Há males que vem para o bem. Talvez essa seja a melhor maneira de sintetizar Bohemian Rhapsody em vista dos quase dez anos de problemas de produção, trocas de elenco e diferenças criativas que jogaram o filme nas mãos de Rami Malek. Das desavenças com Sacha Baron Cohen, que era cotado para o papel principal, até a substituição do diretor Bryan Singer, que, apesar de ainda ser creditado, deu a vez a Dexter Fletcher após sumir no meio as filmagens, havia poucas coisas no filme que pareciam livres de qualquer controvérsia. Ainda assim, no final das contas, a produção consegue atravessar a linha de chegada com resultados até que satisfatórios.

Focado na carreira de Freddie Mercury (Malek) e em sua trajetória no Queen, Bohemian Rhapsody não esconde sua preferência por manter o legado da banda intacto (um dos motivos para controvérsias passadas) ao custo de amenizar um pouco o estilo de vida tresloucado de Mercury. O longa-metragem aborda o convívio com os colegas de banda – Roger Taylor (Ben Hardy), John Deacon (Joseph Mazzello) e Brian May (Gwilym Lee) – e a relação com Mary Austin (Lucy Boynton), que sempre foi considerada o grande amor da vida de Mercury, a despeito da sua sexualidade.

Do início humilde à fama e ao fardo que vem com ela, Bohemian Rhapsody é uma versão diluída e amenizada da coisa real, que talvez soe um pouco autoindulgente ao legado do Queen e a sua importância para a música moderna. O roteiro, assinado por Anthony McCarten e Peter Morgan (dois prolíficos roteiristas de cinebiografias, responsáveis por coisas como The Queen, Frost/Nixon e The Theory of Everything) tem aquele quê de algo tão perfeitamente produzido que soa um pouco artificial.

Por sua vontade de preservar o legado da banda (exigência dos membros remanescentes, diga-se de passagem), o filme joga seguro demais e não mergulha nos aspectos mais humanos do seu protagonista. Você ouve muito mais do que vê, e coisas como a sexualidade latente de Mercury e seus exageros são enterrados na classificação etária PG-13, que ameniza boa parte dos acontecimentos.

O desenvolvimento de personagem acaba também prejudicado nesse sentido, apelando para o óbvio e forçando alguns acontecimentos a se encaixar na linha do tempo pretendida pela narrativa. Mercury, inclusive, é sempre retratado como um gênio assolado pela solidão e pela dificuldade de se conectar com os outros. Mas, como o filme ameniza seus defeitos, fica complicado entender o porquê de todos os abandonarem.

Aliás, Rami Malek entrega uma atuação fascinante. Com um trabalho gestual e de maneirismos, o ator, ao mesmo tempo, encapsula a atitude extravagante de Freddie Mercury e dá humanidade suficiente para que ele não pareça um pastiche, conseguindo incorporar o cantor mesmo sem o porte físico adequado. Infelizmente, Malek não tem nem de longe o alcance vocal de Mercury (são poucos os que tem, sejamos sinceros), forçando o filme a apelar para o famoso playback. Porém, o trabalho de dublagem e mixagem de som é tão competente que é difícil perceber que se trata de uma composição – o mesmo vale para o público de alguns dos grandes shows do filme, recriado a partir de um trabalho de filmagem e pesquisa bastante complexo.

Inclusive, graças a excelente performance do próprio Mercury em sua época, vemos no filme uma recriação resumida – mas ainda assim corajosa – da lendária performance do Queen para o Live Aid em 1985. Durante pouco mais de dez minutos, o filme se dedica completamente a um número musical, sem perder uma gota de energia ou dar a impressão de que aquilo é uma mera lombada no percurso, algo que não se vê por aí com muita frequência. E, ainda que soe muitas vezes como um mero jukebox dos grandes sucessos da banda, esses grandes sucessos são tão bons que é impossível não enxergar nem um pouquinho do mérito disso tudo.

É claro que Bohemian Rhapsody tem falhas óbvias e alguns soluços causados pelos diversos problemas de produção, mas é um filme empolgante e que consegue cativar tanto aqueles que gostam do Queen quanto os que não tem tanta familiaridade com a banda – se ele convence os fãs mais radicais, aí já não sei. Obviamente, o longa-metragem foi feito de olho nas premiações e, certamente, fará diferença na carreira de Rami Malek.

Assim, o filme não deixa de ser entretenimento puro, muito em parte devido ao gênio musical do próprio Queen, cujas canções empolgam até hoje e puxam o filme para cima diversas vezes. A recriação de época é excelente, os atores são muito bons, a história acerta bem na dose de drama, mas tudo é um pouquinho plástico demais e com alma de menos, de modo que a pasteurização hollywoodiana entra em choque com a própria natureza provocativa de Mercury e da banda.

Por mais bem feito e bonito que seja, Bohemian Rhapsody acaba nunca deixando de ser só um simulacro da verdadeira experiência do Queen.

Outras divagações:
X-Men
X2
X-Men: Days of Future Past
X-Men: Apocalypse
Eddie the Eagle

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Não há nada mais assustador que o desconhecido. Logo, a internet por si só é capaz de alimentar o cinema com muitas e muitas tramas de filmes de terror – seja porque existem aqueles que não entendem a tecnologia, seja porque ela propicia uma estranha comunicação com o desconhecido.

O site /Film selecionou oito produções que se enquadram nessa temática (e eu me questiono como iremos encarar esses longas-metragens daqui a vinte ou trinta anos). Para ler o artigo completo, clique aqui.

• Pulse
• The Den
• Unfriended
• Ratter
• #Horror
• Hard Candy (imagem)
• Chatroom
• The Net

Enfrentando a rede.

É estranho pensar que certas obras, de modo completamente acidental e não pretendido pelos seus criadores, geram reflexões puramente com base no seu subtexto. É até mesmo injusto avaliar estes ‘artefatos culturais’ não pelo que são, mas pelo que eles – mesmo que indiretamente – retratam ou incentivam. Ao mesmo tempo, também é impossível descolar a opinião da experiência subjetiva daquele que consome ou aprecia uma obra, de modo que universos diferentes geram perspectivas diferentes sobre o mesmo objeto.

Isso me leva à seguinte reflexão: qual é o valor da visão de um crítico – enviesada por suas experiências pessoais – quando não há uma pretensão de universalidade? Ou devemos adotar a perspectiva de Oscar Wilde, do crítico como artista, onde a mais alta crítica nada mais é do que o retrato da alma de seu criador e seu valor está justamente em sua individualidade? Uma crítica voltada ao “eu” tem serventia se ela não se comunica com mais ninguém? Para quem a crítica se direciona afinal de contas? Para quem escreve ou para quem a lê?

Mas, obviamente, Crazy Rich Asians não tem pretensão nenhuma de responder qualquer uma dessas coisas. Na verdade, o filme não tem relação nenhuma com o que falei até aqui. Porém, ele me suscitou essas questões justamente por ser tão sem tato a respeito do que mostra e fetichiza. Assim, eu me pergunto: será que sou só eu que sou incapaz de empatizar com essas situações e pessoas ou realmente há algo de errado nisso tudo?

Como o nome já diz, Crazy Rich Asians fala de asiáticos (chineses, para ser mais específico) ricos, daqueles milionários caricaturais, do tipo que você encontra em desenhos animados. No filme, Rachel Chu (Constance Wu), uma jovem professora universitária sino-americana, viaja para Singapura para participar de uma festa de casamento e, no processo, conhecer a família de seu namorado, Nick Young (Henry Golding) – que ela descobre ser o herdeiro de uma companhia multimilionária que basicamente manda no país. O resto da história vocês já devem conhecer de outros verões: a desaprovação dos pais que não aceitam uma “plebeia” se relacionando com o filho, a luta de Rachel para se provar no mundo dos ricos e famosos, e muita, mas muita fetichização da riqueza e consumismo.

Ainda que, no passado, explorar o mundo dessa fatia de 1% da população fosse algo que pudesse ser feito com leveza e humor, a mesma proposição soa como algo de mau gosto em uma era de pessimismo e cinismo. É difícil acreditar que pessoas capazes de comprar um par de brincos de um milhão e meio de dólares “trabalham duro” e “mereçam sua posição”, especialmente quando falamos da Singapura, o segundo país asiático com o menor nível de equidade financeira. Ou seja, provavelmente, todo o império (fictício) da família Young foi construído sobre trabalhadores de baixa qualificação, que ganhavam centavos ao dia.

Também é difícil acreditar que os personagens “querem manter suas tradições” e “não gostam dos americanos” quando todos são cristãos, estudaram no exterior e assumiram nomes ocidentais. É complicado engolir que eles “dão valor a família” quando certas figuras estão sempre ausentes, mais preocupadas com negócios do que com momentos fundamentais na vida de entes queridos.

Toda a substância de Crazy Rich Asians se enrosca em contradições e na ausência de autorreflexão. Rachel é uma professora de economia, mas, por algum motivo – ainda que consciente de toda a história do desenvolvimento econômico da Ásia continental –, ela não pestaneja diante das situações apresentadas e não questiona em nenhum momento as implicações éticas de todo o exagero dos seus anfitriões. Sem contar com a impossibilidade de toda a trama e da completa subserviência da protagonista nesse contexto. Porém, isso é algo que eu estou relativamente disposto a relevar.

Ok. É possível argumentar que o filme (e o livro original), na verdade, passa uma mensagem contrária à valorização do materialismo. Isso até poderia ser verdade, mas qualquer possibilidade de tom crítico é jogada pela janela nos cinco minutos finais da projeção, que transformam a protagonista em cúmplice de todos os erros que havia observado até então. O resultado consolida sua mensagem como hipócrita na melhor das ocasiões e diretamente nociva nas piores. Talvez, a única redenção de Crazy Rich Asians esteja em ter sido tão pouco competente no que engendra esse tipo de crítica.

E isso me leva de volta ao primeiro ponto. Não me entendam mal: mais do que ninguém, eu acredito que todos devem ter direito aos frutos do seu trabalho e do seu esforço. Mas será que só eu vejo nestes excessos, na vaidade e ganância, no consumismo exacerbado e na mercantilização das relações humanas, o retrato de como o nosso sistema de desenvolvimento econômico falhou em proporcionar condições satisfatórias de desenvolvimento? Sou só eu que me incomodo ao ouvir alguém dizer que “só gastaria 20 milhões em um casamento” como piada?

Espero que não, mas não duvido de mais nada.

Como entretenimento, Crazy Rich Asians é bonitinho e previsível. O par principal tem uma boa química, a representatividade asiática – ainda que retrate majoritariamente personagens rasos como um pires e totalmente caricatos –, é até bem-vinda (por mais que seus motivos sejam puramente comerciais). Temos algumas boas piadas, uma composição interessante para a mesma história batida e uma fotografia competente que valoriza a beleza de Singapura. Como eu disse, é um filme competente, ainda que meio cafona e completamente escapista.

Mas isso é o de menos. O filme não vai me marcar por essas coisas, mas pela raiva que senti em ver esses comportamentos nocivos retratados na tela do cinema, na possível realização de que alguém pode achar que estou ressentido com gente rica apenas porque elas tiveram o privilégio de nascer milionárias. Tudo isso leva à tarefa de pensar na crítica como algo um pouquinho mais meu – subitamente, ela não é mais sobre o que o diretor Jon M. Chu fez ou deixou de fazer com o seu filme, mas sobre o que eu, com a minha vivência, senti e pensei sobre isso tudo. E eu enxergo valor nisso.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

George Clooney é um bom ator. Ele conquistou seu espaço trabalhando, mas também sendo bonito, charmoso, inteligente e fazendo muitas amizades. Como diretor, ele se dá ao luxo de contar a história que tem vontade, da forma como acha que é melhor. Para isso, ele conta com as amizades, o nome famoso, as estatuetas do Oscar na estante e um bom tino para fazer cinema. É o melhor diretor do mundo? Não. Acerta sempre? Também não. Mas ele consegue ser autoral e entregar produções com qualidade visual e bom conteúdo, daqueles que agradam ao cérebro de quem é gente grande.

Em Suburbicon, por exemplo, temos uma boa ideia sendo executada de um jeito cheio de estilo e que levanta inúmeras discussões paralelas, capazes de render horas de conversa com os seus amigos. Ao mesmo tempo, esse também não é o filme mais profundo do mundo e a trama principal acaba perdendo graça frente ao que está acontecendo na casa ao lado, ou vice-versa.

A história se passa nos anos 1950, em uma cidade nos Estados Unidos que traduz o ‘american dream’, com cerquinhas brancas, gramados verdes, famílias formadas por um casal heterossexual e seus filhos, e uma população totalmente branca. As coisas começam a complicar com a chegada da primeira família negra, que inadvertidamente ‘provoca’ um verdadeiro levante.

Mas não é exatamente para isso que estamos olhando. Suburbicon se concentra nos vizinhos dessa família, que, aliás, não parecem se importar muito que o menino da casa (Noah Jupe) brinque com um amiguinho ‘de cor’ (Tony Espinosa). Afinal, o pai do comercial de margarina, Gardner (Matt Damon), está envolvido com alguma coisa perigosa e a casa deles é invadida, resultando no assassinato de sua esposa (Julianne Moore).

O luto, contudo, não é tranquilo – mesmo com a insistente presença da cunhada (também interpretada por Moore). Há algo estranho no ar e o investigador da companhia de seguros, Bud Cooper (Oscar Isaac), consegue sentir o cheiro com facilidade. Isso, obviamente, apenas amplia a confusão.

O detalhe é que Suburbicon traz um contexto com ares realistas – as entrevistas dos moradores indignados são reais e toda a história ecoa ao que aconteceu em Levittown – misturado aos personagens absurdos e o humor atravessado escritos dos irmãos Joel e Ethan Coen (o roteiro final é baseado em um texto antigo deles). É uma produção que está com raiva do próprio mundo que a originou, mas que não sabe se desvencilhar dele direito e acaba tão atrapalhada quanto seu protagonista (e nós somos o menino perdido no meio da bagunça). Poderia dar certo e ser absolutamente brilhante, só que não foi dessa vez.

O resultado é, sem dúvida, irregular, mas há algo de certo nisso. Afinal, ao criar um paralelo forçado entre duas histórias que não estão seguindo o mesmo ritmo, o longa-metragem torna o descompasso óbvio e faz com que tudo o que há de errado pareça proposital. Se ficou bom ou não, suponho que isso varie de pessoa para pessoa, mas o efeito narrativo é interessante e gera um desconforto que combina bem com a mensagem que o filme quer passar.

Ou seja, Suburbicon é um filme que parece ser agradável visualmente, mas que se incomoda que você ache isso. Ele mistura coisas que não combinam e perde algumas boas ideias no processo, além de não conseguir fazer o público nem rir, nem chorar e nem se indignar (com a história, pois é bem possível com o filme em si).

Mas valeu a tentativa: a intenção está bem clara, é sempre bom ver Julianne Moore e Oscar Isaac – às vezes é bom ver Matt Damon também –, o design de produção de Jim Bissell é super caprichado e a trilha sonora de Alexandre Desplat é maravilhosa.

Outras divagações:
The Ides of March

Damien Chazelle é um daqueles nomes que despontou nos últimos anos de maneira inacreditável. Depois de dirigir Whiplash e La La Land – além de assinar o roteiro do também ótimo 10 Cloverfield Lane –, ele já deixou sua marca na indústria e se colocou na lista de gente que vale a pena acompanhar.

Nesse contexto, nenhum projeto parecia grande demais ou ambicioso demais para ele. Mas, bem, “ambicioso” é justamente o adjetivo que eu usaria para definir First Man, uma mistura de drama psicológico com cinebiografia sobre a jornada do primeiro homem a ir até a Lua.

O longa-metragem acompanha Neil Armstrong (Ryan Gosling) do início da carreira como piloto até seu envolvimento com o programa espacial da Nasa nos anos 1960, passando por sua relação com a esposa Janet (Claire Foy), seus filhos e seus colegas do programa espacial.

Assim, a viagem à Lua é o que menos importa, tomando até pouco tempo do enredo. O filme se importa muito mais em fazer um estudo de personagem e trabalhar Neil como um indivíduo que enfrenta uma tarefa impossivelmente complicada, tendo que lidar com os riscos da missão, a opinião pública e os aspectos políticos do programa espacial.

Com um tom solene e intimista não muito esperado de uma temática tradicionalmente tratada com fanfarra por Hollywood, First Man é, sem dúvidas, um feito de direção, conseguindo colocar o espectador em uma posição de extrema proximidade em relação aos personagens. Ao invés dos planos abertos que valorizam a escala massiva dos foguetes e dos grandes panoramas do cenário lunar, ficamos ao lado de Neil, ouvindo cada ranger dos parafusos e vendo o mundo por uma minúscula janela em uma cabine apertada. Presenciamos cada tragédia e o risco absurdo que os pioneiros da exploração espacial passavam. E isso é, sem dúvida, algo que eu ainda não havia visto sendo tratado nos cinemas, pois o filme busca passar como um astronauta se sentia nesse período, explorando a mistura de constante temor e empolgação.

A parte técnica também é excepcional, com uma ambientação absolutamente envolvente, uma fotografia e uma paleta de cores que combinam perfeitamente com a época e efeitos visuais que eu sinceramente ainda não sei como foram executados, mas que me pareceram tão bons quanto a realidade. Visto no IMAX, o longa-metragem é um deleite: mesmo não priorizando o senso de escala e não sendo tão impressionante na tela grande quando Gravity, por exemplo, ele ainda é um filme que se beneficia muito de uma boa projeção e de um bom som.

Claro que Ryan Gosling continua sendo Ryan Gosling, o que significa que, geralmente, vemos uma atuação bastante contida e impassível. Não dá pra dizer que não funciona e que ele não tenha os seus momentos mais intensos, porém, essa apatia é algo que joga a energia do filme lá embaixo de vez em quando. Claire Foy deveria ser o contraponto emocional à frieza e ao controle de Gosling, mas não tem tanto espaço para brilhar, sendo obscurecida narrativamente e não deixando lá uma marca muito memorável para a trama. Apesar disso, quando o roteiro demanda momentos mais poderosos dos dois, não há como dizer que ambos não entreguem.

O problema é que, apesar de se esforçar para dar foco aos personagens, a produção esbarra em um limite de pouco mais de duas horas para estabelecer um arco dramático satisfatório. Os filmes anteriores de Chazelle eram muito focados nessas jornadas pessoais, que sempre funcionaram bem para desenvolver um clímax dramático, porém, First Man parece tropeçar um pouco em encaixar os acontecimentos retratados no filme com a estrutura tradicional de roteiro. O resultado é meio irregular em termos de ritmo e diminui o retorno emocional.

Assim, o filme se estende um pouco demais e deixa a parte que, teoricamente, seria mais importante – a missão à Lua – destituída de impacto. Inclusive, a produção optou por não mostrar um dos momentos mais emblemáticos da missão em prol de uma visão mais pessoal da situação. Com isso, quero dizer que First Man é absolutamente impressionante como cinema, mas não oferece um impacto emocional tão grande quanto o esperado.

O filme é lindo, detalhado e, certamente, oferece uma experiência cinematográfica e tanto. Ainda assim, eu esperava mais e sinto que a produção ficou aquém de suas ambições. Como um dos longas-metragens que abrem a temporada de premiações, First Man tinha tudo para sair na frente e se instituir como um dos favoritos do ano, mas faltou um pouco de espírito. No final das contas, o filme soa muito mais como um pequeno passo do que como um salto gigante para o cinema.

Outras divagações:
Whiplash
La La Land

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Lembro que a primeira vez em que ouvi o nome de Thalita Rebouças foi em uma reportagem que dizia que é possível viver de literatura no Brasil. Na ocasião, ela era tida como uma autora de sucesso de livros infantojuvenis – algo que só cresceu desde então. Tanto que Tudo por um Pop Star, baseado no segundo de seus mais de 20 livros, é a terceira obra que ela vê adaptada para os cinemas, após É Fada! e Fala Sério, Mãe!. Por mais que alguns possam torcer o nariz, vamos combinar que não é pouca coisa.

O grande mérito de Rebouças é conseguir dialogar diretamente com seu público, sem subestimá-lo. E, embora que algumas das premissas pareçam bobas, é preciso admitir que ela consegue brincar com clichês e tropos de uma forma engraçada e sem ofender ninguém (ou quase, mas vamos falar disso depois). Além disso, confesso que logo nos primeiros minutos de Tudo por um Pop Star fui automaticamente transportada para os meus 12 anos (a parte divertida deles, diga-se de passagem).

Na história, acompanhamos três amigas – Gabi (Maisa Silva), Manu (Klara Castanho) e Ritinha (Mel Maia) – que são muito fãs de uma boyband chamada Slavabody Disco Disco Boys. Assim, quando a banda anuncia um show no Rio de Janeiro, elas fazem de tudo para conseguir ver seus ídolos, incluindo viajar 200 quilômetros de Fusca, participar de um concurso por ingressos, tentar entrar de penetras, fingir desmaios e por aí vai.

Nessa aventura, elas são parcialmente acompanhadas por uma prima maluquinha de Manu, Babete (Giovanna Lancellotti), e acabam colocando a própria amizade em risco em mais de uma ocasião. Além disso, elas precisam lidar com a incompreensão de seus próprios pais, com um grupo de meninas metidas da escola e com um youtuber de opiniões questionáveis, Billy Bold (Felipe Neto). Tudo por uma oportunidade para ver Slack (João Guilherme Ávila), Julius (Isacque Lopes) e Michael (Victor Aguiar) – aliás, como só o primeiro é brasileiro, ele é o único que tem diálogos.

Por mais que as protagonistas não sejam exatamente exemplos a serem seguidos, o sentimento geral é de que só se é adolescente uma vez na vida. Elas estão apaixonadas por meninos que estão obviamente dublando as canções (não sei se isso foi intencional, porém...) e fazem parte de uma banda com um nome bem bobo (meu trocadilho favorito foi “os lava-jato”, mas meus ouvidos podem ter inventado essa).

Assim, Tudo por um Pop Star é um filme sobre não desistir dos seus sonhos e, ao mesmo tempo, é uma ode às bobagens que fazemos quando jovens. Para completar, tendo três protagonistas de personalidades tão diferentes, todo mundo pode se identificar com alguma delas em algum grau (eu, inclusive, diria que sou uma Ritinha com toques de Gabi).

Em meio a essa atmosfera de positividade, o ponto mais problemático da produção é o retrato de uma pessoa gay feito por Felipe Neto. Ainda que seja um personagem pequeno, é verdade que a afetação como piada é mais um desserviço às lutas da comunidade do que qualquer outra coisa. Ainda assim, parece que a produção tentou minimizar a questão: a graça reside mais no fato dele se passar por um crítico ‘intelectual’ e cheio de critérios quando, na verdade, ele gosta de uma boyband. De qualquer modo, poderíamos ter simplesmente ficado sem essa.

De qualquer forma, em meio a devaneios adolescentes, uma grande determinação e uma esperança verdadeiramente resiliente, Tudo por um Pop Star surge como um filme fofo e, ao menos para mim, nostálgico. Ele é divertido, apresenta três jovens atrizes com potencial e explora (com humor e sem julgamentos) um sentimento de desespero que todo fã já deve ter sentido pelo menos uma vez na vida. Quisera eu ter a coragem (e a cara-de-pau) de Gabi, Manu e Ritinha!

A insistência da Sony em planejar um universo cinematográfico de Spider-Man sem o dito cujo é, no mínimo, impressionante. Tanto é que o sentimento que ecoava na sala de cinema de Venom era muito menos de expectativa e muito mais de cinismo, resultado da surpresa em ver esse projeto que parecia absolutamente estúpido e desnecessário finalmente surgindo à luz do dia. E, com ele, o estúdio também traz a promessa de toda uma galeria de heróis e vilões do universo do cabeça de teia sem, contudo, encostar diretamente no mesmo por conta de todo o imbróglio com a Marvel.

Esquecendo um pouco de Nova York, temos aqui a história de Eddie Brock (Tom Hardy), um ambicioso jornalista investigativo que passa seus dias pelas ruas de San Francisco tentando fazer o que é certo. Este desejo acaba o colocando em conflito com o milionário Carlton Drake (Riz Ahmed), uma espécie de Elon Musk fantasioso com uma obsessão em levar a humanidade para o espaço, mas com alguns esqueletos no armário e influência o bastante para os manter por lá. Ao puxar o tapete de Drake, Brock tem a própria vida destruída, perdendo o emprego e seu relacionamento com sua noiva Anne (Michelle Williams). Entretanto, uma pista dada pela doutora Dora Skirth (Jenny Slate) pode ser o bastante para comprovar as alegações de Brock sobre Drake.

Ao invadir o laboratório do milionário, porém, Brock se vê em contato com Venom, uma forma de vida alienígena encontrada pela empresa de Drake e que é capaz de estabelecer uma relação simbiótica com ele. Embora seja capaz de conceder todo o tipo de poderes, Venom é violento e não muito ligado a moralidade humana – ainda assim, ele precisa do seu hospedeiro para sobreviver. Agora, os dois precisam trabalhar juntos para escapar da perseguição de Drake e lidar com a ameaça de outros simbiontes.

Já tirando o elefante da sala, Venom é bem menos catastrófico do que se esperava e está longe de ser um dos piores filmes de quadrinhos dos últimos tempos. Tom Hardy, apesar do sotaque meio estranho, é uma das melhores coisas do filme e é capaz de criar uma dinâmica interessante como Eddie Brock-Venom, mesmo dentro daquele velho clichê dos dois personagens com personalidades opostas precisando aprender a conviver. Porém, o resto do filme mergulha na mediocridade e o roteiro é uma bagunça tonal, com uma metade bem pé no chão e com clima de suspense que logo descamba para um filme de ação, comédia e ficção-científica com tons macabros e que não sabe exatamente o que quer ser ou aonde quer chegar.

Os efeitos especiais são inofensivos nos melhores momentos e legitimamente ruins nos piores, sofrendo da síndrome dos bonecos de computação gráfica, onde a ação não tem peso ou impacto e nada parece minimamente crível. Para piorar, a decisão de transformar esse filme em uma produção com classificação PG-13 nos Estados Unidos significou cortar o que, segundo Hardy, eram suas melhores cenas. Contrariando a mitologia do personagem, criado justamente na época em que os quadrinhos eram mais violentos e chocantes, o longa-metragem parece ir na contramão da indústria e empobrece a visão original do filme. Afinal, depois de Logan e Deadpool, a Fox provou que há sim espaço para obras de quadrinhos mais pesadas nos cinemas.

O que sobra disso tudo é um filme meio estúpido e uma grande oportunidade desperdiçada, mas que pode ser aproveitado se você só quer mesmo um filme de ação descompromissado e com um climão meio B, o que ironicamente tem lá o seu apelo.  A representação de Venom é surpreendentemente interessante, ainda que não muito bem explorada e dotada de um humor juvenil, ficando anos luz a frente do que vimos, por exemplo, no infame Spider-Man 3. Novamente, reforço que é o esforço de Tom Hardy que dá carisma para um personagem legitimamente sem graça. Assim, por mais que eu prefira a parte do filme onde o simbionte não dá as caras, ao menos esse trecho fundamental do filme funciona.

Dessa forma, por mais que muitos já esperassem ver em Venom um descarrilamento colossal que encerraria de vez com estes planos da Sony, a verdade é que a mediocridade e o apelo do personagem podem muito bem dar uma sobrevida a essas ideias do estúdio. Porém, não há como esconder que Venom talvez seja o pior filme de heróis do ano (se é que essa categoria se aplica) e acredito que nem mesmo uma possível versão do diretor Ruben Fleischer, com a classificação etária mais alta original pretendida, conseguiria salvar o longa-metragem. Afinal de contas, sair do cinema achando que o pequeno teaser de Spider-Man: Into the Spider-Verse é a melhor coisa que apareceu na tela diz muito sobre a qualidade do filme.

Outras divagações:
Zombieland
Gangster Squad

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Unir drama e elementos fantásticos é algo que funciona bem na literatura, sendo que diversos autores da América Latina se tornaram mestres no assunto. No cinema, essas águas são navegadas, mas com cautela – às vezes, com cautela até demais. Em Mare Nostrum, temos um exemplo disso.

Com texto e direção de Ricardo Elias, o longa-metragem acompanha as desventuras de Roberto (Silvio Guindane) e Mitsuo (Ricardo Oshiro), dois brasileiros que acabaram de voltar do exterior após experiências que não deram lá muito certo. Ambos retornam para casa e precisam lidar não só com o sentimento de fracasso, mas também com dívidas familiares e a falta de perspectiva. Inesperadamente, um terreno abandonado acaba os unindo.

Tudo acontece porque Roberto precisa lidar com uma imprevista dívida de IPTU vinculada ao nome de sua mãe (Teka Romualdo) e com a filha (Lívia Santos), que não vai para a escola devido a um débito (já negociado) de R$ 30 mil. Quando decide vender o tal terreno, descobre que ele está no nome de outra pessoa, o pai de Mitsuo (Edson Kameda). O rapaz, contudo, perdeu tudo o que tinha, seu casamento está em crise e precisa de dinheiro para recomeçar a vida – algo com que sua irmã (Maya Hasegawa), também bastante endividada, não pode ajudar.

No vai e vem atrás da papelada do terreno, Roberto e Mitsuo viajam pelo estado de São Paulo na companhia do falante corretor Orestes (Carlos Mecene). No processo, eles acabam mergulhando no mundo das histórias do falecido pai de Ricardo, João (Ailton Graça), que acreditava que o terreno era mágico, sendo capaz de realizar desejos. Com o tempo, entretanto, eles precisam admitir que realmente há algo de especial em relação ao lugar.

Mare Nostrum, dessa forma, acaba se tornando um filme sobre a relação entre pais e filhos, ecoando (bem) levemente a Big Fish – mas sem a explosão de cores e com uma magia contida. E, também, sem uma grande catarse emocional: a jornada leva Roberto e sua filha a entrarem em contato com diversas pessoas que lembram com saudosismo de João, mas a resistência do protagonista em rever seu passado é maior até mesmo do que sua capacidade de duvidar de um terreno mágico.

Com muitos sentimentos restrito a nuances, o filme é sensível, mas não emociona tanto quanto poderia. Do outro lado, a trajetória de Mitsuo é muito mais simples e talvez seja até mais bonita, mas, na prática, ele acaba sendo apenas mais uma tentar extorquir Ricardo.

Aliás, a noção de ilegal, imoral e antiético está um tanto quanto ausente em Mare Nostrum. Há gente exigindo dinheiro para assinar um papel que já deveria ter sido assinado, outro querendo um ‘presente’ para autorizar a publicação de uma biografia, além de uma pessoa assumindo a autoria do trabalho alheio e de um colégio que impede uma criança de frequentar aulas. Tudo isso é acompanhado por um sentimento de consternação, sem qualquer revolta. É a normalização da pilantragem.

Para completar, todos os problemas parecem se resumir a dinheiro – a única coisa que, aparentemente, o terreno não pode dar. Esse aspecto denota uma absoluta falta de criatividade dos personagens para lidar com a situação e, obviamente, não combina com um filme onde uma máquina de fliperama pode simplesmente se materializar em uma praia. Inclusive, quando você tem uma personagem que alega ter conseguido um salão de beleza graças ao terreno mágico, a noção de imediatismo para ter dinheiro na conta deveria dar uma bela diminuída – só que não.

Assim, por mais que tenha uma premissa muito interessante, Mare Nostrum se perde em uma execução carente de boas ideias e de sentimentos mais aflorados (não dá para confundir sensibilidade com passividade). Com bons atores – destaque especial para a jovem Lívia Santos – e personagens que poderiam ser melhor aproveitados, o longa-metragem deixa claro que tem potencial, mas é uma pena que não o entregue em sua totalidade.

Com um roteiro escrito por seus dois atores principais, Blindspotting é um filme que tem sido descrito como “sincero” – e eu não poderia concordar mais. Mesmo tendo visto alguns dos materiais promocionais antes da sessão, eu não sabia exatamente o que esperar, até mesmo porque nenhum deles conseguiu traduzir exatamente o que a produção quer passar.

Eu vou tentar resumir, mas sei que minhas chances de sucesso não são altas. Collin (Daveed Diggs) é um jovem negro que saiu da prisão recentemente, em liberdade condicional. A princípio, ele é um cara tranquilo e com a cabeça no lugar, que está tentando reconstruir a vida e está prestes a concluir seu período de um ano com toque de recolher e restrições de mobilidade. Por outro lado, seu melhor amigo Miles (Rafael Casal) é um cara branco, cheio de tatuagens e esquentadinho, que gosta da ideia de andar por aí armado e que não hesita em falar mal da ex-namorada de Collin, Val (Janina Gavankar).

Os dois são amigos desde a infância, tendo crescido em Oklahoma, na Califórnia, e agora trabalham juntos em uma empresa de mudanças, inclusive ganhando um extra com a venda de coisas que as pessoas não querem mais. Contudo, as diferenças nas personalidades de ambos ficam ainda mais gritantes nos últimos dias da liberdade condicional de Collin, especialmente depois que ele presencia um tiroteio onde um homem negro é assassinado com quatro tiros por um policial branco (Ethan Embry).

Com essa premissa, Blindspotting tenta apresentar as dificuldades das pessoas de enxergar o mundo (há uma cena especialmente para apresentar o conceito e outra para justificar o título). Collin vive ainda muito claramente o trauma da prisão e da cena que presenciou, inclusive com momentos de desconexão com o que acontece ao seu redor e ataques de pânico. Já Miles luta contra uma realidade que mudou – para melhor, se você parar para pensar – e se esconde por trás de uma camada latente de violência. Além disso, o filme também aborda questões como o preconceito racial existente na cidade, algo presente tanto em festas aparentemente inócuas quanto na relação repleta de atritos entre as pessoas negras e os policiais.

Para completar, o longa-metragem é construído de uma forma em que você fica esperando o ponto em que algo desastroso vai acontecer e o protagonista iniciará uma corrida contra o tempo para não precisar voltar para a cadeia. A tensão é constante e cada novo acontecimento ao redor de Collin pode desencadear alguma coisa. A questão é que ela nunca se dissipa totalmente e, só então, você liga os pontos: Blindspotting é sobre essa tensão.

Assim, por mais que a produção tenha um senso de humor apurado, cenas de violência e um protagonista que acabou de sair da cadeia, não se trata exatamente de uma comédia, de um filme de ação e muito menos de um suspense sobre crimes ou a criminalidade em si. Eu diria que esse é um filme social, sobre a capacidade do ser humano de aguentar os ambientes que criamos para nós mesmos e lidar com os traumas individuais dessas condições.

Embora isso possa parecer algo chato e cabeçudo (não vou negar!), na verdade, acaba sendo muito mais interessante que boa parte das cenas de ação que temos por aí. Esse recurso também serve para o diretor estreante Carlos López Estrada ‘brincar’ com as expectativas do público, uma escolha que é um tanto quanto arriscada, mas que acaba se pagando – com direito a prêmio em Palm Springs e uma indicação em Sundance –, ainda que não sem certo estranhamento.

Blindspotting, dessa forma, é um filme que levanta muitas perguntas, sem que seus personagens saibam exatamente como respondê-las. Inclusive, por mais que eles tenham seus momentos catárticos, essas sequências são desabafos e consequências de muita coisa acumulada e não chegam exatamente a resolver qualquer situação. Assim como na minha vida e na sua, eles estão apenas seguindo em frente da forma como conseguem. Eu avisei que esse era um filme sincero.