Em uma temporada em que os fãs de animação têm opções de sobra, Ruby Gillman, Teenage Kraken chega aos cinemas depois de produções indubitavelmente maiores e cercadas por mais empolgação. Mas, considerando que a Dreamworks Animation teve um lançamento verdadeiramente especial no fim ano passado com Puss in Boots: The Last Wish, além do relativamente bem recebido The Bad Guys, restava a esperança de que este filme mantivesse a boa fase do estúdio.

Ruby Gillman, Teenage Kraken tem um começo bastante forte, que bebe dos filmes adolescentes de John Hughes e do clássico estereotipo do peixe fora d’água (um trocadilho proposital, sem dúvida). Nele, a tímida Ruby (Lana Condor/Agatha Paulita) e sua família de criaturas marinhas tentam se esconder na superfície disfarçados de humanos. Mas as coisas mudam quando Ruby descobre a razão da postura excessivamente protetiva da mãe (Toni Collette).

Ao ter contato com o oceano, a linhagem ancestral da jovem como um kraken gigante se desperta. Isso chama a atenção tanto da parte mais distante da família – a realeza do mundo submarino –, quanto de uma das remanescentes das sereias, Chelsea (Annie Murphy/Giovanna Lancellotti), que parece querer se aproximar de Ruby a despeito do conflito de sua raça com os krakens.

Com uma animação dinâmica, um visual interessante e um senso estético próprio, Ruby Gillman, Teenage Kraken pode não ser extraordinário, mas é competente nos seus aspectos mais técnicos – ao menos enquanto a história permanece na superfície. Estranhamente (talvez por problemas de produção), o longa-metragem falha em executar justamente o elemento com mais potencial da sua ambientação: o oceano.

Frequentemente vazio e desinteressante, o fundo do mar tem uma iluminação esquisita, que destrói as texturas e faz com que os personagens pareçam ter saído de uma animação de mais de uma década atrás. Isso é especialmente estranho considerando todo o cuidado que o filme tem com a arquitetura e o clima das suas cenas na superfície.

Aliás, a história também se situa no limiar da competência. Ainda que seja divertida e interessante em alguns momentos, ela se resolve dos modos mais previsíveis possíveis, não atingindo as batidas emocionais tão bem quanto poderia. Isso é amplificado pela estranha dissonância entre as sensibilidades aparentes: o filme é voltado para um público jovem, mas têm uma mensagem bizarramente antiquada, que não ressoa devidamente com essa geração (e chega até a parecer antitética de vez em quando).

Apesar de estar sendo um pouco chato aqui, não sinto que Ruby Gillman, Teenage Kraken é um filme ruim; diria até que ele está acima da média no que tange à Dreamworks (pelo menos na sua fase The Boss Baby e Trolls). Mas as intenções da produção parecem não ter se concretizado integralmente, soando como algo lançado às pressas para aproveitar a temporada de verão norte-americana e o lançamento de The Little Mermaid, com o qual obviamente divide algumas temáticas – Chelsea, aliás, aparece de modo proeminente nos materiais promocionais e tem uma óbvia semelhança com a protagonista da Disney.

Com isso, Ruby Gillman, Teenage Kraken é uma animação simpática e tem aquele “clima família”, não se preocupando em ser revolucionário ou algo do tipo. Entretanto, considerando o quão ambiciosas as produções mais recentes da Dreamworks pareciam ser, é difícil não sentir que esse foi um passo para trás. Não é uma produção que vai ser achincalhada, mas também duvido que será muito lembrada.

Outras divagações:
The Croods
Vivo

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Quando o assunto é animação, foi inconcebível por anos (quase duas décadas) que uma obra da Pixar fosse jogada para o segundo plano – como estamos vendo agora. Ao mesmo tempo, fui recentemente “acusado” de ter sido um pouco passional nas minhas divagações sobre Spider-Man: Across the Spider-Verse (mas o filme é bom desse jeito). E isso me fez pensar no porquê de Elemental ter falhado em me cativar.

A princípio, a resposta parece ser bastante simples: a Pixar tem errado onde a Sony Animation acertou. Não se trata apenas de uma “sinergia corporativa” estragando a integridade artística do estúdio – afinal, o cabeça de teia é uma propriedade intelectual tão grande e pronta para ser explorada quanto Toy Story, o que não impediu Lightyear de ser uma tragédia.

Assim, acredito que os resultados questionáveis da Pixar nos últimos anos talvez não sejam culpa da Disney. Talvez seja preciso admitir que os dias de glória já ficaram para trás e que a empresa está mais preocupada em colher os louros do passado do que em tentar inovar. Elemental parece ser um grande reflexo disso.

O filme não é ruim ou problemático, mas ele é indiscutivelmente da Pixar; e é aí que mora o problema. “E se os elementos tivessem sentimentos?”, disse algum executivo em alguma reunião, o que levou à criação deste longa-metragem. Com a Pixar sendo a Pixar, pensaram, é impossível errar, pois basta apenas juntar esta ideia com alguma história de interesse humano e pronto! Em breve, mais um Oscar de melhor animação vai enfeitar as prateleiras do estúdio.

Mas não acho que as coisas estão funcionam assim hoje em dia. Com uma trama claramente inspirada na experiência diaspórica dos asiáticos na América (o que rapidamente também vai chegando à saturação por conta da repetição), Elemental traz a história de Ember (Leah Lewis/Luiza Porto), uma filha de imigrantes do país do fogo na Cidade dos Elementos, uma grande metrópole (Nova York, sem tirar nem pôr) habitada inicialmente por pessoas de água, terra e ar.

Com seu pai, Bernie (Ronnie Del Carmen/André Mattos) já velho e cansado, Ember se prepara para herdar o negócio da família, uma lojinha construída a duras penas em um período quando não havia nenhum outro cidadão de fogo na cidade. Porém, a “cabeça quente” de Ember é um constante empecilho para seu sucesso e o estopim para que ela conheça Wade (Mamoudou Athie/Dláigelles Silva), uma pessoa de água que trabalha para a prefeitura. Inicialmente, Wade se vê em uma posição oposta a Ember, mas ele rapidamente se aproxima dela e a ajuda a descobrir a si mesma, para o descontentamento de Bernie.

Com uma mensagem que já vimos dezenas de vezes e um visual que, embora competente e extremamente polido, não difere muito do padrão Pixar, não dá para deixar de enxergar Elemental como um filme que joga seguro. Desse modo, as comparações – até mesmo com outras obras recentes do estúdio – acabam se mostrando inevitáveis.

História sobre a diáspora asiática, expectativa e trauma geracional? Turning Red fez isso melhor e de modo mais honesto. Metáfora forçada sobre racismo e preconceito e a necessidade de opostos trabalharem juntos? Zootopia foi mais interessante e se aproveitou melhor da estética.

A única coisa que Elemental parece fazer diferente é ter uma estrutura de romance, o que é bastante incomum em filmes de animação. Mesmo assim, a produção não difere muito do esperado e suas tentativas de emocionar vão bem ao estilo do estúdio, o que a essa altura parece emocionalmente manipulativo, ainda que certamente efetivo em deixar parte da plateia embargada.

A premissa das criaturas elementais também não parece acrescentar muito à trama, exceto pelas obviedades visuais. Zootopia, que já mencionei, tinha uma infinidade de animais para criar um cenário variado; aqui, a limitação aos quatro elementos torna a ambientação estranhamente tediosa e mal aproveitada.

Inclusive, sinto que, se o filme se livrasse dessa máscara e fizesse uma história honesta de uma imigrante coreana namorando um rapaz branco e liberal em Nova York, ele talvez fosse mais interessante. Mas suponho que a Pixar tenha pensado que um público mais jovem não tivesse a paciência para esse tipo de história sem cores e efeitos (vai saber!).

Entretanto, é justamente esse tipo de decisão que vai mostrando que os dias do estúdio na vanguarda da animação ocidental já passaram. É difícil se empolgar com o futuro próximo quando parece haver pouca preocupação em tomar riscos narrativos e inovar na estrutura (a confirmação de um Toy Story 5 só reforça essa impressão). E, enquanto isso, a concorrência vai andando a largos passos.

Se a Sony Animation conseguiu se reerguer em cima de um projeto ambicioso, acredito que a Pixar também consiga, mas é preciso sair da zona de conforto e deixar as convenções do estúdio de lado, visual e narrativamente. Agora é a hora de ousar mais porque, sem isso, talvez a Pixar realmente esteja condenada a virar uma subsidiária da Disney produzindo infinitas continuações de Toy Story diretamente para streaming, em um grande desperdício de seu legado.

Outras divagações:
The Good Dinosaur

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Minha história com Matilda é de longa data. Eu gosto muito do filme de 1996 e, também, do livro. Aliás, eu admiro toda a obra de Roald Dahl, pois ele faz histórias infantis sem a imposição de moralismos óbvios e que possuem uma loucura criativa que parece realmente vir de uma criança. Assim, ao mesmo tempo em que tenho receio de novas adaptações, eu tinha boas expectativas em relação a Roald Dahl's Matilda the Musical, afinal, o musical foi bem recebido por onde passou e outros trabalhos de Tim Minchin (responsável pelas canções) indicavam que ele seria a pessoa certa para manter o tom do original.

A história gira em torno de uma menina muito inteligente, mas que não tem muito amor dentro de casa, chamada Matilda Wormwood (Alisha Weir). Sua mãe (Andrea Riseborough) é uma perua narcisística e seu pai (Stephen Graham) é um vendedor de carros usados que adora uma trapaça e que gostaria que ela fosse um menino. Eles ligam tão pouco para a filha que não sabem que ela aprendeu a ler sozinha e que passa boa parte de seus dias na companhia de uma bibliotecária (Sindhu Vee).

Quando os pais são obrigados a colocar Matilda em uma escola, a instituição escolhida é liderada por uma diretora linha-duríssima, Agatha Trunchbull (Emma Thompson, maravilhosa em ser horripilante). Felizmente, a menina é acolhida por bons colegas e por uma professora carinhosa, Miss Honey (Lashana Lynch). O vínculo entre professora e aluna, aliás, apenas cresce ao longo dos dias, com ambas descobrindo que podem se ajudar mutuamente – afinal, além de ter uma inteligência fenomenal, a menina ainda conta com uma dose de mágica.

Com direção de Matthew Warchus, Roald Dahl's Matilda the Musical conta a história já conhecida, mas a narrativa é acompanhada de algumas liberdades criativas, mudando o peso dado a determinados pontos da trama. Além disso, os colegas de escola ganham mais espaço, tendo personalidades e anseios próprios, o que ajuda nas canções e dá um pouco mais de graça às caracterizações.

Aliás, as músicas são muito divertidas e algumas são realmente grudentas. Infelizmente, como são crianças cantando, não há um grande alcance vocal ou muitas proezas nesse sentido, mas o trabalho com as letras é muito bom e realmente ajuda a traduzir o espírito rebelde da obra original (inclusive, há algumas referências a outros livros do autor, caso alguém seja fã). Não sei exatamente como ficou a versão em português (vi o filme em inglês apenas), mas espero que a adaptação tenha mantido a diversão.

Em relação ao filme de 1996, esta nova versão talvez seja menos fiel ao livro, com as crianças sendo um pouco mais velhas do que deveriam e sem a presença do irmão de Matilda. Roald Dahl's Matilda the Musical também dá um pouco menos de ênfase à questão dos poderes mágicos da protagonista, algo que deriva diretamente do musical e que seria justificado como uma tentativa de dar maior impacto emocional; eu questiono se esse resultado é realmente alcançado, mas suponho que o recurso funcione melhor com quem não conheça a história.

De qualquer forma, a lição de que o conhecimento traz empoderamento está presente, assim como a mais pungente, sobre a importância de combater injustiças, mesmo que isso envolva enfrentar autoridades. Ao incentivar a infância rebelde, Roald Dahl's Matilda the Musical faz parte dos filmes que ajudam os pequenos a sonhar com um mundo melhor – além de ter muito a ensinar para os adultos conformistas e de comportamentos tóxicos.

Existem poucos filmes que são capazes de elevar todo um gênero e, quando eles aparecem, é difícil não perceber que você está olhando para algo especial. Esse foi o caso de Spider-Man: Into the Spider-Verse que, mesmo vindo da Sony Pictures Animation – um estúdio que até então não havia conseguido emplacar nenhum título capaz de chegar perto de seus maiores concorrentes –, conseguiu fazer bonito em relação às contrapartes em live-action e, para muitos, tornou-se o filme definitivo do cabeça-de-teia.

A influência da produção, inclusive, já vem aparecendo em todo o cenário de animação ocidental (o também ótimo Puss in Boots: The Last Wish talvez seja a sua maior cria). Mas o sucesso trouxe também a possibilidade de fazer algo ainda maior e melhor. Assim, Spider-Man: Across the Spider-Verse chega justamente para expandir o universo de Miles Morales (Shameik Moore).

Meses após sua última aventura, Miles já havia se conformado que nunca mais veria nenhum dos seus amigos interdimensionais novamente – e passa seus dias enfrentando o clássico dilema de dividir sua vida civil com o combate ao crime. Porém, as coisas mudam quando ele descobre que Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) encontrou uma forma de cruzar o multiverso para reencontrá-lo.

Ela, entretanto, agora fazia parte de uma força-tarefa de pessoas-aranha lideradas por Miguel O'Hara (Oscar Isaac) com o objetivo de proteger a integridade da realidade. Além disso, Spot (Jason Schwartzman) – um desastrado vilão de segunda categoria enfrentado por Miles – representava uma surpreendente ameaça ao multiverso, colocando-o em rota de colisão direta com essa organização interdimensional de heróis-aranha.

Com uma animação ainda mais caprichada e escolhas visuais extremamente ambiciosas, Spider-Man: Across the Spider-Verse é tudo que seu predecessor foi e ainda mais. É o tipo de trabalho onde fica claro o envolvimento de uma equipe extremamente competente e apaixonada pelo que faz.

Há uma infinidade de detalhes visuais e uma coreografia impecável, o que transforma a produção no atual pináculo a ser batido em termos de animação por computador. Para completar, a direção de arte não tem medo de ser só cartunesca e entrega um longa-metragem que vai continuar a ser lindo mesmo daqui a muitos anos, quando a tecnologia deixar vários dos seus contemporâneos com uma cara bem obsoleta.

O roteiro funciona bem, com uma progressão sólida e ótimos personagens – tanto os antigos quanto alguns novos (destaque para Daniel Kaluuya como Hobie Brown, o novo aranha favorito de muita gente). O texto deixa o drama respirar quando necessário, encontrando um balanço adequado com sua abundante comédia, tudo bem suportado pelo trabalho visual e pela ótima produção, que consegue usar de vários truques em seu arsenal, da trilha sonora à paleta de cores, para enfatizar os sentimentos dos personagens e expressar diferenças sutis entre as realidades, literais ou metafóricas.

Um dos pontos que mais me surpreendeu nesse sentido foi o quão central Gwen Stacy se tornou para a trama. Ela virou, de fato, uma coprotagonista e carrega os temas mais humanos e dramáticos. Além disso, o trabalho de voz de Hailee Steinfeld só acrescenta à mistura, de modo que eu não me surpreenderia se esse for o catalisador para tornar a personagem mais conhecida e querida fora do fandom de quadrinhos.

Ao mesmo tempo, não se pode negar que Spider-Man: Across the Spider-Verse é um filme frustrante. Justamente por ser tão bom no que ele se propõe, sua maior falha se torna gritante: esse é só meio filme.

Ainda que disponha de quase duas horas e meia para contar sua história, o longa-metragem simplesmente decide que não vai resolver nenhum dos seus conflitos. A história não funciona por si mesma e deixa uma pilha de questões em aberto para a sua continuação. Spider-Man: Beyond the Spider-Verse já está anunciado e tem lançamento previsto para março de 2024.

Por conta disso, esse é um filme que recomendo com certa cautela, pois é difícil julgar quando tudo não passa de um grande “setup”. Ao mesmo tempo, a produção faz muito bem o que se propõe, sendo uma das raras sequências a superar o seu original, que já era bom o bastante para se tornar uma referência. Se você conseguir lidar com alguns grunhidos quando os créditos começarem e estiver ciente da espera de um ano, Spider-Man: Across the Spider-Verse é absolutamente imperdível.

Outras divagações:
Spider-Man: Into the Spider-Verse

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle