Quando eu assisti The Square, fiquei muito feliz de saber que existia um espaço (ainda que restrito) para um filme com humor crítico, que faz uma sátira sobre o mundo da arte – um universo em que ele próprio, de certa forma, está inserido. Assim, criei uma expectativa logo que soube que uma nova produção com roteiro e direção de Ruben Östlund estava se destacando no circuito de festivais. Nem sequer me surpreendi com a indicação de Triangle of Sadness para o Oscar (o merecimento real é questionável).

Neste caso, a sátira é focada em um grupo específico de pessoas ricas e privilegiadas, todas passando as férias em um iate de luxo. Entre os presentes, há uma influencer, Yaya (Charlbi Dean), e seu namorado modelo, Carl (Harris Dickinson), que ganharam os ingressos; um empresário russo do setor de fertilizantes (Zlatko Buric), que parece estar acompanhado por duas mulheres (Sunnyi Melles e Carolina Gynning); uma senhora que sofreu um derrame e tem dificuldades para falar e se mover (Iris Berben); um novo rico que foi paquerar (Henrik Dorsin); e diversas outras pessoas, com seus relatos curiosos de riqueza e poder.

Do outro lado, os funcionários do iate são administrados com mão firme por Paula (Vicki Berlin), que também precisa lidar com todo o tipo de imprevistos. Entre suas funções desagradáveis está tentar lidar com um capitão bêbado que se recusa a sair do quarto (Woody Harrelson). Para efeitos de sinopse, vale ainda mencionar o funcionário da parte mecânica, Nelson (Jean-Christophe Folly), e a versátil faxineira Abigail (Dolly De Leon).

Após apresentar todas essas pessoas, explorando como elas agem e interagem, Triangle of Sadness vira tudo de cabeça para baixo – meio que literalmente. Em resumo, o iate afunda e os poucos sobreviventes acabam em uma ilha, onde descobrem que saber se virar é mais importante do que ter dinheiro. Com isso, as relações de poder e as moedas de troca mudam de uma maneira drástica e todos precisam se adaptar.

O humor do filme, por sua vez, também muda ao longo de cada uma de suas partes. Eu particularmente, gosto mais do começo, quando o mundo de Yaya e Carl é apresentado, seguido pelos momentos iniciais no iate – sim, ver esta vida rodeada de futilidades sendo enquadrada por seus absurdos faz com que eu me sinta melhor. Aliás, é uma pena que vários dos temas colocados no começo da produção acabem sendo abandonados (por alvos mais fáceis, diriam alguns).

A transição é feita com uma das sequências mais nauseantes que já vi, algo digno de The Meaning of Life – ou seja, é engraçado, mas não é para todo mundo (e eu me incluo facilmente nesse grupo depois de alguns minutos). Por fim, as sequências na ilha exploram uma premissa cômica e que, por si só, gera bons momentos para quem assiste, mas que não tem um enquadramento particularmente único.

Assim, embora tenha quase 2h30 de duração, Triangle of Sadness consegue manter um bom ritmo, pois se reinventa com alguma frequência e tem diálogos muito bem construídos em sua aparente loucura. Claro que a produção é pretensiosa por natureza e isso até a aproxima de quem ela quer criticar, mas eu costumo contabilizar essa questão (frequente em sátiras) como um risco operacional que nunca se paga completamente.

De qualquer modo, como não é um humor fácil de assistir, eu recomendo uma boa companhia e até mesmo algumas pausas. Afinal, a produção chegou no Brasil direto nos serviços de streaming – indicando que têm, sim, apelo comercial –, após uma passagem breve por salas de cinema selecionadas.

Outras divagações:
The Square

Com o perdão do trocadilho, Tartarugas Ninja é uma das franquias mais mutantes em termos de tom e identidade que há por aí. Já tivemos quadrinhos ultraviolentos, desenhos bem infantis, animes bizarros e um enorme leque de filmes que variam imensamente de estilo, qualidade e escopo.

Assim, como não existe exatamente um padrão a ser alcançado, vários destes projetos existem apenas para trazerem uma marca facilmente reconhecível. Muitos criadores não parecem exatamente interessados em trabalhar com os aspectos únicos da questão, fazendo com que tenhamos altos e baixos muito perceptíveis – com os baixos sendo a ponta mais frequente desta escala.

Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem é a sétima incursão das tartarugas nos cinemas. Para honrar a tradição, é algo completamente diferente do que que vimos anteriormente, com uma intenção bastante clara de sair do feijão com arroz e subir nas costas de Rise of the Teenage Mutant Ninja Turtles, a série animada de 2018 que, mesmo sendo divisiva com alguns fãs, teve uma boa recepção e uma identidade visual e narrativa forte.

A produção, então, parece compartilhar desta estética sem ignorar a muito perceptível influência de Spider-Man: Into the Spider-Verse, que vem fazendo escola entre os animadores ocidentais. Com isso, pela primeira vez em muito tempo, eu me dei ao luxo de ficar animado com o projeto, afinal, sou tiete de animação e qualquer coisa que empurre o meio para frente é bem-vinda.

Mas vamos ao que interessa. A grande vantagem de uma franquia como esta é que todos já sabem muito bem qual é a ideia. Quinze anos atrás, um composto químico misterioso entrou em contato com quatro tartarugas abandonadas no esgoto e um rato que passava por lá, transformando o grupo em mutantes. Assim, as tartarugas Leonardo (Nicolas Cantu/Rodrigo Ribeiro), Raphael (Brady Noon/Victor Hugo Fernandes), Michelangelo (Shamon Brown Jr./Enzo Dannemann) e Donatello (Micah Abbey/Arthur Carneiro) cresceram sob a tutela de Splinter (Jackie Chan/Marco Ribeiro).

Na trama, as tartarugas adolescentes anseiam se juntar ao mundo humano, a despeito da desaprovação de seu pai, que teme que elas serão rejeitadas por sua natureza mutante. Para buscar a aprovação da sociedade humana, eles têm a ideia de se tornarem heróis, impedindo os crimes de uma nova figura criminosa conhecida como Superfly (Ice Cube/Jorge Lucas), o que os coloca diretamente em contato com a estudante e aspirante a repórter April O'Neil (Ayo Edebiri/Any Gabrielly), que também investiga os casos.

Com um foco muito mais forte no “Teenage”, Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem é um produto consideravelmente diferente do que víamos da série recentemente. Isso se reflete no elenco da dublagem original, majoritariamente composto por atores jovens e menos experientes, e em um roteiro que busca refletir mais este aspecto dos personagens. Com isso, Splinter assume uma postura muito mais paternal do que de mentor e há uma busca maior por identidade e aceitação. Também surgem temas mais geracionais, com referências à cultura pop contemporânea, e um ritmo mais acelerado e entrecortado que ecoa as micronarrativas de redes sociais como o TikTok.

Este foco dado pelo filme é sua maior fraqueza e sua maior força. Ao contrário de muitos dos seus predecessores, Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem aposta no que quer ser e no que quer dizer; e isso carrega o filme até a linha de chegada sem maiores tropeços. Porém, é indiscutível que essas ideias vão alienar um público que busca familiaridade.

Também há outra questão: os adolescentes de hoje em dia realmente são fãs ou quem gosta destes personagens são aqueles que vem acompanhando por mais de trinta anos? A dissonância em usar uma propriedade intelectual conhecida e uma linguagem nova deve causar algum estranhamento, especialmente porque o filme não tem amor algum pelo “cânone” das iterações passadas. Os personagens são diferentes dos originais e muitos elementos clássicos da série estão ausentes. Isso é somado a um tipo específico de humor (de responsabilidade de Seth Rogen e Evan Goldberg) e ao uso extensivo de referências, o que pode deixar os “puristas” desapontados.

De qualquer modo, a animação é bacana e, por vezes, lembra stop motion, com uma fisicalidade legal e uma colorização interessante, além de trazer um uso competente de mixed media. Entretanto, só uma ou duas sequências de ação têm uma coreografia interessante o bastante para se aproveitar da animação. Assim, o resultado poderia ter sido mais impactante, mas ainda é possível ver que os animadores tiveram muita liberdade para se expressar no projeto. Por mais que falte o polimento que um estúdio maior daria, não vejo como reclamar.

Também acho importante mencionar a dublagem nacional do filme, que manteve o perfil de elenco jovem do original (até mais de vez em quando, considerando a faixa de 13 a 17 anos) e que se segura muito bem. A exceção talvez seja Any Gabrielly que, mesmo tendo uma boa voz de canto em outros filmes, aqui entrega uma atuação muito engessada. Ainda que faltem os grandes nomes da produção americana, aqui temos um trabalho sólido que não subtrai (muito) do resultado – o que é uma métrica positiva considerando quão difícil será encontrar salas legendadas deste filme no Brasil.

No fim, dá para dizer que o filme é meio descoordenado, com tom sombrio demais para ser infantil e um humor pueril demais para ser adulto. Mas ele acaba sendo ironicamente uma ótima definição de adolescente, preso no meio dessas duas ambições irreconciliáveis. Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem é, por métricas mais objetivas, um bom filme, mesmo que tenha potencial para ser particularmente indigesto para alguma parte do público. Sua sensibilidade não vai ressoar com todo mundo, mas acredito ser um daqueles casos em que os materiais e visual falam por si mesmos. Se eles o atraíram, vá checar.

Outras divagações:
The Mitchells vs the Machines

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Quando vi o trailer de Red, White & Royal Blue, eu tive uma sensação muito estranha. Eu conhecia aquela história a ponto de ser capaz de saber exatamente o que ia acontecer na sequência. Então, eu percebi que já tinha lido essa história antes... em uma fan fiction.

Uma breve pesquisa no Google depois, descobri que o livro original de Casey McQuiston costuma ser criticado justamente por isso: as situações e o andamento da história se parecem demais com os recursos usados neste tipo de escrita, especialmente para narrar a ideia de inimigos que se tornam amantes. No caso da história que eu li, a trama do livro foi colocada para personagens de outro “universo” e, de alguma maneira, ela ficou mais complexa (ao menos em comparação com o filme), já que havia a necessidade de eles interagirem com mais pessoas.

Mas já estou me adiantando. Red, White & Royal Blue acompanha a interação forçada entre Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez), que é filho da presidente dos Estados Unidos (Uma Thurman), e o segundo príncipe da Inglaterra, Henry (Nicholas Galitzine). Após um incidente envolvendo um bolo caríssimo, eles são obrigados a fingir que são amigos perante a mídia e, no processo, acabam realmente (e romanticamente) gostando um do outro.

A escalada nada sutil desse relacionamento nada mais é que uma desculpa para ver dois homens bonitos se pegando. Ou seja, o filme nem procura disfarçar que se trata de um entretenimento barato e sem nenhum apelo intelectual. Sinceramente, nada contra (eu li a fan fiction com essa história, afinal de contas).

Sob certos aspectos, produções como Red, White & Royal Blue são o mais perto que temos chegado de comédias românticas com um apelo comercial mais amplo. Neste caso, a história realmente foca no relacionamento e na aproximação emocional entre os dois protagonistas (a parte física faz parte disso, mas não há nenhuma cena que realmente exija tirar as crianças da sala), com o absurdo da própria premissa levando a situações cômicas e um equilíbrio disso com momentos mais dramáticos (uma reeleição de um lado, a responsabilidade da coroa britânica do outro).

Os coadjuvantes, obviamente, só servem para dar conselhos aos apaixonados ou para tentar atrapalhar a situação. Há, por exemplo, um repórter intrometido (Juan Castano), um irmão chato (Thomas Flynn), uma amiga e confidente (Rachel Hilson) e um avô rigoroso (Stephen Fry). Como nenhum deles tem exatamente uma história própria, a produção acaba sendo bem focada no romance central, que já não é muito complexo para começo de conversa.

De qualquer modo, acredito que o diretor e roteirista Matthew López, que assina o texto ao lado de Ted Malawer, fez o melhor possível com o material que recebeu. A produção expressa de maneira convincente as circunstâncias de cada personagem e abusa dos cenários para isso. Além disso, Red, White & Royal Blue consegue se manter divertido com um fiapo de história, às custas do carisma e dos exageros de seu elenco. Afinal, suponho que todos estavam plenamente cientes que estavam criando não uma obra-prima, mas algo para constar em lista do tipo “tenho vergonha, mas gosto”.

Há quem diga que Wes Anderson tem perdido a mão, mas eu sinceramente discordo dessa afirmação: acredito que o cineasta tem sido cada vez mais Wes Anderson, para o bem ou para o mal. Há quem diga que um ou outro filme foi o início de uma “guinada para baixo” e que, em cada obra subsequente, ele tem estado mais preocupado com estilo do que com a substância, ainda que esse ponto de referência varie de interlocutor para interlocutor.

Mas isso me parece uma falsa dicotomia, propagada pela constante inferência de que tudo que resta ao diretor é o seu domínio sobre a estética. Há virais no TikTok que, na tentativa de emular o que Anderson faz, acabam perdendo completamente o ponto. Afinal, a substância e a estilo são a mesma coisa para ele.

Digo isso porque Asteroid City chega aos cinemas brasileiros um mês depois da sua estreia lá fora. Com isso, sabemos que sua recepção com o grande público não foi fantástica, com acusações de que o diretor teria submergido ainda mais fundo em suas próprias ideias. Embora eu possa concordar que o filme – propositalmente, diga-se de passagem – é obtuso e desordenado, esta talvez seja a representação mais “pura” do corpo autoral de Anderson em muito tempo.

Com seu ritmo preciso e trabalho de câmera rígido, os filmes do cineasta já foram comparados com obras de teatro inúmeras vezes. E Asteroid City usa a noção do espaço teatral para emoldurar sua história, tornando-a um exemplo particularmente interessante.

Trata-se de um programa de televisão sobre uma peça fictícia que conta a história que estamos vendo. Com essa breve sinopse, já fica claro que Asteroid City tem a intenção de ser labiríntico, tornando difícil compreender exatamente qual é a razão para isso tudo; o que talvez seja justamente o ponto.

Na história principal acompanhamos Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), um fotógrafo e pai enlutado que está levando seu filho Woodrow (Jake Ryan) para uma premiação científica na pitoresca cidade de Asteroid City, localizada no meio do deserto americano em plenos anos 1950. Porém, um incidente envolvendo um extraterrestre os coloca em uma situação de interação forçada, levando Augie a se relacionar com figuras como a atriz Midge Campbell (Scarlett Johansson), mãe de uma garota que também concorria à premiação.

Com um trabalho fenomenal de câmera e uma paleta de cores deliciosa, não é possível ver nenhuma piora nas sensibilidades estéticas de Anderson, sendo que o filme decididamente salta aos olhos. A trama talvez não chegue aos picos mais interessantes de The French Dispatch, com o qual a produção compartilha a ideia de uma narrativa mais fragmentada, mas tem seu próprio apelo.

Em especial, destaco os momentos em que vemos os personagens saltando para dentro e para fora dessas camadas narrativas. Eles se tornam os atores interpretando estes papéis, os diretores e escritores da peça. Desta forma, os elementos visuais referenciados na história reaparecem com outros propósitos, tudo para compor um panorama desnorteante sobre encontrar significado para a própria existência.

A ausência de grandes explicações e a maneira desconjuntada da trama, que é quebrada em pequenas vinhetas, pode espantar aqueles que buscavam uma história mais linear e palatável. Isso também faz com que o filme pareça tedioso se você não estiver ativamente interessando em se engajar com ele.

Mas se você estiver disposto, é uma produção interessante. Não se trata exatamente de uma comédia hilária ou de um drama pesado, mas há bons momentos que fazem você parar e pensar. Os personagens talvez sofram do maior problema de Anderson, que é a bidimensionalidade, com a maior parte deles tendo uma única característica marcante, mas nem isso incomoda, ainda mais considerando que os arquétipos fazem sentido dentro do contexto da peça.

De todo modo, dá para dizer que é um pouco de desperdício. Afinal, temos aqui um elenco extremamente competente e talentoso, mas com pouco espaço para se desenvolver, tanto pelo tempo enxuto da produção quanto pelo elevado número de personagens (ou pela própria fraqueza do roteiro).  Suponho que apenas Scarlett Johansson consegue entregar algo decididamente mais emocionalmente carregado, mas esta é uma daquelas situações que só reforça que Anderson talvez precisasse de uma ajuda no texto que vá além da sua parceria de longa data com Roman Coppola.

Asteroid City certamente parecerá mais interessante se você tem alguma simpatia pelo estilo do diretor ou se quer ver algo que execute bem essa noção quase surrealista proposta pela sobreposição de camadas da história. Mas, para aqueles que já torcem o nariz, nada vai adiantar; inclusive, talvez o filme até explicite o quanto Wes Anderson está autocentrado. No fim das contas é um filme para fãs.

Outras divagações:
The Royal Tenenbaums
The Life Aquatic with Steve Zissou
Fantastic Mr. Fox
Moonrise Kingdom
The Grand Budapest Hotel
Isle of Dogs
The French Dispatch

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Sabe quando um filme é tão inovador que ele praticamente cria um gênero? Isso aconteceu com Peeping Tom, considerado um dos primeiros “slashers” já feitos – como sempre, há controvérsias. De qualquer modo, esse subgênero do terror envolve um assassino em série que geralmente usa uma arma afiada, como faca, bisturi ou motosserra. Em muitos casos, o objetivo é descobrir quem é o serial killer, mas pode acontecer dele ser o protagonista que conduz a história, como é o caso neste suspense de 1960.

Lançado no Reino Unido apenas dois meses antes de Psycho, este longa-metragem foi muito mal-recebido na época por conta de sua temática, o que acabou destruindo a carreira do diretor Michael Powell (que faz uma ponta na frente das câmaras como o pai do protagonista). Além disso, essa também foi a primeira grande produção britânica a ter cenas de nudez (apenas feminina, claro). Posteriormente, a fama do filme mudou e, hoje, ele frequentemente aparece em listas de melhores filmes já feitos, sendo até mesmo citado como um dos favoritos de Martin Scorsese.

Peeping Tom acompanha a jornada de Mark Lewis (Karlheinz Böhm, creditado como Carl Boehm), um homem aparentemente tímido que trabalha como cinegrafista em um estúdio. Em suas horas vagas, ele está elaborando um documentário que, por algum motivo, envolve filmar o assassinato de mulheres. Os planos dele se complicam, no entanto, quando uma jovem vizinha, Helen Stephens (Anna Massey), resolve entrar em sua vida. Cheia de planos e curiosidades, ela vai se aprofundando sobre a infância problemática de Mark, o que a coloca em uma posição de risco.

Para alimentar o suspense, a produção explora uma gama interessante de personagens secundários, como investigadores de polícia, outros vizinhos, colegas de trabalho e até mesmo um psiquiatra (Martin Miller). Entre eles, destaco Milly (Pamela Green), uma prostituta que se irrita com os métodos de Mark enquanto fotógrafo; Vivian (Moira Shearer), uma colega de estúdio ambiciosa que quer se tornar uma estrela de cinema; e a mãe de Helen (Maxine Audley), uma senhora cega e alcoólatra, mas muito perceptiva.

Como a identidade do assassino não é um mistério, Peeping Tom foca em outras questões para criar seu suspense, relacionadas a como exatamente ocorrem as mortes e quais seriam as motivações do protagonista. Além disso, com a apresentação de personagens femininas, surge também a tensão quanto a quem será a próxima vítima (já adianto que alguns momentos são mais óbvios do que outros).

Um ponto importante é que, ao explorar a infância do protagonista (interpretado pelo filho do diretor, Columba Powell) e tentar responder às questões levantadas, o longa-metragem também tenta aproximar o público de um personagem (a princípio) horrível. Afinal, Mark não sente remorso em relação às mortes e sua personalidade inconstante deixa claro que ele não é sempre sincero em suas ações, mas isso não quer dizer que ele seja totalmente desprovido de sentimentos.

Outra aproximação entre espectador e protagonista acontece porque, em alguns momentos, o que vemos é o mesmo que Mark vê por meio da lente de sua câmera. Assim, Peeping Tom é assustador não apenas pelos temas que aborda, mas também por colocar quem assiste na posição do assassino, tanto por meio da criação de uma empatia quanto pelo próprio ponto de vista adotado.

Para um público mais cínico e que já lidou com slashers diversos, não há nada de realmente chocante acontecendo na tela. Entretanto, é preciso admirar a ousadia de quem resolveu contar uma história como essa pela primeira vez.