Histórias envolvendo acidentes aéreos, especialmente em voos comerciais, invariavelmente acabam chamando muita atenção. Quando elas são tristes, o drama é grande, há muitas incertezas e pessoas entram em pânico. Quando elas têm um final feliz, a sensação é de alívio e, frequentemente, os pilotos são rapidamente alçados à categoria de ídolos.

Baseado em acontecimentos reais, Sully se enquadra nesta segunda opção. Em 2009, um avião decolou de um aeroporto em Nova York e, em poucos minutos, estava sem motores funcionais e correndo o risco de cair. Então, o piloto, Chesley 'Sully' Sullenberger (Tom Hanks), toma uma decisão arriscada: pousar no Rio Hudson, que corta a cidade. Com 150 pessoas a bordo, ele consegue salvar a todos e passa a ser considerado um verdadeiro herói nacional.

Ele, porém, não se sentia exatamente assim. Nos dias que se seguiram ao acidente, Sully estava vivendo o trauma longe de sua esposa (Laura Linney) e de suas filhas e, para completar, ele e o co-piloto, Jeff Skiles (Aaron Eckhart), estavam enfrentando um processo judicial sobre o acidente. O principal argumento contra eles era a possibilidade real de pouso em dois aeroportos próximos, o que não teria acarretado na perda da aeronave e em outros prejuízos para a companhia aérea.

Com essa incerteza pairando sobre a cabeça do protagonista, fica difícil não comparar Sully com Flight, lançado quatro anos antes e com uma temática bem parecida. A questão é que há uma diferença bem considerável entre os protagonistas. Em Flight, o piloto é uma pessoa de hábitos e temperamento questionáveis, o que cria uma atmosfera de tensão e dúvida ao redor de suas ações. Já Sully traz um protagonista bastante consciente das decisões que tomou e que acredita fielmente que fez tudo o que estava a seu alcance.

Em resumo, o filme traz um bom moço sendo injustiçado por grandes corporações malvadas. E essa é uma história bastante interessante e digna de ser transformada em filme. Só é uma pena que ela acabe bastante pálida na comparação com sua “irmã” com um protagonista dramaticamente mais complexo.

A seu favor, Sully tem o fato de que a produção vai direto ao ponto e não se prende em tramas paralelas ou outras questões. Com menos de 1h40, este é um dos longas-metragens mais curtos da carreira do diretor Clint Eastwood, que optou por direcionar toda as atenções para o protagonista, com total apoio do verdadeiro Chesley Sullenberger (ou seja, realmente não dava para esperar muitas controvérsias neste ponto).

Ao mesmo tempo, o retrato dos advogados é bastante caricato, com o filme pintando burocratas sem coração ou capacidade de empatia – ao menos nas primeiras audiências. Inclusive, na época do lançamento, algumas pessoas ficaram decepcionadas com a produção e buscaram desmentir publicamente alguns momentos da narrativa (sinceramente, eu entendo o lado delas, mas a verdade é que filmes são releituras da situação e nunca conseguem fazer justiça a todos os envolvidos).

No final das contas, para quem lembra do acidente e se comoveu com toda a história, Sully é um filme que funciona. Ele mexe com a memória e traz uma perspectiva diferente a respeito de uma história já conhecida. Caso você tenha poucas lembranças do ocorrido, no entanto, a falta de um momento mais emocional ou mesmo de um drama mais pesado pode fazer com que a produção soe distante. Querendo ou não, a identificação com um ato de heroísmo destas proporções não é fácil e a produção não se esforça muito para aproximar o público de seu protagonista.

Outras divagações:
Gran Torino
Invictus
Hereafter
J. Edgar
Jersey Boys
American Sniper

Preciso admitir que eu vejo bem menos filmes nacionais do que eu gostaria. É uma coisa muito estúpida, pois eu gostaria de assistir mais, mas também não consigo me animar a ver aqueles que estão mais acessíveis – e que, em muitos casos, são comédias derivadas de algum produto televisivo que eu também não assisti.

Eis que eu cruzo, quase sem querer, com Paraíso Perdido. Além de ser um filme nacional, ele é dirigido por uma mulher com um currículo interessante, Monique Gardenberg, e tem um elenco bastante curioso. Sinceramente, fico triste comigo mesma por estar tão perdida em meio a outros assuntos que quase deixar esse filme passar. Ele merece ser visto!

A trama gira em torno da chegada do policial Odair (Lee Taylor) na vida de uma família de cantores que também administra um bar com apresentações ao vivo. José (Erasmo Carlos) é o chefe do clã, mas ele parece estar perdendo um pouco as rédeas das coisas e resolve contratar Odair para ser segurança de seu neto, Imã (Jaloo), que recentemente apanhou na rua.

Imã, que tem interesse amoroso por um dos agressores, Pedro (Humberto Carrão), é filho de Eva (Hermila Guedes), que está prestes a sair da cadeia, onde iniciou um relacionamento com Milene (Marjorie Estiano). Na casa-bar, também vive seu tio, Angelo (Júlio Andrade), e sua prima, Celeste (Julia Konrad). O primeiro, vive com remorsos por seu amor perdido. Já a segunda está grávida de Joca (Felipe Abib), mas teve uma grande decepção com ele. Ao mesmo tempo, Teylor (Seu Jorge) parece interessado em entrar para a família.

Odair, então, passa a acompanhar o dia a dia dessa família e, ao seu lado, o público vai desvendando aos poucos os pequenos e grandes mistérios existentes nas vidas daquelas pessoas. Todas as noites, ele volta para casa e conta sobre o grupo para sua mãe, Nádia (Malu Galli), que é surda, mas teve um passado como cantora.

Tudo isso é regado a muita música brega e diversas apresentações com figurinos questionáveis sobre um palco dramaticamente iluminado. Ao longo do filme, o elenco solta o gogó por diversas vezes e manda ver com um repertório fantástico, que vai de Raul Seixas a Reginaldo Rossi, passando por Odair José, Roberto Carlos, Belchior e até Zé Ramalho – vale acrescentar: a trilha é assinada por Zeca Baleiro. É uma verdadeira ode a uma escola (?) da música brasileira que raramente recebe tanta atenção.

Com isso, todo o drama familiar de Paraíso Perdido acaba recebendo uma inesperada camada de leveza. Os personagens estão sempre expressando seus sentimentos no palco e se fazendo ouvir. Embora haja muitos segredos, há muito amor e respeito na família retratada – assim como uma enorme capacidade para atrair perrengues –, de modo que se trata mais de uma questão de desembaraçar o novelo do que de apontar vilões ou grandes erros do passado.

Para completar, tudo é muito bem amarrado. Quando Odair começa a verdadeiramente entender o drama da família e perceber que ele também se encaixa naquela história, fica impossível sequer piscar. Claro que se trata de uma conjunção absurda de fatores e tudo está um passo além do crível, mas isso combina muito bem com as músicas que eles cantam, com o ambiente do bar e com a vida que aquelas pessoas levam.

Paraíso Perdido, em resumo, é um exemplar do cinema nacional que não deve ser esquecido. É um daqueles filmes que é uma delícia descobrir e que vale a pena recomendar para os amigos.

Talvez eu já tenha “gastado” boa parte de meus argumentos sobre essa obra quando divaguei sobre Kill Bill: Vol. 1, mas há aspectos bastante interessantes para serem tratados quando o assunto é Kill Bill: Vol. 2. Para começar, quero retomar a minha experiência com esse filme no cinema.

Quando esta produção estreou no Brasil, seis meses a separavam de sua antecessora. Ou seja, deu tempo para a poeira baixar um pouco, mas a empolgação se manteve em alta – ainda mais após a boa recepção dada ao longa-metragem anterior. Ao mesmo tempo, havia a questão de que a surpresa inicial com o conceito já havia passado e seria muito difícil atingir uma reação similar do público.

Inesperadamente, muita gente interpretou Kill Bill: Vol. 2 como sendo algo bastante diferente, com um tom narrativo distinto e um apelo novo. Mas a verdade é que, vendo um filme após o outro, essa sensação não fica tão evidente. A continuidade é clara, os recursos narrativos são os mesmos e as mudanças que ocorrem são naturais, visto que a protagonista está cada vez mais próxima de Bill.

Inclusive, vou praticamente repetir a sinopse que já utilizei na minha divagação anterior. Basicamente, a história de Kill Bill começa quando um grupo de assassinos entra em uma igreja e mata todos os presentes em um casamento. A noiva (Uma Thurman), contudo, sobrevive mesmo após levar um tiro à queima roupa do líder do grupo, Bill (David Carradine), que, não por acaso, é pai da filha que ela carrega.

Alguns anos depois, a noiva acorda de um coma e decide ir atrás de todos os membros do grupo, com o objetivo de matar um por um até chegar em Bill. Neste segundo volume, ela enfrenta o irmão de Bill, Budd (Michael Madsen), e sua maior rival, Elle Driver (Daryl Hannah), além do próprio Bill. Ele, porém, traz um segredo que pode mudar o rumo da trama.

Como as batalhas anteriores foram intercaladas com cenas que caracterizavam o passado da protagonista e sua personalidade, Kill Bill: Vol. 2 acaba se concentrando mais em seu relacionamento com Bill e em sua formação como assassina – afinal, ela mesma já fez parte do grupo responsável pelo atentado na igreja. Assim, é como se houvesse um “refinamento” na motivação dos personagens. Eles deixam de reagir ao que acontece com eles e passam a tomar suas próprias decisões.

Além disso, ao tirar a história do Japão – onde se passa uma parte considerável do longa-metragem anterior –, armas de fogo e elementos mais estadunidenses começam a fazer parte da trama, o que complica um pouco as coisas para a personagem principal. Os elementos orientais que caracterizam a produção, então, passam para as cenas de flashback envolvendo o treinamento da protagonista na China, com o lendário Pai Mei (Chia-Hui Liu).

Essa mudança faz com que seja possível intercalar de forma mais natural cenas em que a personagem principal está fragilizada com sequências que trazem demonstrações de força e superação. Para completar, isso também dá uma dimensão mais humana para uma personagem que, até aquele momento, era apenas uma mulher movida pelo sentimento de vingança.

Assim, embora mantenha um tom em seus diálogos e nas interpretações que remete diretamente a filmes de kung fu, Kill Bill: Vol. 2 ganha uma camada mais complexa (mas nem tanto assim) e firma seus dois pés no cinema norte-americano. A motivação principal segue sendo uma vingança, mas há mais coisas em jogo do que um mero acerto de contas.

Mesmo que tenham se passado mais de 15 anos do lançamento do filme, ele continua funcionando muito bem, especialmente porque não há nada parecido por aí. Kill Bill: Vol. 2 não é tão carregado de ação e momentos marcantes quanto seu antecessor, mas ele conclui a história de uma forma muito bem amarrada, sendo condizente com tudo o que foi mostrado até então.

Quero chamar atenção, no entanto, para outro ponto. Em um momento onde praticamente todos os longas-metragens são realizados com o uso de câmeras digitais, a estética de Kill Bill passa a chamar ainda mais atenção. O filme foi captado em película e os ruídos na imagem estão bastante perceptíveis (ao menos na edição em Blu-Ray que eu tenho). Em parte, isso deixa a produção simplesmente datada, mas também a aproxima do universo que o roteirista e diretor Quentin Tarantino busca retratar.

Embora a mensagem não seja direta, este é um filme sobre filmes, sobre cinema. As referências não estão presentes apenas para fazer os nerds terem uma camada extra de diversão, mas também para homenagear um tipo de filme que não existe mais e que não pode ser repetido. Ao trazer uma bagagem ampla para este filme e escancará-la, Tarantino abre as portas para que um novo público tenha interesse pelos velhos filmes de kung fu e saia buscando por mais.

Outras divagações:
Reservoir Dogs
Jackie Brown
Kill Bill: Vol. 1
Death Proof
Django Unchained
The Hateful Eight
Once Upon a Time ... in Hollywood

A primeira vez que eu vi um filme de Quentin Tarantino nos cinemas foi com Kill Bill: Vol. 1. Na época, a expectativa era enorme (ao menos para mim) e o filme era de encher os olhos. Eu nunca tinha visto algo tão violentamente divertido e as implicações disso surgiram na minha mente com força. Na época, eu estava começando a pensar mais sobre filmes e suas mensagens, então, a estranha obsessão humana com a violência, juntamente com a relação disso com o prazer, acabou sendo um tema constante.

Dito isso, naquele momento, eu optei por não rever a produção em casa. Afinal, não queria que novas lembranças “maculassem” aquela experiência fantástica que tive na sala de cinema. Mais de 15 anos depois, contudo, eu resolvi arriscar. E a pessoa que eu sou agora aproveitou Kill Bill: Vol. 1 de uma maneira completamente diferente.

Para começar, eu sempre soube que o filme – assim como qualquer coisa que levasse a assinatura de Quentin Tarantino – era repleta de referências. Eu devo, inclusive, ter lido sobre algumas delas e as reconhecido no longa-metragem. Agora, contudo, eu já vi filmes de kung fu (e dos Shaw Brothers) e tenho alguma bagagem real sobre o assunto. Claro que não sou capaz de mapear todas as referências e o que motivou cada uma das decisões do diretor, mas a construção da história e o tom do filme ganharam uma nova camada.

Para começar, Tarantino sabe o que está fazendo e não tenta entregar um filme de kung fu exatamente aos moldes das produções “originais”. Ao escolher como sua protagonista uma mulher loira e obviamente estadunidense, ele posiciona sua produção como hollywoodiana e, por cima disso, ainda procura jogar suas características autorais. E, bom, ele é um nerd norte-americano que viu filmes demais e adora ser “cool”.

Outro ponto importante está na trilha sonora, que mistura uma série de elementos e traz aspectos orientais, mas também contém músicas mais agitadas e “alternativas”. Ao mesmo tempo, a seleção de canções traz um toque de faroeste – o gênero cinematográfico norte-americano por excelência –, o que combina tanto com a caracterização da protagonista como uma heroína solitária de passado sombrio quanto com um dos principais cenários do filme, uma pequena capela no Texas.

Em resumo, Kill Bill (ao longo dos dois volumes) conta uma história de vingança. Ele apresenta uma mulher grávida (Uma Thurman) que estava prestes a se casar quando um grupo de assassinos entra na igreja e mata todos os presentes. A noiva, contudo, sobrevive mesmo após levar um tiro à queima roupa do líder do grupo, Bill (David Carradine), que, não por acaso, é pai da filha que ela carrega.

Alguns anos depois, a noiva acorda de um coma e decide ir atrás de todos os membros do grupo, com o objetivo de matar um por um até chegar em Bill. Neste primeiro volume, ela enfrenta Vernita Green (Vivica A. Fox), que agora tem uma vida aparentemente tranquila como uma dona de casa dos subúrbios, e O-Ren Ishii (Lucy Liu), que se tornou líder do submundo do crime em Tóquio.

O filme, então, aproveita esses dois principais momentos para mostrar a que veio em termos de cenas de ação e violência, intercalando essa jornada com informações sobre o passado da personagem principal e suas motivações. Os diálogos são sempre dramáticos e exagerados, colocando a jornada de vingança como algo inevitável e sem escapatória, algo que deve ser feito e deve ser enfrentado com honra.

Na luta com Vernita, que praticamente abre o filme, também são estabelecidos pontos importantes da personalidade e da moral da protagonista. Já as sequências que envolvem O-Ren Ishii e todo seu séquito foram criadas especialmente para mostrar a dificuldade da missão e para serem uma pura diversão sanguinolenta. Olhando para trás, O-Ren Ishii representa um desafio muito maior do que o próprio Bill, mas a noiva sequer questiona o fato de que precisa enfrentá-la antes de chegar em seu destino final. Há regras claras nesse mundo e ela as obedece à risca.

Inclusive, quando se pensa em Kill Bill: Vol. 1, o que normalmente vem à cabeça são esses momentos, com a noiva vestida de amarelo e portando uma catana enquanto enfrenta um enorme número de pessoas mascaradas e de terno. Em sua salada de referências, Tarantino conseguiu criar algo absolutamente icônico e que chama atenção por si só, exibindo com orgulho elementos de uma cultura formada por muitas outra. Como cineasta, ele faz questão de mostrar que viu muitos filmes e que quer criar algo novo e único a partir de tudo isso. E ele consegue.

Outras divagações:
Reservoir Dogs
Jackie Brown
Death Proof
Django Unchained
The Hateful Eight
Once Upon a Time ... in Hollywood