De uma forma simplória, é possível dizer que existem dois tipos de filme do Studio Ghibli: as fantasias infantis que podem ou não estar repletas de metáforas e os dramáticos mergulhos na nostalgia. Obviamente, não é muito justo resumir as coisas desta forma, mas, para efeito de reconhecimento rápido, funciona. E Omohide poro poro, dirigido por Isao Takahata, é parte do segundo grupo, sem sombra de dúvidas.

A história acompanha as férias de Taeko (Miki Imai) no interior do Japão. Em vez de viajar para o exterior ou para uma praia, a jovem de quase trinta opta por passar seus dias de descanso trabalhando na lavoura, seja colhendo, seja ajudando no tratamento da matéria-prima. Seu principal argumento é que ela gosta muito do interior, mas a verdade é que ela ainda conhece pouco desta realidade, pois não teve a oportunidade de vivenciá-la na infância, quando muitas de suas colegas de escola passavam as férias com os avós ou parentes.

Ao longo dos 10 dias de férias da protagonista, ela trabalha duro, mas deixa sua mente vagar por uma série de memórias infantis envolvendo seus pais, suas irmãs mais velhas e seus colegas de escola. Várias destas memórias, como não poderia deixar de ser, são eventos traumáticos para a pequena Taeko (Yoko Honna), mas sua versão adulta procura trazer leveza para estes momentos, compartilhando-os com uma adolescente que mora na casa onde ela está hospedada, Naoko (Masako Watanabe), e com um rapaz do vilarejo que tem aproximadamente a sua idade, Toshio (Toshirô Yanagiba).

Como é possível perceber, Omohide poro poro não traz um grande conflito ou uma estrutura narrativa complexa, mas ele se envolve com sinceridade na vida de uma moça comum, que poderia ser eu, você ou aquela sua colega de trabalho mais retraída. Com certeza, a infância da protagonista teve muitos momentos felizes. Ela tinha um grupo fiel de amigas e viveu sua primeira paixonite na pré-adolescência, já sabendo que era correspondida. Ela também era uma menina um pouco irritante para os adultos, cheia de vontades e com a cabeça nas nuvens. Tudo isso faz com que a produção toque fundo em seus espectadores, pois ela não idealiza sua personagem, apenas a acompanha e, com isso, a torna muito mais palpável.

Ao mesmo tempo, a bucólica vida no campo é bastante propagandeada. Não é apenas Taeko quem sonha em viver da terra, mas o próprio Toshio, que já está lá e que serve de guia para levá-la às mais belas paisagens. Ainda assim, as dificuldades inerentes a este estilo de vida e as mudanças do mundo são retratadas, especialmente por meio da narrativa sobre o processo de colheita e processamento do açafrão-bastardo, que serve como matéria-prima para a produção de maquiagens que as garotas do campo não têm condições de comprar.

Mas os belos e detalhados cenários, tão típicos do Studio Ghibli, não permitem que pareça haver qualquer coisa de ruim em viver no interior. As paisagens repletas de profundidade nos transportam para um lugar maravilhoso, onde prevalece o contato harmônico da humanidade com a natureza. Cada novo ambiente traz um maravilhamento e, por conta dos passeios realizados pela protagonista, há vários deles.

Para completar, há uma estranha camada de nostalgia que é intrínseca ao detalhismo de Omohide poro poro, que completa 30 anos de lançamento. Embora a protagonista esteja perdida em lembranças da sua infância, o mundo presente do filme é um que já estava se desfazendo quando eu comecei a ter minhas primeiras lembranças. Embora eu tenha sido criada no Brasil, já muitos e muitos quilômetros do Japão, há elementos em comum suficientes para que eu sinta saudades daqueles tempos.

Outras divagações:
Kaguyahime no monogatari

Lendas medievais – com destaque para as arturianas – têm ganhado muitas e muitas adaptações ao longo dos séculos, e o cinema representa apenas uma fração disso. Algumas histórias e textos se tornaram mais célebres que outros e seguem sendo lidos e estudados. Entre eles está o poema aliterativo (quando a “rima” é feita dentro dos versos, nas sílabas iniciais das palavras) Sir Gawain e o Cavaleiro Verde, que se tornou simplesmente The Green Knight nesta versão escrita e dirigida por David Lowery.

Caso você já tenha tentado acompanhar uma história escrita em forma de poesia, você provavelmente sabe que isso é difícil. Os acontecimentos se perdem em meio a longas descrições e, muitas vezes, a eficácia narrativa é deixada de lado em prol do estilo. Eu nem cheguei a ler o poema em questão, mas a proposta de fazer algo com inspirações artísticas a partir deste tipo de material já foi suficiente para me deixar receosa. Poderia dar muito certo, mas também poderia dar muito errado (spoiler: acredito que, no final das contas, tenha ficado em um meio termo).

The Green Knight conta a história do jovem Gawain (Dev Patel), que é sobrinho do rei Arthur (Sean Harris) e aspira se tornar um cavaleiro da távola redonda, embora esteja mais dedicado em festar e namorar com Essel (Alicia Vikander). Em uma manhã de Natal, um misterioso cavaleiro (Ralph Ineson) surge na corte e desafia qualquer um para um estranho desafio: enfrentá-lo com uma espada agora e, dentro de um ano, ir encontrá-lo em uma capela distante para receber exatamente o mesmo golpe que desferir. Enquanto os cavaleiros parecem receosos, Gawain se prontifica e acaba cortando a cabeça do visitante.

Assim, vários meses depois, o jovem precisa partir em uma longa jornada para reencontrar o tal cavaleiro e, literalmente, perder a cabeça – embora toda a questão pareça ser bastante figurativa. No caminho, ele enfrentará diversos desafios, que vão desde assaltantes, a mortos-vivos, passando por mulheres sedutoras, objetos mágicos e outras questões. No processo, ele vai provando se possui (ou não) as virtudes necessárias para ser um cavaleiro: amizade, generosidade, castidade, cortesia e piedade.

Considerando que a jornada interessa mais do que o próprio desfecho da história, The Green Knight é um filme bonito em vários sentidos. Ele conta a sua história no que provavelmente acredita ser a maneira mais poética e esteticamente agradável possível, seja explorando as belas paisagens, abusando da iluminação em ambientes fechados, fazendo um jogo de contrastes nos figurinos e cenários ou mesmo nos mergulhando em sua intensa trilha sonora. Há também usos dramaticamente inteligentes do elenco, com a mesma pessoa interpretando mais de um personagem e gerando diferentes interpretações a respeito de certos acontecimentos.

Ao mesmo tempo, este não é um filme de aventura; não há cenas de ação, piadas ou sequências particularmente grandiosas. A tensão se constrói aos poucos, à medida que as decisões do protagonista quanto ao próprio destino se desenham e ele precisa lidar com as consequências delas. Consequentemente, embora tenha apenas um pouco mais que duras horas de duração, este é um longa-metragem que realmente parece extenso. E, obviamente, a recepção medíocre do público parece ser justificada.

Dito isso, se você se sente minimamente tentado a dar uma chance a The Green Knight, vá fundo e aproveite a experiência. O filme tem uma construção narrativa interessante e cumpre a promessa de explorar o material original com respeito, mas sem deixar de criar algo próprio e único. Ele é praticamente mágico na forma como tudo parece ser um sonho e, ao mesmo tempo, o retrato de uma conexão mais profunda do homem com a (sua própria) natureza.

Eu não sou criança, mas vejo vários filmes que foram pensados com esse público em mente. E eu gosto da maior parte deles. Alguns trazem uma camada de humor mais adulta, outros são tão alegres que contagiam e os mais especiais são os que transmitem uma emoção simples e profunda, de modo que fica impossível não se envolver. Vivo, porém, não se encaixa em nenhum desses grupos: ele talvez esteja mirando no segundo e no terceiro, mas erra o alvo duplamente (ainda que por pouco).

Para começar, o conflito inicial é tão óbvio que já é possível adivinhar antes da primeira canção. E as músicas, ainda que boas, parecem mais focadas em grudar na cabeça do que em emocionar (as melhores passam rapidamente e não são retomadas). Além disso, a protagonista humana não me gerou muita empatia. Por mais que eu entenda suas motivações e as julgue válidas, eu (quase) me irritei com uma criança que nem era de verdade.

Vivo (Lin-Manuel Miranda) é um jupará – um macaco pequeno, de floresta tropical – que, por um acaso do destino, acaba se tornando o companheiro de um músico de praça em Havana, Andrés (Juan de Marcos González). Entretanto, ele se vê obrigado a abandonar sua pacata vida na companhia da sobrinha-neta de Andrés, a agitada Gabi (Ynairaly Simo), que adora música, mas só sabe batucar fora de ritmo. Juntos, eles precisam entregar uma composição para a famosa cantora Marta Sandoval (Gloria Estefan), porém, a missão encontrará uma série de contratempos.

É justamente ao relatar esta jornada cheia de aventuras que Vivo acaba se perdendo. Ainda que a produção se esforce para construir a amizade de seus dois protagonistas aos poucos, os desafios que surgem pelo caminho parecem ter papéis muito limitados a cumprir, além de serem frequentemente mais ligados a alongar a história do que a construírem uma catarse. Particularmente, o fato de as meninas com preocupações ambientes terem ganhado um ar de vilãs-patricinhas não caiu muito bem comigo, por mais que elas tenham seu momento de “redenção” (veja bem, elas nunca estiveram exatamente erradas, ainda que usem meios bem estranhos para seus fins).

Com isso, boa parte das boas memórias que o filme me traz são relacionadas às cenas musicais que antecedem a aventura em si, dando a sensação de que tudo o que acontece é apenas uma grande enrolação para aproveitar a ambientação inicial, o ritmo latino e dar um apelo mais amplo à produção. Aliás... Embora Vivo seja direcionado para crianças, acho complicado que uma história que acontece em Havana e Miami não ouse tocar em aspectos mais delicados da relação entre Cuba e os Estados Unidos. Há tantos aspectos que poderiam ser usados para enriquecer a premissa e os conflitos que a escolha de sequer dar um vislumbre me pareceu covarde e acabou por enfraquecer o lado emotivo da produção.

E é assim que Vivo chega a quase encantar, mas fica apenas na promessa. Suponho que o filme seja agitado o suficiente para entreter as crianças, mas ouso dizer que ele não deve se tornar uma lembrança nostálgica nos anos que virão. Afinal, nem mesmo Lin-Manuel Miranda parece particularmente inspirado, ainda que seja divertido perceber as características bastantes claras de seu trabalho com as canções ao longo do filme. Vivo é divertido, tem momentos engraçados e cumpre seu papel, mas tinha potencial para mais.

Outras divagações:
The Croods

A carreira de Hebe Camargo foi longa, produtiva, cheia de altos e baixos e, sem dúvida, capaz de preencher muitos e muitos filmes. Sinceramente, só uma coleção de momentos da amizade dela com Nair Bello e Lolita Rodrigues já me divertiria por um bom tempo!

Ainda assim, eu me encontro em uma faixa etária “curiosa” enquanto espectadora de Hebe: A Estrela do Brasil. Tenho idade suficiente para lembrar bem de Hebe e seu programa (e, na faculdade, li sobre seu papel nos primórdios da televisão brasileira), mas não consigo vincular a senhorinha espalhafatosa e carinhosa que eu assistia com a mulher cheia de caprichos e opiniões polêmicas deste filme. É como se eu estivesse vendo a história de uma outra pessoa.

Passado nos anos 1980, o longa-metragem traz um período de transição na carreira de Hebe Camargo (Andrea Beltrão) e na política brasileira. Enquanto a apresentadora vivia uma crise com a Band e iniciava sua trajetória no SBT, o país vivia o fim da ditadura militar – e as duas histórias se cruzam, obviamente. Quando Hebe resolve levar questões polêmicas para a TV, fazendo convites para a transexual Roberta Close (Renata Bastos) ou chamando publicamente a atenção de deputados, por exemplo, ela descobre que sua liberdade de expressão não está exatamente assegurada.

De maneira geral, Hebe: A Estrela do Brasil é muito bom em colocar os acontecimentos pessoais da protagonista em um contexto mais amplo. O roteiro de Carolina Kotscho traz o casamento problemático com Lélio Ravagnani (Marco Ricca) e o relacionamento carinhoso com o filho, Marcello Camargo Capuano (Caio Horowicz), por exemplo, mas também a chegada da epidemia de Aids ao Brasil e o falecimento de um de seus melhores amigos, o cabeleireiro Carlucho (Ivo Müller).

Aliás, outra boa decisão foi o elenco. Sem se apegar muito às aparências, o diretor Maurício Farias preferiu confiar em seus atores e na caracterização dos personagens em vez de exigir uma verossimilhança detalhada. Para quem, como eu, tem a imagem de várias daquelas pessoas muito clara na memória, isso quebra um pouco o vínculo com o filme; mas, ao mesmo tempo, a qualidade não fica comprometida pela necessidade de uso de sósias. Felipe Rocha, por exemplo, encarna Roberto Carlos com um trabalho muito bom de voz e postura corporal.

A única questão é que, em meio a tantos acontecimentos, tanta coisa acontecimento na carreira, na política nacional e no mundo, a vida pessoal de Hebe acaba ficando sem muita explicação. O casamento, o filho e até o ex-marido (Gabriel Braga Nunes) estão devidamente retratados e possuem um bom tempo de tela, mas o vínculo emocional entre eles e a protagonista fica bastante indefinido.

Hebe: A Estrela do Brasil tem um recorte ótimo no tempo, abordando um período interessante da vida desta mulher, uma opção que é muito melhor para um filme que a terrível ambição de contar toda uma vida em duas horas. Ainda assim, em sua vontade de trazer o melhor retrato possível deste momento, algumas pontas relevantes ficaram soltas. Há coisas que eu, pessoalmente, gostaria de ter visto melhor – em especial, como mencionei lá no começo, Nair Bello (Cláudia Missura) e Lolita Rodrigues (Karine Teles) – mas não é como se eu pudesse reclamar. O filme tem um belo brilho (e não me refiro só às joias, que são reais e caríssimas).

Depois de mergulhar na nostalgia com The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring e de encarar uma versão bastante melhorada de The Lord of the Rings: The Two Towers, finalmente assistir The Lord of the Rings: The Return of the King parecia ser realmente o fim de uma jornada. Em sua versão mais longa, este filme foi o que mais recebeu acréscimos e fica mais difícil separar o que exatamente é diferente do corte que foi exibido nos cinemas em 2003 – mas tenho certeza de que o rei ganhou um bocado mais de atenção.

Dando continuidade à história, este longa-metragem traz o reino dos homens com um pouco mais de esperança, uma vez que Saruman (Christopher Lee) já foi derrotado. Ainda assim, defender Gondor dos avanços de Sauron vai exigir muito mais. Enquanto Gandalf (Ian McKellen) precisa lidar com a loucura do regente Denethor (John Noble) e com a batalha que se aproxima, Aragorn (Viggo Mortensen) deve assumir sua posição de verdadeiro herdeiro do trono, angariar exércitos e inspirar soldados – sempre acompanhado de seus fiéis escudeiros, o elfo Legolas (Orlando Bloom) e o anão Gimli (John Rhys-Davies).

Ao mesmo tempo, cada um dos hobbits tem uma jornada pessoal. Merry (Dominic Monaghan) se tornou um soldado de Rohan e busca provar seu valor em batalha ao lado da corajosa Eowyn (Miranda Otto). Já Pippin (Billy Boyd) jura lealdade ao regente de Gondor, mas logo descobre que cometeu mais um erro; ainda assim, sua posição privilegiada o permite lutar por Faramir (David Wenham). Por sua vez, Frodo (Elijah Wood) tenta se manter firme, mas já está cedendo ao peso do anel e a seus poderes, passando a ser facilmente manipulável por Gollum (Andy Serkis). Enquanto isso, Sam (Sean Astin) tenta mantê-lo são e garantir o cumprimento da missão.

Com muita coisa acontecendo e tantas pontas narrativas precisando de um fechamento, The Lord of the Rings: The Return of the King acaba não tendo uma linha narrativa própria tão consistente quanto seus antecessores. Além disso, nem todos os acréscimos efetivamente funcionam e o novo corte do filme parece atravancado ou forçado em alguns pontos, atrapalhando um pouco o ritmo geral.

Ainda assim, o filme segue sendo um ótimo fechamento para a trilogia. Ao contrário dos livros de J.R.R. Tolkien, o longa-metragem de Peter Jackson dá preferência para encerrar a trama principal e não se dá ao trabalho de mostrar exatamente o que acontece com todos os personagens e suas famílias. Eu fico um pouco triste por conta de algumas sequências que gostaria que tivessem sido incluídas, mas estou convencida de que foi uma decisão bem calculada e adequada.

Um ponto interessante é que a versão estendida, com um pouco mais de ênfase que a tradicional, dá peso aos “acontecimentos históricos” sendo retratados. Ela caracteriza a destruição do anel e o retorno do rei de Gondor como o início de uma nova era da Terra-Média, que passará a ser dominada pelos homens. Isso garante um sentido de grandeza que talvez tenha ficado um pouco pálido inicialmente.

Além disso, mesmo considerando que já se passou uma distância considerável desde o lançamento, os efeitos visuais ainda funcionam bem. Para os orcs, um figurino pesado e um bocado de maquiagem garantem que, por mais ridículos que eles possam parecer, eles são definitivamente reais. Algumas criaturas digitais, como a aranha gigante, que era particularmente impressionante em 2003, seguem funcionando muito bem e contam com o apoio de cenas um pouco mais escuras que o normal. Talvez as batalhas tragam algum estranhamento para o público atual, mas nada particularmente incômodo. Com isso, o maior distanciamento acaba sendo o próprio Gollum, porém, o bom trabalho de voz de Andy Serkis garante que o visual do personagem e seus grandes olhos criados digitalmente não quebrem a ilusão.

Após toda essa jornada, The Lord of the Rings: The Return of the King é um encerramento bastante satisfatório. Acompanhar tantos personagens por uma trama cheia de idas e vindas é algo que não conseguimos ver no cinema com frequência. Querendo ou não, a trama não é exatamente rocambolesca ou particularmente hollywoodiana, mas as interações entre diferentes pontos de vista e objetivos é o que faz a história permanecer interessante por tanto tempo, mesmo em versões estendidas.

Outras divagações:
The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring
The Lord of the Rings: The Two Towers

Em uma trilogia, a parte do meio acaba sempre prejudicada. Ela não conta com a introdução ao mundo, feita anteriormente, e nem com a esperada conclusão da história, que só ocorrerá posteriormente. Mesmo em séries que contam com várias pequenas histórias, a segunda acaba frequentemente soando como a mais fraca, pois perde a novidade da primeira sem ainda contar com a familiaridade a serem vinculadas às demais.

Na adaptação de uma obra literária complexa – como a que temos aqui – The Lord of the Rings: The Two Towers acabou encontrando ainda uma dificuldade adicional. No miolo de uma história maior, a produção inseriu uma série de novos personagens e cenários, permanecendo com uma série de pontas soltas e tramas sem desenvolvimento que, no final das contas, também não foram exploradas com mais profundidade no último longa-metragem (que tinha suas próprias questões a abordar).

Em sua versão estendida, The Lord of the Rings: The Two Towers consegue resolver uma série de seus problemas intrínsecos. Este (obviamente) continua sendo o filme do meio, o que não é uma missão fácil, mas coisas efetivamente acontecem e há um direcionamento claro para seus principais personagens.

Merry (Dominic Monaghan) e Pippin (Billy Boyd), que haviam sido sequestrados por orcs ao final do longa-metragem anterior, agora rumam para a Isengard controlada por Saruman (Christopher Lee). Eles precisam se manter vivos e, se possível, tentar ajudar na grande guerra que já se articula.

Já Aragorn (Viggo Mortensen), Legolas (Orlando Bloom) e Gimli (John Rhys-Davies), que partiram no encalço dos hobbits, acabam se envolvendo com mais afinco na guerra, especialmente ao cruzarem com um misterioso mago (Ian McKellen). Eles também se envolvem com questões políticas de Rohan, onde o rei Theoden (Bernard Hill) está enfeitiçado pelas palavras de Grima (Brad Dourif), para desespero dos sobrinhos do rei (Miranda Otto e Karl Urban).

Por fim, Frodo (Elijah Wood), Sam (Sean Astin) e Gollum (Andy Serkis) estão indo, vagarosamente, rumo a Mordor, onde os hobbits pretendem destruir o anel de poder. Seu trajeto, entretanto, é prejudicado por Faramir (David Wenham), irmão de Boromir (Sean Bean), que quer levar esta importante arma para a cidade de Gondor.

Com tudo isso acontecendo, não sobra espaço para The Lord of the Rings: The Two Towers ser entediante, embora a longa duração do filme possa ser cansativa. De qualquer modo, as cenas mais longas da versão estendida e até mesmo os acréscimos feitos ao longa-metragem fazem com que ele se torne mais claro e funcione com um novo objetivo: antes de chegar ao inimigo final, é preciso derrotar Saruman.

No final das contas, a palavra-chave desta produção é “esperança” – o que não deixa de ser estranho, considerando que ainda há um filme pela frente (se bem que este é o tipo de obra em que o final feliz parece quase certo). O filme se deixa afundar tanto quanto possível – inclusive com uma paleta de cores fria e acinzentada –, ao mesmo tempo em que procura levantar a ideia de que as coisas podem melhorar, de que sempre é possível fazer algo, de que a maré pode virar. Como esta estrutura se repete nos três grupos de personagens, a mensagem é passada com precisão, talvez até demais.

The Lord of the Rings: The Two Towers não deve ser a parte favorita de muita gente, mas é preciso dizer que ele é essencial para que a grandiosidade esperada para a parte final seja atingida. É aqui que a real dimensão do poder do anel é estabelecida e que fica claro o que pode vir a ser destruído. Enquanto os elfos estão, literalmente, abandonando a Terra-Média e outras criaturas mágicas já perdem forças, a era dos Homens pode acabar antes mesmo de mostrar a que veio.

Quase 20 anos após seu lançamento, os efeitos especiais já não são mais tão fantásticos, mas ainda se seguram muito bem e permanecem críveis. Toda atenção aos detalhes dada por Peter Jackson e sua equipe segue efetiva e faz com a magia permaneça de pé – espero que esses filmes estejam sendo apresentados a novas gerações, que também se encantarão com tudo isso. Pessoalmente, eu preferia que Gimli não fosse usado como alívio cômico com tanta frequência, mas é algo que aprendi a engolir.

Outras divagações:
The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring

O que era ser nerd no período da sua adolescência? Na minha, acredito que o conceito estava mais vinculado com The Lord of the Rings do que com Star Wars, por exemplo. Obviamente, nada impedia que alguém muito nerd estivesse por dentro de tudo o que envolvia estes e outros universos. Mas, de qualquer forma, frequentar fóruns de internet sobre o tema e adentrar em conversas sobre os personagens de J.R.R. Tolkien já rendia algumas estrelinhas na carteirinha de nerd. E eu era uma dessas pessoas.

Assim, mergulhar nas versões estendidas destes filmes é praticamente como voltar no tempo e reviver algo muito especial – com bônus. Em The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, por exemplo, há 30 minutos de cenas adicionais, cuidadosamente espalhadas ao longo de um filme que já é originalmente bem longo. Se você não estiver investido na experiência, admito que talvez seja demais. Mas, para quem sempre queria mais, consegue ser bom sem passar (exageradamente) da medida.

A história, obviamente, segue a mesma. Frodo (Elijah Wood) é um hobbit que vive uma calma vida de hobbit em uma vila de hobbits perfeitamente normal, mesmo sendo sobrinho do excêntrico Bilbo (Ian Holm) que, no passado, viveu aventuras na companhia de anões. Sua vida muda depois que Bilbo decide partir em mais uma aventura, deixando para trás uma de suas relíquias mais preciosas: um anel.

Este anel, entretanto, é um item mais poderoso do que eles imaginariam inicialmente – muito mais. O senso de dever de Frodo faz com que ele parta em uma perigosa jornada, sendo eventualmente acompanhado por seu jardineiro, Sam (Sean Astin), outros dois hobbits (Dominic Monaghan e Billy Boyd), o mago Gandalf (Ian McKellen), o elfo Legolas (Orlando Bloom), o anão Gimli (John Rhys-Davies) e dois humanos, Aragorn (Viggo Mortensen) e Boromir (Sean Bean).

Com um grupo tão diverso, inúmeras tensões e desavenças acabam surgindo, seja sob o caminho a seguir ou sobre coisas mais profundas, envolvendo questões intrínsecas de cada raça e personagem. Ainda assim, o grupo se fortalece e se defende sempre que necessário, especialmente quando precisa enfrentar legiões de orcs, lutar contra inimigos enviados pelo perigoso mago Saruman (Christopher Lee), ou quando adentram a floresta dominada pela misteriosa elfa Galadriel (Cate Blanchett).

Por ser baseado apenas na primeira parte de um livro, The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring não funciona como uma história fechada, mas apresenta seus personagens e seu mundo de uma forma bastante eficiente. As dinâmicas prévias ficam claras e a importância da missão é posta de modo enfático.

Ao mesmo tempo, o filme traz algo único a ele e gera interesse pelo que vem a seguir. Todos no grupo vivem momentos importantes e passam por transformações: ao final, nenhum dos personagens é a mesma pessoa que iniciou a jornada. Inclusive, muitas das características que as pessoas gostam em relação à obra são intrínsecas a esta primeira parte, pois é apenas aqui que o grupo se mantém íntegro e unido.

Ainda que muitos tenham tentado – inclusive o próprio diretor Peter Jackson, em outras incursões à Terra Média –, é a construção da trama vista em The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring quem dá o tom para a história de ficção fantástica mais bem sucedida da história do cinema. Mesmo se os efeitos especiais tivessem envelhecido muito mal (e, convenhamos, nem todos são exatamente convincentes hoje em dia), a estrutura e o andamento da história ainda funcionariam de maneira eficiente.

Obviamente que, em uma adaptação de uma obra literária para o cinema, a parte visual também tem sua importância. Neste caso, as decisões tomadas foram muito acertadas: os cenários e figurinos são impecáveis – a escolha de elenco e as maquiagens também ajudam. Para completar, a trilha sonora é particularmente marcante, ajudando a dar o tom correto a este mundo fantástico (eu me peguei cantarolando trechos em mais de um momento).

Prestes a completar 20 anos de lançamento, The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring continua sendo um grande filme, que ainda agrada a seus fãs e tem capacidade para atrair a atenção de novas gerações. Isso, bem mais do que as quatro estatuetas do Oscar – Fotografia, Maquiagem, Trilha Sonora e Efeitos Visuais –, diz muito sobre a qualidade de um filme e o carinho que foi dedicado a sua realização.

Outras divagações:
The Hobbit: An Unexpected Journey
The Hobbit: The Desolation of Smaug
The Hobbit: The Battle of Five Armies

Se você me conhece (ou lê meus textos há algum tempo), é provável que já tenha notado que eu posso até ser relativamente jovem, mas sempre tive um lado meio “idoso”. Tenho muitas manias, uma teimosia cega, uma séria dificuldade com alongamentos e muita preguiça de sair de casa (embora o isolamento social trazido pela pandemia tenha me deixado com vontade de sair de vez em quando). Além disso, já fiz voluntariado em um asilo feminino e acredito que tinha uma boa relação com todas as moradoras do lugar.

Fiz todo esse rodeio para dizer que eu me identifico bastante com o protagonista de Cider no yô ni kotoba ga wakiagaru. Cherry (Somegorô Ichikawa) é um menino tímido, que adora escrever haicais e trabalha em uma espécie de creche para idosos, que fica em um movimentado shopping. Enquanto não está trabalhando ou escrevendo, ele passa o tempo com seus amigos ou arrumando as coisas em seu quarto, contando os dias para uma mudança de cidade que deve acontecer em breve.

Por um acidente típico de filmes, o caminho de Cherry acaba se cruzando com o de Smile (Hana Sugisaki), uma menina que é uma espécie de influencer digital, mas que parou de sorrir quando a adolescência a fez ficar consciente de sua característica física mais marcante: os dentes proeminentes da frente, no melhor estilo Mônica. E, juntos, os dois assumem uma espécie de missão: ajudar um dos idosos do lugar, Fujiyama (Kôichi Yamadera), a ouvir novamente seu disco favorito, cuja única cópia restante está desaparecida.

De maneira geral, Cider no yô ni kotoba ga wakiagaru não se preocupa muito com ser plausível quanto aos acontecimentos da trama, que vão se encaixando muito bem à medida que a história caminha em uma direção bastante óbvia. Ao mesmo tempo, a realidade pode ser tão absurda ou repleta de coincidências que isso não chega a incomodar, não dessa vez. Afinal, mais importante do que o que está efetivamente acontecendo na tela é o que aquilo realmente quer dizer.

Ao explorar os motivos pelos quais um homem idoso ficou obcecado por um disco de vinil, os dois protagonistas descobrem algo mais profundo do que um velho cheio de maneirismos. Além disso, em meio a esta interação crescente, eles precisam lidar com novos sentimentos e toda a insegurança derivada disso. Ele é muito tímido, mas joga sua expressividade nos poemas (e tem o agravante de que irá se mudar em breve). Ela está muito consciente de si mesma e de sua aparência, tendo dificuldade de perceber o que acontece ao seu redor.

Com isso, esta história dirigida por Kyohei Ishiguro e escrita por Dai Satô é o típico romance do começo de adolescência, aquele que muitos de nós gostaríamos de ter vivido. O momento bastante específico da vida dos personagens é respeitado (tecnicamente, eles têm entre 16 e 17 anos, mas parecem até mais novos que isso) e o mundo parece ressoar a energia que eles têm dentro de si, por mais que eles tenham certa dificuldade em expressá-la.

Visualmente, tudo em Cider no yô ni kotoba ga wakiagaru é muito colorido, vibrante e até exagerado, ao mesmo tempo que traz cenários estranhamente realistas – o shopping, inclusive, é muito parecido com um que eu conheço –, também contando sua história por meio da arquitetura e do uso dos espaços. Com isso, a produção consegue transmitir tanto a juventude (ou a distância dela) quanto as alegrias do verão (e seu caráter inevitavelmente passageiro).

Aliás, é por meio desse estranho equilíbrio e do cuidadoso trabalho com dicotomias que a produção se sustenta bem apesar dos clichês. Os protagonistas, por exemplo, não são exatamente opostos, mas são diferentes o bastante para enxergar algo de especial justamente naquilo que o outro está tentando esconder sobre si mesmo. E é isso o que torna a inesperada aproximação dos dois crível.

Tão doce quanto o permitido, Cider no yô ni kotoba ga wakiagaru passa rápido e levemente, aquecendo corações e alegrando velhos espíritos, como o meu, que não se cansam de ver novos amores surgindo.

Logo nos primeiros minutos de Luca, é impossível não pensar: então, é como The Little Mermaid, mas vai se passar na Itália? A resposta, felizmente, é não para a primeira parte e sim para a segunda (embora o filme possa merecer um “talvez” para a metade inicial da questão). A verdade é que, assim como tantos outros, este é um longa-metragem sobre a falta de comunicação entre pais e filhos, os conflitos que surgem disso e a vontade dos indivíduos de serem eles mesmos; tudo salpicado com uma bela amizade.

Mas vamos voltar para o princípio. A história acompanha Luca Paguro (Jacob Tremblay), um menino que, na verdade, é uma espécie de monstro marinho (mesmo!). Embora ele se pareça com um humano quando está na superfície, basta ele se molhar para que sua pele seja trocada por escamas, com direito ao surgimento de membranas entre os dedos e algumas barbatanas, além de guelras e até mesmo um rabo. Não que ele saiba exatamente como isso funciona, já que é um bom menino e, sob as ordens rigorosas de sua mãe, Daniela (Maya Rudolph), jamais visitou a superfície ou teve qualquer contato com humanos.

As coisas estão prestes a mudar, contudo, quando ele cruza com Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer), um menino-monstro marinho que vive em uma ilha próxima e que adora colecionar estranhos objetos humanos. Juntos, os dois vão se tornando amigos e dividem um sonho em comum: ter uma vespa (não o animal, obviamente, mas aquela motinho italiana super charmosa) para sair por aí desafiando distâncias – e até mesmo a lei da gravidade.

Entretanto, quando os pais de Luca se posicionam contra a amizade e ameaçam mandá-lo para as profundezas do oceano, os dois decidem fugir para uma cidade próxima. Lá, eles encontram abrigo na casa de uma menina cheia de energia, Giulia Marcovaldo (Emma Berman), que tem como grande ambição ganhar a Portorosso Cup, uma competição que envolve ciclismo, natação e comilança de massas. Os dois acabam se envolvendo na disputa ao mesmo tempo em que precisam descobrir como evitar tanto os terríveis caçadores de monstros marinhos quanto os pais de Luca.

Assim, a trama é bastante simples e, digamos assim, “universalizável”. Há quem tenha enxergado uma alegoria LGBT+ na produção, embora o diretor Enrico Casarosa tenha negado esta intenção. De acordo com ele, o filme é baseado em grandes amizades e em suas próprias lembranças da infância na Itália. Por mais que isso justifique os cenários, as caracterizações e diversos detalhes da história, Luca é uma produção que poderia se passar em muitos lugares, explorando circunstâncias diversas. Querer sair da sombra dos pais, discordar da autoridade imediata, buscar por liberdade e sentir a necessidade de descobrir quem você realmente é, afinal de contas, são temas pra lá de comuns.

Para completar, ao mesmo tempo em que o protagonista é esse menino sensível e um tanto quanto perdido, seus amigos também são pessoas que, no fundo, você conhece. Alberto é o companheiro para todos os momentos, aquela pessoa que fará de tudo para defender os amigos e ficar ao lado deles; ao mesmo tempo, ele também tem suas questões e esconde uma dose de tristeza por trás de toda a sua imensa alegria de viver. Já Giulia é uma pessoa que busca seus próprios objetivos, é imensamente determinada e vai ajudar quem está por perto com a mesma devoção – mas é um pouco difícil efetivamente se aproximar e lidar com toda essa energia.

E tudo isso é acompanhado pela clássica magia da Pixar. Por mais que, sem um conceito particularmente inventivo, Luca não pareça destinado a entrar para o hall de grandes filmes do estúdio, a produção foi realizada com uma imensa dose de carinho. Além de ter sido construído a partir das memórias do diretor, o longa-metragem tem uma animação caprichada e equilibra de uma maneira bastante interessante as paletas de cores de seus dois mundos. Além disso, o filme explora a inocência infantil e sua busca por liberdade de uma forma bastante cuidadosa e respeitosa.

E, bom, quem não quer passear pela Itália dirigindo uma vespa?

Mesmo que eu esteja acostumada a acompanhar as séries da Marvel, ver um filme do estúdio pela primeira vez diretamente da televisão de casa é um pouco frustrante. Para a minha experiência com Black Widow ser completa, sinto que falta o escurinho de uma sala de cinema, o cheiro de pipoca (mas não o gosto, já que custa o olho da cara), o burburinho de um ambiente cheio, o som acachapante e a empolgação do público. Ainda assim, não posso reclamar: a pandemia de covid-19 atrasou um bocado este lançamento, que chegou simultaneamente aos serviços de streaming e aos cinemas (ao menos em locais onde estes ambientes já são mais seguros, o que ainda não é o caso na minha cidade).

Com uma história que se passa majoritariamente entre os eventos de Captain America: Civil War e Avengers: Infinity War, Black Widow também revisita alguns aspectos da origem de Natasha Romanoff (Scarlett Johansson), de modo a dar um passado com motivações mais palpáveis para a já conhecida personagem. Isso envolve um período muito particular da infância da heroína, vivido no estado norte-americano de Ohio na companhia de Yelena Belova (Florence Pugh), Melina (Rachel Weisz) e Alexei (David Harbour).

Aliás, é Yelena quem dá o pontapé inicial na trama. Ao descobrir uma cura para o controle mental aplicado pelo perigoso Dreykov (Ray Winstone) – responsável pelo cruel treinamento de um grupo de assassinas conhecidas como “viúvas”, do qual ambas já fizeram parte –, a jovem tenta entrar em contato com sua velha conhecida que tem amigos poderosos, mas encontra Natasha sem o apoio de toda a estrutura dos Avengers. Por conta disso, na tentativa de derrubar Dreykov de vez, as duas se reúnem e, eventualmente, reencontram Melina e Alexei. Porém, há um problema: não está muito claro quem no grupo é ou não confiável.

Com uma trama não tão rocambolesca quanto a Marvel costuma entregar – mas, ainda assim, repleta de elementos “científicos” e tecnologias “avançadas” –, Black Widow funciona como uma boa aventura dentro de um universo mais amplo e dá a Natasha um destaque a muito merecido. Talvez falte à produção certa grandiosidade característica de heróis mais poderosos ou uma trama integrada a um mistério amplo, porém, isso provavelmente não combinaria com a própria personagem.

A aposta da produção para empolgar, então, recai sobre duas velhas conhecidas do público: porradas e perseguições. O que não falta são lutas bem coreografadas e com todo o tipo de armas, incluindo destruições de cozinhas, corridas por telhados, facadas (neste caso, a arma é virada no corpo da vítima para garantir um maior dano), fugas de prisões, perseguições por ruas europeias estreitas, explosões diversas e um grande desespero final que reúne vários confrontos importantes.

O detalhe é que não é “só” isso. Embora seja obviamente feito para empolgar multidões, o filme entregue pela diretora Cate Shortland consegue apresentar uma história intrigante, com uma identidade própria e que se encaixa dentro do que já conhecemos a respeito da personagem e do universo em si. Ainda que tudo tenha sido estrategicamente posicionado para não interferir com o que já estava posto, Black Widow realmente acrescenta algo ao conjunto.

Com isso, este não é o melhor longa-metragem do estúdio e talvez nem seja exatamente um “filme de herói” como nos acostumamos a ver (e a ansiar), mas é uma boa diversão. Sem dúvida, seria muito mais empolgante ter visto Black Widow em uma tela de cinema, entretanto, a dimensão “menor” da história o faria uma escolha possível para quem está optando por economizar nos ingressos e assistir a algo embaixo das cobertas. Com algum esforço, dá para fingir que o sofá foi uma escolha e não uma necessidade.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Black Panther
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
Doctor Strange
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok

O ano era 1999. A carreira de John Travolta já havia sido ressuscitada por Pulp Fiction e estava relativamente estabilizada, mas ele não tinha exatamente o perfil então exigido para um ator de ação. Em The General's Daughter, por exemplo, Travolta encara algumas cenas mais físicas, mas o foco não é exatamente esse. Ao dar certo ar de deboche a um personagem sério – um investigador infiltrado no exército –, ele dá um tom inusitado a um filme e garante que ele não se afunde dentro de seus próprios temas, que são bastante sombrios.

A princípio, Paul Brenner (John Travolta) está infiltrado em um campo de treinamentos, investigando um traficante de armas. Quando as coisas dão errado, ele logo descobre que tem uma nova missão: descobrir quem é o assassino da capitã Elisabeth Campbell (Leslie Stefanson), a jovem, inteligente e bela filha do general (James Cromwell), que ele mesmo havia conhecido alguns dias antes. Para ajudá-lo na nova missão foi escalada uma especialista em investigação de estupros, Sara Sunhill (Madeleine Stowe), que, por acaso, também é sua ex-namorada (na falta de um termo melhor).

Alguns aspectos dificultam a obtenção de informações, como a burocracia e extrema rigidez do exército, o passado conturbado da vítima e o fato de que todos parecem saber um pouco mais do que estão informando, com destaque para um dos melhores amigos da capitã, o coronel Robert Moore (James Woods). Ainda assim, aos poucos, as peças começam a se encaixar e revelam algo muito maior do que aquilo que os investigadores inicialmente imaginaram.

Visto pelos olhos de hoje, The General's Daughter traz à tona muitos temas interessantes, como as dificuldades vividas pelas mulheres no exército, a forma como estupros são encarados pelas instituições, a maneira cruel com que muitas mulheres vítimas de violência são caladas, entre outros. Ainda que o enfoque seja controverso, a forma como isso foi trabalhado na trama é digna de nota.

Outro ponto interessante é a dinâmica entre os dois investigadores. Eles se espezinham com frequência e parecem alternar entre gostar ou não um do outro, mas eles funcionam muito bem profissionalmente. Em mais de uma sequência, o comentário de um acaba posteriormente ajudando o outro a chegar a novas conclusões, o que torna enriquece a dinâmica.

The General's Daughter também ganha alguns pontos ao criar uma história que apresenta aspectos podres e corruptos do exército norte-americano, uma instituição que costuma ser tratada com muita reverência na mídia. Considerando a lógica cautelosa de Hollywood, essa seria uma aposta arriscada, mas o filme se baseia em uma série de livros bem-sucedida, escrita por Nelson DeMille – ainda assim, as continuações nunca foram filmadas.

Construído como um suspense escuro e perturbador, o filme consegue prender o espectador em seu mistério até o momento final, pois vai desvendando mais e mais camadas. Aos poucos, ele abandona o clima de gato-e-rato criado entre os investigadores e se aprofunda no crime em si, em uma resolução que não é exatamente óbvia, mas também não é impossível de pescar.

Com direção de Simon West, que na época comandava apenas sua segunda produção, The General's Daughter é respeitoso com o tema trabalhado e com o sofrimento da vítima (o que, ao menos a meu ver, inclui a forma horrível como certas cenas são retratadas).

Outras divagações:
The Expendables 2
Stolen

A experiência de ler um livro e, na sequência, ver a adaptação cinematográfica nem sempre é proveitosa ou enriquecedora – especialmente se você não gostou tanto assim da obra original. Mas, como muita gente elogiou o livro de Lily Brooks-Dalton, eu resolvi dar uma chance para The Midnight Sky, na esperança de que o filme me traria uma nova perspectiva.

Aliás, embora as linhas gerais e a revelação final sejam as mesmas, livro e filmes se distanciam em muitos pontos. Na versão dirigida por George Clooney, alguns problemas do texto são minimizados, porém, diversos outros são criados.

A principal questão, ao menos para mim, foi a opção por um uso excessivo de efeitos especiais (bom, rendeu uma indicação ao Oscar) e a criação de algumas sequências “de ação”, ambas com o aparente objetivo de conferir alguma grandiosidade ao filme, aumentando seu apelo estético e “preenchendo” a narrativa. O caráter mais intimista e reflexivo, no entanto, era um dos pontos fortes do livro e haveria muito a ganhar no aprofundamento de personagens se a perfumaria fosse deixada de lado (e, sim, é possível fazer isso com filmes passados no espaço).

The Midnight Sky conta duas histórias paralelas. Em uma estação de pesquisa no Polo Norte, Augustine (George Clooney) acredita que pode ser o último ser humano da Terra. Com o ar do planeta contaminado, ele tenta lidar com uma doença terminal ao mesmo tempo em que procura se comunicar com a única missão espacial em andamento. Para completar, ele descobre uma criança misteriosa (Caoilinn Springall) que se abrigou no complexo.

Na nave Aether, por sua vez, a especialista em comunicações Sully (Felicity Jones) procura manter o bom humor e a sanidade em meio ao caos: ela está gravida do capitão (David Oyelowo), eles perderam contato com a Terra e um leve desvio de rota fez com que a nave precise enfrentar áreas não mapeadas do espaço. Neste processo, ela é uma mãezona para a jovem engenheira Maya (Tiffany Boone) e recebe sugestões de nomes para o bebê vindas dos demais colegas (Kyle Chandler e Demián Bichir).

Assim, enquanto Augustine e Sully se encontram e desencontram por meio de ondas de rádio, vamos acompanhando o dia a dia de ambos e as dificuldades trazidas pela situação inesperada. Neste ponto há algumas diferenças cruciais em relação ao livro, especialmente quanto a Sully, que é uma personagem relativamente complexa no papel, mas acaba sendo bastante simplificada na tela.

Embora beba na fonte de grandes filmes despóticos e de ficção-científica – como Gravity, The Martian e até Children of Men –, The Midnight Sky deixa de entregar algo que o torna único e especial. Quando optou por encher de firulas uma trama bastante simples (e focada nos personagens) em vez de justamente fortalecer seus protagonistas e o forte sentimento de isolamento que eles carregam, o longa-metragem acabou esvaziando sua própria essência.

Ao mesmo tempo, preciso admitir que a produção entrega um visual espetacular, tanto no Polo Norte quanto na nave, passando pelas luas de Júpiter. Isso não é suficiente para salvar The Midnight Sky do tédio, mas pode enganar bem e é capaz de ser o suficiente para alguém com baixas expectativas (o que não era exatamente o meu caso).

Outras divagações:
The Ides of March
Suburbicon

Às vezes, crio sentimentos um pouco inexplicados em relação a filmes que nunca assisti. Fences, por exemplo, é um drama muito elogiado, com um elenco estelar e várias coisas que o recomendam. Mas eu sentia um pouco de medo de encarar este longa-metragem, como se eu fosse uma criança que sabe que fez algo errado e está prestes a enfrentar a ira dos pais. Suponho que boa parte desta sensação venha do fato de que este é um filme sobre um pai difícil, com uma personalidade forte e um lado imprevisível. Ao mesmo tempo, esta é apenas uma das camadas da produção, que tem muito a entregar.

Troy Maxson (Denzel Washington) é um homem complexo. Ele teve uma juventude difícil, foi preso e se descobriu como jogador de beisebol na cadeia, mas acabou terrivelmente desiludido por não conseguir jogar profissionalmente. Seu casamento com Rose (Viola Davis) é feliz, embora ele ande bebendo demais e tenha começado um caso extraconjugal. Para completar, há tensões relacionadas ao filho deles, Cory (Jovan Adepo), que ambiciona entrar na faculdade e se tornar um jogador profissional de futebol americano.

Em seu convívio diário, Troy também lida com seu melhor amigo e companheiro de tempos difíceis, Jim Bono (Stephen McKinley Henderson); com o filho de um relacionamento anterior, Lyons (Russell Hornsby); e com seu irmão, Gabriel (Mykelti Williamson), que machucou a cabeça gravemente na guerra e agora é incapaz de cuidar de si mesmo. E, claro, com a cerca que dá título ao filme, que ele constrói vagarosamente, a pedido de Rose.

Fences tem roteiro de August Wilson, também autor da peça original. Embora ele tenha falecido muitos anos antes do lançamento do longa-metragem e seu roteiro tenha passado pelas mãos de outros profissionais, Denzel Washington fez questão de que o crédito permanece unicamente de Wilson. Deste modo, os prêmios recebidos e a indicação ao Oscar foram póstumos e apenas dele.

Aliás, este é um projeto bastante pessoal para Washington, que também dirigiu e protagonizou esta história nos palcos, ao lado de Viola Davis e dos demais membros adultos do elenco. Este carinho e respeito pelo material é passado para a obra, que não se preocupa interessa em dar respostas fáceis. O protagonista é um marido bom e ruim, um irmão presente e dá medo, um amigo leal e inconveniente, um pai autoritário e dedicado.

Com toda essa carga a transmitir, Fences não é um filme fácil para quem o assiste (embora também não seja tão difícil quanto eu temia). Ele tem uma série de monólogos – que seus atores usam para garantir a maior dramaticidade possível – e quase toda as cenas se passam no quintal, aos fundos da casa da família Maxson. Por mais que existam acontecimentos que fazem a trama seguir adiante, eles parecem ser apenas “desculpas” em uma eterna exploração das dinâmicas entre os personagens.

Além disso, muitos dos dramas apresentados devem ecoar em diversas famílias. Embora seja muito particular na realidade retratada, mostrando uma família negra dos Estados Unidos, que vive em uma época específica e em um determinado lugar, Fences tem um caráter estranhamente universal. Eu tinha medo desse filme porque receava as emoções que ele poderia despertar em mim; e eu não estava errada em pensar assim. Este é um longa-metragem para ser encarado apenas por quem está com a cabeça e o coração no lugar.

Outras divagações:
Ma Rainey's Black Bottom

Assim como muitos, eu fui conquistada por Lin-Manuel Miranda desde a primeira vez que ouvi a trilha sonora de Hamilton. De lá para cá, praticamente decorei a maior parte das canções e também me aventurei por outros trabalhos do ator, cantor e compositor, incluindo as músicas de Moana e sua participação em Mary Poppins Returns. Porém, para que Hamilton pudesse existir e atingir as dimensões que alcançou, antes houve In the Heights.

Esta história, que agora chega aos cinemas sob a direção de Jon M. Chu (ou quase, já que a pandemia ainda não acabou), estreou originalmente em 2005, chegando a Broadway em 2008 – mesmo ano em que os direitos para a adaptação cinematográfica foram comprados – e permanecendo em cartaz até 2011, posteriormente recebendo uma variedade de montagens em diversos lugares pelo mundo, incluindo São Paulo (SP). O longo caminho (e a resiliência para chegar às telonas) mostra o quanto esta trama é querida por seus idealizadores e como ela conseguiu se manter relevante para o público.

Usnavi (Anthony Ramos), com o auxílio de seu primo Sonny (Gregory Diaz IV), comanda uma lojinha de esquina no bairro em que mora em Nova York, Washington Heights, basicamente servindo café para a comunidade latina. Entre seus fiéis clientes está a manicure e cabeleireira Vanessa (Melissa Barrera), por quem ele tem uma quedinha. Porém, enquanto ele está lutando para comprar um barzinho em uma belíssima praia da República Dominicana, ela está se esforçando para se tornar uma estilista e se mudar para uma localização melhor em Nova York.

Além de viver seus próprios dramas, Usnavi também acompanha os alheios. Tendo sido praticamente criado pela “abuela” Claudia (Olga Merediz), ele enxerga Nina (Leslie Grace) como uma irmã. A moça é o orgulho do bairro por estar fazendo faculdade em Stanford, mas voltou para casa nas férias de verão com um segredo: quer largar os estudos. A única pessoa que parece a respeitar em sua decisão é o ex-namorado Benny (Corey Hawkins), que também é o melhor amigo de Usnavi.

Apesar da vida não ser exatamente fácil em Washington Heights, as pessoas acham motivos para continuar cantando, dançando e, principalmente, sonhando. Entretanto, a crescente gentrificação e as consequências de um blecaute de vários dias em pleno verão conseguem abalar fortemente a comunidade. Ou seja, In the Heights vai além de romances e da promessa da “terra das oportunidades”, mostrando como estas pessoas lutam para ficar unidas de modo a se apoiarem mutuamente.

Ao mesmo tempo, o filme é incrivelmente vibrante. Com várias tramas se entrecruzando, não há um momento de descanso e as contagiantes (e devidamente grudentas) canções vão se seguindo de forma constante. Inclusive, a música parece tão intrínseca à realidade daquelas pessoas que chega a ser estranho quando elas não estão cantando. Desta forma, não é necessária qualquer desculpa para que um personagem comece a se expressar com um ritmo, qualquer que seja ele.

Ainda que o andamento da história não seja particularmente inventivo e cheio de reviravoltas, In the Heights dá conta de manter a atenção do espectador com seus truques visuais – fica até difícil imaginar como isso tudo acontecia em um palco –, com as músicas grudentas, com o vozeirão do elenco e com a profusão de coisas acontecendo ao mesmo tempo. No final das contas, nem parece que são quase 2h30 de filme.

Para completar, vale dizer que os fãs de Lin-Manuel Miranda não ficam decepcionados. Afinal, além das músicas dele, a produção também conta com uma participação relativamente grande dele como ator.

Outras divagações:
G.I. Joe: Retaliation
Now You See Me 2
Crazy Rich Asians