Embora os filmes e especiais de TV baseados nos personagens de Charles M. Schulz tenham conquistado muitos corações mundo afora, sinto que estas histórias não fazem parte do imaginário brasileiro – e menos ainda quando elas não se referem a algum feriado. A obra mais recente, The Peanuts Movie, teve seu impacto, foi lançada nos cinemas e contou com uma campanha de marketing interessante (ainda assim, não foi exatamente um grande sucesso). Mas produções como Race for Your Life, Charlie Brown, de 1977, são realmente pouco conhecidas.

Penúltimo filme dirigido por Bill Melendez – que também dá “voz” a Snoopy, Woodstock e alguns personagens adicionais –, este longa-metragem tem 1h16 e acaba sendo bem curto, não devendo cansar as crianças (de qualquer idade). Também se trata de uma animação econômica, que aproveita frames e usa de recursos que facilitam todo o processo. Ou seja, fica claro que o objetivo nunca foi realmente criar uma obra-prima, mas uma história divertida e capaz de entreter, usando estes personagens tão queridos do público e as boas ideias de Schulz (que, aliás, assina o roteiro).

A premissa de Race for Your Life, Charlie Brown, em si, é bem simples. Charlie Brown (Duncan Watson), Lucy (Melanie Kohn), Linus (Liam Martin), Sally (Gail Davis) e companhia vão acampar no distante (e nada sutil!) Camp Remote, onde um grupo de meninos malvados está disposto a atormentar a todos. O local possui uma série de barracas, dividindo as meninas e os meninos do grupo, e promovendo uma competição onde apenas uma tenda será a vencedora.

Com o andamento do torneio, a moral das crianças fica baixa e o clima é de desânimo. Mas tudo pode mudar, pois a principal prova é uma corrida de jangadas pelo rio local. No percurso, obviamente, muita coisa acontece – e eu cheguei a me questionar seriamente como deixam crianças participarem de algo tão perigoso, ainda mais sem a supervisão de um adulto.

Parte da diversão de Race for Your Life, Charlie Brown está na aventura pelo rio, mas outra parte está nos detalhes. Cada personagem tem características muito próprias, que são muito bem exploradas. Peppermint Patty (Stuart Brotman), por exemplo, propõe que tudo na tenda das meninas seja decidido democraticamente (ainda que ela faça isso de uma maneira um tanto quanto autoritária). Com isso, surgem situações como o dilema da eleição de quem distribuirá as cédulas de votação, que não pode ser realizada por um motivo óbvio. Além disso, nem preciso dizer que os meninos acabam se incomodando com o sistema.

Ao mesmo tempo, o cachorro Snoopy e o pássaro Woodstock conseguem viver à margem do acampamento, participando de diversas atividades e do dia a dia das crianças sem realmente entrarem no sistema. Boa parte das cenas de ambos parece existir para preencher o tempo, uma vez que o filme carrega apenas um fiapo de trama, mas elas também servem para divertir e agradar quem está ali apenas para ver o carismático beagle. Infelizmente, elas não conseguem produzir todo o alcance emocional desejado pelo longa-metragem, faltando aquela mensagem de companheirismo e amor que outras produções similares carregam.

Aliás, no final das contas, este filme não tem uma grande trama ou outros méritos que o destaquem, o que justifica seu esquecimento. Para crianças pequenas e fãs particularmente nostálgicos (o que pode ser considerado o meu caso), Race for Your Life, Charlie Brown preenche um vazio momentâneo e diverte. Poderia ser melhor, mas já está bom.

Outras divagações:
The Peanuts Movie

Nostalgia vende. Não é à toa que Hollywood gosta de contar e recontar as mesmas histórias, expandir universos, criar séries, explorar um passado que não é tão distante assim – afinal, o objetivo é fazer dinheiro às custas dos seus sentimentos. Se um tema, personagem ou qualquer coisa que o valha está distante o suficiente para ser lembrado com carinho, pode ter certeza de que será levado ao cinema.

Chip 'n Dale: Rescue Rangers foi criado com esse objetivo, de puxar para si um público que tem os desenhos na memória. Ao mesmo tempo, simplesmente desenvolver uma nova aventura e depender exclusivamente de quem era fã da série animada para televisão, não parece ser um bom caminho. Estes são personagens marcantes, que têm potencial, mas é preciso admitir que eles não parecem ser o suficiente para gerar um sucesso de bilheteria.

Como contornar essa situação? Bom... Os roteiristas Dan Gregor e Doug Mand resolveram simplesmente encarar o problema de frente. Eles, juntamente com o diretor Akiva Schaffer, criaram uma história passada em um mundo onde personagens animados do passado nada mais são do que atores desempregados do presente. Isso inclui não apenas os protagonistas, mas uma série de aparições especiais que vão deixar você pensando em quanto do orçamento foi gasto para garantir os direitos destes personagens.

Em Chip 'n Dale: Rescue Rangers, Dale (Andy Samberg) vive da fama do passado, frequentando eventos para fãs, falando com ninguém nas redes sociais e em busca de novos trabalhos; enquanto isso, Chip (John Mulaney) reconstruiu a vida como vendedor de seguros. Os dois não se falam mais, mas seus caminhos acabam se cruzando quando recebem um pedido de ajuda de Monterey Jack (Eric Bana). O antigo colega contraiu dívidas com Sweet Pete (Will Arnett) e está com medo de ser sequestrado, visualmente alterado e forçado a trabalhar em filmes de baixo orçamento como uma versão pirateada de si mesmo.

Assim, quando o pior parece estar prestes a acontecer, os dois entram em uma parceria com uma detetive humana (KiKi Layne) e seu capitão (J.K. Simmons) para irem em busca tanto dos criminosos quanto dos desenhos desaparecidos. No processo, diversas ajudas e dificuldades vão surgindo, o que inclui um viking mal animado (Seth Rogen), antigos colegas – como Gadget (Tress MacNeille) e Zipper (Dennis Haysbert) – e até mesmo a versão feia do Sonic (Tim Robinson), que foi descartada do filme após a reação negativa do público.

Ou seja, mais do que um mistério a ser resolvido, Chip 'n Dale: Rescue Rangers é também um comentário sobre a indústria de animação, uma sátira a respeito do mundo das subcelebridades (a cirurgia de computação gráfica de Dale é uma sacada fantástica), um divertido jogo de referências e um banho de nostalgia. Tem elementos para todos os gostos, inclusive com direito a discussões sobre como descobrir quem é o vilão secreto (e o simples fato dessa conversa existir faz com que o resultado seja outro, o que é igualmente previsível).

Nem preciso dizer que eu me diverti. Em vez de meramente apelar para minhas memórias envolvendo os personagens (acredite, elas existem), o longa-metragem misturou isso com muitas outras coisas e se transformou em algo que eu gosto na minha idade atual. Consequentemente, eu suponho que o filme tenha um apelo reduzido para crianças, mas essa foi uma escolha consciente dos produtores. Chip 'n Dale: Rescue Rangers é uma bela surpresa.

Tenho uma relação de longa data com Toy Story. Foi um dos primeiros filmes que vi no cinema, antes da era dos multiplexes, em um cinema de rua que há muito tempo não existe mais. E, como tantos, cresci acompanhando a série. Ainda assim, preciso dizer: se Toy Story 4 já demonstrou a disposição da Pixar em perturbar o merecido descanso dos personagens em troca de um filme facilmente “marqueteável”, Lightyear cheira a desespero.

Para começar, esta não é a primeira tentativa de estabelecer uma história de origem para o personagem, o que ficou a cargo da série animada Buzz Lightyear of Star Command, de 2001, produzida após Toy Story 2. Além disso, Lightyear soa ainda menos genuíno e honesto, como um filme criado sob pressão de um comitê corporativo.

A produção traz o personagem título já consolidado em meio a sua carreira como patrulheiro. Em uma missão de exploração, Buzz (Chris Evans) e sua parceira Alisha Hawthorne (Uzo Aduba) são responsáveis por deixar uma tripulação de mais de mil pessoas presas em um planeta hostil e sem uma maneira de retornar para casa. Tomado por seu senso de dever, Buzz tenta consertar o erro sendo cobaia para um combustível experimental, capaz de abastecer o foguete naufragado. Entretanto, em vez de retornar triunfante, ele se vê décadas no futuro e em meio a uma invasão das tropas do misterioso Zurg (James Brolin), precisando da ajuda da neta de Alisha, Izzy (Keke Palmer), e de um grupo de recrutas inexperientes.

Ainda que seja uma história adequada se vista isoladamente, Lightyear não desenvolve o cânone dos personagens nem faz bom uso da série existente. Esse filme, aliás, dificilmente seria feito sem o título que tem, mas ele parece se envergonhar de suas raízes – até mesmo o bordão do personagem é entoado apenas de vez em quando, com pouca empolgação e sem o caráter ingênuo que você esperaria de um filme que, dentro e fora das telas, só foi feito para vender brinquedos.

Inclusive, acho particularmente ofensiva a tentativa do longa-metragem em tentar convencer de que esta é a história que inspirou o boneco de Toy Story, de que este é o filme favorito de Andy. Afinal, a produção carece da energia, do humor e da atitude correta para encantar uma criança dos anos 1990, ou de qualquer outra época.

Talvez parte da minha reação venha do questionável elenco nacional. No lugar de um ator perfeitamente adequado, como Chris Evans, ou da já famosa dublagem de Guilherme Briggs, temos Marcos Mion, que dificilmente pode ser conceituado como um ator, no papel principal. Ele entrega uma performance fraca e sem energia, reforçando ainda mais a noção de que Buzz Lightyear é um não-personagem, especialmente em comparação com alguns de seus companheiros de tela, como Flora Paulita, que dubla Izzy. Já César Marchetti entrega uma performance como o gato mecânico Sox que me parece até superior à versão de Peter Sohn, roubando a cena sempre que aparece e sendo a fonte das únicas risadas genuínas que ouvi durante o filme.

Aliás, é preciso dar o crédito onde ele é devido: o filme é tecnicamente impecável e a animação mostra a primazia dos artistas da Pixar, com um visual muito bonito, ainda que não muito inventivo ou estilizado – o que desanima, considerando que Soul, Luca e Turning Red tentaram fazer coisas diferentes. Ainda assim, no frigir dos ovos, Lightyear permanece sendo absolutamente competente, especialmente para quem gosta de ficção-científica e não tem lá muitas oportunidades de ver isso sendo bem representado (ainda que esse esforço talvez fosse mais bem aproveitado em outro tipo de história).

Infelizmente, o visual bonito não é bastante para salvar o filme de seu maior pecado: ser meio chato e pouco ambicioso. A própria série televisiva, mesmo com seu orçamento limitado, ao menos dava a escala necessária que o termo “comando estelar” inspira, com uma multitude de raças alienígenas, robôs e outros planetas.

Comparativamente, tudo em Lightyear é contido e pouco imaginativo. A maior parte das coisas interessantes acontece antes do próprio filme começar e não vemos nada sobre a organização da qual o protagonista faz parte e nem o que o inspirou a ser quem ele é. E, certamente, nenhum homenzinho verde pode ser encontrado em qualquer lugar. Isso pode ser um caminho para quem realmente não aguenta mais histórias de origem tradicionais, mas acredito que faz falta aqui e mina boa parte do peso dramático do filme.

Queria ter gostado de Lightyear. Mas, para cada ponto positivo e interessante, existem dois defeitos causados pela abordagem cínica e corporativa da produção, faltando cor e imaginação dignas de um brinquedo. Enquanto toda a tetralogia de Toy Story ao menos tenta ter alguma mensagem, Lightyear é vazio e pouco inspirado, sustentando-se demais nos louros da série da qual tira inspiração e não adicionando quase nada que possa ser chamado de seu à mistura.

Mas, ao menos, o gato-robô é absolutamente adorável.

Outras divagações:
Toy Story
Toy Story 2
Toy Story 3
Toy Story 4

As histórias que saem da mente do cineasta Makoto Shinkai são repletas de profundidade emocional – devidamente expressas por protagonistas adolescentes – e costumam contar com um elemento mágico misturado a algo tradicional de sua cultura. O resultado, aliado a um apreço técnico apurado, são animações belíssimas em muitos sentidos.

Tenki no ko, por exemplo, aborda justamente desta forma um tema bastante atual: as mudanças climáticas. Seu enfoque, entretanto, foge das responsabilidades reais dos homens, o que não deixa de incomodar um pouco. Em outro contexto, talvez o filme fosse encarado com mais simpatia. Ainda assim, não é como se ele não tivesse seus méritos próprios.

A princípio, a história acompanha Hodaka Morishima (Kotaro Daigo), um menino que fugiu de casa e quer tentar a vida em Tóquio. Sem documentação e com suas economias esgotando, ele acaba se segurando com todas as forças a uma última esperança: o emprego oferecido por Keisuke Suga (Shun Oguri), um cara muito suspeito, que ganha a vida escrevendo textos questionáveis sobre fenômenos sobrenaturais. Embora o salário seja baixo, Hodaka ganha comida e casa no processo, além de ter a oportunidade de trabalhar ao lado da bela Natsumi (Tsubasa Honda).

Em suas andanças pela cidade, o menino acaba cruzando com Hina Amano (Nana Mori), uma garota um pouco mais velha que ele e que alega ser capaz de parar com as constantes chuvas que assolam a cidade, ainda que em uma área limitada e por pouco tempo. Como ambos precisam de dinheiro, eles se unem para transformar a estranha habilidade de Hina em um negócio, oferecendo períodos sem chuva para garantir o sucesso de eventos, encontros familiares e coisas do gênero. Em pouco tempo, a iniciativa se transforma em um verdadeiro sucesso, mas o uso deste poder traz consequências para Hina.

Como se não bastasse a história relacionada ao poder da menina, Tenki no ko também se funda em dramas bem reais. Tanto Hina quanto Hodaka vivem situações peculiares e precisam se virar em um mundo dominado pelos adultos, lidando com responsabilidades acima de suas capacidades e sem o apoio do Estado – pelo contrário, ambos começam a ser procurados por um sistema que não parece preocupado em os entender.

Em meio a esta aventura e a momentos de desespero, dois mundos se contrastam. Lendas e culturas milenares são intercalados com a crueldade das ruas de Tóquio, ambientes familiares harmônicos levam tristeza e nostalgia para aqueles que não os possuem, chuva e sol vivem em eterna oposição. As dualidades são muitas e seus efeitos sobre os personagens nem sempre são os mesmos.

Visualmente, tudo em Tenki no ko é apresentado com uma quantidade absurda de detalhes, com ambientes meticulosamente criados e explorados, mostrando um mundo muito maior e mais envolvente. É como se a profundidade dos sentimentos ultrapassasse as barreiras físicas dos protagonistas e exacerbasse como o mundo ao redor deles é extremamente complexo. Há tantos elementos que, por alguns instantes, chego a pensar que o mundo real não é tão carregado quanto o filme e me questiono quem está representando a realidade melhor: meus sentidos ou os cenários quase fotográficos?

Em um mundo tão cinzento e detalhadamente cruel, Tenki no ko é um raio de esperança intencional e nem um pouco sutil. Embora fale do clima e das consequências do desequilíbrio, ele é menos sobre isso e mais sobre a importância de um suporte emocional.

Outras divagações:
Byôsoku 5 senchimêtoru
Kimi no na wa

Quando pequeno, eu era aquela criança fascinada por dinossauros; eu tinha uma dúzia de brinquedos e decorações com esta temática e um conhecimento enciclopédico da paleontologia. Mesmo que a vida tenha me empurrado para longe dessas coisas e boa parte dos meus conhecimentos tenham sido esquecidos ou alterados pela compreensão científica mais recente, ainda tenho essa empolgação quase infantil quando consigo ir em um grande museu ver o que restou destas criaturas.

Assim, não preciso dizer que eu gostava muito de Jurassic Park. Mas, quando Jurassic Park III chegou aos cinemas, houve um momento em que o “olha, dinossauros!” deu lugar ao “é... são dinossauros”. E sinto que Jurassic World Dominion, apesar das suas tentativas de ser mais fresco e interessante do que Jurassic World: Fallen Kingdom, acaba sendo afetado por essa saturação.

Passado anos após os acontecimentos de seu antecessor, o longa-metragem foge um pouco do cenário de “ilha com dinossauros” explorado pelos outros filmes da franquia. Agora, ele nos situa em um mundo que tem que conviver com dinossauros caminhando entre os humanos, e com todos os problemas causados pela proliferação destes seres pela Terra.

Neste contexto encontramos Owen Grady (Chris Pratt) e Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) ainda juntos e servindo de pais adotivos para Maisie Lockwood (Isabella Sermon), a garota envolvida na rocambolesca trama anterior, que é procurada globalmente por conta do seu DNA. Ao mesmo tempo, alguns velhos conhecidos da franquia, Ellie Sattler (Laura Dern) e Alan Grant (Sam Neill), recebem uma mensagem de seu antigo amigo, o Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum), e se veem no meio de uma conspiração envolvendo uma multinacional de biotecnologia, Maisie e uma praga que pode ameaçar os estoques de comida do mundo.

Este elenco já mostra que Jurassic World Dominion é repleto de referências, sendo segurado fortemente pela nostalgia, o que funciona como um fechamento para a série (pelo menos até um novo revival). Mas isso não quer dizer que ele seja solene ou se leve a sério demais: o clima de despedida acaba se traduzindo em um sentimento de “vamos aproveitar essa oportunidade e fazer o que der na telha”, resultando em um filme com mais espetáculo e diversas sequências feitas para agradar os fãs mais antigos. Além disso, há um pouco mais de variedade, já que há cenários mais variados do que selvas com dinossauros.

Entretanto, a história sofre com a mesma trama cansada de sempre. Um capitalista excessivamente ambicioso e ganancioso voa perto demais do sol e o resto do mundo sofre as consequências. Porém, seria injusto dizer que isso não se aplica desde o primeiro filme (e, talvez mais fortemente, desde o livro de Michael Crichton), de modo que posso considerar esse aspecto como um motivo da série. O que não é uma desculpa para as inúmeras conveniências e coincidências que conduzem a trama.

Obviamente, não acho que alguém vai ver Jurassic World Dominion porque espera uma narrativa cheia de nuances e significados; o objetivo é ver dinossauros e correria. Ainda que, como dito, o frescor dos dinossauros tenha se exaurido um pouco, a produção é competente e entrega o que é pedido. Os personagens – tanto os velhos quanto os novos – são interessantes o bastante para empurrar a história para frente e manter as coisas divertidas.

Só lamento que a ideia original deste filme (ou seja, que há dinossauros entre nós) seja eventualmente colocada de lado em prol de um cenário mais tradicional. Os momentos do filme que exploram estas relações são, em minha opinião, os pontos mais interessantes do longa-metragem, e algo que gostaria que tivesse mais espaço.

Apesar disso, Jurassic World Dominion surpreende positivamente. Talvez as minhas expectativas estivessem realmente baixas, mas a verdade é que o filme consegue ser genuinamente divertido, ainda que com uma trama desconjuntada e um certo excesso de Chris Pratt levantando a mão para dinossauros.

Se você tem um certo carinho por estes filmes, Jurassic World Dominion traz um final adequado e que se esforça para terminar em uma nota positiva. Só espero que a produção não confunda uma possível recepção positiva com uma carta branca para continuar em frente – aqui cabe a grande lição de Jurassic Park: às vezes, é melhor manter certas coisas mortas e enterradas do que trazê-las de volta por pura ganância.

Outras divagações:
Jurassic World
Jurassic World: Fallen Kingdom

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle