Entre os filmes que fizeram aniversários “relevantes” em 2019, White Chicks atraiu bastante atenção por continuar sendo engraçado e constantemente referenciado. A produção, que completou 15 anos de lançamento, tem uma premissa que até hoje é um bocado controversa, mas que, inesperadamente, ainda funciona bem.

Na história, Kevin e Marcus Copeland (Shawn e Marlon Wayans) são dois agentes do FBI que estão com as carreiras ameaçadas – em resumo, eles dão uma mancada atrás da outra. Para tentar fazer uma média com o chefe, eles se voluntariam para buscar duas dondocas milionárias no aeroporto, Brittany e Tiffany Wilson (Maitland Ward e Anne Dudek). Elas são as possíveis futuras vítimas de um perigoso sequestrador e a missão é levá-las até um hotel que será severamente monitorado pelo próprio FBI.

Porém, um pequeno acidente no meio do caminho faz com que eles optem por se disfarçar como as moças durante toda a permanência delas no local. Além de precisarem evitar serem desmascarados pelos próprios colegas, isso inclui a participação em uma série de eventos de gala e a constante interação com as melhores amigas e as maiores inimigas das moças.

E é aí que White Chicks se transforma em um filme surpreendentemente positivo. Ainda que todos os personagens sejam extremamente caricatos, o convívio inesperado traz oportunidades para todos crescerem. Em pouco tempo, os agentes disfarçados passam a dar e receber dicas sobre relacionamentos, amizade e até mesmo amor próprio.

Mas é claro que o humor se constrói nas características exageradas de cada um dos grupos retratados. Há desde um ataque histérico sobre celulite e gordura localizada vindo da pessoa mais magra do filme (Jennifer Carpenter) até um homem negro (Terry Crews) que é fascinado por mulheres brancas. Isso sem contar a esposa extremamente controladora (Faune Chambers Watkins), momentos escatológicos, um festival de insultos direcionado às mães, as estratégias adotadas em uma competição de dança e outras aventuras.

A questão é que tudo está tão exagerado que as sequências deixam de ser exatamente ofensivas. Ainda que você possa ache que conhece alguém “igual” a algum personagem, eu duvido que alguma pessoa se identifique seriamente. Além disso, White Chicks aposta fortemente na habilidade das pessoas de rirem de si mesmas. Os exageros da cena em que o grupo de mulheres vai fazer compras, por exemplo, encontram alguns correspondentes em histórias que já ouvi ou até mesmo vivenciei. Quem nunca, não é mesmo?

Para completar, o humor é muito bobo, praticamente infantil – e assinado pelos próprios Shawn e Marlon Wayans, acompanhados pelo diretor Keenen Ivory Wayans. Assim, não há uma profusão de palavrões, cenas que sejam mais pesadas (há algumas piadas de conotação sexual, mas que poderiam ter sido escritas por um adolescente bobo) ou mesmo muito polêmicas (exceto a própria premissa, que é bem bizarra). Dessa forma, a produção acaba sendo relativamente inócua, o que deve ter garantido sua popularidade constante na internet.

Claro que White Chicks tem muitos problemas. Para começar, a trama em si não faz muito sentido. Depois, o longa-metragem se apoia muito fortemente na piada de que dois homens negros estão se passando por mulheres brancas (é como uma versão exagerada de Some Like It Hot), abordando o assunto com bastante ênfase na frivolidade das mulheres da alta sociedade e reforçando um punhado de estereótipos negativos em relação a todos os envolvidos, o que inclui até mesmo os agentes do FBI.

Assim, se você não estiver com o senso de humor certo ativado (aquele bem bobo e inconsequente), a produção realmente não vai funcionar para você. Mas, ao mesmo tempo, é bastante compreensível porque o filme foi um grande sucesso de público na época (e um fracasso com a crítica) e continue sendo lembrado atualmente, ainda mais quando o fator da nostalgia começa a bater com mais força.

Quando Zombieland chegou aos cinemas, vivíamos o começo de uma estranha moda de filmes com temática de zumbi. Agora, 10 anos depois, os mortos-vivos estão com a imagem um tanto quanto desgastada – porém, isso não impede que a produção continue sendo divertida (se você ainda não viu, eu recomendo!).

Em relação a Zombieland: Double Tap, bom, basta dizer que todos os envolvidos sabiam muito bem no que estavam se metendo. E, justamente por isso, eles voltaram em bando e ainda trouxeram alguns amigos. Faz sentido esse súbito aumento no elenco, considerando o contexto da história? Não muito. Mas também não é como se isso fosse uma preocupação.

Quando a nova aventura começa, Columbus (Jesse Eisenberg), Wichita (Emma Stone), Little Rock (Abigail Breslin) e Tallahassee (Woody Harrelson) estão vivendo uma espécie de crise no grupo. Os dois primeiros estão realmente em um impasse no namoro, os dois últimos têm uma estranha relação de pai e filha, os rapazes têm suas tradicionais diferenças de temperamento e as moças precisam lidar com mudanças nas dinâmicas de poder. Obviamente, a parte mais fraca e mais imprevisível é a adolescente, que acaba partindo em uma jornada pacifista com um namorado músico, Berkeley (Avan Jogia).

Os demais, então, partem em uma missão de resgate. No caminho, eles descobrem que o vírus zumbi está “melhorando” e que está cada vez mais difícil acabar com os mortos-vivos. Além disso, eles encontram um segundo grupo (Luke Wilson, Thomas Middleditch e Rosario Dawson), formado por pessoas que lembram fortemente personalidades que eles já conhecem. Isso sem falar em uma pessoa irritantemente cor-de-rosa chamada Madison (Zoey Deutch).

Além disso, é claro, a história de Zombieland: Double Tap nos leva para lugares que se tornam acessíveis graças ao bizarro conceito pós-apocalíptico vivido pelos personagens. Entre eles estão a Casa Branca, um shopping abandonado, um bar-hotel-museu (não entendi muito bem!) em homenagem a Elvis Presley e uma comunidade hippie que não aceita armas – o que não faz lá muito sentido quando há zumbis do lado de fora, veja bem.

Tudo isso, obviamente, é só uma desculpa para o filme poder intercalar os diálogos espertinhos entre seus protagonistas, os recursos visuais diferentões e cenas de cabeças de zumbis sendo explodidas. A história caminha para uma óbvia batalha final e o público já sabe muito bem pelo que esperar, ficando bem contente com uma sequência de ação mais elaborada e com algumas estripulias. Talvez seja um pouco frustrante emocionalmente saber que não há consequências reais para nada, mas a produção nunca quis se prestar a esse papel.

Ainda assim, eu continuo achando que um dos maiores méritos de Zombieland: Double Tap está no elenco que conseguiram reunir. Enquanto a aura nerd de Jesse Eisenberg é palpável, Emma Stone entrega o melhor de seu humor sarcástico e levemente cruel (mas que não ofende ninguém de verdade), enquanto Woody Harrelson manda ver na falta de noção ranzinza de sempre. Neste contexto, a melhor inclusão do novo filme é Rosario Dawson, que complementa bem o humor do grupo e parece estar se divertindo bastante.

Em resumo, o diretor Ruben Fleischer conseguiu mostrar que sua fórmula realmente funciona e que pode ir além da modinha dos filmes de zumbi – como não poderia deixar de ser, o longa-metragem também faz piada com isso. Inclusive, esta continuação pode até não ser tão memorável quanto o filme anterior, mas ela cumpre seu papel e consegue divertir o público. Considerando as produções atualmente em cartaz, acho que é esta é a opção mais eficiente para quem quer dar boas risadas.

E, aproveitando a oportunidade, garanto que vale a pena aguardar um pouco na sala depois que os créditos começarem a subir. A cena “escondida” de Zombieland: Double Tap é bem mais recompensadora que muitas das que apareceram nos filmes de super-heróis.

Outras divagações:
Zombieland

Como uma pessoa que viveu a pré-adolescência nos anos 1990 – mais precisamente na metade final da década –, as comédias românticas estreladas por Julia Roberts estão gravadas em minha memória. E Notting Hill sempre teve um lugar reservado, afinal, a história se passa em um bairro charmoso de Londres, explora o romance de uma pessoa “normal” com uma estrela de cinema e é acompanhada pelos charmosos olhos azuis de Hugh Grant (escândalos pessoais à parte).

Em resumos, temos o encontro inesperado da famosíssima Anna Scott (Roberts) com William Thacker (Grant), o dono de uma livraria decadente que vende apenas livros de viagem. Ela compra um livro, depois eles se esbarram ao acaso, ele é extremamente atrapalhado, ela se diverte em deixá-lo ainda mais envergonhado, ele encontra algo novo com aquela companhia inesperada, ela se sente confortável longe da badalação. Porém, o romance que poderia surgir entre eles é atrapalhado antes que possa realmente florescer e ambos passam a buscar, cada um a sua maneira, uma forma de preencher o vazio deixado pelo outro.

Enquanto os protagonistas vivem um romance bem açucarado, a parte cômica de Notting Hill fica por conta dos coadjuvantes – especialmente a irmã de William, Honey (Emma Chambers), e o colega de apartamento dele, Spike (Rhys Ifans). Eles são responsáveis por um ar de bizarrice que, hoje em dia, parece nem combinar muito bem com a produção, mas que funciona para trazer a visão de excentricidade que uma atriz de Hollywood (ou mesmo o público norte-americano) teria da Inglaterra. Em resumo, é um humor bobo, baseado em penteados malucos, camisetas sem vergonha e uma absoluta falta de noção sobre convívio social.

Assim, ainda que o texto pareça datado, grande parte do mérito de Notting Hill está no roteiro de Richard Curtis – que domina o gênero como ninguém (e costumava ser o verdadeiro dono da casa de porta azul). Ele consegue manter o tom doce repleto de clichês e coincidências, mas com as doses exatas de drama, realismo, humor e fantasia. Outro aspecto brilhante foi a escolha dos atores, já que tanto Julia Roberts quanto Hugh Grant interpretam visões que o público tem sobre eles mesmos.

E, como não poderia deixar de ser, o longa-metragem se constrói a partir de uma série de encontros e desencontros. Vários deles servem para enfatizar a enorme distância que existe entre os personagens. Ele é um zé-ninguém, sem dinheiro e sem muitas perspectivas, que vive um dia depois do outro da melhor maneira possível, mas com um grande receio de não encontrar “a” felicidade. Já ela tem muitos olhares voltados em sua direção, com o luxo e a fama custando um pouco mais do que ela gostaria de pagar.

Tudo isso é acompanhado de uma trilha sonora que marcou época e continua a ser interessante (talvez ela seja um tanto quanto redundante e óbvia, mas não é como se o filme apostasse em qualquer sutileza narrativa). Para quem já tem carinho pela produção – como é o meu caso –, as canções que tocam ao longo do filme são automaticamente vinculadas às emoções correspondentes. Não há como evitar!

Assim, talvez Notting Hill realmente não seja um filme destinado a tocar novas gerações, mas eu não subestimaria seu poder sobre o coração de jovens sonhadores. Para mim, o encanto ainda não passou, mesmo 20 anos após o lançamento.

Outras divagações:
My Cousin Rachel

Um grupo de gringos perdidos na selva. Eu acho que já vi essa história antes, tanto nos cinemas quanto nos jornais. E, bom, o desfecho não costuma ser muito positivo.

Ainda assim, os trailers de Jungle conseguiram me chamar atenção – não necessariamente de forma positiva e não só pelo sotaque israelense de Daniel Radcliffe (não sei se ele é realmente bom, mas eu achei interessante). Com uma fotografia escura e enquadramentos fechados, o filme parecia trazer um aspecto agoniante à experiência de fazer um “passeio” pela Floresta Amazônica. Para completar, além de estarem em um ambiente estranho, os personagens principais ainda teriam uma companhia humana não confiável, uma espécie de traidor do grupo, dando ao conjunto um aspecto de filme de terror.

Quem me dera. No final das contas, o longa-metragem é realmente uma história convencional sobre pessoas perdidas na selva. Ele até funciona para quem vai assistir com as expectativas certas (e baixas), mas há outros exemplos do gênero capazes de dar um maior retorno emocional.

Jungle acompanha Yossi Ghinsberg (Radcliffe), um rapaz de Israel que está fazendo um mochilão pela América antes de entrar na universidade. Na Bolívia, ele faz amizade com um professor suíço, Marcus Stamm (Joel Jackson), e um fotógrafo estadunidense, Kevin Gale (Alex Russell). O primeiro está fazendo um ano sabático e é a pessoa mais simpática que ele já conheceu na vida. O segundo é meio metido, mas é um profissional talentoso e que está sempre disposto a encarar uma nova aventura.

Tudo vai bem até que surge Karl Ruprechter (Thomas Kretschmann), um guia austríaco que oferece uma viagem única pela floresta, com direito a rios de ouro, o contato com tribos indígenas ainda desconhecidas e outras maravilhas. Yossi fica absolutamente deslumbrado com a possibilidade e acaba convencendo os outros dois a participarem da expedição. Inicialmente, eles até desconfiam que se trate de um golpe, mas acabam acompanhando o misterioso desconhecido.

Porém, Marcus se machuca após alguns dias na selva, atrapalhando o cronograma de todos. Com isso, a temporada de chuvas se aproxima e atritos começam a surgir entre os amigos, de modo que o grupo opta por se dividir, o que nunca é uma boa ideia. E o passeio de alguns dias se transforma em longas – e difíceis – semanas.

Por ser baseado em um livro do próprio Yossi Ghinsberg, Jungle acaba se afunilando cada vez na jornada do personagem de Daniel Radcliffe, que segura o filme nas costas e faz essa escolha valer a pena. Entretanto, esse “sumiço” dos demais não deixa de soar estranho, deixando uma curiosidade latente no ar (e que nunca é exatamente sanada, mantendo as limitações do material original). Ainda assim, é bom ver o ator se esforçando para trazer credibilidade dramática a um personagem – algo que ele sabe fazer bem –, com bastante tempo de tela para isso.

Porém, preciso admitir que, por mais que eu tentasse empatizar com o sofrimento mostrado ao longo do filme, nunca sumiu totalmente a sensação de que eu estava vendo pessoas idiotas que se meteram em uma situação horrível por conta de suas próprias decisões (eu sei que, em grande parte, é preconceito com estrangeiros fazendo turismo na floresta).

Claro que nenhum dos envolvidos mereceu passar por aquilo, mas eram situações absolutamente evitáveis. Isso sem contar que, considerando que todos já estavam na estrada há algum tempo, eles foram muito inocentes ao aceitar a proposta de um guia desconhecido que pretendia levá-los para um lugar obviamente perigoso. Isso para não mencionar o fato de que um grupo de quatro pessoas tinha apenas um facão e uma espingarda, ambos na posse da pessoa menos confiável.

No caso do protagonista, Jungle tenta justificar sua ânsia pela aventura por meio de flashbacks, mas, sinceramente, a emenda saiu pior do que o soneto. Se o diretor Greg McLean deixasse essas sequências de lado e focasse totalmente na jornada de superação e nos inúmeros desafios propiciados pelo ambiente hostil, o resultado talvez fosse mais consistente e envolvente emocionalmente. Ao mesmo tempo, o contraste com um Radcliffe de cara lavada também traz seus impactos.

Demorou um pouco, mas a DC e a Warner finalmente encontraram seu próprio ritmo quando decidiram abandonar a pretensiosa ideia de copiar a concorrência e abraçaram o que tinham de melhor: personagens absolutamente icônicos. Se Aquaman e Shazam! já apontavam a tendência do estúdio de dar mais liberdade tonal e criativa aos seus diretores e roteiristas, Joker é a consolidação destas decisões. O filme não caminha nem de longe ao lado das outras obras citadas, colocando-se em um patamar diferente de seus colegas de estúdio.

Se Logan havia mostrado que os filmes baseados em quadrinhos de heróis poderiam ser sérios e reflexivos, Joker afirma que eles podem ser arte de primeiríssima qualidade.

Passado em uma Gotham que ecoa fortemente à Nova York da década de 1980 – no auge da sua violência urbana e dos atritos causados pela gentrificação que forçou a população mais pobre para guetos na periferia da cidade –, Joker acompanha a vida miserável de Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), um homem com um histórico de problemas mentais. Ele tenta sobreviver fazendo bicos como palhaço enquanto sonha com o estrelato como comediante de stand-up no programa de Murray Franklin (Robert De Niro).

Porém, os negócios não vão bem e Arthur se preocupa mais em cuidar da mãe idosa, Penny (Frances Conroy), do que de si mesmo. Com isso, a degradação da sua saúde – física e mental – vai se agravando, ao mesmo tempo em que a própria cidade de Gotham cai em um espiral de violência e tensão constante.

Mais do que qualquer outra coisa, Joker é um daqueles filmes que se foca completamente no estudo dos seus personagens e na maneira com que suas motivações e crenças se chocam. O resultado destes impactos no mundo ao seu redor torna essa produção a representação mais sociologicamente densa do palhaço do crime. E, para dar ênfase a esta faceta da história, pela primeira vez em décadas (talvez desde os filmes de Tim Burton), Gotham se torna uma personagem tão importante para o filme quanto o seu protagonista: a crueza e a maneira extremamente visceral e meticulosa com que o espaço urbano é representado é o que separa esse filme das versões mais fantasiosas dessa mitologia.

Por sua vez, Arthur Fleck consegue ser, ao mesmo tempo, um personagem simpático ao público e assustador, escondendo por entre as fissuras da sua psique a semente da loucura que inevitavelmente o levará a assumir a persona do já conhecido vilão – e quando esse momento chega, ele chega com força. Nós sabemos desde o início que esse é o destino final da história e que nos resta, como espectadores, apenas presenciar atônitos a queda de Arthur e os motivos que o levam até ela.

Aliás, é graças à performance de Joaquin Phoenix que não há um segundo onde a tensão se dissipe, enchendo o personagem de pathos sem tentar exatamente justificar as suas ações. O grande mérito de Joker é criar uma nova faceta para o personagem, que em nenhum momento remete à performance premiada de Heath Ledger. Ao mesmo tempo, ela é tão memorável quanto e, possivelmente, chega a ser até mesmo superior tecnicamente, estando à beira de sucumbir em frente ao esforço monumental que Phoenix bota no papel.

Dito isso, admito que eu não dava o mínimo crédito para o diretor Todd Phillips, a figura por trás da franquia The Hangover e bem mais conhecido por seus trabalhos cômicos. Mas, ao colocar na tela uma forte influência de Martin Scorsese (o filme compartilha muitas notas com The King of Comedy e Taxi Driver, talvez até demais), Phillips se sai particularmente bem.

Para completar, ele ainda é auxiliado pela trilha sonora da violoncelista Hildur Guðnadóttir – que trabalhou em outros filmes bastante atmosféricos, como Arrival e The Revenant, e que parece ter uma promissora carreira pela frente. A música dá tensão e substância a uma direção seca e pesada, amplificando os momentos de terror existencial e dando crueza e propósito para a violência.

Obviamente, o filme tem seus problemas: e eles estão presentes com muito mais força no seu discurso do que na sua execução. A velha questão de vilanizar personagens portadores de doenças mentais tem sido bastante discutida hoje em dia, mas acho impossível evitar isso em uma figura que talvez seja a representação mais forte da loucura e do caos na cultura pop. Além disso, o filme tenta se afastar de comentários políticos, muito mais textualmente do que qualquer coisa, e ouvimos da própria boca de Arthur que ele não quer fazer nenhuma declaração político.

Porém, a desastrosa entrevista de Joaquin Phoenix para o The Telegraph, onde ele teve de deixar a sala quando confrontado sobre o possível impacto social do filme, demonstra que, tal qual o ator, o filme não parece estar ciente que deixar de manifestar uma opinião política não impede de tornar as suas ações politicamente carregadas. O longa-metragem não faz muito para afastar uma série de interpretações bastante amplas sobre o seu subtexto e que provavelmente serão discutidas a exaustão em um futuro próximo (eu mesmo teria mais a dizer sobre isso).

Mas talvez seja essa a intenção. A falta de tato e de direção em sua mensagem podem ser nada mais do que uma estratégia calculada para gerar a controvérsia necessária para alçar esse filme a um público sedento por discussão. Afinal, não sou tão ingênuo a ponto de achar que, no final do dia, Joker não tenha sido pensado como um produto (convenhamos: ele carrega a marca de uma franquia milionária). Mas também não sou tão cínico para deixar de enxergar os méritos óbvios do filme.

Outras divagações:
Man of Steel
Batman v Superman: Dawn of Justice
Suicide Squad
Wonder Woman
Justice League
Aquaman
Shazam!

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle