante talentoso. Em vez de perder qualidade por conta do excesso de coisas acontecendo e do caráter absurdo de alguns dos eventos narrados, ele assume um caráter imersivo. Para quem está conseguindo manter a sanidade nestes tempos difíceis, esta produção é uma prova de força e fé.

Já faz alguns anos que eu acompanho o reality show RuPaul's Drag Race. O formato não traz nada de particularmente inovador e a edição é até mesmo questionável – mas, convenhamos, o programa é muito divertido.

Em edições mais recentes, um dos destaques foi a drag queen Trixie Mattel, criada por Brian Firkus. Visualmente, ela é uma praticamente uma versão um pouco barata e muito exagerada da boneca Barbie – um conceito que funciona bem para uma drag queen. Em um primeiro momento, ela apresentada como uma humorista, mas acabou não conseguindo muito destaque em um programa onde há uma competição acirrada neste quesito. Posteriormente, ela se reinventou como apresentadora e música, apostando no country folk, mas sempre mantendo toques de seu humor.

Em Trixie Mattel: Moving Parts, encontramos Brian e Trixie em um momento complicado. Seu programa, feito em parceria com a drag queen Katya Zamolodchikova, está em risco – assim como a amizade entre as duas. Os preparativos para uma nova turnê estão em andamento. E é chegado o momento de ir ao ar uma nova temporada de RuPaul's Drag Race: All Stars. Com a participação nesta nova temporada, Trixie enfrenta a dicotomia de ganhar visibilidade ao mesmo tempo em que o excesso de olhares e a possível crueldade de algumas pessoas a deixam sensibilizada.

Para quem não conhece Trixie Mattel e seu criador, estas características de sua personalidade podem parecer contraditórias e estranhas. O documentário, porém, não faz muito esforço para tentar explicar por que uma pessoa aparentemente tão retraída resolveu ganhar a vida se vestindo de uma maneira absolutamente chamativa e se exibindo na frente de uma plateia. Embora um pouco de aprofundamento a respeito de quem é o retratado não fosse uma má ideia, esta é uma escolha interessante. Você não sabe os motivos daquela pessoa, mas é apresentado a ela mesmo assim.

Ainda assim, é óbvio que Trixie Mattel: Moving Parts foi feito para quem já tem algum conhecimento sobre aquela pessoa, sua carreira, seus trejeitos e suas inseguranças. Sob certos aspectos, o filme é um mergulho tímido nos pensamentos de uma pessoa confusa, que quer mostrar como sua cabeça funciona, mas não quer lidar com as consequências disso. Para os fãs de Trixie, isso pode já ser bastante interessante por si só.

No final das contas, o que aparece na tela é uma montanha russa de emoções e você se questiona se o cinto se segurança está realmente firme – não pelo seu próprio bem, mas por Brian. O filme acaba sendo difícil de assistir porque estamos acompanhando uma pessoa que parece estar sem rumo. Ao mesmo tempo, é estranho acreditar nisso. Com uma turnê em andamento e outra à vista, além da certeza de sucesso em uma competição vista em diversos países do mundo, Trixie tem um futuro muito interessante à frente. E o filme não deixa claro o que exatamente a impede de acreditar nisso.

Para os fãs, Trixie Mattel: Moving Parts é uma oportunidade de ter um acesso maior a uma personalidade que eles já aprenderam a gostar e a amar. Para quem chegou agora, no entanto, esta definitivamente não é a melhor forma de entrar nesse mundo.

Quando Lost in Translation foi lançado, o filme chamou atenção. Seja por sua temática, por sua diretora, por seu elenco, pela forma como sua história é contata, pelas coisas que ficam no ar. Naquele momento, infelizmente, eu talvez fosse muito nova (ou, talvez, só muito imatura) para entender exatamente do que o filme se tratava. O que eu vi foram duas pessoas entediadas, mesmo sendo turistas em um país cheio de locais fantásticos a serem visitados. E eu não pude deixar de ficar um pouco chateada com esses personagens. Afinal, eles estavam simplesmente desperdiçando uma grande oportunidade!

Tantos anos depois, eu confesso que ainda sinto um pouco desse ressentimento em relação aos protagonistas de Lost in Translation. Eles são pessoas muito privilegiadas e que parecem simplesmente não perceber isso. Ainda assim, nesse meio tempo, eu vi mais filmes, cresci, viajei e vivi diferentes relacionamentos, com diferentes graus de sucesso. E, embora eu ainda não goste essencialmente dessas pessoas, eu acho que consigo entendê-las melhor.

Charlotte (Scarlett Johansson) é uma jovem, casada a pouco tempo e que está questionando seu relacionamento. Ela foi a Tóquio para acompanhar seu marido, John (Giovanni Ribisi), que está trabalhando como fotógrafo no país. Por sua vez, Bob Harris (Bill Murray) é um ator que já viveu melhores momentos em sua carreira. Ele está em Tóquio para gravar um comercial de whisky e parece temer o momento em que terá que voltar para casa e encarar sua família.

Charlotte e Bob se encontram pelo hotel algumas vezes, trocam olhares e se reconhecem enquanto figuras solitárias. Ao longo de alguns dias, eles desenvolvem uma amizade que se desenrola especialmente durante noites insones. Durante o dia, ela faz passeios pelo país, visita templos e se sente imensamente vazia por não ter as reações emocionais esperadas. Ele, por sua vez, faz um trabalho entediante, mas bem remunerado, que não o satisfaz.

À noite, os dois ouvem jazz no bar do hotel, fazem amigos passageiros, vão a bares, restaurantes e até karaokês. Eles vivem uma espécie de vida paralela e parecem flertar, mas também conversam abertamente sobre seus relacionamentos, suas carreiras e suas famílias. A diferença de idade surge em diversas interações – ele é muito mais seguro sobre o futuro dela do que ela mesma; ela reage com humor a certos comportamentos dele.

Sob muitos aspectos, Lost in Translation é um filme sobre uma amizade breve e inesperada. Obviamente, é um filme sobre comunicação: enquanto a maior parte das histórias se constrói por falta de uma comunicação adequada, esta é praticamente o contrário. Em meio a muito silêncio e a uma – literal – falta de compreensão por todos os lados, duas pessoas se encontram e se sentem livres o suficiente para abrir seus corações. Ao mesmo tempo, eles mal se conhecem e há momentos em que eles se desapontam mutuamente. Ainda assim, este filme consegue ser único em sua construção e isso o torna relevante, mesmo após tantos anos.

Por conta de sua natureza, Lost in Translation também é um filme muito contido. Ele se fecha dentro dessas breves horas em que o relacionamento de seus protagonistas acontece. Seus personagens são pessoas normais, vivendo uma situação em que elas se sentem levemente desconfortáveis. Não há nada fantástico acontecendo. Não há um grande conflito. Mas isso não significa que a produção seja entediante. Assim como essas pessoas estão se conhecendo, você também as está conhecendo. E elas são interessantes.

Outras divagações:
Somewhere
The Bling Ring
The Beguiled

Eu nem escondo que adoro uma comédia romântica, ainda mais se ela for mais para o lado do romance do que para o humor. A princípio, Um Namorado para Minha Mulher é uma mistura bem equilibrada dos gêneros, o que fez com que o filme fosse uma boa escolha para um dia em que eu buscava por algo leve e que desanuviasse meus pensamentos. O detalhe é que a produção se revelou uma boa surpresa!

Refilmagem de um longa-metragem argentino de 2008, o filme conta a história de um relacionamento em frangalhos. Após 15 anos de casamento, Chico (Caco Ciocler) está infeliz com a vida que leva ao lado de Nena (Ingrid Guimarães). Ela só reclama de tudo, não gosta dos amigos deles (e vice-versa) e parece incomodada com tudo o que ele faz. Ao mesmo tempo, ele não tem coragem de dar um basta na situação e pedir o divórcio.

Eis que surge uma solução: contratar o misterioso Corvo (Domingos Montagner) para seduzir Nena e fazer com que ela mesma resolva pedir o divórcio. Para o plano funcionar, ele a incentiva a trabalhar com Gastão (Paulo Vilhena), um amigo que faz vídeos para a internet. Porém, com Nena em um novo emprego e recebendo atenções masculinas, Chico começa a reconsiderar todo o plano.

Ou seja, dá para perceber o que vai acontecer em Um Namorado para Minha Mulher há quilômetros de distância, certo? Bom... Não exatamente. Ainda que não seja marcado por uma imensa criatividade, o filme consegue entregar reviravoltas interessantes e surpreender o público. Ou seja, o mérito é que o filme não é extremamente óbvio (só para frisar!).

Outro aspecto interessante do filme está nas escolhas da diretora Julia Rezende para seus personagens. Embora Guimarães seja uma comediante reconhecida, seu trabalho aqui é manter a cara séria enquanto Nena parece alheia ao casamento em crise e aos exageros que solta para todos os lados, mas também proporcionar a melancolia necessária para certos momentos mais frágeis da personagem – e ela dá conta do recado muito bem.

Domingos Montagner, por sua vez, era conhecido na época como um galã elegante e sedutor. Entretanto, o filme parece enfatizar um lado ridículo do personagem, deixando constantes dúvidas sobre suas reais intenções – o que ajuda a criar expectativas. Aliás, este filme foi lançado no ano da morte do ator e esta é sua penúltima aparição no cinema (ele já havia gravado cenas em Bingo: O Rei das Manhãs).

Ao mesmo tempo, tanto Caco Ciocler quanto Paulo Vilhena exploram personas ligadas a imagem pública de si mesmos. Nenhum dos dois personagens parece ser particularmente desafiador, mas é interessante ver como eles conseguem exagerar características – estamos falando de uma comédia, afinal! – e lidar com as expectativas do público.

Claro que Um Namorado para Minha Mulher não reinventa a roda, mas o filme consegue ter uma trama interessante o suficiente para chamar a atenção e conseguir um espaço de destaque entre as comédias românticas. Não é à toa que a versão argentina foi um enorme sucesso de público e acabou sendo adaptada em diversos países, incluindo Chile, México, Itália, Coreia do Sul, Malásia e Estados Unidos.

Ali Wong é uma comediante muito divertida. Eu a conheci por meio das performances de stand-up disponíveis na Netflix – que, aliás, também distribuiu esse filme. Grávida (sempre grávida!), ela costuma falar sobre o passado e o presente da sua vida sexual, suas relações familiares e outras questões que não fogem muito do habitual para esse tipo de performance.

Por só conhecer essa faceta da humorista, eu fiquei um pouco receosa com Always Be My Maybe. Afinal, não tinha muita certeza se Wong “funcionaria” em um contexto diferente e nem se o seu tipo de humor poderia se encaixar em uma comédia romântica eficiente. No final das contas, porém, a combinação deu bastante certo.

A história é absolutamente água com açúcar (ou seja, não espere por uma comédia exagerada e cheia de absurdos). Sasha (Ali Wong) e Marcus (Randall Park) foram vizinhos e melhores amigos durante toda a infância. Ele era um menino nervoso com pais legais e ela era uma menina legal com pais ausentes. Na adolescência, surge um interesse sexual mútuo, mas essa descoberta praticamente coincide com o falecimento da mãe dele, Judy (Susan Park), e os dois acabam se afastando.

Muitos anos depois, Sasha é uma chefe de cozinha famosa, que está inaugurando diversos restaurantes onde quebra barreiras e explora diferentes facetas da culinária asiática. Enquanto isso, Marcus mora e trabalha com o pai (James Saito) e, nas horas vagas, toca na mesma banda desde o Ensino Médio.

Os dois se reencontram em uma breve passagem dela por sua cidade natal e, com um empurrão de uma amiga em comum (Michelle Buteau), voltam a se falar. A questão, então, passa a ser se a amizade e o amor entre ambos serão capazes de continuar a existir mesmo após tanto tempo de afastamento, ainda mais considerando seus estilos de vida contrastantes.

E, como se não bastasse, há bagagem pelo caminho. A dele envolve Jenny (Vivian Bang), uma moça asiática meio maluquinha, com dreadlocks no cabelo e uma verdadeira paixão pelo trabalho com a comunidade. Enquanto isso, ela está tentando lidar com o fim de um noivado com o “perfeitinho” Brandon (Daniel Dae Kim), o que pode envolver até mesmo um romance com Keanu Reeves (Keanu Reeves, interpretando uma versão bizarra – e hilária – de si mesmo).

Desta forma – escrito por Ali Wong, Randall Park e Michael Golamco –, Always Be My Maybe opta por trazer uma história absolutamente comum do gênero, mas temperada com um pouco do humor de seus dois protagonistas. Wong dá para sua personagem seu tom despojado, ainda que acompanhado de um ar de constante irritação e intercalado com rompantes absolutamente inapropriados. Park, por sua vez, encara o lado mais fofo do romance, exalando inseguranças e uma imaturidade que já está com vergonha de si mesma.

Só é uma pena que a ligação do filme com a comida não tenha um apelo maior. Ainda que esse seja um tema recorrente (afinal, a protagonista é uma chefe de cozinha famosa) e vinculado a relações afetivas, a produção não chega a apelar para um “food porn”, que poderia ser bem-vindo dado o contexto.

De qualquer modo, ainda que o resultado não seja particularmente marcante, o longa-metragem cumpre seu propósito e diverte. Em uma tarde fria a chuvosa, Always Be My Maybe é uma boa opção tanto para quem está acompanhado de uma pessoa especial quanto para aqueles que preferem um bom chocolate.