Existem filmes que são muito estilosos. Mas no caso de Promare, tudo – absolutamente tudo – é em nome do estilo. E, de alguma forma mágica, isso funciona.

Para começar, vale dizer que esta é uma produção do estúdio Trigger, que tem um estilo bastante próprio e reconhecível. Eles também usam de várias formas e muletas narrativas em suas histórias, o que acaba fazendo com que elas se tornem igualmente identificáveis e, eventualmente, previsíveis (não julguem, a Pixar faz a mesma coisa). Neste caso, o estilo foi elevado à potência máxima e a história se segurou onde conseguiu.

Promare se passa em um universo onde alguns seres humanos ganharam o estranho poder de soltar chamas. Inicialmente, este foi um impulso incontrolável e várias pessoas em situações de grande stress acabaram causando acidentes bem graves. Mas, eventualmente, as coisas se acalmaram – ou quase.

Galo Thymos (Ken'ichi Matsuyama) é um jovem bombeiro cheio de energia e disposto a mostrar trabalho. Os bombeiros adquiram um novo status neste mundo e ele tem bastante orgulho de fazer parte de uma equipe de resgate. Em uma de suas missões, Galo acaba até mesmo participando da prisão de um importante criminoso, Lio Fotia (Taichi Saotome), líder de uma gangue de incendiários (na falta de um termo melhor).

Porém, circunstâncias adversas fazem com que Galo coloque sua visão de mundo em questão. Ele acha que está do “lado certo”, mas a constante truculência das forças policiais e certas atitudes de seu grande ídolo – o governador Kray Foresight (Masato Sakai) – fazem com que ele direcione um novo olhar para Lio e companhia. Embora mudar a percepção das pessoas não seja fácil, ele conta com a ajuda de seus colegas de trabalho.

Aliás, um aspecto a ser levado em consideração aqui é que Promare é um projeto relativamente antigo do estúdio, tendo sido inicialmente pensado como uma série. Uma das principais falhas na adaptação para uma forma mais enxuta e rápida de contar a história foi a resistência em cortar personagens. Vários dos nomes apresentados envolvem um visual interessante e uma personalidade bem demarcada, mas isso acaba não levando a lugar nenhum. Ao longo do filme, são poucos os personagens que conseguem ter um desenvolvimento maior e o tempo de tela é praticamente todo tomado pelos dois protagonistas.

Em compensação, o ritmo do longa-metragem ganhou muita velocidade, atingindo patamares próximos à insanidade. Ainda que a história não seja exatamente complexa, muita coisa acontece em menos de duas horas e há uma clara preocupação em fazer tudo o que acontece ter o visual mais “cool” possível. Como eu disse, tudo é pensado para funcionar da forma mais estilosa possível (e andrógina, sempre que possível). E isso envolve ver tanto alguns robôs malucos quanto personagens com cada vez menos roupas.

Tendo em mente um objetivo bem claro, Promare entrega aquilo a que se propôs com louvor. Este não é um filme que vai ser lembrado dramaturgicamente, mas aposto que ele vai influenciar visualmente outros títulos, além de vender muitos bonequinhos, gerar um grande número de cosplays e estimular a animação de diversos escritores de fanfiction.

Por mais que eu ache Amanda Seyfried muito bonita, a escolha da atriz para o papel de uma profissional do sexo sedutora em Chloe sempre me pareceu um pouco deslocada. Ao mesmo tempo, a ideia de ter alguém que parece não se encaixar no papel, mas que inesperadamente funciona, é bem interessante – na pior das hipóteses, eu contava com Julianne Moore para segurar as pontas. Em resumo, eu paguei para ver.

Com direção de Atom Egoyan, esta é a refilmagem de uma produção francesa de 2003, embora (na teoria) pareça ter saído daquele período dos anos 1980 e 1990 em que os filmes se permitiam abusar da sensualidade e até mesmo brincar com ela. Mas, por mais que efetivamente tenha um enredo que gire ao redor de seduções, dinheiro, poder e intrigas, o filme não chega a ser apelativo e, desde o princípio, deixa claro que a personagem título vai agir mais com palavras do que com o corpo (mas não se preocupe, há cenas “quentes” e um bocado de nudez).

Em resumo, Chloe conta a história de uma esposa desconfiada, Catherine Stewart (Julianne Moore), que resolve contratar uma prostituta, Chloe (Amanda Seyfried), para seduzir seu marido, David (Liam Neeson). A ideia é simples e o filme tem consciência disso, usando personagens interessantes para “rechear” a produção e manter o interesse do público.

Além disso, logo fica claro que é a dinâmica entre as duas mulheres o que realmente interessa, com o desenvolvimento de um estranho relacionamento entre elas. Aliás, mais do que a relação entre as personagens, o filme se constrói ao redor do perfil de cada uma, da maneira como elas se comportam quando estão juntas e de como tratam os demais.

No caso de Catherine, a figura da mulher rica, segura e bem-sucedida vai craquelando rapidamente com a exposição de seu relacionado quebrado com o filho (Max Thieriot) ou mesmo a maneira ríspida com que trata uma paciente fragilizada em seu consultório de ginecologia. Em pouco tempo, suas inseguranças ficam absolutamente expostas e fica mais evidente como os problemas de seu casamento não são derivados apenas de um marido que gosta de flertar abertamente com qualquer uma.

Já Chloe sabe exatamente o que quer, mas vai expondo suas verdadeiras intenções aos poucos e, à medida que mais elementos são revelados, as peças vão se encaixando. Como uma dica para futuros espectadores, eu diria que o monólogo inicial da personagem, momento em que ela se apresenta, é particularmente revelador.

Esses estudos das personagens e de suas camadas torna Chloe realmente interessante – até que o filme percebe que precisa contar uma história e, eventualmente, conectar todas as pontas. Ou seja, esse é um daqueles longas-metragens em que o começo é intrigante, o meio é muito bom e o final desanda (normalmente, eu não deixaria isso tão explícito, mas acho que vale a pena para evitar decepções).

Mas Chloe vale a pena no final das contas? Eu tendo a acreditar que sim, afinal, o roteiro proporciona um material de trabalho muito bom para excelentes atores. Você só precisará se conformar que é bom apenas enquanto é bom.

Por mais que eu tenha uma (pequena) fila de resenhas a publicar, não poderia deixar que esse texto sobre RRR fosse parar no próximo ano. Afinal, passei boa parte de 2022 indicando este filme para as mais diversas pessoas (peço perdão se exagerei!).

E, apesar da minha ampla recomendação, sei que esta produção indiana com pouco mais de três horas de duração exige um investimento de tempo e uma disposição bastante específica. Além de ter uma ação detalhadamente calculada, músicas com coreografias escalafobéticas e vários exageros visuais, o longa-metragem traz uma trama fictícia que se mistura a eventos históricos e faz referência a diversas pessoas que realmente existiram. É quase como um grande conto de fadas ufanista, que merece ser apreciado em sua exorbitância, mas que não pode ser levado muito à sério.

RRR se passa nos anos 1920, quando a Índia vivia sob o domínio britânico. Neste contexto, uma garotinha (Twinkle Sharma) é sequestrada de sua família para ir entreter pessoas ricas na cidade, levando sua comunidade a pedir ajuda a seu defensor, Komaram Bheem (N.T. Rama Rao Jr.). Ciente da vinda de Bheem, o exército britânico escala o temido Alluri Sitarama Raju (Ram Charan Teja) para encontrá-lo. Entretanto, esse policial ambicioso e que coloca o dever acima de tudo acaba caindo em um dilema ao fazer amizade com um mecânico que, na verdade, é o próprio guerreiro infiltrado.

Embora a trama principal seja simples, o filme inclui diversas tangentes – incluindo um aparente romance entre Bheem e a simpática britânica Jennifer (Olivia Morris) – e muitas cenas de ação cujos desfechos são determinantes para o andar da história. Assim, em meio a segredos revelados e uma crescente de exageros (ajudada por ótimos efeitos visuais e por uma boa dose de pirotecnia), os dois protagonistas se transformam em figuras lendárias.

Aliás, encarar RRR como a história de origem de duas pessoas quase mitológicas torna o tom da produção especial (ou, pelo menos, justificável). Ambos os protagonistas lutaram pela liberdade da Índia, mas nunca se encontraram, de modo que toda a premissa é fictícia. Ainda assim, esse confronto rocambolesco entre eles funciona muito bem; fora que a necessidade de um esforço sobre-humano para vencer os ingleses parece ser uma adaptação perfeitamente válida. Para os brasileiros, em particular, é interessante ver um filme que parte de uma ótica anticolonialista e que, efetivamente, foi feito pelos oprimidos.

Outro aspecto único da produção está em seu título. Em diferentes traduções, foi feito um esforço para que a sigla RRR fosse mantida: ela significa “raiva, guerra e sangue” em alguns idiomas indianos e “ascensão, rugido, revolta” em hindu e em inglês. Mas há também a teoria de que o nome reflete a parceria entre os dois atores principais – N.T. Rama Rao Jr. e Ram Charan Teja – e o diretor S.S. Rajamouli.

De qualquer modo, ao unir sua mensagem com um baita entretenimento, RRR traz à tona algo que raramente ganha notoriedade por aqui. É possível divertir com músicas, com cenas de ação, com momentos de humor, com “bromance”, com explosões, com efeitos especiais bem pensados e com excessos, mas é realmente um feito proporcionar tudo isso ao mesmo tempo em que apresenta figuras históricas, mostra o lado vilanesco dos ingleses e transforma homens idealistas em ícones.

Existe uma “aura” em filmes antigos de suspense que dificilmente poderia ser replicada em uma produção atual. Sem a necessidade de fazer coisas cada vez mais grandiosas para surpreender o público, os longas-metragens podiam simplesmente contar suas histórias, com quantas reviravoltas fossem necessárias. Charade, por exemplo, adota uma estrutura que, hoje, poderia ser a “base” para muitas produções, mas que raramente se seguraria sem uma camada extra de ação ou de mistério. Ainda assim, ele segue sendo um deleite.

Logo de início, somos apresentados a Regina Lampert (Audrey Hepburn), uma mulher rica e de maneiras ríspidas, que está passando uma temporada em uma estação de esqui com uma amiga (Dominique Minot) e o filho dela (Thomas Chelimsky). Regina é casada com um francês, mas pretende se divorciar em breve, chegando a flertar com um homem que encontra no local, Peter Joshua (Cary Grant).

Entretanto, uma surpresa a aguarda no retorno para casa: o apartamento está absolutamente vazio e seu marido não está em lugar nenhum. Em pouco tempo, ela é abordada por um policial francês (Jacques Marin) que relata o assassinato do seu marido, o fato de que ele estava em posse de uma grande quantidade de dinheiro – que não foi localizado – e a possibilidade de que ela mesma corra perigo.

Após o funeral, por sua vez, é a vez de um agente da CIA aparecer (Walter Matthau), informando que o falecido tinha três perigosos inimigos (James Coburn, George Kennedy e Ned Glass), que acreditam que ela está em posse do dinheiro. Sem o dinheiro e sem saber o que fazer, Regina acaba se apoiando no único homem que aparenta ser confiável, o desconhecido Joshua.

Assim, Charade nos leva por dois mistérios: é preciso desvendar onde está o dinheiro e entender quais dos personagens estão dizendo a verdade. Para mim, a segunda parte é a mais divertida. Cada um tem uma história diferente sobre seu passado, com novas camadas sendo acrescentadas aqui e ali, além de motivações que nunca ficam totalmente claras (até o final, pelo menos). A princípio, é de se pensar que a sinceridade da protagonista seja o único ponto em que o espectador pode confiar, mas até essa “certeza” dá uma balançada em alguns momentos.

Inclusive, embora tenha direção de Stanley Donen e roteiro de Peter Stone, não é incomum que Charade seja comparado às produções de Alfred Hitchcock. A construção da narrativa não é particularmente inovadora e o filme tende a “cair” para o romance, mas a comparação é válida quando se considera o impacto gerado. Se o mistério do longa-metragem parece óbvio ou forçado, provavelmente é porque nosso repertório já foi inundado de referências a ele (ou até mesmo de tramas inspiradas).

Para completar, além de seu mérito enquanto suspense, o filme também traz uma das interpretações mais “sensuais” de Audrey Hepburn. Claro que Charade é uma produção bastante recatada para os padrões atuais, mas há uma protagonista casada que quer se divorciar e, na sequência, torna-se uma viúva. Assim, é de se esperar que a charmosa presença de Cary Grant dê uma balançada em seu coração – e, curiosamente, é o personagem dele quem resiste (mas não muito) aos avanços de sua contraparte.

Outras divagações:
Singin' in the Rain
Funny Face