A essa altura do campeonato, quando alguém vai ao cinema para um filme de Matthew Vaughn, a pessoa sabe exatamente o que esperar – para o bem ou para o mal. Então, vou poupar o seu tempo: se você não gosta da filmografia do diretor, já adianto que não vai encontrar nada de diferente por aqui. Inclusive, Argylle traz as notas familiares da franquia Kingsman, apenas abandonando a ultraviolência estilizada e trocando a classificação de R pela mais amigável PG 13.

A produção acompanha Elly Conway (Bryce Dallas Howard), uma escritora que atingiu a fama com uma série sobre as peripécias do superespião Argylle (Henry Cavill). Ele, por sua vez, é uma figura aos moldes de James Bond, do tipo que enfrenta a conspiração de uma agência de espionagem corrupta que ameaça a estabilidade mundial.

Prestes a escrever o último livro da série, Elly vê sua vida em perigo quando descobre que seus livros são misteriosamente próximos a acontecimentos reais. Isso leva o líder de uma organização internacional (Bryan Cranston) a querer capturá-la para descobrir a localização de um arquivo contendo informações incriminadoras de seus agentes. A única pessoa que parece querer ajudar é Aidan (Sam Rockwell), um agente desgarrado dessa mesma organização que pode estar envolvido diretamente em algumas das situações descritas nos livros de Elly.

Com uma premissa relativamente interessante, o filme até que começa bem. O humor – mesmo sem a ousadia de Kingsman – é efetivo; os personagens são relativamente carismáticos; e a ação é sólida e com peso.

Mas, por alguma razão, Argylle cruza uma linha imaginária e se tornar uma versão quase pastelão da fórmula já vista em outros filmes de Vaughn. Ou seja, sai o foco nos personagens e entra a ação estilizada que é marca registrada do diretor. Isso, entretanto, não parece funcionar do mesmo modo, especialmente por conta de violência quase sanitizada e de uma coreografia não muito inspirada.

Para mim, fica claro que a produção perde fôlego no seu último ato, chegando esbaforida à linha de chegada, sem energia para emplacar uma sequência. A duração é excessivamente longa para esse tipo de história e a dinâmica entre os personagens, que já estava meio prejudicada pelas intermináveis sequências de ação, fica sem tempo para o humor respirar ou para receber um peso emocional.

Com isso, a resolução da história fica sem peso algum. A personagem de Bryce Dallas Howard perde muito espaço e charme no decorrer da trama, dando a impressão de que o roteiro não sabia exatamente o que fazer com ela.

Isso é uma pena, pois Argylle é genuinamente divertido. Sam Rockwell entrega uma performance bacana; há algumas boas reviravoltas; a trilha sonora é ótima; e a ação não deixa de ser interessante. Infelizmente, não sinto a mesma energia ou o carisma de outros filmes do diretor, como Kick-Ass e Kingsman: The Secret Service.

De qualquer modo, o longa-metragem é perfeitamente aceitável se você só quer um filme divertido para desligar a cabeça. É uma comédia de ação competente e, como eu disse, se você conhece Vaughn, já sabe exatamente o que esperar.

Apenas admito que eu gostaria de algo que recapturasse a magia e o frescor do começo da década de 2010, em que o diretor lançou três ótimos filmes em sequência. Pessoalmente, não acredito que focar tanta energia na série Kingsman – que tem mais dois filmes em pré-produção – esteja fazendo bem a carreira de Vaughn. Afinal, Argylle demonstra que a fórmula está se esgotando. Mesmo que o saldo ainda tenha sido positivo, o resultado está próximo demais da mediocridade.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Outras divagações:
Stardust
Kick-Ass
X-Men: First Class
Kingsman: The Secret Service
Kingsman: The Golden Circle

Admito não ser o maior conhecedor do mundo da filmografia de Yorgos Lanthimos. Até vi algumas coisas dele, mas não tenho a capacidade de fazer as comparações que esse filme provavelmente merece. Afinal, ao contrário de The Favourite, que só é tangencialmente esquisito, aqui o cineasta pisa forte no acelerador do cinema arthouse e entrega algo tão estranho quanto potencialmente ofensivo. Os fãs que me perdoem se eu estiver pregando para o coro, mas prometo que qualquer dia desses eu preencho essa lacuna.

Adaptando um livro de Alasdair Gray (que lamentavelmente faleceu alguns anos antes da produção se concretizar), Poor Things é um amalgama de elementos de romance gótico e humor negro embalados em uma estética onírica, que vai da câmera rígida do cinema da década de 1920 a um realismo fantástico de cores vibrantes e estética steampunk. Contra todas as expectativas, isso funciona, transformando uma narrativa desconjuntada em um produto coeso e tematicamente forte.

O filme acompanha a metafórica e literal evolução de Bella Baxter (Emma Stone), uma mulher sem memória e de disposição infantil que aparentemente foi criada de modo frankensteiniano por um médico recluso e deformado, Godwin Baxter (Willem Dafoe). Embora Bella inicie a trama quase que totalmente incapaz de se comunicar, seu progresso é rápido, o que leva o assistente de Godwin, o tímido Max McCandles (Ramy Youssef) a se encantar por ela. Porém, sentindo-se presa e querendo descobrir o mundo, Bella inicia uma viagem hedonística pelo mundo ao lado de Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), um advogado de motivações muito questionáveis.

O que se segue é uma história fundamentalmente pensada para discutir a condição humana, o crescimento pessoal, a evolução social e o papel da mulher nisso tudo. Com estranhas similaridades com Barbie, aqui não temos uma boneca que tem que aprender a lidar com os problemas e as limitações da realidade em relação ao seu mundo ideal, mas uma personagem que é uma folha em branco voraz para compreender e mudar o mundo, confrontando-se com suas partes mais degradantes e conseguindo sair mais forte disso.

Agora vem a parte cabeçuda para o filme cabeçudo. E me perdoem por esse rompante! Bella é, no início de sua jornada, puro id. A fascinação que ela causa nos outros personagens decorre justamente de sua maneira de lidar com todos os impulsos com completa liberdade, para o escândalo da “sociedade polida”. Ela é violenta, hipersexual e não demonstra empatia além de um nível básico. Mas, com o passar do tempo e com as experiências boas e ruins, sua compreensão da realidade se altera, tal como a sua relação com os outros, mostrando a hipocrisia por trás daqueles que a cercam.

Ao invés de abraçar o processo de recalque e controlar seus impulsos e questionamentos para se adequar a sociedade, Bella supera o cinismo e o niilismo que assola os demais. Isso faz com que Poor Things reproduza de modo bastante textual a perspectiva transformativa da filosofia nietzschiana, transformando sua protagonista em uma Übermensch (Überfrau?) moderna e fazendo com que as pobres criaturas sejamos nós, aqueles agrilhoados pelas correntes da sociedade. Talvez isso opere de modo um pouco exagerado – em certo ponto a personagem se torna uma feminista bissexual socialista –, mas eu aprecio o fato que o filme tenha levado esse tipo de discussão a sério.

Com uma cadência teatral, Emma Stone carrega a personagem com elegância e competência, fazendo funcionar um potencial papel muito complexo e que poderia ser desastroso em outras condições. Mark Ruffalo e Willem Dafoe também fazem um ótimo trabalho com seus personagens, apesar de Ruffalo ter ficado um pouco mais caricato na metade final (a despeito disso, ele reforça bem os temas da produção e ajuda nos momentos mais engraçados).

O filme é visualmente muito interessante, com uma fotografia lindíssima que junta o gótico vitoriano com um clima quase pulp. A grande variedade percebida ao decorrer dos atos dá uma oportunidade para Lanthimos ser criativo com suas escolhas de câmera e de tom. Isso é somado a uma trilha sonora certamente memorável, que amplifica a esquisitice com sons dissonantes e desconfortáveis. Pessoalmente, só não apreciei muito os exageros do figurino e da maquiagem, mas eles talvez amplifiquem o senso de ridículo de algumas cenas.

Falando nisso, acho importante dizer que o filme não é para todos – e digo isso da maneira menos elitista possível. O uso de nudez e sexo é constante, não há pudores em trabalhar temas complicados de modo questionável e há uma boa dose de cenas um pouco grotescas e explícitas. Poor Things não só não se esforça para ser amigável como ativamente tenta produzir choque e desconforto, o que deve afastar muitas pessoas. Além disso, o filme é longo e com um ritmo decididamente lento, o que é certamente desgastante, embora eu até tenha gostado de sair um pouco drenado da sala de cinema.

Com isso, Poor Things é um dos filmes mais interessantes e diferentes do “ano“ (leia-se, de fevereiro a fevereiro, afinal, os cinemas brasileiros tendem a receber os filmes da temporada de premiações um pouco depois de suas estreias internacionais) e merece ser visto por todos aqueles que buscam por uma experiência surreal e bem executada. Quem gosta do trabalho de Lanthimos deve saber o que esperar e mesmo quem, como eu, não tinha visto o diretor trabalhando nessa intensidade pode apreciar, desde que tenha uma dose generosa de disposição.

Outras divagações:
The Favourite

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Todos os anos, um filme fofo encontra seu espaço na temporada de premiações. Desta vez, a “cota” está sendo preenchida por Are You There God? It's Me, Margaret, baseado no livro de Judy Blume e com direção e roteiro de Kelly Fremon Craig. No momento em que escrevo, a produção se aproxima das 60 indicações, com 12 delas já tendo se transformado em prêmios.

Em resumo, trata-se de uma história de puberdade passada nos anos 1970. Margaret Simon (Abby Ryder Fortson) tem 12 anos e acabou de se mudar com os pais (Rachel McAdams e Benny Safdie), saindo da movimentada Nova York para os subúrbios de Nova Jersey. Com isso, além das saudades da avó (Kathy Bates), surge a necessidade de fazer novas amizades. Eis que surge a autoritária e sabichona Nancy Wheeler (Elle Graham), devidamente acompanhada por suas companheiras leais Gretchen (Katherine Mallen Kupferer) e Janie (Amari Alexis Price).

A dinâmica entre as meninas é particularmente divertida e se desenvolve naturalmente, o que também envolve momentos de uma crueldade inocente (que também machuca). Assim, ainda que Margaret não esteja totalmente confortável em seu novo círculo, ela se deixa levar pelas demais, que estão muito ansiosas para terem seios, menstruações e namorados.

Mas, de tempos em tempos, a atenção da menina, que deveria ir para o “bonitão” Philip Leroy (Zack Brooks), acaba desviada para outro menino, Moose Freed (Aidan Wojtak-Hissong). Para completar, ela tem uma crescente curiosidade em relação a Laura Danker (Isol Young), uma garota da sua idade que já tem um corpo de mulher.

Apenas com estes elementos, Are You There God? It's Me, Margaret já poderia ser encantador. Mas há toda uma camada extra, com a protagonista precisando explorar suas relações familiares e religiosas: os avós maternos são católicos, a avó paterna é judia e os pais jogaram para a garota a responsabilidade de escolher o que ela mesma é. A compreensão destes dilemas permite à produção mostrar que a entrada na adolescência também vem acompanhada de uma série de perguntas difíceis e da capacidade de enxergar o mundo de uma forma mais ampla.

Várias destas questões são encaradas por meio da relação entre mãe e filha. O filme acompanha de perto a jornada da mãe da menina, que também está vivendo um momento de transformação, com a mudança de cidade, as novas amizades, a execução de diferentes papeis, a reaproximação da família e o amadurecimento da filha. Ainda que esta pareça ser uma personagem “menor”, a atuação de Rachel McAdams acaba sendo o coração do filme, conseguindo exprimir inseguranças por meio de sorrisos e, muitas vezes, roubando a cena.

Outro aspecto que garante o ar adorável de Are You There God? It's Me, Margaret é a ambientação nos anos 1970. O filme traz muito pouco contexto histórico, existindo dentro de sua própria bolha, mas usa a época em seus figurinos, cabelos e, principalmente, cenários. Sem celulares, as amigas precisam se encontrar presencialmente e, com menos acesso à informação para saciarem suas curiosidades, recorrem a livros de ciências, revistas masculinas e até superstições.

Em meio a produções com temáticas pesadas, Are You There God? It's Me, Margaret não passa vergonha, pois seus dilemas são válidos, sendo explorados com profundidade e delicadeza. É verdade que o longa-metragem não tem grandes ambições visuais ou narrativas, mas sua simplicidade surge como um sopro de frescor.

Outras divagações:
The Edge of Seventeen

Quando eu estava na escola, uma das coisas mais chatas era assistir vídeos didáticos que tentavam ser engraçados ou trazer algum tipo de entretenimento. Além do resultado ser forçado, eles apenas enrolavam para passar uma mensagem que poderia ser transmitida na metade do tempo (antes que alguém pergunte: sim, eu detesto tutoriais no YouTube).

Obviamente, Chama a Bebel não é um filme didático – mas ele frequentemente corre o risco de se tornar um. O detalhe é que ter um discurso chato é justamente um dos argumentos da vilã contra a mocinha, de modo que se torna ainda mais importante ter uma protagonista crível (em vez de alguém que está vomitando lições de sabedoria). O sucesso nesse ponto é bem questionável, mas eu preciso admitir que foi feito um esforço válido.

Bebel (Giulia Benite, que também acumula um cargo de executiva associada) é uma menina do interior que precisa se mudar para a casa de uma tia (Flávia Garrafa) para poder continuar a frequentar a escola. Na “cidade grande”, ela encontra o incentivo de um professor (Rafa Muller) para exercer seu potencial de ativista por um mundo mais sustentável, conquistando a amizade de seu primo esquisito (Antônio Zeni) e de um garoto solitário (Gustavo Coelho), mas também irritando a “abelha rainha” local (Sofia Cordeiro).

Com vários elementos puxados de histórias reais (conforme os créditos!), Chama a Bebel é repleto de boas ideias. Entretanto, como tudo parte da protagonista e os demais personagens seguem a lógica de “evite se meter em problemas” ou “isso é muito difícil”, a coisa acaba ficando meio repetitiva. Para completar, o ar de “dona da verdade” de Bebel faz com que eu me lembre o tempo todo de que Giulia Benite já interpretou a Mônica em dois filmes e uma série de televisão.

Como se não bastasse, a antagonista não é uma personagem bem desenvolvida, parecendo mais uma caricatura ruim de patricinha do que qualquer outra coisa. Se ela tivesse seus próprios dramas e dilemas (há uma tentativa, com uma clara carência afetiva em relação ao pai capitalista), não duvido que algumas pessoas acabariam torcendo por ela.

Inclusive, é quando Chama a Bebel entra em “zonas cinzentas” que a coisa se torna um pouco mais interessante. Em uma de suas iniciativas, a protagonista e seus amigos tentam encontrar uma série de cachorros que foram sequestrados por um laboratório e, para isso, utilizam métodos bastante questionáveis. Pessoalmente, eu gostaria que houvesse uma consequência para esse momento em que “os fins justificam os meios”, mas também não vou reclamar (há algum remorso, afinal de contas).

Considerando que eu não sou exatamente o público-alvo da produção, espero que Chama a Bebel consiga alcançar com mais sucesso os corações dos jovens. Afinal, há muitos pontos interessantes sendo levantados e, bom, precisamos celebrar as meninas chatas e reclamonas deste mundo.

Pelo jeito, Bradley Cooper gostou da “brincadeira” de produzir, dirigir, roteirizar e estrelar – tudo ao mesmo tempo. Maestro é a segunda investida dele nesse sentido e é, claramente, um projeto pelo qual ele estava apaixonado. Além disso, duvido que ele pare por aqui.

Apesar do título, o filme não é exatamente um resumo da vida e das conquistas de Leonard Bernstein (Cooper), embora muitas delas estejam presentes e recebam bastante atenção. Na teoria, a obra busca retratar seu relacionamento com a esposa, Felicia Montealegre (Carey Mulligan), incluindo muitos altos e baixos devidamente enfatizados pela filmagem em preto e branco com alto contraste.

Na prática, o relacionamento funciona como um mero (e amplo) recorte e Maestro acaba sendo uma declaração de amor ao personagem título. Isso inclui sequências relativamente longas de suas performances, além de uma variedade de músicas compostas por Bernstein na trilha sonora. Para completar, grande parte das cenas mais elaboradas em termos de iluminação, ângulos e movimentação de câmera também são destinadas a mostrar a personalidade e as vitórias do protagonista.

Um exemplo disso é que, por mais que os defeitos e as infidelidades estejam presentes e afetem as pessoas ao seu redor – especialmente Felicia e a filha mais velha do casal, Jamie (Maya Hawke) –, essas questões não são exatamente aprofundadas ou devidamente discutidas. Os problemas surgem e todos seguem em frente, com o eventual apoio da irmã do protagonista, Shirley (Sarah Silverman).

Dito isso, não há como negar que Maestro é um filme muito bonito e visualmente impressionante, mas sem alma. Ao não se comprometer em cutucar as feridas e desagradar os retratados (ainda que já falecidos), ele também não tem um apelo emocional bem definido e se torna incapaz de prender a atenção.

Mas não é como se Carey Mulligan não tentasse. Como único contraponto à figura do músico talentoso, sua personagem surge com leveza, humildade e encanto, sendo posteriormente endurecida pela vida. Assim, enquanto o Leonard Bernstein de Cooper permanece quase constante ao longo dos anos – com o passar do tempo evidente pela maquiagem –, é Felicia quem muda e se adapta às mudanças do mundo, deixando claro que está perfeitamente ciente de quem seu marido realmente é.

Já que mencionei a maquiagem, Maestro tem chamado atenção pelo nariz de seu protagonista, que realmente torna Cooper quase irreconhecível. Sabendo disso, confesso que me incomodei com o fato de que a prótese é um pouco óbvia (ao menos para quem está olhando constantemente para ela). De maneira geral, a movimentação do rosto não parece afetar o nariz, com os limites das rugas ficando claros em cenas de perfil. Ao mesmo tempo, também não diria que a prótese é ruim; ela só não é excelente.

Aliás, essa frase pode se estender para toda a produção. Maestro tem muitas qualidades e muitos defeitos, mas ele carece de um algo a mais – algo que é frequente em filmes que parecem terem sido feitos para a temporada de premiações. Inclusive, eu não me surpreenderia se a produção conquistar algumas indicações na próxima edição do Oscar, mas acredito a única expectativa real de uma estatueta é para a maquiagem.

Ou seja, Maestro até tenta, mas não consegue realizar algo digno da frase que abre o filme, dita pelo próprio Leonard Bernstein: “A work of art does not answer questions, it provokes them; and its essential meaning is in the tension within the contradictory answers”. Em tradução livre: “Uma obra de arte não responde perguntas, mas as provoca; e seu significado essencial está na tensão entre as respostas contraditórias”.