Neste período em que a recomendação é o isolamento social, eu me deparei com a sugestão – bem insistente, aliás – para assistir The Willoughbys. Segundo a Netflix, o filme é uma produção própria e está entre os mais populares do catálogo, tendo “estreado” na quarta-feira passada (22 de abril). Com um trailer fofinho e um tom de narrativa que me pareceu interessante, resolvi me aventurar.

A história envolve quatro irmãos que moram em uma casa antiga e, apenas aparentemente, adorável. Os pais (Martin Short e Jane Krakowski) se amam muito, porém, eles não são capazes de dar qualquer atenção para as crianças. O filho mais velho, Tim (Will Forte) parece conformado com a situação, mas ambiciona poder reconstruir o status e a pompa que seus ancestrais tiveram um dia. Na sequência, Jane (Alessia Cara) sonha com um mundo de fantasias, onde ela poderia cantar livremente e ser uma criança feliz. Por fim, os gêmeos Barnaby e Barnaby (Seán Cullen) preferem se distrair com invenções mirabolantes, sempre alternando o único suéter de lã que possuem.

A perspectiva de futuro destas crianças muda quando uma bebê é abandonada na frente da casa e eles decidem buscar o lar ideal para ela, nem que seja sob os cuidados do estranho Melanoff (Terry Crews). Em pouco tempo, eles conseguem armar um plano para se tornarem órfãos e ficarem sozinhos em casa – eles só não contavam com a chegada de uma babá (Maya Rudolph) e com a interferência do departamento que cuida de órfãos.

Seguindo um ritmo bastante acelerado, The Willoughbys conta também com a narração do gato que acompanha as crianças (Ricky Gervais). Ele é o responsável por dar um tom cético, algo que lembra um pouco A Series of Unfortunate Events. Aliás, praticamente tudo na produção se parece com algo que você já viu antes, uma coisa que o longa-metragem não faz muita questão de esconder. Mas eu confesso que acharia mais divertido se as referências fossem abordadas de uma forma mais direta.

De qualquer forma, a questão é que, ao se apropriar de clichês vindos de todas as direções, o longa-metragem não chega a trazer nada de exatamente novo. O visual é bastante caprichado e detalhado, mas algo dentro de mim pedia por um acabamento menos polido ou, mais especificamente, por uma animação em stop-motion. Obviamente, eu sei que isso é muito caro e nada prático, mas eu queria mesmo assim e acho que combinaria muito bem com o visual escolhido para a família de protagonistas, com seus cabelos de lã vermelha.

Mesmo sendo apenas mais um em um universo gigantesco de filmes infantis que tentam valorizar a importância da família, The Willoughbys conseguiu me divertir e me manter entretida com suas constantes reviravoltas. O elenco é ótimo e foi muito bem escolhido. Por sua vez, a história foi construída com cuidado e há alguns momentos particularmente inspirados, como a interferência de uma charmosa corretora de imóveis, a forma como os funcionários do governo são retratados e a constante piada com as crianças não olhando para os lados antes de atravessar a rua, além de todas as cenas que envolvem arco-íris (mas eu sei que isso é uma preferência pessoal).

Ainda assim, eu continuo sempre preferindo adaptações dos livros de Roald Dahl. Só é uma pena que não haja muitas delas por aí. ;)

Uma das coisas mais interessantes nos trabalhos do diretor Hayao Miyazaki é como ele consegue construir diversas de suas histórias a partir de premissas absolutamente simples – as quais ele tempera com alguns elementos inusitados. Em Majo no takkyûbin, por exemplo, a protagonista é uma menina que também é uma bruxa, mas seus problemas e seus medos são bem reais. Ou seja, não há nenhum grande vilão ou uma missão delicada que só ela poderia executar.

O filme conta a história de Kiki (Minami Takayama), uma bruxinha de 13 anos que está prestes a encarar um dos momentos mais importantes de sua vida: passar um ano longe dos pais, em uma cidade desconhecida, para aperfeiçoar suas habilidades mágicas. E ela está bem empolgada para escolher uma cidade e viver suas próprias aventuras, sempre na companhia de seu querido gato, Jiji (Rei Sakuma).

Vinda de um lugar pequeno, Kiki escolhe uma cidade litorânea razoavelmente grande para se estabelecer, mas logo descobre que esse pode ser um ambiente hostil. Felizmente, ela é acolhida por uma padeira (Keiko Toda), que disponibiliza seu sótão para que a menina tenha onde morar. Já para estabelecer uma renda, Kiki decide usar de seu principal talento mágico: voar (a presteza da menina, porém, pode ser questionada). É assim que surge seu serviço de entrega aéreo.

Assim, Majo no takkyûbin acompanha o dia a dia da menina nessa nova realidade, em que ela conhece pessoas ótimas, mas também se decepciona com outras. Além de mostrar o amadurecimento da menina, o filme aborda o surgimento de diferentes formas de companheirismo e amizade. Entre os novos amigos de Kiki, por exemplo, estão uma senhorinha que gosta de fazer tortas (Haruko Katô), uma pintora que mora no meio de uma floresta (Minami Takayama) e um menino local que tem adoração por voar (Kappei Yamaguchi).

Tudo isso é contado de uma forma singela e sem pressa, com tempo para a protagonista expressar suas próprias conclusões e crescer com o aprendizado de um dia após o outro. Ao mesmo tempo, não é como se faltasse algo para o público admirar a cada cena: os cenários são absolutamente deslumbrantes.

Fruto de uma pesquisa dos animadores pela Europa, a cidade em que Kiki se estabelece tem elementos de Itália, Portugal, Suécia, entre outros países. Cada uma das ruas por onde ela passa parece ter histórias para contar e há uma série de pequenos detalhes que são retomados ao longo da produção, mostrando a adaptação da protagonista ao local.

Aliás, a qualidade da animação impressiona, mesmo depois de mais de 30 anos do lançamento da produção (o filme é de 1989). Tudo é muito fluído e muito caprichado, demonstrando o tradicional empenho do Studio Ghibli, mesmo em uma obra que – ao menos internacionalmente – é tida como um trabalho “menor” do estúdio.

Para completar, os animadores também decidiram situar a trama nos anos 1950, trazendo um visual bastante específico para os habitantes da cidade (e, também, um zepelim). Dos penteados às roupas, as pessoas são bastante elegantes e parecem estar sempre indo para algum lugar. Mas, ao mesmo tempo, elas ainda não estão com tanta pressa assim e, eventualmente, param para prestar atenção na menina que voa sobre suas cabeças.

Com isso, Majo no takkyûbin consegue ser uma animação adorável e leve. O filme é perfeitamente adequado para crianças e, também, para adultos que buscam por algo relaxante, descompromissado, inocente e bonito, com gostinho de infância.

Outras divagações:
Kaze no tani no Naushika
Tonari no Totoro
Mononoke-hime
Gake no ue no Ponyo
Kaze tachinu

Por mais que eu me considere uma grande admiradora de Audrey Hepburn, eu ainda não havia cruzado devidamente com Paris - When It Sizzles. O filme é uma comédia romântica sem muitas pretensões, mas que reúne a atriz com William Holden, dez anos após Sabrina. Além disso, a produção se aproveita do fato de ter uma temática voltada ao cinema para fazer referências aos filmes da atriz, deixando tudo ainda mais divertido.

A história envolve um roteirista Richard Benson (Holden) que já deveria ter um material pronto, mas que sequer tem uma história. Para ajudá-lo, o estúdio contrata uma datilógrafa, Gabrielle Simpson (Hepburn), que não demora a embarcar na missão de fazer o tal roteiro – já intitulado The Girl Who Stole the Eiffel Tower – ir para o papel.

No processo, o desmotivado roteirista acaba desenvolvendo uma história com dois protagonistas que se assemelham a eles mesmos. Em busca de reviravoltas que funcionem, ele vai e volta na trama que está criando, mexendo com as personalidades e os destinos dos personagens principais e de coadjuvantes como o amigo da moça, Maurice/Philippe (Tony Curtis), e um inspetor de polícia (Grégoire Aslan).

Ao mesmo tempo, roteirista e datilógrafa têm uma convivência forçada bastante intensa em um quarto de hotel parisiense, o que gera seu próprio jogo de sedução. Mas será que Gabrielle vai ceder aos charmes do problemático Richard? E será que conseguimos relevar a diferença de idade entre os dois atores? São 11 anos, mas parece ser bem mais.

De maneira geral, o resultado de Paris - When It Sizzles é bastante divertido e descompromissado. Ao mesmo tempo, o filme está bem longe de ser uma obra prima. A história em si é fraca e, convenhamos, o roteiro que os personagens estão criando é rocambolesco demais para efetivamente funcionar. Se não fosse pela presença de Hepburn, a produção provavelmente já teria sido esquecida.

A verdade é que temos muitos filmes sobre filmes por aí e esse não é um dos mais inspirados desta lista. Ainda assim, o longa-metragem faz um bom trabalho ao referenciar Breakfast at Tiffany's, My Fair Lady e Funny Face, o que eu aprecio. Além disso, há a participação especial de Marlene Dietrich, no melhor esquema “piscou, perdeu”.

Para completar, o personagem de Tony Curtis e as constantes piadas em relação a ele dão um toque interessante ao filme. Ainda que isso não seja (nem de longe) o suficiente para salvar a produção, é mais um dos pequenos charmes de Paris - When It Sizzles.

Em resumo, para quem é fã de Audrey Hepburn, esta é uma obra deliciosa e leve, capaz de fazer o seu dia ficar mais feliz. Também há algum atrativo para quem gosta das produções da época (o começo da década de 1960, para ser mais precisa) e quer um olhar sobre a indústria cinematográfica daquele período – que, aliás, vivia um período de crise, com queda de audiência provocada pela ascensão da televisão.

Porém, como eu espero já ter esclarecido, Paris - When It Sizzles não é um filme brilhante. Eu, inclusive, não me surpreenderia se essa história tivesse se originado justamente de um bloqueio criativo vivido por algum de seus roteiristas.

Apesar das “acusações” de verborrágico e cansativo, Aaron Sorkin tem constantemente escrito alguns dos melhores e mais consistentes roteiros que Hollywood viu nos últimos anos. Sua estreia na direção seguiu o mesmo caminho, novamente contando uma história baseada em acontecimentos reais e com uma protagonista inteligente, mas controversa. Lembrando que Molly's Game foi desenvolvido a partir do livro da própria Molly Bloom e, dessa forma, o enfoque dado à protagonista e sua moralidade deve ser encarado com um grão de sal.

A trama, basicamente, envolve a ascensão e a queda de Molly Bloom (Jessica Chastain). Vinda de uma família de pessoas ricas, inteligentes e de grande sucesso na vida, ela tinha uma carreira relativamente bem-sucedida no esqui até que um acidente a tirou das competições de renome. Antes de ingressar em uma faculdade renomada e seguir a vida, porém, ela resolveu tirar um ano sabático que mudou a sua vida.

O que aconteceu nesse período a levou não apenas a conhecer o pôquer, mas a organizar encontros periódicos entre grandes apostadores – a princípio, tudo dentro da legalidade (ao menos de acordo com ela). Com o tempo, no entanto, ela se envolveu com pessoas perigosas e acabou sendo acusada de crimes federais em um processo envolvendo a máfia russa. O filme conta a história desse processo, por meio da relação de Molly com seu advogado, Charlie Jaffey (Idris Elba).

Essa trajetória, contada por meio de flashbacks, mostra uma transformação interessante da protagonista, algo que Chastain tira de letra. Molly vai de uma jovem ambiciosa para uma mulher de negócios firme, até que começa a escorregar em seus próprios sonhos de grandeza e perde a noção do objetivo de tudo aquilo. Mesmo em um jogo tão arriscado quanto o dela, seus erros se repetem, mostrando falhas em sua visão estratégica que ela tem dificuldades em corrigir.

Mas, por mais que a protagonista seja muito interessante, sua história não deixa de ser um tanto quanto anticlimática – como a “vida real” tende a ser. Por mais que a relação familiar e os atritos com o pai (Kevin Costner) tragam um tempero próprio ao filme, isso não acrescenta muito à trama. Já a relação com alguns dos apostadores mais relevantes (Michael Cera, Chris O'Dowd e outros) serve para levar a trama adiante e mostrar as motivações por trás das decisões da protagonista, com pouco desenvolvimento real dos personagens secundários.

Em resumo, Molly’s Game é totalmente focado em sua personagem principal. Se você – assim como eu – não comprou totalmente a versão dela da história, fica a sensação de que algo importante está faltando. Porém, Aaron Sorkin consegue disfarçar isso muito bem, construindo sua narrativa por meio de uma série de anedotas. O filme tem um bom ritmo e os diálogos não param – para o bem ou para o mal –, mantendo a atenção do espectador focada em cada novo desdobramento da história.

De qualquer forma, como um veículo para Jessica Chastain poder brilhar, Molly’s Game é perfeito e funciona muito bem. Para mim, ao menos, isso já é o suficiente para perdoar a falta de um perfil mais crítico em relação à protagonista.

Outras divagações:
The Social Network
Moneyball
Steve Jobs

Brad Pitt frequentemente repetiu em entrevistas que não se importa se nunca receber uma estatueta do Oscar – bom, tecnicamente, ele já possui uma, como produtor de 12 Years a Slave. Ainda assim, ele nunca esteve tão próximo do prêmio por atuação quanto este ano, tendo entregado excelentes performances em Once Upon a Time... in Hollywood e em Ad Astra, que passou praticamente despercebido nos cinemas brasileiros (e de boa parte do mundo).

O motivo da falta de interesse do público não é exatamente um mistério. A princípio, Ad Astra lembra muitos “filmes de espaço” considerados chatos ou inacessíveis por muita gente, daqueles marcados por uma jornada solitária e um lado visual impactante. E ele é isso mesmo, sem tirar nem pôr e sem nunca esconder esse fato. Ainda assim, a produção não é exatamente sobre as situações encontradas fora do planeta Terra e, com algumas adaptações, poderia se passar tranquilamente em qualquer outro lugar.

Em um futuro onde viagens comerciais à Lua são uma realidade e há populações humanas com gerações nascidas em outros planetas, Roy McBride (Pitt) é um astronauta renomado e bastante dedicado. Ele é conhecido por seu próprio trabalho e, também, por ser o filho de um grande astronauta e cientista (Tommy Lee Jones), falecido quando ele ainda era uma criança.

Embora tenha vivido recentemente uma tragédia em uma estação espacial e seja assombrado pelo fim de seu relacionamento com Eve (Liv Tyler), McBride passa facilmente pelos frequentes testes psicológicos impostos por seu trabalho – talvez facilmente demais. Porém, seu estado mental será realmente testado em sua próxima missão: tentar se comunicar com seu pai, que pode ainda estar vivo, mesmo 30 anos após seu desaparecimento.

No processo, ele precisa enfrentar suas próprias memórias e a imagem que tem do pai, sendo inesperadamente ajudado por Helen Lantos (Ruth Negga), a ressentida filha de colegas da missão de seu pai. Ao mesmo tempo, ele também passa a questionar seus superiores, sua lealdade ao trabalho, os objetivos reais da missão e quem realmente é Clifford McBride.

Para contar essa história, Ad Astra aposta fortemente em seu protagonista. Somos guiados por uma narração feita por Pitt, que acrescenta uma nova camada de interpretação sobre a imagem do homem aparentemente frio e calculista que vemos na tela. Além disso, em vez da profusão de planos abertos mostrando a beleza do espaço, passamos a encontrar cada vez mais closes e imagens de ambientes claustrofóbicos (eventualmente acompanhadas por muita tecnologia e imagens de um grande vazio).

Assim, não é à toa que muito se falou em um Oscar para o ator. É ele quem segura as duas horas do longa-metragem, mantendo o espectador atento aos detalhes que o diretor e roteirista James Gray vai apresentando aos poucos. Afinal, esse não é um filme de ação ou de grandes emoções. O ritmo não é de forma alguma lento e sempre há algo importante acontecendo, mas a construção da narrativa acontece passo a passo, sem exatamente a preparação para um momento catártico – embora a crescente pressão sobre o protagonista também tenha suas consequências.

Aliás, são as cenas mais físicas que me trouxeram uma “sensação ruim” em relação a Ad Astra e eu me questiono se elas realmente precisavam acontecer desta forma. São nestes momentos que o protagonista se distancia do público e mostra que ele mesmo não é uma pessoa com a qual o espectador pode se identificar. Ao mesmo tempo, elas também deixam claro que há algo de errado com todo o “sistema” e com as tais avaliações psicológicas.

A seu modo, Ad Astra é uma produção sobre uma jornada e a busca de significados, sendo profundo, filosófico, bonito e triste, exatamente como deveria ser. É um filme que merecia uma recepção mais acalorada do pública, mas que deve alcançar seus adoradores aos poucos. Assim, espero que, assim como outros que o antecederam na “exploração especial com significados ainda mais profundos”, ele também não seja esquecido.

Outras divagações:
The Lost City of Z