De todos os longas-metragens animados da Disney que receberam novas versões nos últimos anos, acredito que The Lion King seja um dos projetos mais estranhos – afinal, ele continua sendo uma animação (aparentemente, tem gente que questiona isso, mas não é como se tivesse sido realizada uma captura de movimentos e expressões dos atores). De qualquer modo, nessa refilmagem, saem a profusão de cores e as expressões antropomorfizadas e entra um visual mais realista, dando um ar de Discovery Chanel para a produção. Ao mesmo tempo, seguem as canções e toda a lógica humana de um reino hereditário.

A história também é a mesma, sem qualquer alteração drástica (mudaram algumas falas aqui e ali, mas nada demais). Mas como grande parte do apelo do filme é a nostalgia e a trama não deixa de ser ótima – puxando muito de Hamlet –, isso não é nenhum problema.

Basicamente, The Lion King acompanha a jornada de Simba (JD McCrary e Donald Glover), um príncipe dos leões que perde o pai (James Earl Jones) muito cedo e se culpa pelo ocorrido. Instigado por seu tio Scar (Chiwetel Ejiofor), ele foge e acaba passando boa parte da vida na companhia do suricate Timon (Billy Eichner) e do javali Pumbaa (Seth Rogen), que têm uma filosofia de vida sem responsabilidades ou compromissos. Porém, o peso do que ele deixou para trás nunca realmente abandona o jovem leão.

Como talvez dê para perceber pelos parênteses acima, uma das grandes atrações do filme é a nova dublagem – a anterior já tinha nomes ótimos, mas tudo bem. Eu, particularmente, me diverti muito com John Oliver como o pássaro Zazu, o braço direito do rei. Ainda assim, suponho que um dos principais chamarizes seja a presença de Beyoncé como Nala, a amiga de infância e interesse romântico de Simba. A cantora, inclusive, está em uma música adicional que não acrescenta muito à história, mas também não incomoda.

Com isso, The Lion King faz uma coisa muito interessante: renova um filme para o mesmo público da produção original. Quem já gostava da história, pode revivê-la com uma nova roupagem, mais moderna, aproveitando para discutir as mudanças que funcionaram e as que não caíram tão bem. No meu caso, achei que a dinâmica entre leões e hienas e a questão da sucessão ao trono ficaram mais bem resolvidas; ao mesmo tempo, fiquei com saudades da versão anterior da música Be Prepared.

Porém, não sei muito bem como o longa-metragem funciona para o imaginário infantil. O visual é lindo e a história segue sendo dramática, mas a falta de expressividade dos personagens e a seriedade de tudo o que está na tela talvez sejam um pouco demais. Inclusive, no Brasil o filme recebeu classificação etária para 10 anos, indicando que as crianças pequenas devem ficar de fora das salas de cinema.

Aliás, é muito difícil imaginar como seria a recepção de alguém tendo contato com essa nova produção sem poder compará-la com o filme de 1994. Claro que o diretor Jon Favreau se esforçou muito para trazer algo que funcione por si só (e, sinceramente, ele fez um ótimo trabalho com iluminação, ângulos de câmera e a direção de dublagem), mas há algo complicado de engolir na mistura entre um visual realista de animais, canções e uma trama que mistura dilemas muito humanos com a dinâmica do reino animal. Basicamente, o que funciona em uma animação que se propunha a ser uma espécie de conto de fadas para as crianças dos anos 1990 não exatamente se adequa a essa nova proposta.

Ao mesmo tempo, o que se adequaria? Se The Lion King tivesse cortado as canções ou transformado o conflito em algo que realmente aconteceria com um grupo de leões, o filme teria desperdiçado elementos que são absolutamente mágicos e perderia todo o sentimento de nostalgia. Mesmo que o resultado ficasse bom, muita gente odiaria alterações desse tipo em um material tão vinculado à memória emocional.

Assim, sob muitos aspectos, talvez fosse melhor que esse projeto nunca tivesse saído do papel. Porém, a Disney segue fazendo bastante dinheiro com novas versões de suas histórias consideradas clássicas – e nós seguimos indo ao cinema, alimentando com pipoca a criança que vive dentro de nós. Além disso, essa acabou sendo uma boa oportunidade para que uma nova geração tenha contato com essa história, muitas vezes realmente por meio da animação de 25 anos atrás (convenhamos que sai caro levar a família toda para o cinema!).

Para completar, o filme representou uma oportunidade excelente para que fossem testadas novas tecnologias de animação, quebrando barreiras sobre o que pode e não ser pode ser feito em um filme desse tipo. Sinceramente, eu gostaria muito de, agora, ver uma história original com animais realistas cantando músicas inéditas.

Outras divagações:
Iron Man
Iron Man 2
Cowboys & Aliens
Chef

Sabe quando você passa por uma situação muito maluca e alguém comenta “Nossa, isso daria um filme!”. Pois bem, se você é Woody Harrelson, dá para simplesmente fazer o tal filme (inclusive aumentando alguns pontos).

Lost in London conta a história de um dia infeliz na carreira de um ator estadunidense (Woody Harrelson, interpretando a si mesmo). Em 2002, ele não está em um dos melhores momentos da carreira e participa de uma peça dramática de “pouco sucesso” em Londres. Para completar, ele acaba sendo fotografado por um paparazzo em uma situação que coloca seu casamento em risco.

Assim, após uma discussão com sua esposa, Laura (Eleanor Matsuura), ele precisa esfriar a cabeça pelas ruas da cidade, o que envolve sair para beber com um príncipe árabe (quem nunca, não é mesmo?). Porém, ele acaba se envolvendo em uma briga com seu melhor amigo (Owen Wilson) e com um taxista (Ricky Champ), indo parar na cadeia. O incidente, além de piorar a situação com a esposa, ainda coloca em risco a visita de suas filhas ao set de filmagem de Harry Potter and the Chamber of Secrets.

Dessa forma, o filme é – basicamente – uma sucessão de situações absurdas, que incluem até mesmo uma ligação telefônica para Bono e alucinações envolvendo Willie Nelson, para não falar da falta de noção geral e de uma série de abusos por parte das autoridades. O efeito geral é cômico, mas também há uma sensação de agonia, já que o andamento das coisas e a forma como o longa-metragem foi filmado lembram um pesadelo (nada pesado, mas incômodo mesmo assim).

Aliás, as filmagens foram feitas de uma forma bem curiosa e Lost in London foi anunciado como “o primeiro filme ao vivo do mundo”. Basicamente, a produção foi gravada em ordem, com uma única câmera, enquanto tudo era exibido praticamente em “tempo real” em alguns cinemas selecionados. Ou seja, dá para ver que tudo acontece na pressa e com uma boa dose de improviso, de modo que não dá para exigir demais.

E vamos combinar que, embora isso combine bastante com a história em si, a escolha foi bem arriscada. Inclusive, entre as coisas que não saíram como o esperado está uma cena em que Harrelson precisa ligar para o hotel onde está hospedado, mas não consegue se recordar do número. O diálogo em questão foi improvisado porque outro ator estava atrasado e eles precisavam ganhar tempo. Mas garanto que deu tudo certo!

De maneira geral, Lost in London funciona apenas por causa desse desespero intrínseco à história e a seu modo de produção. Afinal, trata-se de uma história maluca sendo contada de uma maneira divertida e tão louca quanto tudo o que acontece na tela. E, claro, o filme só existe porque Woody Harrelson sabe rir de si mesmo, de sua (falta de) fama, de seus erros, de seus exageros e de seus vícios – ao mesmo tempo em que não minimiza o peso que essas coisas têm em sua vida e o estrago que elas são capazes de fazer.

Com isso, eu me arrisco a dizer que você não precisa ser um fã do ator para ver Lost in London, mas você vai apreciar bem mais se for. Há diversas referências a Cheers e White Men Can't Jump, além de uma menção meio assustadora a Natural Born Killers. Para completar, os diálogos envolvendo Owen Wilson são particularmente inspirados. Assim, o filme é divertido e original, ainda que, no final das contas, não deixe de ser apenas uma grande brincadeira.

Quando surgiu a moda de adaptações na literatura, com grandes clássicos ganhando elementos como zumbis, vampiros, ninjas, piratas e afins, eu admito que me diverti bastante (claro que a fórmula cansa, mas algumas ideias foram realmente brilhantes!). Um dos primeiros autores a explorar esse recurso foi Seth Grahame-Smith, e não demorou para que seus livros fossem para a tela do cinema. Para começar veio Abraham Lincoln: Vampire Hunter, mas minha primeira leitura do “gênero” não demoraria a dar surgir, com Pride and Prejudice and Zombies.

A história é a mesma do clássico livro de Jane Austen – ou quase. No filme, acompanhamos as cinco irmãs da família Bennet em plena Inglaterra do século 19. Porém, além de ambicionarem um bom casamento, elas também precisam pegar em armas e lidar com uma infestação de zumbis.

A irmã mais velha, Jane (Bella Heathcote), parece estar com tudo certo em seu caminho ao encontrar o jovem Bingley (Douglas Booth). Entretanto, ele se afasta inesperadamente, provavelmente seguindo um conselho de suas irmãs e de seu melhor amigo, o arrogante Darcy (Sam Riley). A situação é mais uma a incomodar a segunda irmã, Elizabeth (Lily James), uma moça que enfrenta com a mesma altivez as lutas contra os mortos-vivos e as ocasiões sociais da comunidade local. No entanto, seu mundo enfrenta uma reviravolta quando os avanços dos zumbis coincidem com a necessidade de rever seus conceitos (e sentimentos) sobre Darcy.

Com suas mudanças na trama original e a inclusão da ameaça zumbi, Pride and Prejudice and Zombies consegue fazer algo que muitas adaptações da história tentam sem sucesso: dar algo para os personagens masculinos mostrarem a que vieram. Mas não é como se Booth e Riley soubessem aproveitar a oportunidade. Os dois se perdem no tom do filme, parecendo querer entregar mais um romance em vez a aventura absurda prometida, com direito a Riley carregando em uma voz grave e arranhada para tentar dar um tom ameaçador e sombrio ao personagem (ele tentou, pelo menos).

Dessa forma, o filme acaba mesmo nas costas de Lily James – que até dá conta do recado – e da brincadeira visual de mostrar mocinhas inglesas altamente armadas e treinadas em artes marciais. Quem gosta da trama original e está disposto a comprar a ideia, pode se divertir sem muitas consequências.

No processo, algumas histórias paralelas quase não precisaram de alterações, como todo a chatice do primo das protagonistas, Collins (Matt Smith). Em contrapartida, as ações de Lady Catherine de Bourgh (Lena Headey) fazem bem pouco sentido – mas talvez seja melhor não pensar muito sobre isso. Também é preciso considerar que boa parte do livro de Seth Grahame-Smith foi simplificada em favor de uma grande batalha final, o que alterou consideravelmente a trajetória de George Wickham (Jack Huston) e, sinceramente, também acabou prejudicando a moral do próprio Darcy (novamente, talvez não seja lá muito bom refletir sobre motivações e estratégias).

Dito isso, Pride and Prejudice and Zombies funciona para quem está com saudades da história de Jane Austen e aceita que sejam feitas brincadeiras com ela (mas, sinceramente, o livro explora o recurso de uma forma mais interessante). Já quem não conhece o material, ou simplesmente não se importa com ele, vai encontrar um filme de zumbi com um contexto diferente e um romance meio atravessado (o que traz um absurdo cômico para a situação, convenhamos), sendo divertido o suficiente para merecer um balde de pipoca.

Outras divagações:
Charlie St. Cloud
Abraham Lincoln: Vampire Hunter

As noções de família e de casa são intrinsecamente ligadas na cabeça de uma criança pequena. A minha família, as pessoas que eu amo, são as pessoas que moram na minha casa. E, é claro, a chegada de um “intruso” abala um pouco essas estruturas.

Mirai no Mirai é a história de um menino que ganhou uma irmãzinha. Kun (Moka Kamishiraishi) tem aproximadamente três anos quando sua mãe (Kumiko Asô) deixa de ser exclusivamente sua e surge na casa uma bebê frágil e delicada, que apenas chora e ainda não sabe brincar. Para completar, as coisas mudam e agora é o pai (Gen Hoshino) quem passa o dia em casa, intercalando cuidados com a bebê, tarefas domésticas e trabalhos na frente do computador.

Passar por tudo isso é muito difícil para o protagonista, que vive essa transformação em sua vida com a ajuda de um subterfúgio mágico: uma árvore em seu quintal que o ajuda a conhecer melhor seus familiares. Entre eles estão uma versão infantil de sua mãe, seu bisavô já falecido (Masaharu Fukuyama) e até mesmo uma versão humana do cachorro da família (Mitsuo Yoshihara) – mas sua maior companheira é uma versão do futuro da própria Mirai (Haru Kuroki). Cada um deles, obviamente, tem algo a ensinar, ainda que o menino esteja realmente mais preocupado com seus trens de brinquedo e sua calça amarela favorita (e, claro, com voltar para casa).

De qualquer forma, ao mesmo tempo em que Kun vive suas aventuras, a família toda passa por mudanças. O casal está em constante atrito devido às mudanças na rotina familiar e toda a responsabilidade que um bebê envolve. A mãe está estressada com as pressões de trabalhar fora. O pai precisa lidar com uma série de novas responsabilidades, para as quais ele não estava preparado. O menino exige atenção das maneiras menos eficientes possíveis. Não é fácil para nenhum dos envolvidos, mas ao menos o cachorro parece estar resignado com a situação.

Mirai no Mirai, ainda que seja focado no imaginário infantil e traga o ponto de vista de Kun – que realmente se comporta (e se move) como uma criança, para o bem e para o mal –, consegue abarcar todo esse contexto de uma maneira bastante delicada e respeitosa. De alguma forma, o diretor e roteirista Mamoru Hosoda faz com que seja possível para o espectador se colocar no lugar de cada uma dessas pessoas, mesmo em situações de conflito direto. É uma empatia construída degrau a degrau.

Aliás, pequenas escadas são elementos importante nessa história. O pai dessa família é arquiteto e ele construiu uma residência muito própria para sua família, com uma série de níveis (a produção contratou um arquiteto de verdade para ajudar a elaborar a casa). As diferenças entre um ambiente e outro, a navegação dos personagens pela casa e até o alcance da visão de cada um é afetado pela construção. No mundo infantil, por exemplo, fica mais fácil perceber o que acontece lá embaixo. Os adultos, por sua vez, têm uma facilidade maior de deslocamento e não parecem olhar duas vezes para a tal árvore mágica.

Dito isso, tendo a acreditar que, no final das contas, Mirai no Mirai é mais um filme para adultos que precisam se lembrar de como é ser criança do que exatamente uma produção para crianças. As fantasias do protagonista são divertidas, mas as mensagens de amadurecimento que elas trazem talvez sejam complexas demais para os pequenos. Os maiorzinhos e adolescentes talvez se irritem um pouco com o comportamento absolutamente infantil (porém adorável à distância) de Kun. Restam, então, as pessoas saudosas de um tempo imperfeito de suas vidas, quando se sentiam (e efetivamente eram) incompreendidas, mas que era muito bom mesmo assim.

Outras divagações:
Samâ uôzu
Ookami kodomo no Ame to Yuki
Bakemono no ko

Não sei vocês, mas eu sempre fiquei um pouco em dúvida em relação ao grande final apresentado por Avengers: Endgame. Afinal, embora uma variedade de coisas importantes tenha mudado no universo cinematográfico da Marvel, muitos personagens devem simplesmente seguir seus caminhos. E eis que chega Spider-Man: Far from Home.

Como os trailers (aqueles com avisos de spoilers!) já indicavam, o longa-metragem se passa logo após a trama vivida pelo conjunto de heróis. Em uma incrível coincidência, não só Peter Parker (Tom Holland), mas também May Parker (Marisa Tomei), Ned Leeds (Jacob Batalon), MJ (Zendaya) e até mesmo Flash Thompson (Tony Revolori) haviam sido “apagados” pelo estalar de dedos de Thanos. Agora, cinco anos depois, todos seguem com suas vidas como se nada tivesse acontecido – ou quase isso, já que Peter ainda sofre bastante pelo destino de Tony Stark (Robert Downey Jr.), sentindo duramente o peso do legado de seu antigo mentor.

De qualquer modo, o jovem está disposto a tirar umas merecidas férias da vida de super-herói por meio de uma viagem escolar para a Europa. Porém, ele logo é recrutado por Nick Fury (Samuel L. Jackson), que busca por alguém que dê apoio a Mysterio (Jake Gyllenhaal), um herói de uma dimensão paralela que quer evitar que o planeta seja (novamente!) destruído. Segue-se a isso uma aventura cheia de paisagens europeias e muita correria, com o herói tentando proteger sua identidade, manter seus amigos vivos e salvar o planeta.

Confesso que, ao tirar Peter Parker de seu tradicional contexto nova-iorquino, Spider-Man: Far from Home me incomodou um pouco. Porém, já adianto que há uma cena que reúne tudo o que se poderia pedir do herói pelas ruas de Manhattan (inclusive, com a aparição de um dos meus personagens favoritos).

Mas voltando ao que interessa! A produção soube usar muito bem de seu clima adolescente para explorar diversos tópicos com mais leveza, seguindo o clima do longa-metragem anterior sempre que possível, ainda que com uma nota mais melancólica. Inclusive, apesar da trama envolver dimensões paralelas, monstros elementais (água, terra, ar e fogo) e afins, a direção de Jon Watts manteve os pés dos personagens no chão, focando em motivações bastante realistas, especialmente para os vilões.

Para completar, a polêmica questão das pessoas que retornaram após cinco anos é trazida de forma cômica, com alunos surgindo em uma quadra esportiva em meio a outra atividade escolar, piadas sobre a idade real dos personagens e a adição de Brad Davis (Remy Hii), que costumava ser só o irmãozinho franzino de alguém, mas que, agora, é o cara bonitão da turma.

Ao mesmo tempo, May – com a eventual ajuda de Happy Hogan (Jon Favreau) – precisou lidar com pessoas morando em seu apartamento e, agora, trabalha com um grupo de apoio a pessoas que “bliparam”. Ou seja, tudo foi incorporado à realidade dos personagens, afetando-a profundamente, mas sem cair na armadilha de transformar isso no fio que guia a história.

Sem entregar demais, posso dizer que Spider-Man: Far from Home é bastante divertido (sim, a Marvel segue com uma média alta de piadinhas por minuto), rocambolesco na medida certa (mais para mais que para menos) e tão encantador quanto o longa anterior. Ou seja, o público fiel deve sair bastante satisfeito da sala de cinema.

Mas a principal novidade nisso tudo é a profusão de efeitos especiais, que exploram os dilemas interiores do protagonista em plena sequência de ação. Eu – que estava triste, porém conformada, com a possibilidade de ver apenas batalhas contra os elementais – gostei bastante dessa nova perspectiva e acredito que ela se encaixou muito bem dentro da proposta do filme.

Embora não seja um grande recomeço, Spider-Man: Far from Home mostra que a Marvel tem fôlego para continuar com suas aventuras. Se a aposta em dar tons diferentes para os heróis persistir – ainda mais se acompanhada por diretores capazes de dar suas próprias perspectivas para os personagens –, o estúdio terá vida longa nos cinemas.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Black Panther
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
Doctor Strange
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Spider-Man: Homecoming
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok