Como tenho feito com alguma frequência, vou começar esse texto com uma confissão: eu não lembro do que acontece em Puss in Boots. Na verdade, eu nem tenho certeza se eu realmente vi o filme (a resenha publicada aqui não foi escrita por mim). Ainda assim, fui convencida a ver Puss in Boots: The Last Wish sob o argumento de que isso realmente não faria muita diferença. E realmente acho que não fez.

Lançado onze anos após seu antecessor (que já havia sido lançado dez anos após Shrek), este filme com direção de Joel Crawford e Januel Mercado veio para aproveitar uma marca já existente e contar uma história própria. Obviamente, a produção traz os elementos que tornaram o personagem famoso – sim, os grandes olhos pidões –, mas isso surge quase que como um easter egg para quem ainda se lembra dos velhos tempos.

Basicamente, Puss in Boots: The Last Wish conta a história de como Puss in Boots (Antonio Banderas) lida com a perspectiva da morte iminente. Após ter usado oito de suas noves vidas (pois é!) sem qualquer medo, o famoso herói felino tem que lidar com a possibilidade de que não terá mais uma chance.

Enquanto tenta se desvencilhar da perseguição do lobo (Wagner Moura), Puss acaba refugiado na casa de uma adoradora de gatos (Da'Vine Joy Randolph), onde cai nas graças de um irritante cachorro disfarçado (Harvey Guillén). Mas sua sorte pode mudar quando ele descobre que Goldilocks (Florence Pugh) e sua família/gangue de ursos estão em uma missão para enganar Jack Horner (John Mulaney) e pegar um mapa até uma estrela cadente que garantirá um único desejo. O detalhe é que há outra gata com intenções semelhantes: Kitty Softpaws (Salma Hayek).

Com isso, Puss in Boots: The Last Wish aposta fortemente nas cenas de ação, com várias lutas de espada e perseguições. E essas sequências são bastantes interessantes, uma vez que a equipe da Dreamworks parece ter ficado fã de Spider-Man: Into the Spider-Verse. A animação, de maneira geral, é perceptível diferente em relação às encarnações anteriores do personagem, mas o novo visual se encaixa bem dentro desta nova proposta.

Para quem gosta de cinema, o filme também está repleto de referências (além da profusão de menções a contos de fada). Segundo os diretores, Il buono, il brutto, il cativo é uma das principais inspirações e, além disso, há momentos que replicam The Wizard of Oz, Mary Poppins e Fantasia.

Aliás, embora a trama em si não seja particularmente memorável, há várias boas ideias e o longa-metragem consegue explorar temas diferentes do habitual para um filme infantil de ação. Juntando isso com uma boa execução, faz sentido que a produção tenha chegado até a lista de indicados ao Oscar de 2023.

Puss in Boots: The Last Wish é divertido e merece uma chance – mesmo se você, como eu, não se lembra mais do filme anterior. Acredito que seja uma boa opção para ver com crianças, mas garanto que a produção também consegue se segurar em uma plateia de adultos, pois tem boas piadas e sequências bem animadas. Basta separar um balde de pipoca e ir relaxar.

Outras divagações:
Puss in Boots

Recentemente, eu encontrei uma lista de filmes da Netflix que não foram tão assistidos quanto deveriam. No meio dessa relação estava The Dig, um longa-metragem que, considerando o elenco, era realmente estranho que não tivesse cruzado o meu caminho anteriormente. Nada mais natural que eu tentasse reparar o meu “erro”. A questão é que logo entendi o motivo do filme não ser lá muito popular: a história é meio sem graça mesmo.

Edith Pretty (Carey Mulligan) é uma jovem viúva com um filho pequeno (Archie Barnes), bastante dinheiro para gastar, certo interesse por arqueologia e uma saúde bem frágil. Em sua propriedade, há alguns montes de terra que não parecem ser naturais, mas estão lá há muito tempo, sem qualquer interesse do governo em explorar a área. A empreitada parece ainda mais difícil considerando que ela está na Inglaterra, às vésperas da 2ª Guerra Mundial, e escondendo seu irmão (Johnny Flynn) na propriedade.

De qualquer modo, Edith resolve fazer as coisas andarem e contrata o escavador Basil Brown (Ralph Fiennes), que tem mais conhecimento que muitos arqueólogos, ainda que não possua uma formação acadêmica. Porém, quando algo finalmente é descoberto, o Museu Britânico se pronuncia e envia uma equipe composta, entre outras pessoas, pelo arrogante Charles Phillips (Ken Stott) e pelo casal em crise Stuart e Peggy Piggott (Ben Chaplin e Lily James). O que se segue é uma escavação em meio a uma disputa de egos e à crescente tensão trazida pela guerra iminente.

A questão é que, por mais que a descoberta em questão esteja entre as mais importantes já feitas (não vou contar o que encontraram para não estragar a surpresa, mas é legal), a determinação de Edith Pretty em manter controle sobre a situação e sua disputa burocrática com o governo não rendem um filme de muito apelo. Por isso, The Dig acaba se focando nas relações entre os personagens, com destaque para a forma como Basil Brown se posiciona e dando uma boa dose de atenção para Peggy Piggott.

Nesse sentido, a primeira metade da produção – que simplesmente contrapõe Pretty e Brown – acaba sendo mais interessante que os desenvolvimentos posteriores, quando mais personagens se integram à trama, gerando um dramalhão cheio de clichês e destinado a não chegar a lugar algum. Mas eu talvez seja suspeita para falar, já que admiro muito tanto o trabalho de Carey Mulligan quanto o de Ralph Fiennes.

The Dig, entretanto, é muito bonito. Além da bucólica paisagem do leste inglês, o filme consegue transformar uma escavação lamacenta em algo interessante de se ver. À medida em que as descobertas são feitas, o buraco vai se transformando em algo fascinante e a motivação de todas aquelas pessoas se torna compreensível, ainda que isso seja empalidecido pela guerra que se aproxima. Fica claro que a descoberta é mais importante que o conflito, mas as batalhas são mais urgentes.

Assim, por ser um drama histórico bem pesquisado e com diversos méritos, The Dig merece ser descoberto por mais pessoas (como defendem as pessoas que fizeram a tal lista). Contudo, esse realmente não é um longa-metragem de grande apelo ou que mexa com as emoções do público – e é justamente ao tentar fazer isso de uma maneira forçada que a produção escorrega.

Sim, mais um filme da Marvel chegou aos cinemas. Em meio a uma boa temporada de “férias”, sinto que Guardians of the Galaxy Vol. 3 consegue segurar a onda e até olhar seus concorrentes de uma posição de superioridade – com uma boa recepção de público e de crítica – por mais que parte da magia de estar vinculado a este “universo cinematográfico” já tenha se perdido.

Aliás, ouso dizer que a produção funciona muito bem sozinha e pode ser assistida por quem eventualmente caia de paraquedas no cinema. Claro que o diretor e roteirista James Gunn – que, agora, é um dos CEOs da DC Studios – não se preocupa em apresentar os personagens ou suas dinâmicas novamente, mas dá para entender que se trata de um grupo formado indivíduos muito diferentes entre si e, ao mesmo tempo, muito leais uns aos outros (o que é suficiente para acompanhar a história).

Além disso, Guardians of the Galaxy Vol. 3 tem a vantagem de afastar o protagonismo de Peter Quill (Chris Pratt) e se dedicar mais a Rocket (Bradley Cooper), que volta a assumir seu nome dos quadrinhos. Sob certos aspectos, inclusive, trata-se da história de origem do guaxinim, contada por meio de uma aventura simples (aleluia!) intercalada com flashbacks. Assim, este é um filme que não sente a obrigação de trazer reviravoltas e que tem um vilão bem definido desde o princípio, The High Evolutionary (Chukwudi Iwuji).

Em resumo, após um ataque inesperado de Adam Warlock (Will Poulter), os guardiões precisam lidar com a necessidade de fazer uma cirurgia em Rocket, mas descobrem que o amigo está, digamos assim, protegido por senha. Para poder quebrar isso, Mantis (Pom Klementieff), Drax (Dave Bautista), Nebula (Karen Gillan), Groot (Vin Diesel) e companhia precisam invadir um planeta e fazer um roubo, de preferência com a ajuda de Gamora (Zoe Saldana). Obviamente, eles encontram algumas complicações pelo caminho.

Com essa trama simples, Guardians of the Galaxy Vol. 3 consegue entreter de forma eficiente. Embora um dos maiores problemas do filme seja o excesso de personagens (que foram se acumulando ao longo das produções anteriores), a falta de firulas permite que os principais nomes consigam ter bons momentos sob os holofotes, por mais que isso não implique em muito desenvolvimento. Além disso, há também o lado positivo deste ser um “filme de turminha”, pois isso permite que os personagens sejam sarcásticos uns com os outros, em uma dinâmica que só é natural entre quem se conhece bem.

Outro ponto importante é a trilha sonora, uma vez que as duas produções anteriores foram fortemente marcadas pelas músicas. De acordo com a história, as canções vinham de fitas com uma seleção bastante particular, retratando épocas específicas. Sem a “restrição”, esta produção pode usar de uma gama bem mais ampla, mas ela ainda opta por um sentimento similar e consegue transformar sucessos de ontem em algo que parece ter sido criado para um filme de hoje.

Guardians of the Galaxy Vol. 3 provavelmente não é o melhor que a Marvel tem a oferecer, mas ele compensa uma ida ao cinema. O longa-metragem é engraçado, os personagens são cativantes e há um charme único. Sinceramente, já está bom.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Ant-Man and the Wasp: Quantumania
Black Panther
Black Panther: Wakanda Forever
Black Widow
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
Doctor Strange
Doctor Strange in the Multiverse of Madness
Eternals
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
Spider-Man: No Way Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok
Thor: Love and Thunder

Depois de assistir uma série de 39 episódios, eu parti para um filme que reconta a história em pouco menos de uma hora e meia. Ou seja, muitas concessões foram feitas para que que Shôjo kakumei Utena: Adolescence mokushiroku funcionasse. Por um lado, a trama é mais direta e focada nas duas personagens principais; por outro, o uso de metáforas visuais ficou ainda mais concentrado – o que me faz considerar se a produção é realmente compreensível para quem não tem um conhecimento prévio do que está acontecendo.

Para quem conhece o anime, aviso que muitas histórias paralelas e envolvendo coadjuvantes foram abandonadas, assim como diversas repetições e “enrolações”. Além disso, as características físicas de alguns personagens (incluindo uniformes) e cenários foram mudados consideravelmente. Para completar, uma personagem marcante foi cortada, aparecendo apenas em uma estranha referência, e outra foi consideravelmente alterada. Infelizmente, eu não li o mangá, então, não sei como ocorreram as mudanças nesse sentido.

Com roteiro e direção de Kunihiko Ikuhara (também responsável pela série), Shôjo kakumei Utena: Adolescence mokushiroku acompanha a chegada de uma nova aluna, Utena Tenjou (Tomoko Kawakami), a um colégio interno. O local parece ter sido projetado por Escher e há um senso de descolamento entre a recém-chegada e os demais, de modo que fica claro de que há algo estranho acontecendo.

Nesta escola, o único vínculo de Utena parece ser com Touga Kiryuu (Takehito Koyasu), que ela conheceu na infância e com quem viveu um episódio traumático. É ele quem a direciona para Anthy Himemiya (Yuriko Fuchizaki), irmã do diretor (Mitsuhiro Oikawa), uma menina fria que detém o título de “Noiva da Rosa”, sendo disputada por um grupo de colegas por meio de duelos de espada.

Se essa sinopse pareceu estranha para você, imagino que isso tenha acontecido porque ela é estranha para mim também. Resumir em poucas linhas o que acontece nesse filme foi um desafio, mas a verdade é que os acontecimentos servem mais como uma grande alegoria para situações mais próximas de nós, como relacionamentos abusivos e o amadurecimento vivido na adolescência.

Shôjo kakumei Utena: Adolescence mokushiroku traz seus temas de uma maneira bastante extrema, sendo difícil compreender muitas coisas ou até mesmo se identificar. Ainda assim, há uma beleza na forma como isso é feito e nas diversas possibilidades de interpretação de cada detalhe. Eu particularmente, não gosto muito do uso da figura de um carro para simbolizar o que é “ser adulto”, mas confesso que ainda não achei uma resposta melhor para essa situação.

Aliás, a animação do longa-metragem é muito bonita e detalhada, especialmente em comparação com a série, que adotava vários recursos óbvios para economia de custos. Os cenários em constante movimento, especialmente, são de fazer inveja a muitas produções. Como espectadora, não sabia se preferiria me perder para sempre naquele lugar maravilhoso ou se entraria em desespero para sair de lá (o que, veja bem, é um ponto importante para o filme).

Desta forma, apesar de Shôjo kakumei Utena: Adolescence mokushiroku ter me cativado, o filme consegue ser tão “cabeçudo” e motivar tantas discussões sobre seus temas e significados, que eu precisei tirar uma folga de materiais desse tipo. Ainda assim, tenho certeza de que uma nova visita a esse universo traria ainda mais coisas a serem pensadas.

Dizem por aí que Plan 9 from Outer Space é um dos piores filmes já feitos e que seu diretor, Edward D. Wood Jr., talvez seja o pior cineasta de todos os tempos. Ao mesmo tempo, eu sou partidária da ideia de que é melhor fazer algo que não fique bom do que deixar de fazer. Também acredito que é melhor arriscar fazer algo diferente do que se render ao que todo mundo já faz. Se o resultado for ruim, pelo menos há algo a mostrar – e você corre o risco de criar algo a ser cultuado, como aconteceu aqui.

No caso deste filme, a história é estranha, conceitos de diferentes gêneros se misturam, a filmagem tem qualidades (e formatos) irregulares e é bem perceptível que o orçamento era baixíssimo. Se você for capaz de abraçar tudo isso como uma forma de entretenimento, a experiência será um verdadeiro sucesso.

Basicamente, Plan 9 from Outer Space traz o plano de controle da raça humana mais estranho que eu já vi. Em plena invasão à Terra, Eros (Dudley Manlove) e Tanna (Joanna Lee) são dois alienígenas sob pressão que decidem colocar em prática o “plano nove”. A estratégia envolve “ressuscitar” um número significativo de mortos, que são mais facilmente manipuláveis, e, assim, subjugar a humanidade. Os primeiros experimentos envolvem um casal (Maila Nurmi, creditada como Vampira, e Bela Lugosi), gerando duas figuras vampirescas que passam a rondar um cemitério. Posteriormente, junta-se a eles um inspetor de polícia (Tor Johnson).

Em defesa dos humanos, por sua vez, há um piloto de avião e sua esposa (Gregory Walcott e Mona McKinnon), que moram absolutamente perto do cemitério, um tenente de polícia (Duke Moore) e um coronel do exército (Tom Keene), além de dois policiais que definitivamente preferiam estar em outro lugar (Carl Anthony e Paul Marco).

Com isso, Plan 9 from Outer Space tem uma premissa bastante aceitável, ainda que bizarra. O detalhe é que ela é acompanhada por personagens caricatos (e machistas), figurinos exagerados, cenários obviamente baratos (a cabine do avião talvez seja o meu favorito), efeitos visuais nada convincentes (sim, dá para ver o fio que segura as naves espaciais) e diversas outras carências.

Aliás, uma das sequências que achei mais incômoda/engraçada envolve um policial que fica apontando um revólver descuidadamente para todos os lados, incluindo na direção de seus colegas e até para si mesmo. Reza a lenda que o ator fez isso de propósito, com o objetivo de ver se o diretor iria notar – o que, obviamente, não aconteceu.

Outro ponto interessante é que Plan 9 from Outer Space é o último filme de Bela Lugosi. As cenas envolvendo o ator foram filmadas sem roteiro e seriam, a princípio, direcionadas para outra produção. Contudo, Edward D. Wood Jr. decidiu escrever seu filme de modo a aproveitar essas sequências; para preencher alguns buracos, foi escalado Tom Mason, que atua com uma capa cobrindo o rosto (e, sim, ficou estranho).

Dito isso, este filme de 79 minutos é uma experiência muito divertida. Ele é absurdo e reúne um bocado de ideias que, claramente, não passaram por um filtro crítico muito apurado. Além disso, as escolhas tomadas para fazer a visão do diretor se tornar realidade a um baixo custo fazem parte daquilo que torna o cinema tão fantástico: a habilidade de contar histórias com truques. Plan 9 from Outer Space é péssimo, mas é ótimo.