Thor: Love and Thunder chega aos cinemas em um momento esquisito do universo cinematográfico da Marvel (MCU). Os ânimos estão um pouco mornos após Avengers: Endgame e o personagem título parece deslocado em meio à nova leva de personagens que o estúdio vem introduzindo no cinema e na televisão. Então, por mais que exista uma expectativa quanto à segunda incursão do diretor Taika Waititi com o personagem – depois do muito elogiado Thor: Ragnarok –, não dá para negar que a saturação esteja atingindo a Marvel. O fato de Thor já ter alcançado a famigerada marca de quatro filmes não ajuda nesta percepção de que os “sucos criativos” acabaram.

Mas fico feliz em dizer que, por mais que Thor: Love and Thunder tivesse tudo para cair no mais do mesmo, o que encontrei foi um filme que pode vir a se tornar um dos meus favoritos do estúdio. Ele não apenas situa o personagem e seu papel nesse universo como também abre caminhos interessantes para o seu futuro, juntando a estética e a diversão descompromissada de Thor: Ragnarok a temas muito mais sensíveis e humanos.

Situado no meio da labiríntica narrativa do MCU, Thor: Love and Thunder traz Thor (Chris Hemsworth) e Korg (Taika Waititi) fazendo parte dos guardiões da galáxia, cruzando o universo em uma jornada de autodescoberta enquanto Valkyrie (Tessa Thompson) atua como rei dos exilados de Asgard na Terra. Essa paz é quebrada quando Gorr (Christian Bale), um assassino de deuses em busca de vingança, ameaça a Nova Asgard, forçando Thor a retornar à Terra para proteger o seu povo e prestar contas com seu passado, uma vez que ele também se depara com sua ex-namorada, Jane Foster (Natalie Portman). Ela, por alguma razão, agora possui os poderes de Thor e seu antigo martelo.

Ainda que a trama do filme seja simples e sua duração seja relativamente curta (abaixo das duas horas, o que parece ser uma raridade nos dias de hoje), o que deveria favorecer uma narrativa descompromissada, os temas acabam elevando a produção acima do patamar de uma simples aventura. Os momentos mais leves e divertidos existem, mas o filme consegue falar (nos seus próprios termos) sobre amor, perda, altruísmo e o significado da existência.

Inclusive, o vilão tem uma das motivações mais válidas que encontrei até o momento no MCU, o que é certamente ajudado pela performance expressiva de Christian Bale. O visual e os poderes também são bastante inventivos, de modo que eu até teria apreciado mais tempo de tela dedicado a ele, considerando o personagem subaproveitado.

Para aqueles que não curtem o Thor galhofeiro de Waititi, sinto dizer que ele permanece presente, sendo uma encarnação muito distinta do personagem dramático dos primeiros filmes da série. É até mesmo possível acusar certa caricaturização do personagem, com a tendência de transformar tudo em piada mais presente do que nunca (sério Marvel, dá para deixar o drama respirar um pouco mais). E isso é uma pena, considerando que o Thor dos dois últimos Avengers encontrou um bom equilíbrio para o personagem, com um humor que lidava com o peso da culpa, algo que infelizmente se perde um pouco aqui.

A despeito disso, há mais coração neste filme, sobretudo por meio da dinâmica entre Thor e Jane – que não é simplesmente um interesse romântico, o que ajuda a criar este panorama do que o personagem se tornou depois de uma longa metamorfose de oito filmes. Falando em Jane Foster, fico feliz que Natalie Portman tenha retornado devidamente à série e trazido a melhor caracterização da personagem até o momento. Ela ata os nós que sua saída repentina causou e tenta dar significado para a ausência, o que mostra o quanto uma narrativa de longa duração é vulnerável a problemas externos à história.

Thor: Love and Thunder tem um visual muito bacana e expansivo, com destaque para todas as sequências envolvendo o mundo dos deuses, com uma caracterização carnavalesca e colorida esperada, mas que se afasta da Asgard mais sóbria de Kenneth Branagh. A direção cheia de personalidade toma riscos criativos, sendo marcada pelo estilo de Waititi e por seus vícios.

A trilha sonora é excelente e, no lugar do metal mais agressivo de Thor: Ragnarok, decide usar um hard rock oitentista com direito a power ballads, de modo a enfatizar o lado mais “romântico” do personagem. O resultado é um filme com uma “textura” bastante própria, a despeito das similaridades aparentes com seu antecessor. O longa-metragem não tem medo de ser brega e, talvez, seja melhor por conta disso.

Assim, mesmo que Thor: Love and Thunder não mova o MCU para frente e não apresente nenhuma nova grande ameaça (sinto até certas incongruências com o que vimos em Moon Knight e Eternals), ele tem seus próprios méritos, sendo um filme divertidíssimo em meio a uma temporada de blockbusters pouco empolgantes. Caso você já tenha cansado um pouco de filmes de herói e tenha largado a Marvel, a produção merece uma chance caso você tenha gostado da anterior; se não, não há nada aqui para mudar a sua opinião.

Independentemente do resto do MCU e de seus problemas, o maior elogio que poderia dar é que Thor: Love and Thunder conseguiu me empolgar para uma possível continuação ao apresentar novas facetas do personagem que podem ser trabalhadas daqui para frente. Este filme mostra que o deus do trovão ainda não está esgotado.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Black Panther
Black Widow
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
Doctor Strange
Doctor Strange in the Multiverse of Madness
Eternals
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
Spider-Man: No Way Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Embora os filmes e especiais de TV baseados nos personagens de Charles M. Schulz tenham conquistado muitos corações mundo afora, sinto que estas histórias não fazem parte do imaginário brasileiro – e menos ainda quando elas não se referem a algum feriado. A obra mais recente, The Peanuts Movie, teve seu impacto, foi lançada nos cinemas e contou com uma campanha de marketing interessante (ainda assim, não foi exatamente um grande sucesso). Mas produções como Race for Your Life, Charlie Brown, de 1977, são realmente pouco conhecidas.

Penúltimo filme dirigido por Bill Melendez – que também dá “voz” a Snoopy, Woodstock e alguns personagens adicionais –, este longa-metragem tem 1h16 e acaba sendo bem curto, não devendo cansar as crianças (de qualquer idade). Também se trata de uma animação econômica, que aproveita frames e usa de recursos que facilitam todo o processo. Ou seja, fica claro que o objetivo nunca foi realmente criar uma obra-prima, mas uma história divertida e capaz de entreter, usando estes personagens tão queridos do público e as boas ideias de Schulz (que, aliás, assina o roteiro).

A premissa de Race for Your Life, Charlie Brown, em si, é bem simples. Charlie Brown (Duncan Watson), Lucy (Melanie Kohn), Linus (Liam Martin), Sally (Gail Davis) e companhia vão acampar no distante (e nada sutil!) Camp Remote, onde um grupo de meninos malvados está disposto a atormentar a todos. O local possui uma série de barracas, dividindo as meninas e os meninos do grupo, e promovendo uma competição onde apenas uma tenda será a vencedora.

Com o andamento do torneio, a moral das crianças fica baixa e o clima é de desânimo. Mas tudo pode mudar, pois a principal prova é uma corrida de jangadas pelo rio local. No percurso, obviamente, muita coisa acontece – e eu cheguei a me questionar seriamente como deixam crianças participarem de algo tão perigoso, ainda mais sem a supervisão de um adulto.

Parte da diversão de Race for Your Life, Charlie Brown está na aventura pelo rio, mas outra parte está nos detalhes. Cada personagem tem características muito próprias, que são muito bem exploradas. Peppermint Patty (Stuart Brotman), por exemplo, propõe que tudo na tenda das meninas seja decidido democraticamente (ainda que ela faça isso de uma maneira um tanto quanto autoritária). Com isso, surgem situações como o dilema da eleição de quem distribuirá as cédulas de votação, que não pode ser realizada por um motivo óbvio. Além disso, nem preciso dizer que os meninos acabam se incomodando com o sistema.

Ao mesmo tempo, o cachorro Snoopy e o pássaro Woodstock conseguem viver à margem do acampamento, participando de diversas atividades e do dia a dia das crianças sem realmente entrarem no sistema. Boa parte das cenas de ambos parece existir para preencher o tempo, uma vez que o filme carrega apenas um fiapo de trama, mas elas também servem para divertir e agradar quem está ali apenas para ver o carismático beagle. Infelizmente, elas não conseguem produzir todo o alcance emocional desejado pelo longa-metragem, faltando aquela mensagem de companheirismo e amor que outras produções similares carregam.

Aliás, no final das contas, este filme não tem uma grande trama ou outros méritos que o destaquem, o que justifica seu esquecimento. Para crianças pequenas e fãs particularmente nostálgicos (o que pode ser considerado o meu caso), Race for Your Life, Charlie Brown preenche um vazio momentâneo e diverte. Poderia ser melhor, mas já está bom.

Outras divagações:
The Peanuts Movie

Nostalgia vende. Não é à toa que Hollywood gosta de contar e recontar as mesmas histórias, expandir universos, criar séries, explorar um passado que não é tão distante assim – afinal, o objetivo é fazer dinheiro às custas dos seus sentimentos. Se um tema, personagem ou qualquer coisa que o valha está distante o suficiente para ser lembrado com carinho, pode ter certeza de que será levado ao cinema.

Chip 'n Dale: Rescue Rangers foi criado com esse objetivo, de puxar para si um público que tem os desenhos na memória. Ao mesmo tempo, simplesmente desenvolver uma nova aventura e depender exclusivamente de quem era fã da série animada para televisão, não parece ser um bom caminho. Estes são personagens marcantes, que têm potencial, mas é preciso admitir que eles não parecem ser o suficiente para gerar um sucesso de bilheteria.

Como contornar essa situação? Bom... Os roteiristas Dan Gregor e Doug Mand resolveram simplesmente encarar o problema de frente. Eles, juntamente com o diretor Akiva Schaffer, criaram uma história passada em um mundo onde personagens animados do passado nada mais são do que atores desempregados do presente. Isso inclui não apenas os protagonistas, mas uma série de aparições especiais que vão deixar você pensando em quanto do orçamento foi gasto para garantir os direitos destes personagens.

Em Chip 'n Dale: Rescue Rangers, Dale (Andy Samberg) vive da fama do passado, frequentando eventos para fãs, falando com ninguém nas redes sociais e em busca de novos trabalhos; enquanto isso, Chip (John Mulaney) reconstruiu a vida como vendedor de seguros. Os dois não se falam mais, mas seus caminhos acabam se cruzando quando recebem um pedido de ajuda de Monterey Jack (Eric Bana). O antigo colega contraiu dívidas com Sweet Pete (Will Arnett) e está com medo de ser sequestrado, visualmente alterado e forçado a trabalhar em filmes de baixo orçamento como uma versão pirateada de si mesmo.

Assim, quando o pior parece estar prestes a acontecer, os dois entram em uma parceria com uma detetive humana (KiKi Layne) e seu capitão (J.K. Simmons) para irem em busca tanto dos criminosos quanto dos desenhos desaparecidos. No processo, diversas ajudas e dificuldades vão surgindo, o que inclui um viking mal animado (Seth Rogen), antigos colegas – como Gadget (Tress MacNeille) e Zipper (Dennis Haysbert) – e até mesmo a versão feia do Sonic (Tim Robinson), que foi descartada do filme após a reação negativa do público.

Ou seja, mais do que um mistério a ser resolvido, Chip 'n Dale: Rescue Rangers é também um comentário sobre a indústria de animação, uma sátira a respeito do mundo das subcelebridades (a cirurgia de computação gráfica de Dale é uma sacada fantástica), um divertido jogo de referências e um banho de nostalgia. Tem elementos para todos os gostos, inclusive com direito a discussões sobre como descobrir quem é o vilão secreto (e o simples fato dessa conversa existir faz com que o resultado seja outro, o que é igualmente previsível).

Nem preciso dizer que eu me diverti. Em vez de meramente apelar para minhas memórias envolvendo os personagens (acredite, elas existem), o longa-metragem misturou isso com muitas outras coisas e se transformou em algo que eu gosto na minha idade atual. Consequentemente, eu suponho que o filme tenha um apelo reduzido para crianças, mas essa foi uma escolha consciente dos produtores. Chip 'n Dale: Rescue Rangers é uma bela surpresa.

Tenho uma relação de longa data com Toy Story. Foi um dos primeiros filmes que vi no cinema, antes da era dos multiplexes, em um cinema de rua que há muito tempo não existe mais. E, como tantos, cresci acompanhando a série. Ainda assim, preciso dizer: se Toy Story 4 já demonstrou a disposição da Pixar em perturbar o merecido descanso dos personagens em troca de um filme facilmente “marqueteável”, Lightyear cheira a desespero.

Para começar, esta não é a primeira tentativa de estabelecer uma história de origem para o personagem, o que ficou a cargo da série animada Buzz Lightyear of Star Command, de 2001, produzida após Toy Story 2. Além disso, Lightyear soa ainda menos genuíno e honesto, como um filme criado sob pressão de um comitê corporativo.

A produção traz o personagem título já consolidado em meio a sua carreira como patrulheiro. Em uma missão de exploração, Buzz (Chris Evans) e sua parceira Alisha Hawthorne (Uzo Aduba) são responsáveis por deixar uma tripulação de mais de mil pessoas presas em um planeta hostil e sem uma maneira de retornar para casa. Tomado por seu senso de dever, Buzz tenta consertar o erro sendo cobaia para um combustível experimental, capaz de abastecer o foguete naufragado. Entretanto, em vez de retornar triunfante, ele se vê décadas no futuro e em meio a uma invasão das tropas do misterioso Zurg (James Brolin), precisando da ajuda da neta de Alisha, Izzy (Keke Palmer), e de um grupo de recrutas inexperientes.

Ainda que seja uma história adequada se vista isoladamente, Lightyear não desenvolve o cânone dos personagens nem faz bom uso da série existente. Esse filme, aliás, dificilmente seria feito sem o título que tem, mas ele parece se envergonhar de suas raízes – até mesmo o bordão do personagem é entoado apenas de vez em quando, com pouca empolgação e sem o caráter ingênuo que você esperaria de um filme que, dentro e fora das telas, só foi feito para vender brinquedos.

Inclusive, acho particularmente ofensiva a tentativa do longa-metragem em tentar convencer de que esta é a história que inspirou o boneco de Toy Story, de que este é o filme favorito de Andy. Afinal, a produção carece da energia, do humor e da atitude correta para encantar uma criança dos anos 1990, ou de qualquer outra época.

Talvez parte da minha reação venha do questionável elenco nacional. No lugar de um ator perfeitamente adequado, como Chris Evans, ou da já famosa dublagem de Guilherme Briggs, temos Marcos Mion, que dificilmente pode ser conceituado como um ator, no papel principal. Ele entrega uma performance fraca e sem energia, reforçando ainda mais a noção de que Buzz Lightyear é um não-personagem, especialmente em comparação com alguns de seus companheiros de tela, como Flora Paulita, que dubla Izzy. Já César Marchetti entrega uma performance como o gato mecânico Sox que me parece até superior à versão de Peter Sohn, roubando a cena sempre que aparece e sendo a fonte das únicas risadas genuínas que ouvi durante o filme.

Aliás, é preciso dar o crédito onde ele é devido: o filme é tecnicamente impecável e a animação mostra a primazia dos artistas da Pixar, com um visual muito bonito, ainda que não muito inventivo ou estilizado – o que desanima, considerando que Soul, Luca e Turning Red tentaram fazer coisas diferentes. Ainda assim, no frigir dos ovos, Lightyear permanece sendo absolutamente competente, especialmente para quem gosta de ficção-científica e não tem lá muitas oportunidades de ver isso sendo bem representado (ainda que esse esforço talvez fosse mais bem aproveitado em outro tipo de história).

Infelizmente, o visual bonito não é bastante para salvar o filme de seu maior pecado: ser meio chato e pouco ambicioso. A própria série televisiva, mesmo com seu orçamento limitado, ao menos dava a escala necessária que o termo “comando estelar” inspira, com uma multitude de raças alienígenas, robôs e outros planetas.

Comparativamente, tudo em Lightyear é contido e pouco imaginativo. A maior parte das coisas interessantes acontece antes do próprio filme começar e não vemos nada sobre a organização da qual o protagonista faz parte e nem o que o inspirou a ser quem ele é. E, certamente, nenhum homenzinho verde pode ser encontrado em qualquer lugar. Isso pode ser um caminho para quem realmente não aguenta mais histórias de origem tradicionais, mas acredito que faz falta aqui e mina boa parte do peso dramático do filme.

Queria ter gostado de Lightyear. Mas, para cada ponto positivo e interessante, existem dois defeitos causados pela abordagem cínica e corporativa da produção, faltando cor e imaginação dignas de um brinquedo. Enquanto toda a tetralogia de Toy Story ao menos tenta ter alguma mensagem, Lightyear é vazio e pouco inspirado, sustentando-se demais nos louros da série da qual tira inspiração e não adicionando quase nada que possa ser chamado de seu à mistura.

Mas, ao menos, o gato-robô é absolutamente adorável.

Outras divagações:
Toy Story
Toy Story 2
Toy Story 3
Toy Story 4

As histórias que saem da mente do cineasta Makoto Shinkai são repletas de profundidade emocional – devidamente expressas por protagonistas adolescentes – e costumam contar com um elemento mágico misturado a algo tradicional de sua cultura. O resultado, aliado a um apreço técnico apurado, são animações belíssimas em muitos sentidos.

Tenki no ko, por exemplo, aborda justamente desta forma um tema bastante atual: as mudanças climáticas. Seu enfoque, entretanto, foge das responsabilidades reais dos homens, o que não deixa de incomodar um pouco. Em outro contexto, talvez o filme fosse encarado com mais simpatia. Ainda assim, não é como se ele não tivesse seus méritos próprios.

A princípio, a história acompanha Hodaka Morishima (Kotaro Daigo), um menino que fugiu de casa e quer tentar a vida em Tóquio. Sem documentação e com suas economias esgotando, ele acaba se segurando com todas as forças a uma última esperança: o emprego oferecido por Keisuke Suga (Shun Oguri), um cara muito suspeito, que ganha a vida escrevendo textos questionáveis sobre fenômenos sobrenaturais. Embora o salário seja baixo, Hodaka ganha comida e casa no processo, além de ter a oportunidade de trabalhar ao lado da bela Natsumi (Tsubasa Honda).

Em suas andanças pela cidade, o menino acaba cruzando com Hina Amano (Nana Mori), uma garota um pouco mais velha que ele e que alega ser capaz de parar com as constantes chuvas que assolam a cidade, ainda que em uma área limitada e por pouco tempo. Como ambos precisam de dinheiro, eles se unem para transformar a estranha habilidade de Hina em um negócio, oferecendo períodos sem chuva para garantir o sucesso de eventos, encontros familiares e coisas do gênero. Em pouco tempo, a iniciativa se transforma em um verdadeiro sucesso, mas o uso deste poder traz consequências para Hina.

Como se não bastasse a história relacionada ao poder da menina, Tenki no ko também se funda em dramas bem reais. Tanto Hina quanto Hodaka vivem situações peculiares e precisam se virar em um mundo dominado pelos adultos, lidando com responsabilidades acima de suas capacidades e sem o apoio do Estado – pelo contrário, ambos começam a ser procurados por um sistema que não parece preocupado em os entender.

Em meio a esta aventura e a momentos de desespero, dois mundos se contrastam. Lendas e culturas milenares são intercalados com a crueldade das ruas de Tóquio, ambientes familiares harmônicos levam tristeza e nostalgia para aqueles que não os possuem, chuva e sol vivem em eterna oposição. As dualidades são muitas e seus efeitos sobre os personagens nem sempre são os mesmos.

Visualmente, tudo em Tenki no ko é apresentado com uma quantidade absurda de detalhes, com ambientes meticulosamente criados e explorados, mostrando um mundo muito maior e mais envolvente. É como se a profundidade dos sentimentos ultrapassasse as barreiras físicas dos protagonistas e exacerbasse como o mundo ao redor deles é extremamente complexo. Há tantos elementos que, por alguns instantes, chego a pensar que o mundo real não é tão carregado quanto o filme e me questiono quem está representando a realidade melhor: meus sentidos ou os cenários quase fotográficos?

Em um mundo tão cinzento e detalhadamente cruel, Tenki no ko é um raio de esperança intencional e nem um pouco sutil. Embora fale do clima e das consequências do desequilíbrio, ele é menos sobre isso e mais sobre a importância de um suporte emocional.

Outras divagações:
Byôsoku 5 senchimêtoru
Kimi no na wa

Quando pequeno, eu era aquela criança fascinada por dinossauros; eu tinha uma dúzia de brinquedos e decorações com esta temática e um conhecimento enciclopédico da paleontologia. Mesmo que a vida tenha me empurrado para longe dessas coisas e boa parte dos meus conhecimentos tenham sido esquecidos ou alterados pela compreensão científica mais recente, ainda tenho essa empolgação quase infantil quando consigo ir em um grande museu ver o que restou destas criaturas.

Assim, não preciso dizer que eu gostava muito de Jurassic Park. Mas, quando Jurassic Park III chegou aos cinemas, houve um momento em que o “olha, dinossauros!” deu lugar ao “é... são dinossauros”. E sinto que Jurassic World Dominion, apesar das suas tentativas de ser mais fresco e interessante do que Jurassic World: Fallen Kingdom, acaba sendo afetado por essa saturação.

Passado anos após os acontecimentos de seu antecessor, o longa-metragem foge um pouco do cenário de “ilha com dinossauros” explorado pelos outros filmes da franquia. Agora, ele nos situa em um mundo que tem que conviver com dinossauros caminhando entre os humanos, e com todos os problemas causados pela proliferação destes seres pela Terra.

Neste contexto encontramos Owen Grady (Chris Pratt) e Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) ainda juntos e servindo de pais adotivos para Maisie Lockwood (Isabella Sermon), a garota envolvida na rocambolesca trama anterior, que é procurada globalmente por conta do seu DNA. Ao mesmo tempo, alguns velhos conhecidos da franquia, Ellie Sattler (Laura Dern) e Alan Grant (Sam Neill), recebem uma mensagem de seu antigo amigo, o Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum), e se veem no meio de uma conspiração envolvendo uma multinacional de biotecnologia, Maisie e uma praga que pode ameaçar os estoques de comida do mundo.

Este elenco já mostra que Jurassic World Dominion é repleto de referências, sendo segurado fortemente pela nostalgia, o que funciona como um fechamento para a série (pelo menos até um novo revival). Mas isso não quer dizer que ele seja solene ou se leve a sério demais: o clima de despedida acaba se traduzindo em um sentimento de “vamos aproveitar essa oportunidade e fazer o que der na telha”, resultando em um filme com mais espetáculo e diversas sequências feitas para agradar os fãs mais antigos. Além disso, há um pouco mais de variedade, já que há cenários mais variados do que selvas com dinossauros.

Entretanto, a história sofre com a mesma trama cansada de sempre. Um capitalista excessivamente ambicioso e ganancioso voa perto demais do sol e o resto do mundo sofre as consequências. Porém, seria injusto dizer que isso não se aplica desde o primeiro filme (e, talvez mais fortemente, desde o livro de Michael Crichton), de modo que posso considerar esse aspecto como um motivo da série. O que não é uma desculpa para as inúmeras conveniências e coincidências que conduzem a trama.

Obviamente, não acho que alguém vai ver Jurassic World Dominion porque espera uma narrativa cheia de nuances e significados; o objetivo é ver dinossauros e correria. Ainda que, como dito, o frescor dos dinossauros tenha se exaurido um pouco, a produção é competente e entrega o que é pedido. Os personagens – tanto os velhos quanto os novos – são interessantes o bastante para empurrar a história para frente e manter as coisas divertidas.

Só lamento que a ideia original deste filme (ou seja, que há dinossauros entre nós) seja eventualmente colocada de lado em prol de um cenário mais tradicional. Os momentos do filme que exploram estas relações são, em minha opinião, os pontos mais interessantes do longa-metragem, e algo que gostaria que tivesse mais espaço.

Apesar disso, Jurassic World Dominion surpreende positivamente. Talvez as minhas expectativas estivessem realmente baixas, mas a verdade é que o filme consegue ser genuinamente divertido, ainda que com uma trama desconjuntada e um certo excesso de Chris Pratt levantando a mão para dinossauros.

Se você tem um certo carinho por estes filmes, Jurassic World Dominion traz um final adequado e que se esforça para terminar em uma nota positiva. Só espero que a produção não confunda uma possível recepção positiva com uma carta branca para continuar em frente – aqui cabe a grande lição de Jurassic Park: às vezes, é melhor manter certas coisas mortas e enterradas do que trazê-las de volta por pura ganância.

Outras divagações:
Jurassic World
Jurassic World: Fallen Kingdom

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Já faz algum tempo que as vilãs da Disney começaram a ganhar espaço. Exageradas e icônicas, elas passaram a estampar cadernos, ganharam livros que expressam seus pontos de vista e inspiraram linhas de cosméticos, dentre outros produtos. Em resumo, se as princesas parecem ter esgotado seu potencial, suas antagonistas passam a brilhar.

No cinema, com a onda de remakes de animações do estúdio, a ideia de explorar algumas vilãs também floresceu – especialmente se a obra original não tem mais um apelo tão direto com o público. O primeiro exemplo foi Maleficent, que aposta fortemente no charme de Angelina Jolie e faz um esforço considerável para humanizar uma personagem até então vista como simplesmente malvada.

Com Cruella, por sua vez, era preciso lidar com o fato de que a adaptação com atores já existe (101 Dalmatians, lembra?) e que ela, inclusive, recebeu uma continuação (102 Dalmatians, alguém?). Além disso, encarar a vilã como uma protagonista não era exatamente algo difícil de fazer neste caso, considerando que os “protagonistas” eram cachorros e sempre foi ela quem segurava o andamento da história (é ela quem está no pôster).

Como, então, trazer esta personagem de volta e com uma imagem renovada? Fácil! Com uma atriz jovem, bonita e carismática para contar a “história de origem” da vilã (e tentar não levar a sério a questão de que ela se tornará uma assassina de filhotinhos de dálmatas). Para completar, este é um dos poucos casos em que a personagem tem uma profissão real, que pode ser explorada de uma forma visualmente interessante e que é facilmente relacionada a algo vilanesco.

Na trama, Estella (Emma Stone) é uma moça órfã, que cresceu nas ruas de Londres e mora com dois colegas gatunos, Jasper (Joel Fry) e Horace (Paul Walter Hauser). Seu sonho, entretanto, é largar a vida de roubos e trabalhar com moda, sendo uma grande admiradora do trabalho da baronesa (Emma Thompson), uma mulher inteligente e cheia de estilo. Quando seu desejo parece se realizar, entretanto, ela faz uma estranha descoberta que dá início a uma trajetória bem diferente da planejada.

No processo, Cruella diverte. A produção acaba misturando a tradicional estrutura de “filme de golpe/roubo” com uma jornada rumo à loucura, trazendo no processo toques de comédia e doses crescentes de exagero visual. Além disso, há alguns personagens secundários bastante clichês, mas que compõem muito bem o quadro geral, com destaque para o colecionador de roupas Artie (John McCrea) e o assistente fiel John (Mark Strong).

Obviamente, nada é perfeito. A transição da protagonista de mocinha esperta para vilã maluca é muito brusca? Provavelmente sim. É absurdo pensar que, praticamente sozinha, ela inventou a moda punk? Com certeza. O fato de alguém ter dálmatas como cães de guarda e de companhia faz sentido? De modo algum. E por aí vai... Porém, é tudo tão rápido, tão estilizado e tão confiante que mesmo o que é incoerente acaba sendo incorporado como comédia ou algo que o valha (com a possível exceção da cena pós-créditos, que é assumidamente forçada, mas isso já nem conta mais).

Assim, mesmo estando na complicada posição de criar uma história para um final já conhecido – que é ponto de partida para outra trama – Cruella consegue empolgar e até surpreender. O diretor Craig Gillespie tentou ser tão criativo quanto possível com o material que tinha em mãos e, principalmente, não se preocupou em salvar a imagem de sua protagonista: ela só fica mais e mais malvada com o passar do tempo.

Agora, fico no aguardo dos filmes dedicados a Madame Medusa e Ursula.

Outras divagações:
Lars and the Real Girl

Cinco anos após o lançamento de Ghostbusters, sua continuação chega aos cinemas com bem mais responsabilidades. De repente, a comédia pirada sobre um grupo de “nerds do mundo paranormal” que efetivamente se tornam caçadores de fantasmas em Nova York (e com bastante sucesso) tornou-se uma prioridade para um grande estúdio. Com isso, os efeitos especiais ganharam atenção, o texto precisa estar redondo e a franquia (que já conta com uma animação) passa a ter uma “reputação” a zelar.

No final das contas, a recepção do público não atingiu os níveis esperados e o próprio Bill Murray falou que ficou desapontado com o produto final – aparentemente, ele sentiu que o filme perdeu um pouco de sua dimensão humana, com os fantasmas ganhando mais destaque que os personagens. Ainda assim, Ghostbusters II é lembrado com carinho e, bem, não se pode dizer que seja um filme ruim.

A verdade é que esta produção tem uma história mais estruturada e um pouco mais de orçamento, além de uma identidade melhor definida (enquanto “filme para família”), o que também leva a um retrato ainda mais caricato de seus personagens: os nerds estão mais nerds, o falastrão está mais falastrão e a mulher independente está mais independente. Mas ninguém está reclamando disso.

Em Ghostbusters II, os caça-fantasmas não vivem seus melhores momentos e o negócio em si está praticamente encerrado desde a confusão vista ao final do longa-metragem anterior. Peter Venkman (Bill Murray) apresenta um programa de televisão de caráter questionável, Egon Spengler (Harold Ramis) voltou a dar aulas e Raymond Stantz (Dan Aykroyd) tem uma loja dedicada ao oculto, além de eventualmente animar festas infantis em companhia de Winston Zeddemore (Ernie Hudson).

Entretanto, a descoberta de um rio subterrâneo de ectoplasma pode voltar a esquentar os negócios, especialmente porque ele parece se alimentar de ódio. E, de alguma forma, isso pode estar conectado com Dana Barrett (Sigourney Weaver), que agora é mãe e trabalha com restauração de quadros antigos, precisando desviar não apenas das investidas de Venkman, mas também de seu novo chefe, Janosz Poha (Peter MacNicol). Para completar, a secretária Janine Melnitz (Annie Potts) segue firme e, de alguma forma, Louis Tully (Rick Moranis) continua rondando o grupo.

Com isso, ainda que a história tenha um ritmo e uma estrutura bem mais acertados, a necessidade de encaixar os personagens já conhecidos acaba eventualmente ficando forçada e nem tudo funciona como deveria. Como se não bastasse, ouso dizer que a energia caótica acaba fazendo falta. Ao menos para mim, boa parte da graça se devia ao humor incidental daquela bagunça; com a “diversão estruturada” e as piadas mais relacionadas à situação que às tiradas dos personagens, Ghostbusters II é mais aventura e menos comédia.

Ou seja, no frigir dos ovos, preciso concordar com Murray. Este filme é legal e, com certeza, funciona para uma tarde de entretenimento descomprometido. Mas ele poderia ser melhor com menos explosões e fantasmagoria, abrindo espaço para mais bobagens vindas de um elenco talentoso e naturalmente engraçado.

Outras divagações:
Ghostbusters
No Strings Attached

E se a Marvel resolvesse fazer um filme de terror? Algo com muita violência, vários sustos e uma trilha sonora impactante, mas, ainda assim, inegavelmente uma produção sobre um super-herói? E se chamassem Sam Raimi – um diretor com experiência nesses dois mundos – para dirigir? Tudo isso parece muito estranho, mas eu suponho que não há um lugar melhor para coisas esquisitas que em um longa-metragem chamado Doctor Strange in the Multiverse of Madness.

Eu (obviamente) não sei como essa proposta surgiu, mas a verdade é que o estúdio costuma chamar diretores com características bem fortes para comandar suas produções e, de um modo ou de outro, todos acabam deixando suas marcas. Ainda que pareça existir uma fórmula na forma como essas histórias são contadas e exista uma conexão entre todos os filmes (e séries), os melhores dele se destacam justamente por possuírem uma identidade. A estratégia, contudo, não é livre de riscos.

Doctor Strange in the Multiverse of Madness, por exemplo, não consegue me convencer por completo. Eu levei vários sustos e realmente me surpreendi com algumas sequências; até que a mágica se quebrou, eu estava rindo do que não devia e a produção virou uma grande galhofa aos meus olhos. Em parte, o horror meio cômico e exagerado é intencional, mas ele não caiu como deveria e atrapalhou minha conexão com a história justamente quando ela deveria ganhar intensidade.

De qualquer modo, o longa-metragem se passa pouco após os acontecimentos de WandaVision e Spider-Man: No Way Home – caso você não tenha visto um deles, eu recomendo dar uma boa olhada antes de ir ao cinema (especialmente WandaVision). E se você tem uma base mais ampla em relação ao universo cinematográfico da Marvel, esse conhecimento será proveitoso (em outras palavras: não comece por aqui ou você não vai entender nada).

Em resumo, Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) está vivendo sua vida quando encontra uma garota misteriosa, America Chavez (Xochitl Gomez), que alega ter a capacidade de viajar entre os multiversos (outro nome para realidades paralelas). Como a menina está sendo perseguida por uns monstros bizarros, ele decide pedir a ajuda de Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) para resolver a situação, mas acaba descobrindo que a “mandante” dos ataques é ela mesma, que está interessada em ir a outro multiverso.

Com isso, temos uma verdadeira batalha entre dois heróis muito poderosos e já conhecidos do público, o que é algo bem interessante considerando que os vilões geralmente surgem e desaparecem a cada filme (na minha humilde opinião, os melhores são justamente aqueles que não envolvem computação gráfica e que continuam aparecendo aqui e ali). Wanda, aliás, é a grande estrela de Doctor Strange in the Multiverse of Madness, pois é a única personagem com uma motivação real (os demais estão meramente fugindo dela) e por alternar entre seu uniforme de feiticeira (?) e uma homenagem a Carrie (!).

Ainda que o longa-metragem como um todo não tenha me convencido, essa (tentativa de) mudança de tom e o fato dele não se preocupar em apresentar muitas novidades (elas existem, mas não demandam um aprofundamento) têm seus méritos.

Afinal, trata-se de um grande exercício narrativo, criando um conflito entre duas grandes forças e vendo o que acontece, ao mesmo tempo em que se despeja uma grande quantidade de referências, vindas de diferentes lugares. Poderia ser mais arriscado visualmente e pegar com mais força as características do terror? Poderia e seria uma ótima ideia, mas vai ficar para uma próxima.

Doctor Strange in the Multiverse of Madness é o filme maluquinho que se propôs a ser. Nem tudo funciona, mas há várias coisas interessantes e a quebra de ritmo sempre vale a pena para que se saiba que há outros caminhos a serem percorridos. Tenho certeza de que esse será o filme favorito de alguém por aí.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Black Panther
Black Widow
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
Doctor Strange
Eternals
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
Spider-Man: No Way Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok

Eu nasci na metade final dos anos 1980 e, dessa forma, Ghostbusters esteve presente na minha infância quase como algo que “sempre existiu”. As pessoas usavam camisetas, citavam as frases mais marcantes, cantavam a música tema, jogavam vídeo games (embora o cartucho dos meus primos estivesse danificado) e assistiam ao filme de vez em quando, já que ele eventualmente era transmitido na televisão. Assim, eu conhecia as linhas gerais da história e várias cenas, mas não conseguia me lembrar de um dia ter realmente sentado para vê-lo. Bom... Chegou a hora!

Neste primeiro longa-metragem, temos a origem do grupo. Peter Venkman (Bill Murray), Raymond Stantz (Dan Aykroyd) e Egon Spengler (Harold Ramis) são três cientistas do sobrenatural, embora o primeiro deles não seja um pesquisador ético e, de maneira geral, os métodos sejam bem questionáveis. O detalhe é que eles são chutados da universidade quase ao mesmo tempo em que fazem uma descoberta revolucionária. Então, para ganhar a vida, eles decidem se tornar caça-fantasmas.

Uma das primeiras clientes é Dana Barrett (Sigourney Weaver), uma respeitável jovem profissional da classe artística nova-iorquina, que enxerga algo monstruoso dentro de sua geladeira. A princípio, o caso não parece ter nada demais, mas ele é o primeiro de uma sequência de eventos que pode levar ao fim do mundo – o que, de alguma forma, também envolve o inconveniente vizinho de Dana, Louis Tully (Rick Moranis).

Ao mesmo tempo em que a trama apocalíptica se desenrola, o empreendimento vai tomando forma e crescendo. Ainda que os “empresários” cometam uma série de trapalhadas e causem bastante destruição, eles fazem o seu trabalho e vão ganhando popularidade. A secretária que inicialmente não tem nada para fazer, Janine Melnitz (Annie Potts), acaba se tornando uma profissional bastante ocupada e, eventualmente, o grupo recebe um quarto membro, Winston Zeddemore (Ernie Hudson).

Com tudo isso acontecendo, o único compromisso real de Ghostbusters é divertir. Tudo no filme é construído na base do absurdo, inusitado e improvisado – ao menos aos olhos do público, já que o time de efeitos visuais (muitos deles, ilusões ou truques práticos) teve bastante trabalho. Assim, de alguma forma, a mágica acontece e os personagens principais acabam se tornando simpáticos ao público, mesmo se tratando de um grupo de nerds acompanhados por um picareta.

Além disso, mesmo aos olhos de hoje, os efeitos se sustentam. Os mais incômodos provavelmente são os da sequência do clímax, mas o envolvimento com a história já é tão grande neste ponto que isso deixa de importar. Para completar, o aspecto datado de algumas das escolhas acaba servindo como um elemento cômico adicional, o que só se soma ao contexto geral.

Dessa forma, o aspecto que cause o maior estranhamento em Ghostbusters (considerando alguém que caia de paraquedas na frente do filme) é a própria narrativa, que tem um ritmo frenético em termos de acontecimentos, mas sem a estrutura tão bem amarrada e cheia de reviravoltas e/ou cenas de ação que acabamos acostumados a esperar. Entretanto, observando que o filme acabou tendo um apelo como uma “produção para toda a família”, essa loucura ainda deve funcionar para entreter desde as crianças até o vovô.

Outras divagações:
No Strings Attached

Sabe aquelas comédias românticas que envolvem diversos casais cujas tramas estão apenas meramente relacionadas? E estes personagens, eventualmente, vivem seus encontros e desencontros em datas próximas ao Natal? Aquele gênero de filme que parece ter encontrado seu ápice com Love Actually? Pois é, Let It Snow é exatamente isso, mas na versão adolescente (o que, a princípio, não parece ser exatamente uma má ideia).

Entre as histórias que ocorrem simultaneamente temos o encontro ao acaso de Julie (Isabela Merced) e Stuart (Shameik Moore). Ela acabou de ser aceita em uma grande universidade, mas pode ser obrigada a abandonar seu sonho por questões familiares, enquanto ele é um cantor famoso e solitário, que está emocionalmente perdido no fim de ano. Já Addie (Odeya Rush) e Dorrie (Liv Hewson) são duas melhores amigas em crise e às voltas com relacionamentos frustrados. Além disso, Tobin (Mitchell Hope) e Angie (Kiernan Shipka) se conhecem desde a infância e são bastante próximos. Ele quer se declarar, mas ela pode estar mais interessada no bonitão JP (Matthew Noszka). E, para completar, Keon (Jacob Batalon) é um aspirante a DJ que está tentando dar uma festa na famigerada lanchonete Affle Town (o “w” de waffle está desaparecido, gerando um trocadilho na pronúncia em inglês).

Com todos esses pequenos dramas, Let It Snow pode alternar entre várias histórias sem exatamente cansar o público, ainda que nenhuma delas seja exatamente complexa ou tenha alguma reviravolta memorável. Mas é aí que mora o problema: como tudo caminha para o óbvio, o filme carece de momentos mais emocionais. Ou seja, por mais que o ritmo e a intercalação das tramas permitam que a produção não fique tediosa, o resultado acaba soando como tendo uma nota só.

Vale notar que o longa-metragem se baseia em um livro que contempla três romances, escritos por John Green, Lauren Myracle e Maureen Johnson. Embora eu não tenha lido o original, fica claro que algumas das mudanças feitas nesta adaptação ajudam o filme a cair em lugares comuns; ao mesmo tempo, suponho que as alterações talvez tornem os personagens mais próximos do público pretendido ou facilitem a conexão entre os dramas. Mas, sinceramente, eu preferia algo com um toque de originalidade que fosse.

Para completar, eu confesso ter um problema pessoal com a produção. Considerando que Let It Snow é filme de romances adolescentes, os beijos são simplesmente muito sem graça. A maior parte é filmada à distância e, em vários casos, eu cheguei a questionar se as bocas estavam realmente se tocando (sabe o velho truque de beijar o cantinho da boca, a bochecha ou mesmo o queixo? Pois é). Claro que ninguém precisa de cenas tórridas, mas eu esperava um calorzinho suficiente para, pelo menos, começar a derreter a neve. Nem isso.

No final das contas, o sentimento é de decepção. Let It Snow tem um elenco muito interessante – que, aliás, também inclui Joan Cusack – e parece ter um material original digno de nota, ou seja, há um potencial real. Mesmo assim, o filme se perde em meio a uma série de clichês e obviedades, funcionando meramente como algo que vai ficar tocando na televisão para fazer barulho de fundo e proporcionar um entretenimento leve enquanto a família está mais preocupada com outras coisas na noite de Natal.

Por alguns anos, eu encarei com desconfiança as animações de diversos estúdios estadunidenses (com a marcada exceção de Disney, Pixar e um ou outro longa-metragem). As histórias eram sofríveis, as texturas eram plásticas e nada parecia minimamente interessante; eram apenas aventuras bobas para entreter crianças que não sabiam diferenciar um filme verdadeiramente legal de um monte de manchas coloridas passando pela tela e fazendo barulhos. Felizmente, isso tem mudado (ainda assim, é sempre saudável olhar além dos Estados Unidos).

The Mitchells vs the Machines, por exemplo, consegue ser verdadeiramente divertido e dar sua própria mensagem sobre um tema tão batido quanto a importância da família. Sem impor a falácia de que o sangue/DNA está acima de tudo, o filme mostra como as pessoas mudam ao longo do tempo (especialmente na adolescência) e precisam fazer um esforço efetivo para entender alguém que conhecem desde sempre. Dito isso, esse também um longa-metragem sobre amadurecimento (e não só dos adolescentes).

Katie (Abbi Jacobson) é uma jovem prestes a entrar na universidade – e ela está louca para morar bem longe. Seu pai, Rick (Danny McBride), vive questionando suas escolhas, enquanto sua mãe, Linda (Maya Rudolph), assumiu uma posição apaziguadora em uma busca infrutífera por uma família perfeita. Assim, os únicos de quem Katie realmente acredita que terá dificuldades para se separar são o irmão, Aaron (Michael Rianda), e o cachorro.

O detalhe é que, em uma tentativa desesperada de fortalecer laços, Rick decide levar Katie para a universidade por meio de uma longuíssima viagem interestadual de carro. Mas eles não esperavam que, no meio do caminho, a famosa assistente virtual PAL (Olivia Colman) se revoltasse contra seu criador, Mark (Eric André), e direcionasse sua ira por todo o planeta. Graças a dois robôs defeituosos (Fred Armisen e Beck Bennett), a família de desajustados acaba se tornando a última esperança da humanidade.

Com isso, The Mitchells vs the Machines mistura uma série de conceitos que funcionam bem. O filme tem um claro apelo nostálgico para quem viveu os anos 1980 e 1990, é uma espécie de road movie e, ao mesmo tempo, dialoga com conceitos de ficção-científica. Tudo embalado dentro de uma aventura muito rápida e colorida, como não poderia deixar de ser (afinal, o público infantil segue sendo o foco). Para completar, há uma profusão de referências e trocadilhos visuais que funcionam bem e ajudam a manter os adultos com os olhos na tela.

Outro aspecto interessante está no elenco. Além da participação especial de Chrissy Teigen e John Legend (bom, ao menos para mim, isso é um ponto de venda), a produção conta com uma escalação forte e interessante, que acrescenta novas camadas aos personagens. Sinceramente, eu nunca imaginaria Olivia Colman como a voz de uma interface robótica, mas o resultado é muito bom.

Assim, por mais que The Mitchells vs the Machines pareça destinado a se afundar no catálogo da Netflix, o filme não pode ser subestimado. Ele conseguiu uma indicação ao Oscar no último ano (não que isso queira dizer muita coisa) e carrega o selo bem definido dos produtores Phil Lord e Christopher Miller. Para quem conseguir desencavá-lo em meio aos algoritmos do futuro, será um verdadeiro achado.

Você já ouviu que determinado filme é tão ruim que ele “dá a volta” e se torna bom? Embora não ache que esse fenômeno seja impossível, eu faço uma ressalva: depende muito do senso de humor do espectador.

Death Becomes Her, por exemplo, é um longa-metragem que precisa deste tipo de interpretação – e de alguém disposto a achar graça na bizarrice que aparece na tela. Por conta disso, acredito que o tempo acaba funcionando a favor da produção. Comemorando 30 anos de lançamento em julho de 2022 (ou dezembro, caso você considere a chegada ao Brasil), o filme conta uma história absurda, com personagens exagerados e caricatos e um visual digno desse período de transição entre os anos 1980 e 1990.

Madeline Ashton (Meryl Streep) é uma atriz muito bonita e famosa, mas que não vive o melhor momento de sua carreira. Isso, entretanto, não a impede de cobiçar o noivo de uma amiga de infância, Helen Sharp (Goldie Hawn). Anos depois, já casada com Ernest Menville (Bruce Willis), Madeline está desesperada por estar envelhecendo e acaba tomando uma medida drástica. Ao mesmo tempo, o plano de vingança de Helen já está em curso.

Embora essa sinopse pareça dramática, Death Becomes Her dá uma abordagem bem novelesca às relações entre os personagens. Além disso, o filme utiliza a obsessão das protagonistas com juventude e beleza para trazer elementos fantásticos/bizarros, que servem para transformar toda a trama em uma comédia cheia de comédia física e efeitos especiais.

Aliás, vale observar que o filme ganhou o Oscar de efeitos visuais em 1993 e se utilizou da mesma equipe e estrutura que, um ano depois, lançou Jurassic Park. Então, embora a computação gráfica seja meio estranha e provavelmente não tão detalhada e bem-acabada como seria se feita hoje em dia, ela ainda se sustenta bem.

Ainda assim, tudo é extremamente datado: os cenários, a maquiagem e a própria trama, com destaque para a personagem de Isabella Rossellini e tudo o que a rodeia. Sob certos aspectos, isso ajuda Death Becomes Her a se consolidar como um “clássico cult”, “marco queer” ou seja lá como o longa-metragem esteja sendo chamado. Caso você queira, também é possível interpretar como uma sátira aos padrões de beleza hollywoodianos e enxergar todo um lado crítico na produção, mas eu não recomendaria fazer muito esforço nesse sentido (querendo ou não, é mais uma história sobre mulheres feita por homens).

De qualquer modo, não é como se o filme tivesse sido um grande sucesso na época ou sequer seja unanimidade hoje em dia. O longa-metragem tem um ritmo bem irregular e foi fortemente editado após respostas negativas em testes com o público. Um olhar mais frio diria que se trata de um desastre. Porém, há alguma mágica na direção de Robert Zemeckis e a presença de grandes nomes no elenco apenas ajuda a tornar a obra mais peculiar – dizem que, quando questionada pelo papel nada convencional, Meryl Streep teria dito que era algo muito original para deixar passar.

Death Becomes Her é propositalmente engraçado (veja bem, não é como se a produção quisesse ser levada a sério), assumidamente exagerado, inequivocadamente absurdo e simplesmente bizarro. Este é um daqueles filmes que surgem de tempos em tempos e você se pergunta “como isso aconteceu?”. Eu não saberia responder, mas ele existe e é maravilhosamente ruim.

Outras divagações:
Back to the Future
Back to the Future Part II
Back to the Future Part III
A Christmas Carol
Flight
The Walk

Na posição de alguém que viveu a “febre” de Harry Potter em seu auge e que se apaixonou pelos livros da autora-que-não-deve-ser-nomeada, é difícil não se empolgar com a estreia de Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore. Claro que o ânimo diminuiu com o atual cenário (pandemia, mudanças no elenco, personagens que aparentemente sumiram e tudo o mais) e que o filme anterior tem uma série de problemas, mas algo reacendeu dentro de mim com a perspectiva de ir ao cinema rever Hogwarts (sim, sou brega).

De qualquer modo, Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore continua a acompanhar o mundo bruxo mais ou menos do ponto onde a produção passada parou, embora fique claro que já se passou algum tempo – aliás, eu recomendo uma “revisão”, mas sem desespero, pois deram um jeito de dar um resumo dos principais pontos. O ponto é que Newt Scamander (Eddie Redmayne) segue em suas aventuras atrás de criaturas mágicas e, de alguma forma, Albus Dumbledore (Jude Law) está envolvido no percurso escolhido.

Desta vez, o enfrentamento a Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen) faz parte integral da trama e, para isso, um time é escolhido a dedo. Além dos dois já citados, o grupo inclui o auror Theseus Scamander (Callum Turner), o trouxa Jacob Kowalski (Dan Fogler), a assistente Bunty (Victoria Yeates), a professora Eulalie Hicks (Jessica Williams) e o herdeiro Yusuf Kama (William Nadylam). Do outro lado, a lealdade de Queenie Goldstein (Alison Sudol) e Credence Barebone/Aurelius Dumbledore (Ezra Miller) está prestes a ser testada.

Como Albus Dumbledore está envolvido, tudo gira ao redor de um plano rocambolesco (que, na minha humilde opinião, é até simples demais) e um grande momento decisivo: mais especificamente, a escolha do líder da Confederação Internacional dos Bruxos. Neste caso, Vicência Santos (Maria Fernanda Cândido) e Liu Tao (Dave Wong) estão na disputa (embora ambos tenham pouco a fazer).

Com isso, Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore consegue seguir por mais de duas horas sem realmente avançar muito na trama construída anteriormente ou responder questões que ficaram no ar. Claro que ao menos um importante esclarecimento surge (e o nível de sucesso é questionável), mas eu confesso certa frustração que algumas das “grandes revelações” prévias foram simplesmente deixadas de lado em prol de uma narrativa mais linear (o que é irônico por ocorrer justamente em uma história que prega a importância do caos).

Há também outros pontos que me incomodam em questão de desenvolvimento de personagem, mas vou evitar entrar em spoilers. O que posso adiantar é que a produção perdeu boas oportunidades com Theseus e até mesmo com Albus Dumbledore, especialmente nas sequências com seu irmão, Aberforth (Richard Coyle). Além disso, a semiausência de Tina (Katherine Waterston) enfraqueceu um dos principais temas da produção – a relação entre irmãos.

De qualquer modo, gostei bastante do fato do filme ter parado de disfarçar e tratado mais abertamente o romance adolescente entre Albus e Grindelwald. Neste ponto (e não apenas nele), a troca no elenco favoreceu o resultado, com Mads Mikkelsen sendo um contraponto com mais sutileza e profundidade que o ator-que-não-deve-ser-nomeado. Infelizmente, o roteiro não ajuda muito e ele tem poucas oportunidades para demonstrar dramaticidade e expressar para que veio.

Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore é apenas mais um filme para sugar a boa vontade dos fãs? Em grande parte, sim. Ele entrega o suficiente para que a sessão não seja uma grande perda de tempo? Talvez; eu diria que é uma média perda de tempo. Eu vou reclamar bastante do longa-metragem com meus amigos? Sem dúvida. Mas também vou voltar a me empolgar quando a próxima continuação estrear? Sim, pois sou trouxa.

Outras divagações:
Harry Potter and the Philosopher’s Stone
Harry Potter and the Chamber of Secrets
Harry Potter and the Prisoner of Azkaban
Harry Potter and the Goblet of Fire
Harry Potter and the Order of the Phoenix
Harry Potter and the Half-Blood Prince
Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1
Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2
Fantastic Beasts and Where to Find Them
Fantastic Beasts: The Crimes of Grindelwald