O Oscar de Melhor Animação é um prêmio estranho. Em 2006, Hauru no ugoku shiro e Corpse Bride estavam na disputa, mas quem levou a estatueta para casa foi Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, que é relativamente pouco conhecido por aqui. A produção inglesa, feita em spot motion, tinha a seu favor o fato de contar com personagens já conhecidos – a primeira aparição, A Grand Day Out, foi lançada em 1989 – e que chegavam ao mundo dos longas-metragens já como ícones de relevância cultural. Ainda assim, trata-se de um filme mais singelo que seus concorrentes (o que de forma alguma o desmerece).

A história, escrita e dirigida por Steve Box e Nick Park, é bem divertida e sabe brincar com a narrativa infantil. Wallace (Peter Sallis) e seu cachorro Gromit possuem uma empresa de controle de pestes em uma cidadezinha onde os moradores são extremamente dedicados ao cultivo de vegetais em seus quintais. Basicamente, o trabalho consiste em capturar coelhos, que eles levam para casa e alimentam (e mantêm em condições questionáveis, mas vamos tentar ignorar isso).

Um determinado dia, Wallace – que também vive inventando engenhocas – faz um experimento onde tenta fazer uma lavagem cerebral em um coelho para que ele não goste mais de vegetais. E, não é exatamente uma coincidência, mas um monstro terrível começa a atacar seus estimados clientes sem que ele consiga fazer nada para impedir.

Como se não bastasse, falta pouco para o dia mais importante do ano: a competição de vegetais gigantes, realizada na propriedade da adorável Lady Campanula Tottington (Helena Bonham Carter). Assim, a dupla de protagonistas precisa não só enfrentar a nova ameaça como lidar com a ‘concorrência’ de Victor Quartermaine (Ralph Fiennes), um caçador que está tentando impressionar a nobre dama.

Obviamente, quem realmente tenta resolver todas as encrencas é Gromit, o que faz parte da graça desse tipo de história. Além disso, como um bom exemplar do humor inglês, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit sabe rir de si mesmo e ser bobo. O filme baseia boa parte de suas piadas mais nas idiossincrasias das pessoas do que na trama, aproveitando para enfatizar características de seu país de maneira bastante caricata, mas, ainda assim, divertida.

Além disso, há muito para ser visto nos detalhes (entre os meus favoritos estão os nomes científicos presentes no livro de monstros). O visual é tremendamente atrelado à técnica de animação e aos materiais utilizados – sim, é possível ver a impressão digital dos animadores nos bonequinhos –, dando à produção um ar datado, mas absolutamente adorável e pessoal. Afinal, você enxerga todo o esforço envolvido.

Para as crianças, trata-se de uma história bonitinha e que funciona. É uma aventura simples, com personagens divertidos e uma reviravolta interessante. Para os adultos, há todo um mundo de nostalgia a ser explorado, isso sem contar as inúmeras referências e piadas que demandam uma interpretação um pouco mais aguçada. Mas há algo mais. O filme tem uma linguagem singela e divertida, que une gente grande e pequena em um clima de otimismo e delicadeza, sem escatologias ou qualquer tipo de grosseria.

Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, em resumo, é a versão para cinema de uma ‘comfort food’.

A adolescência é uma parte fascinante da vida. Não só pelo que ela representa na formação de uma pessoa, mas também sobre como o ambiente passa a ter um papel ainda mais forte nessa formação. Em Dope, por exemplo, os personagens já tem plena consciência de que não é fácil crescer em um dos bairros mais violentos de Los Angeles, mas eles vivem com isso e desenvolvem suas próprias estratégias – incluindo uma boa dose de nerdice e uma certa obsessão com o hip-hop dos anos 1990.

Malcolm (Shameik Moore) é um rapaz negro e relativamente tímido, que sabe bem as regras das ruas e as usa para desviar do perigo. Como nem sempre isso é possível, em uma tarde qualquer, ele acaba virando mensageiro do traficante local, Dom (ASAP Rocky), que quer convencer sua namorada, Nakia (Zoë Kravitz), a ir em uma festa. Como recompensa, Malcolm e seus dois melhores amigos – Diggy (Kiersey Clemons) e Jib (Tony Revolori) – também são convidados para as comemorações. E, obviamente, algo dá errado.

Como se não bastasse a correria na saída da festa, Malcolm descobre que um revólver e uma grande quantidade de drogas foram colocadas dentro de sua mochila. Inicialmente, ele parece disposto a simplesmente entregar tudo para o primeiro interessado que aparecer, mas Dom – diretamente da delegacia – o coloca em mais uma missão. Mas o rapaz se vê ainda mais enrolado quando percebe que essas drogas podem ficar no caminho entre ele e uma vaga em uma boa universidade.

Como a história é cheia de idas e vindas, acho melhor deixar a maior parte dos detalhes de fora para não estragar a experiência. Dope consegue brincar com as expectativas do público sobre o gênero, criando uma divertida aventura sobre amadurecimento, amizade e planos adolescentes mirabolantes que parecem estar sempre prestes a dar errado. Só não espere um comentário social pesado e dramático. Ele até existe, mas o filme optou por não se concentrar nisso.

De qualquer forma, o longa-metragem é bem competente em retratar o presente (tecnologia é o que não falta) e em misturar as coisas. Afinal, esse não é um ‘coming of age’ tradicional, pois puxa elementos tanto de histórias adolescentes despretensiosas dos anos 1980 e 1990 quanto de tramas mais intrincadas, com grandes planos para assaltos e golpes. No final das contas, a trajetória dos personagens os transforma como pessoas, mas esse não é exatamente o cerne da questão como um todo.

Assim, o que diferencia Dope de outros filmes sobre crescer em bairros barra pesada e/ou em tempos perigosos, é a absoluta leveza com que o assunto é tratado. O protagonista se envolveu em tudo isso por um acidente e lida com os desafios da melhor forma possível, evitando endurecer a si mesmo. O público de qualquer lugar pode se simpatizar com a situação e até mesmo se imaginar naquela situação absurda. Eu, pelo menos, sei que não conseguiria ter o jogo de cintura de Malcolm e seus amigos.

Aliás, preciso mencionar que o diretor e roteirista Rick Famuyiwa deu a seus personagens uma camaradagem incondicional. Eles estão juntos durante toda a confusão, mas essa é uma parceria que já vem de longa data. Eles ouvem as mesmas músicas, vestem-se da mesma forma e sonham (quase) os mesmos sonhos. Mesmo quando eles discordam, a amizade prevalece – e, não sei vocês, mas eu acho muito legal ver isso.

Dope, para completar, é muito bem embalado (os créditos, aliás, são ótimos). Além das canções que os personagens ouvem, o longa-metragem contou também com algumas músicas inéditas, escritas por Pharrell Williams (que, assim como o narrador Forest Whitaker, também produziu do filme). Ou seja, é uma diversão em muitas camadas.

A tanto tempo relegada a um papel coadjuvante – ou meramente figurante – nos grandes dramas do cinema, a empregada doméstica começou a ser olhada com outros olhos por uma nova geração de cineastas, especialmente na América Latina, marcada por seus fortes contrastes sociais. No Brasil, por exemplo, já tivemos o excelente Que Horas Ela Volta?, lançado em 2015.

Mais do que uma “moda”, a escolha dessa figura como protagonista enfatiza uma mudança, uma nova forma de encarar o mundo. Aos poucos, as babás e empregadas domésticas deixaram de fazer parte da vida da classe média – ela própria, redefinida pelos novos tempos. Embora muitos tenham alegado que “ela praticamente faz parte da família”, deve se dar ênfase na palavra “praticamente”, algo que esses retratos de um tempo que não volta mais estão se esforçando em esclarecer.

Roma, por exemplo, é fortemente baseado nas lembranças de Alfonso Cuarón, que escreveu, dirigiu, fotografou, editou e produziu o longa-metragem. O filme também é dedicado a Liboria Rodríguez, que ainda faz parte da família do cineasta. Com isso em mente, a estética em preto e branco não surpreende, dando à produção um aspecto nostálgico e focado no mundo interior dos personagens, sem a distração das cores. A maior parte das sequências é longa, dando tempo ao tempo, e fugindo do ritmo frenético dos blockbusters. É uma mudança de ritmo um pouco incômoda, mas acalentadora.

A história é um recorte da vida de Cleo (Yalitza Aparicio). No México, durante os conturbados anos 1970, ela trabalha na casa de uma família com três filhos. Muito apegada às crianças, ela é bastante discreta em relação às conversas que houve e sempre trabalha em silêncio, quebrado apenas por um radinho. Quando está de folga, ela gosta de passear com sua colega de trabalho (Nancy García García) e com o namorado, Fermín (Jorge Antonio Guerrero), mas uma gravidez inesperada acaba abalando o relacionamento.

Assim, enquanto Cleo precisa lidar com o drama de sua própria vida, ela também acompanha os acontecimentos da casa. O mais marcante deles é o fato de que sua patroa, Sofía (Marina de Tavira), está tentando manter uma aparente normalidade em meio à ausência do marido (Fernando Grediaga).

A relação entre essas duas mulheres, a maneira como elas lidam com suas situações particulares e a ressonância entre as duas histórias é um dos pontos mais interessantes de Roma. Ambas possuem trajetórias difíceis, fazem suas próprias escolhas e precisam lidar com o que se segue, navegando por um mundo onde as atitudes dos homens parecem livres de quaisquer consequências (segundo o diretor, o filme é um tributo às mulheres de sua vida). Com isso, as mudanças no comportamento de Sofía ganham em dimensão, ampliando a própria personagem.

Roma ainda ganha uma dimensão especial pela forma como foi realizado. Em busca de reações naturais, Cuarón optou por não revelar o roteiro a seu elenco, trabalhando a evolução da história um dia por vez e até mesmo dando instruções contraditórias para os atores. Com isso, o filme ganha em sutileza, nunca assumindo o tom melodramático que uma história como essa poderia ter. Cleo, por exemplo, poderia somar todos os acontecimentos para um grande desabafo final, mas seu momento catártico é quase inaudível, tão discreto e simultaneamente poderoso quanto ela mesma.

Só é uma pena que, nos dias de hoje, uma obra tão bonita e delicada como essa tenha pouco espaço nas salas de cinema. Roma foi feito para que suas personagens tenham uma dimensão (literalmente) maior e de uma forma que sua fotografia em preto e branco revele detalhes que passariam despercebidos em outro contexto. Ainda assim, foi na Netflix que o longa-metragem encontrou sua casa e chegou até a minha.

É um pouco triste que o mundo tenha que mudar, mas é bom que isso aconteça.

Outras divagações:
A Little Princess
Harry Potter and the Prisoner of Azkaban
Children of Men
Gravity

Houve um tempo, no início da década de 1990, que o mercado ocidental não tinha ideia algum do que um mangá era. Aqueles estranhos quadrinhos japoneses com traços expressivos e dinâmicos eram desconhecidos pelo grande público, ficando relegados a um punhado de entusiastas que viam neles coisas radicalmente diferentes dos materiais que eram produzidos pelos norte-americanos no mesmo período.

Mas, ainda que não ostentassem muita popularidade entre o grande público, algumas obras acabaram sendo seminais para toda uma geração de artistas e fãs que tiveram contato com o punhado de coisas que conseguiu aportar em terras ocidentais. Dentre essas, Akira e Ghost in the Shell são, sem dúvidas, as mais famosas. Porém, Gunnm, do mangaká Yukito Kishiro, é outra obra do cyberpunk japonês que, mesmo sem a fanfarrara, conseguiu capturar a imaginação de gente como James Cameron e Guillermo del Toro.

Não é à toa que o primeiro vem planejando uma adaptação cinematográfica da obra desde o início dos anos 2000; assim, mais de quinze anos separam os primeiros rumores do lançamento de Alita: Battle Angel. Entretanto, em vez de ser dirigida por Guillermo del Toro, como se cogitava inicialmente, a produção ficou nas mãos de Robert Rodriguez, que também tem experiência com o tipo de ação estilosa que essa obra precisa.

O filme, aliás, apesar de carregar o nome ocidental da obra e fazer concessões ao público americano, continua relativamente fiel ao material original. Tal como nos quadrinhos, a história se passa no século 25, depois que uma grande guerra destruiu todas as cidades flutuantes da terra, com exceção de Zalem, o último reduto dos ricos e poderosos da humanidade.

Embaixo de Zalem está o imenso ferro-velho conhecido como a Cidade da Sucata; e é lá que o médico e engenheiro Dyson Ido (Christoph Waltz) encontra o que parece ser os restos de uma ciborgue desativada. Ele a leva para casa e a reconstrói, mas, infelizmente, ela não se lembra de seu passado, de modo que Ido acaba a nomeando de Alita (Rosa Salazar).

Porém, há mais sobre Alita do que é mostrado inicialmente: sua atitude e aparência adolescente é colocada em xeque quando ela demonstra ter força e capacidade de combate muito acima do normal. Isso atrai a atenção de gente como o inescrupuloso Vector (Mahershala Ali), que comanda um circuito de Motorball, esporte perigoso que mistura combate e patinação.

Tendo que lidar com a afeição e os sentimentos conflituosos do ambicioso sucateiro Hugo (Keean Johnson) e a perseguição de oponentes como o mercenário Zapan (Ed Skrein) e o criminoso Grewishka (Jackie Earle Haley), Alita vai aprendendo mais sobre si mesma, seu passado e o mundo que a cerca. Dessa forma, ela amadurece e descobre o que é ser humana em um futuro de máquinas e ciborgues.

Assim, o maior pecado de Alita: Battle Angel é justamente tentar condensar décadas de exposição e personagens em um filme de duas horas. Ainda que se atenha mais aos três primeiros volumes do mangá e aos dois episódios lançados para vídeo em 1993, o filme tenta contextualizar e estabelecer seu cenário com os olhos em uma possível franquia.

Com isso, a produção insere dados e informações que só viriam a ser revelados muito mais à frente na trama, dando a impressão de um roteiro um pouco inchado e desencontrado, que tem medo de ser sutil. A quantidade absurda de locais, personagens e acontecimentos joga o ritmo do filme para o alto e faz com que ele pareça ter bem mais do que o seu tempo de duração, sendo o bastante pra deixar qualquer um confuso – ou desinteressado.

Mesmo assim, como adaptação, o longa-metragem é bastante competente e dá pra ver que os envolvidos realmente gostam do material original. O filme é tão fiel quanto pode ser uma obra voltada ao público estadunidense: foram alterados a nacionalidade e o nome de alguns dos personagens (inclusive da protagonista), mas sem os exageros constrangedores que Ghost in the Shell cometeu, por exemplo.

Em Alita: Battle Angel, alguns acontecimentos são mudados de ordem em relação à obra original e existem explicações diferentes sobre o passado de alguns personagens. O próprio Motorball – uma marca da franquia, mas que não está presente em seu início –, é mostrado antecipadamente para já situar os espectadores daquele universo.

Nestas mudanças, quem sai ganhando é Ido. Afinal, Christoph Waltz é um ator muito competente e ele acabou ganhando um material mais interessante para trabalhar do que o que havia no personagem original, pois o filme enfatiza um pouco seu aspecto paternal.

Quanto a própria Alita, bom, ela se encontra em uma posição complicada. Entendo que o objetivo era fazer uma personagem que começasse mais ingênua e maravilhada com o mundo e, progressivamente, fosse amadurecendo em vista da brutalidade que a cerca. Contudo, acho que a movimentação entre os extremos foi um pouco brusca demais, o que deixa o filme com um cara de ‘coming of age’ mal resolvido; mas, pelo menos, esse não era mesmo o foco.

Como Gunnm é uma série que, em minha opinião, é mais estilo que substância, a simplificação de certos conceitos acaba não pesando muito. No geral, considero que a adaptação foi competente e respeitosa, mesmo com a decisão tremendamente questionável de alterar digitalmente os olhos de Rosa Salazar – o que denota, talvez, uma interpretação esquisita do papel dos olhos no traço original do autor (que, diga-se de passagem, nunca desenhou a protagonista de modo distinto de qualquer outra personagem). Mas, pelo menos, isso ajuda a dar uma identidade visual forte ao filme.

Falando em visual, o mesmo se aplica a Cidade da Sucata, com um senso de decadência e destruição que faz jus ao mangá. Dito isso, o filme até tenta vender a cidade como uma metrópole cosmopolita de refugiados, mas é meio limitado em suas ambições de mostrar diversidade – ainda mais por não ter nenhum asiático no elenco de uma obra asiática, o que é um pouco incomodo.

De qualquer modo, a ação também é interessante e com bastante estilo, sem medo do exagero. O filme usa bem a ambientação para entregar coisas diferentes, já que tem muita gente que não necessariamente respeita os padrões anatômicos humanos. Ou seja, ainda que seja tudo em computação gráfica, pelo menos é uma boa computação gráfica.

No final das contas, Alita: Battle Angel talvez seja a primeira adaptação para live action de um quadrinho japonês que consegue ser relativamente fiel e, também, um filme decente por si só. Entendo que o visual exagerado e a temática excessivamente fantástica podem não combinar bem com o palato de todos os espectadores, mas é bem surpreendente que esse filme tenha saído do jeito que saiu – sem muitas concessões.

Obviamente, o filme peca um pouco em sua narrativa, jogando responsabilidade demais em sua ambientação e na possibilidade de uma sequência para manter o espectador interessado. Porém, considerando o desastre que a produção poderia ser, saí do cinema mais do que satisfeito. E, agora, certamente daria meu voto de confiança para ver outro capítulo da saga de Alita. 

Outras divagações:
Machete
Sin City: A Dame to Kill For

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Vamos tirar uma coisa do caminho: The Lego Movie talvez tenha sido uma das coisas mais interessantes e importantes no cenário de animação americana na última década. É difícil lembrar de outra produção do mesmo período que tenha tido a mesma relevância popular e o mesmo reconhecimento crítico. Ainda que tenha sido injustamente deixado de fora do Oscar naquele ano, o longa-metragem catapultou uma série de filmes e colocou a Warner Animation Group no mapa.

Mesmo assim, pessoalmente, eu nunca achei que uma continuação direta fosse uma boa ideia, preferindo que a franquia migrasse para outros filmes – como The Lego Batman Movie – ainda que ‘importando’ o mesmo tipo de humor e de técnica para outro tipo de história. Afinal, tentar emular o sucesso do filme original talvez fizesse mais mal do que bem.

Digo isso porque boa parte do que torna The Lego Movie tão interessante está nas boas surpresas do filme, que mistura a estética com um subtexto que torna o resultado emocional em algo maior do que estávamos acostumados a ver em uma animação desse tipo. Então, sinto que qualquer tentativa de recapturar essa mágica iria esbarrar no fato de que sabemos exatamente o que esperar.

Pois bem, não é como se os executivos da Warner fossem me escutar, já que o filme que deu o pontapé na franquia foi um sucesso e a continuação conseguiu segurar Phil Lord e Christopher Miller no roteiro – aliás, eles também são os responsáveis pela outra coisa mais interessante no cenário da animação nos últimos anos, Spider-Man: Into the Spider-Verse. Realmente, não havia motivo para não levar o projeto a cabo.

Esses cinco anos de distância entre os lançamentos são reconhecidos dentro de The Lego Movie 2: The Second Part, que segue do ponto em que o filme anterior havia nos deixado. Após uma estranha invasão de criaturas alienígenas que destrói a cidade onde Emmet (Chris Pratt) vive, ele e seus amigos – Lucy (Elizabeth Banks), Batman (Will Arnett), Unikitty (Alison Brie) e MetalBeard (Nick Offerman) – transformam o mundo em um gigantesco deserto pós-apocalíptico à la Mad Max.

A situação fica ainda mais complicada com a chegada da General Mayhem (Stephanie Beatriz), uma emissária de outro mundo que pretende levar o relutante grupo até a rainha Watevra Wa'Nabi (Tiffany Haddish). Isso faz com que Emmet – que lutava para se adaptar à nova vida – seja o responsável por resgatar os demais e impedir um possível evento cataclísmico.

Assim, meu grande medo de que o filme fosse ‘mais do mesmo’ não se mostrou exatamente infundado e, definitivamente, falta o frescor e o senso de maravilhamento do título anterior. Muitos dos elementos que me surpreenderam no primeiro filme – como as referências a cultura pop, as músicas grudentas e a metalinguagem em relação ao fato de serem todos brinquedos – continuam aqui. Porém, dessa vez, você entra na sala de cinema esperando que eles estejam lá, o que torna tudo menos interessante e único.

Para completar, The Lego Movie 2: The Second Part parece preferir jogar seguro. O filme está preso demais às amarras do seu predecessor e talvez acabe sendo um pouco mais bobo e simples do que eu esperava de início, o que é um critério injusto, ainda que inevitável.

Mas isso não quer dizer que o filme deixe de ser extremamente competente no que faz. Visualmente, tudo continua sendo um deleite e há alguma experimentação com texturas, materiais e padrões diferentes. Toda a maneira como os personagens são animados continua me deixando boquiaberto, ainda que o escopo um pouco mais limitado em termos de cenários e de espaços torne o universo um pouco menos vibrante e variado do que eu gostaria. Por sua vez, o uso do 3D continua sendo bacana e aproveita bem a natureza tridimensional do espaço em que os personagens estão. Isso, entretanto, não é exatamente impressionante ou indispensável, mas apenas uma adição interessante.

O roteiro continua bom, mesmo sem todas as surpresas, com um humor para todas as idades e algumas novidades simpáticas, como os vários e divertidos números musicais (os créditos ganharam um tratamento bem legal). Além disso, o filme expande ainda mais a sua meta-narrativa, arriscando-se a falar de coisas diferentes e em um esforço contínuo para quebrar várias expectativas que temos em relação a esse tipo de história, o que inclui questões de representação de gênero e o que consideramos o papel de um herói clássico. Infelizmente, pela própria natureza de sua trama, admito que The Lego Movie 2: The Second Part não me capturou emocionalmente como o original havia feito, mas tenho certeza que ele vai ressoar bastante com algumas pessoas.

Para completar, não tive a oportunidade de ver o filme com o áudio original, já que mais uma vez o Brasil é vitimado pela presunção de que não há espaço para cópias legendadas desse tipo de produção. É uma pena, pois, mesmo tendo uma boa dublagem, bastante coisa se perde na adaptação, já que o humor do filme se usa muito de jogos de palavras. Aliás, até mesmo a métrica das músicas fica prejudicada na tradução. Ou seja, tal como aconteceu com os outros filmes da franquia, essa é uma produção que pretendo rever com o áudio original no futuro.

Assim, ainda que The Lego Movie 2: The Second Part não seja uma novidade bombástica e empolgante, ele é um filme agradável e que não foge muito do que tornou o anterior divertido, devendo agradar quem já gostou dos títulos anteriores. Ao mesmo tempo, eu estava esperando por mais: faltou um pouco de coragem para tratar os de modo diferente ou de amadurecer a discussão.

Não sei se o estúdio pretende continuar a história de Emmet e seus amigos, porém, se essa for uma pretensão real, vai ser necessário um pouco mais de ousadia e risco para transformar a produção em algo verdadeiramente especial.

Outras divagações:
The Lego Movie
The Lego Batman Movie
The Lego Ninjago Movie

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle