O interesse pelas obras de Mamoru Hosoda no ocidente nunca atingiu as alturas estratosféricas obtidas por alguns de seus conterrâneos. Mirai no Mirai, seu filme anterior, até teve certo reconhecimento, mas faltava um sucesso que tornasse seu nome conhecido fora da pequena bolha de fãs de animação japonesa, como foi o caso de Hayao Miyazaki e, em certo grau, Makoto Shinkai.

Ryû to sobakasu no hime se propunha a ser esse filme, sendo uma obra mais adaptada ao gosto ocidental e com uma equipe de produção mais internacional. Pela terceira vez em sua carreira, Hosoda nos leva a uma espécie de metaverso (para usar o termo da moda) internético, mergulhando em uma história que, a despeito de tudo, ainda é sobre a vivência humana e os laços que nos unem.

Em um futuro próximo, onde a tecnologia é capaz de realizar experiências imersivas de realidade virtual, Suzu Naito (Kaho Nakamura) é uma garota do interior japonês que carrega um pesado trauma de infância – a experiência tomou dela, dentre outras coisas, a paixão pela música. Após ser convidada por sua melhor amiga, Hiroka (Lilas Ikuta), a entrar no mundo de U, uma popular rede social/metaverso digital, Suzu cria o alter ego Belle, por meio do qual dá vazão a sua criatividade reprimida.

Inesperadamente, a menina encontra a fama entre os entusiastas do U. Porém, durante um show, Belle acaba se deparando com outra figura conhecida deste universo, Ryu (Takeru Satoh), uma criatura monstruosa e agressiva que é perseguida por uma espécie de cyber-milícia que se propõe a revelar sua real identidade. Sem entender muito bem a razão, Belle acaba envolvida em seu drama.

Ainda que se proponha a ter algo que remeta aos contos de fada – sobretudo A Bela e a Fera –, o filme acaba se mostrando mais fresco e menos comprometido com imitar estes caminhos narrativos já trilhados. A história é menos focada em romance e mais na empatia humana e no senso de comunidade, de modo que as referências acabam servindo mais como pano de fundo e mera estética. Em contrapartida, isso pode acabar incomodando ou confundindo quem esperava por algo mais específico.

De qualquer modo, por mais que a mensagem seja positiva, os personagens sejam interessantes e, no frigir dos ovos, a história funcione, sinto que a insistência de Hosoda de não apenas dirigir, mas também roteirizar seus filmes, acaba enfraquecendo o resultado. Acredito piamente que ele é um diretor muito melhor do que um roteirista, com um olho excelente para storytelling visual e um conhecimento de animação ímpar. Em comparação com os trabalhos em parceria com Satoko Okudera, a roteirista dos seus primeiros filmes, nenhuma de suas obras mais recentes teve a capacidade de me encantar pela força da história. E Ryû to sobakasu no hime não é uma exceção, contendo uma série de decisões narrativas questionáveis e um mundo que não me soa verossímil.

Mas, quanto a parte que toca ao trabalho do estúdio Chizu, fico feliz em ver que ele continua extremamente competente, entregando uma animação fluida e natural, mas sem se descolar do toque visual que Hosoda dá aos movimentos faciais e corporais de seus personagens. A composição e o trabalho de storyboard são ótimos, o que acaba enfatizando o quanto as cenas em computação gráfica são inferiores no conjunto. Entendo quem tenha apreciado a estética de U e sei que Hosoda já usou CGI no passado para representar este mesmo tipo de paisagem, mas sinto que o tiro saiu pela culatra no caso dos personagens: em contraste com suas contrapartes animadas tradicionalmente, eles parecem ser menos expressivos e interessantes.

Também preciso dar um destaque ao trabalho de áudio do filme, o que não é algo que dá para ignorar em uma história onde a música é um tema central. A trilha sonora é bacana e funciona bem para o que o filme propõe, sendo por vezes quase um musical – mas um pouco de variedade não incomodaria. A dublagem é particularmente simpática e Kaho Nakamura se sai muito bem, ainda mais considerando que este é seu primeiro papel em animações. O que me incomodou foi a mixagem, mas não sei se isso é algo do filme ou apenas da cópia que assisti, uma vez que era clara a diferença de equalização entre o que acontecia em U e no mundo real.

Assim, por mais que eu fique feliz em ver um filme como esse chegando a um grande público – até mesmo aqui no Brasil, onde esse tipo de coisa é pouquíssimo representada –, sinto que Ryû to sobakasu no hime está longe de ser o melhor trabalho de Hosoda ou até mesmo o melhor que a animação japonesa ofereceu nesse último ano. Apreciei o filme e vejo várias coisas bacanas nele, sobretudo quando estamos tratando da parte mais “humana” da trama, mas devo dizer que esperava mais (em parte por conta da repercussão internacional).

Ryû to sobakasu no hime é um filme que deve ser visto por todo mundo que já estava interessado por ele, afinal, é um grande lançamento, que supre o vácuo da ausência de mais animações tradicionais para o cinema. Entretanto, não sei se ele tem o que é necessário para quebrar o estigma e alcançar o grande público. Mas sempre há uma próxima vez, eu suponho.

Outras divagações:
Samâ uôzu
Ôkami kodomo no Ame to Yuki
Bakemono no ko
Mirai no Mirai

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Teoricamente, The Beatles: Get Back não é um filme, mas uma série feita para televisão que consiste em três episódios de mais de duas horas cada, totalizando quase oito horas. Ainda assim, não é como se isso fosse muito diferente dos longas-metragens longuíssimos que Peter Jackson normalmente dirige (e, bom, o blog é meu).

Montada a partir de filmagens realizadas em janeiro de 1969, a produção acompanha 21 dias de trabalho (ou quase isso) da banda The Beatles, o que inclui sessões no estúdio Twickenham, onde também estava prevista uma apresentação que não aconteceu, e nos estúdios Apple, culminando no famoso show realizado no telhado, em 30 de janeiro. Além disso, também estão contempladas a constante presença de Yoko Ono e a saída (ainda que temporária) de George Harrison do grupo.

A princípio, as mais de 60 horas de filmagens e 150 horas de áudios analisadas para The Beatles: Get Back eram direcionadas a um documentário, que se tornou Let It Be (oficialmente indisponível desde 1980), de modo que esta nova produção acaba funcionando como um “documentário sobre um documentário”. Ou seja, além de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr, vemos com frequência o diretor Michael Lindsay-Hogg, o produtor musical Glyn Johns, o assistente e road manager Mal Evans, o “quinto Beatle” e pianista Billy Preston, e uma série de familiares e amigos, com destaque para Yoko Ono e Linda McCartney.

Para completar, por mais que explore alguns atritos e deixe claro que eles existiram, a série acaba também trazendo muitos momentos de descontração e o processo de criação de diversas canções marcantes. E essas sequências são realmente interessantes, pois humanizam os artistas, mostram como eles realmente interagiam e traz o fato de que eles eram pessoas muito diferentes, mas que se respeitavam bastante enquanto profissionais e que não tinham medo de ser ridículos para experimentar coisas diferentes e melhorar sempre. Aliás, todos eram muito exigentes em relação ao som e se “puxavam” bastante rumo à melhor versão de cada um.

Em resumo, enquanto o primeiro episódio de The Beatles: Get Back traz os momentos em Twickenham e um grande desconforto geral em relação ao prazo apertado e outras tensões (levando à saída de George), o segundo explora a mudança para os estúdios Apple e um sentimento de que eles estão tocando “em casa”, o que altera muito os processos e traz uma leveza maior para o ambiente. Por fim, o terceiro episódio é focado na apresentação no telhado, com direito a entrevistas com o público nas ruas e o acompanhamento da chegada dos polícias (juntamente com as tentativas de enrolá-los).

Mas, querendo o público ou não, o projeto de show/álbum que estava em andamento era uma tentativa da banda de se manter unida e de “voltar às raízes”, com todos os membros tocando juntos e gravando de uma forma mais “natural”, sem tantos efeitos de estúdio – vale lembrar que eles não faziam shows há três anos. Então, havia um claro esforço conjunto para fazer algo bom, ao mesmo tempo em que as coisas já estavam um pouco quebradas. Mas é claro que, no final das contas, o disco e o filme intitulados Let It Be acabaram sendo lançados depois do anúncio do fim da banca (e após mais uma série de discussões sobre como as coisas deveriam ser feitas).

Ainda assim, sob certos aspectos, The Beatles: Get Back ajuda a “desmistificar” muito do que se fala sobre os últimos meses do grupo – eles mesmos se mostram irritados com os rumores, pois há uma sensação de que o fim está próximo, mas nada é tão quente ou violento quanto os jornais dão a entender. Olhando em retrospecto é até chocante que nenhum deles havia sequer completado 30 anos e que eles já haviam feito bastante coisa e precisado lidar com uma fama sem precedentes.

Acima de tudo, a produção é um mergulho fantástico no processo criativo de pessoas muito talentosas, que passam o tempo todo trocando ideias, experimentando, compartilhando referências e produzindo músicas que até hoje emocionam. Mesmo quem não é particularmente fã deve aproveitar; e para quem já curte The Beatles, eu diria que é obrigatório.

Outras divagações:
The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring
The Lord of the Rings: The Two Towers
The Lord of the Rings: The Return of the King
The Lovely Bones
The Hobbit: An Unexpected Journey
The Hobbit: The Desolation of Smaug
The Hobbit: The Battle of Five Armies

Admito que eu não estava no “estado de espírito” certo para assistir Encanto. Mesmo assim, não foi exatamente um desafio embarcar nessa história de uma família que está vivendo de aparências e é extremamente apegada a um “milagre” do qual seus membros dependem, mas não têm controle.

Aliás, embora eu soubesse que a trama envolvia uma casa mágica, pessoas com poderes inexplicáveis e uma família de tamanho considerável (com pelo menos três gerações vivendo sob o mesmo teto), sinto que eu não estava exatamente ciente do tom mais realista que a produção poderia assumir. Pois é, você não leu errado: por trás de tantos elementos fantásticos, o drama é simples e de fácil identificação.

Encanto nos leva para dentro da família Madrigal a partir do olhar de Mirabel (Stephanie Beatriz), uma jovem que se destaca do restante justamente por ser absolutamente normal. Sua avó Alma (María Cecilia Botero) é a matriarca, uma mulher que sofreu na vida e recebeu um “milagre”, representado por uma vela que não se apaga, uma casa bastante interativa (na falta de um termo melhor) e um “dom” para cada membro da família – com a óbvia exceção de Mirabel.

Em resumo, a mãe de Mirabel se chama Julieta (Angie Cepeda) e pode curar qualquer coisa com sua comida, sua irmã Luisa (Jessica Darrow) tem uma força descomunal e sua irmã Isabela (Diane Guerrero) produz flores. Já a tia Pepa (Carolina Gaitan) controla o tempo, a prima Dolores (Adassa) tem uma super audição e o primo Camilo (Rhenzy Feliz) pode assumir a aparência de qualquer pessoa. Por fim, o primo Antonio (Ravi Cabot-Conyers) está prestes a receber seu dom em uma cerimônia que atrai toda a cidade. Ah... Há também o tio Bruno (John Leguizamo), que pode ver o futuro, mas ele foi embora e ninguém fala mais dele.

O problema acontece quando a casa começa a apresentar rachaduras que, a princípio, só Mirabel parece enxergar; além disso, a avó está particularmente preocupada em provar para a comunidade que a magia da família segue firme e forte. A jovem, então, decide investigar o que pode estar acontecendo e, no processo, percebe que nem todos os membros do clã estão tão felizes e realizados quanto parecem.

É este processo de “investigação” que representa a alma de Encanto. A cada música, os personagens abrem seus corações para a empática Mirabel, que vai entendendo seus problemas e percebendo que todos carregam ressentimentos e precisam lidar com a responsabilidade de pertencer a uma família tão especial quanto essa. Assim, quando ela se aproxima de uma solução, a própria busca já mudou.

No final das contas, o filme segue uma estrutura clássica, mas que funciona particularmente bem e se difere das fórmulas normalmente adotadas nas animações da Disney e da Pixar. Para completar, o tema também combina com o “cenário” colombiano da produção, já que acaba aludindo a aspectos do realismo mágico visto na literatura do país (e de outras nações latino-americanas).

A trama simples – que, sim, pode desapontar um pouco – permite que o filme se dedique a explorar cada personagem por vez, destacando as características dos poderes e a interpretação visual das canções, com direito a muitas referências, uma explosão de texturas e uma animação absolutamente linda. Inclusive, sob certos aspectos, a produção é tão caprichada visualmente que isso chega a ser mais interessante que as letras de Lin-Manuel Miranda – que, ainda bem, são mais “frescas” que as vistas em Vivo, por exemplo.

Assim, talvez falte um pouco de magia a Encanto, mas ele me conquistou justamente por manter os pés no chão.

Outras divagações:
Tangled
Zootopia

Ao mesmo tempo em que os cinemas voltam a chamar atenção com diversos grandes lançamentos, uma produção trazida por uma plataforma de streaming conseguiu se destacar nas redes sociais. De repente, super-heróis foram para segundo plano (ao menos na minha bolha) e abriram espaço para a sátira política Don't Look Up, deixando claro que não devemos subestimar a força da Netflix.

Com um grande elenco, além de direção e roteiro de Adam McKay, o longa-metragem une diversas temáticas em alta: desrespeito pela ciência, teorias conspiratórias, mídia em busca de audiência, radicalização de pautas, “polarização” política e a própria efemeridade das redes sociais. Tudo com bom humor e bastante exagero (ou não, mas vamos falar disso depois).

Em Don't Look Up, os astrônomos Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence) e Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) descobriram um cometa gigantesco que está em rota de colisão com a Terra. Eles seguem o que consideram serem os protocolos adequados – revisão dos dados com colegas, alerta às autoridades competentes (Rob Morgan) etc. – até que esbarram na esfera política, representada pela presidente dos Estados Unidos (Meryl Streep) e por seu filho e assessor (Jonah Hill). Em uma tentativa de forçar uma ação governamental, os pesquisadores “vazam” a informação para a mídia, com consequências variadas. Na sequência, um importante empresário do setor de tecnologia (Mark Rylance) demonstra interesse no cometa.

Neste contexto, é óbvio que a principal “graça” do filme é o quanto as pessoas ignoram um assunto tremendamente importante – pois ainda há tempo para tentar salvar o planeta – e se apegam a coisas como números de audiência, repercussão de memes, preços de ações, lucro ou indicações políticas. Contudo, isso é tão próximo da realidade que fica difícil elevar as coisas para um nível realmente exagerado. É quase como acompanhar as notícias sobre a pandemia de covid-19 (que, veja bem, ainda estamos vivendo) ou sobre as férias do presidente Jair Bolsonaro em Santa Catarina, onde ele passeia com jet-skis da Marinha enquanto a Bahia vive uma emergência climática. A realidade já é tão absurda que a sátira perde fôlego.

Mas há um mérito em trazer tudo isso para uma perspectiva ficcional. No caso de Don't Look Up, a “polarização” política se resume a campanhas tão claras quanto “olhe para cima” e “não olhe para cima”, com esta segunda também funcionando no formato “abaixe a cabeça e siga trabalhando”. O problema é que basta levantar os olhos para enxergar que realmente há um cometa se aproximando, o que acaba sendo um pouco mais difícil na realidade (dê uma olhada nos comentários de pessoas antivacinação em qualquer notícia sobre a terceira dose contra o coronavírus).

Entretanto, também não posso deixar de falar que o filme escorrega em algo que é bastante comum a “blockbusters”: ele esquece que o mundo não se resume aos Estados Unidos. Tudo bem que o cometa vai atingir a costa do Chile e não Nova York e que tanto a ONU quando uma iniciativa internacional são mencionadas, mas nada disso tem relevância real. Obviamente, o filme precisa fazer seu recorte e não dá para trazer todas as consequências de uma notícia como essa em uma história inteligível de menos de duas horas – fora que esse senso de autoimportância funciona no contexto da sátira. Ainda assim, é bastante incômodo para qualquer um de fora dos Estados Unidos.

Outro ponto é que a produção optou por usar atalhos visuais facilmente identificáveis, como o boné da presidente norte-americana. Já o personagem de Mark Rylance surge como uma amálgama de outros empresários-visionários, com referências mais óbvias a Steve Jobs e Elon Musk. Cate Blanchett, por sua vez, interpreta uma âncora de televisão que mistura jornalismo e entretenimento, algo comum em programas matinais estadunidenses, embora sua vida pareça ser bem mais glamourosa, como a de uma celebridade. Ou seja, não podemos acusar o filme de ter ficado em cima do muro.

Mas, com todas essas escolhas em ação, Don't Look Up acaba preso nas teias daquilo que ele mesmo critica – e por sua própria culpa. O vínculo com o imediato, a edição rápida e a profusão de personagens podem tornar seu sucesso efêmero e esquecível (algo que só poderá ser comprovado no futuro). Como a sátira se tornou mais difícil, o humor fácil e às vezes meramente bobo que a produção prega frequentemente não dão conta do recado e servem apenas para uma primeira impressão. Mesmo em meio a boas ideias, este é só mais um produto de Hollywood, feito para gerar repercussão e lucrar.

Outras divagações:
Anchorman: The Legend of Ron Burgundy
Anchorman 2: The Legend Continues
The Big Short
Vice