Com os cinemas fechados em boa parte do mundo e diversas produções lidando com hiatos e atrasos, cerimônias como o Oscar enfrentam um momento, no mínimo, curioso. Em outros tempos, The Trial of the Chicago 7 receberia alguma atenção por conta dos grandes nomes em seu elenco e produção, mas acredito que toda a animação acabaria antes mesmo da virada do ano. No contexto atual, entretanto, talvez o longa-metragem tenha chances de conquistar um número razoável de indicações.

Não me entendam mal: o filme é bom e prende a atenção. Escrito e dirigido por Aaron Sorkin a partir de acontecimentos reais, ele mantém o padrão de qualidade esperado, assim como o ritmo acelerado de palavras por minuto. Além disso, o elenco repleto de grandes atores consegue segurar muito bem uma história que acontece, em grande parte, em um único cenário: um tribunal (há flashbacks, não se preocupe).

The Trial of the Chicago 7 conta a história do julgamento de sete líderes de diferentes organizações, acusados de conspirar para criar tumultos violentos durante a convenção do Partido Democrata de 1968, realizada em Chicago. A princípio uma manifestação contra a Guerra do Vietnã (ou seja, não confundir com as manifestações do movimento negro, realizadas na mesma cidade e no mesmo ano), o evento saiu de controle e acabou em confrontos violentos com a polícia.

Os acusados são: Tom Hayden (Eddie Redmayne) e Rennie Davis (Alex Sharp), membros da Sociedade Democrata Estudantil; Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen) e Jerry Rubin (Jeremy Strong), cofundadores do Partido Internacional da Juventude, os Yippies; David Dellinger (John Carroll Lynch), um ativista do movimento pacifista; e os ativistas antiguerra Lee Weiner (Noah Robbins) e John Froines (Danny Flaherty). Por fim, o cofundador do Partido dos Panteras Negras, Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II) também se senta no banco dos réus, perfazendo oito acusados no total. Mas, bom, ele é negro...

Além disso, o julgamento ainda envolve advogados experientes (Mark Rylance e Ben Shenkman), um promotor jovem e ambicioso (Joseph Gordon-Levitt) e um juiz bastante tendencioso (Frank Langella). Isso sem contar o júri e as inúmeras testemunhas, já que o julgamento durou mais de seis meses. Pois é!

Ao longo do filme, a situação de cada um dos acusados, seu papel nos protestos e as relações entre eles vão sendo explorados, com destaque para os personagens de Eddie Redmayne e Sacha Baron Cohen. Embora estejam tecnicamente “do mesmo lado”, eles têm filosofias bastante diferentes, com o primeiro querendo crescer dentro do sistema já estabelecido e o segundo usando táticas “alternativas” de se fazer ouvir politicamente.

Com tanta coisa concentrada ao longo de duas horas de filme, The Trial of the Chicago 7 é repleto de detalhes interessantes e consegue manter constantemente a sensação de que tudo pode mudar a qualquer momento. Cada nova revelação trazida por uma testemunha tem a possibilidade de enrolar ainda mais algum dos acusados e é encarada como se realmente fosse uma novidade (embora, obviamente, eles saibam o que fizeram e o que disseram durante os protestos).

Inclusive, considerando o momento político atual e o contexto eleitoral dos Estados Unidos, muitos dos temas levantados pelo filme se tornam ainda mais relevantes. Sorkin, aliás, nem sequer nega a relação. Ao mesmo tempo, de acordo com ele, o roteiro não foi mudado para facilitar essa comparação, mas as circunstâncias que parecem refletir o roteiro.

Assim, ainda que a “fórmula” (ou o “estilo”, você que sabe) do cineasta contar suas histórias tenha cansado um pouco, estas escolhas funcionam muito bem em The Trial of the Chicago 7 e seguem sendo capazes de prender e fascinar o público. Talvez a falta de algo realmente inovador faça com que a produção não se destaque na temporada de premiações, mas este não deixa de ser um dos filmes essenciais de 2020.

Outras divagações:
The Social Network
Moneyball
Steve Jobs
Molly's Game

Em tempos de pandemia, ir ao cinema se transformou em algo difícil, cheio de restrições e permitido apenas em alguns lugares. Ao longo dos últimos meses, eu comecei a sentir falta não somente da experiência de ir a uma sala de cinema como também de ver um filme novo, um lançamento. Inclusive, The Devil All the Time nem chamaria muito a minha atenção em tempos normais (o elenco é interessante, preciso admitir), mas eu acabei me rendendo à perspectiva de ver algo fresquinho, que acabou de ser disponibilizado ao público. E, antes que alguém questione, eu já vi o filme faz algum tempo, mas demorei para conseguir um tempo para efetivamente me sentar e escrever sobre ele.

Para começar, The Devil All the Time não é um filme de terror. Alguns materiais de divulgação que vi – e a ideia que o próprio título dá – geraram uma série de expectativas frustradas. Inclusive, acredito que uma parte significa da recepção negativa da produção deriva disso. Esta, na verdade, é uma história sobre a opressão das crenças e da sociedade sobre indivíduos que apenas precisam seguir em frente. Mas, infelizmente, esta é uma mensagem que dificilmente será absorvida por quem mais precisa dela.

A trama é construída por pequenas histórias que se cruzam. Willard (Bill Skarsgård) é um jovem que volta traumatizado da guerra. Arvin (Michael Banks Repeta, Tom Holland) é seu filho, que acaba conhecendo grandes sofrimentos cedo demais. Por sua vez, Helen Hatton (Mia Wasikowska) é uma jovem que perdeu tudo e reencontra seu caminho na religião e no extremismo apresentado por Roy (Harry Melling). A filha deles é Lenora (Eliza Scanlen), uma menina ingênua, que busca por conforto junto a um novo padre local, Preston Teagardin (Robert Pattinson). Já Sandy (Riley Keough) e Carl (Jason Clarke) possuem uma estranha obsessão, mas ela está começando a ficar cansada. Ao mesmo tempo, o irmão dela, Lee Bodecker (Sebastian Stan), é um homem da lei que suja as mãos ao se envolver com política.

Nesse entremeio, nada do que acontece em The Devil All the Time é exatamente bom ou reconfortante. Baseado em um livro de Donald Ray Pollock (que também é o narrador), o filme traz uma tragédia atrás da outra. A vida destas pessoas está tão envolta em acontecimentos ruins, que as coisas apenas se somam, em uma sequência de acontecimentos quase intragável. Digo “quase” porque, ao mesmo tempo, é impossível tirar os olhos da tela e parar de acompanhar. A força e a garra destes personagens, independente da motivação de cada um, é fascinante e mostra o quanto o ser humano sempre pode ir mais longe, seja em sua luta para sobreviver, seja na necessidade de executar seus prazeres.

Para completar, o filme possui uma localização bem própria no tempo e no espaço. Passado nos anos 1950 e 1960, o longa-metragem acontece na zona rural, entre o sul de Ohio e a Virgínia Ocidental. Com isso, os personagens possuem sotaques muito próprios e criam certa distância do público, justamente por serem “diferentes” e “peculiares”. Ao mesmo tempo, eles chamam o público para aquele lugar e aquele tempo e você passa a se questionar quem você seria naquela realidade, como que você se comportaria naquele mundo que, ao mesmo tempo, é tão distante e tão próximos.

E, como eu mencionei os sotaques, preciso falar do trabalho de voz de Robert Pattinson, que, segundo o diretor do filme, Antonio Campos, é “um gênio louco, que pode fazer qualquer coisa”. Para quem já viu alguns filmes do ator, as primeiras cenas de The Devil All the Time trazem um estranhamento. Ele não só tem um sotaque ainda mais acentuado que o resto do elenco – ressaltando seu papel como um “forasteiro” –, mas sua voz está diferente do habitual, o que ajuda na construção e na percepção do personagem.

De modo geral, The Devil All the Time não é uma obra fácil de digerir. Ainda que ele traga mais ideias do que é capaz de aprofundar, o filme consegue se aproveitar muito bem de um elenco competente e bastante talentoso. Em vez de perder qualidade por conta do excesso de coisas acontecendo e do caráter absurdo de alguns dos eventos narrados, ele assume um caráter imersivo. Para quem está conseguindo manter a sanidade nestes tempos difíceis, esta produção é uma prova de força e fé.

Já faz alguns anos que eu acompanho o reality show RuPaul's Drag Race. O formato não traz nada de particularmente inovador e a edição é até mesmo questionável – mas, convenhamos, o programa é muito divertido.

Em edições mais recentes, um dos destaques foi a drag queen Trixie Mattel, criada por Brian Firkus. Visualmente, ela é uma praticamente uma versão um pouco barata e muito exagerada da boneca Barbie – um conceito que funciona bem para uma drag queen. Em um primeiro momento, ela apresentada como uma humorista, mas acabou não conseguindo muito destaque em um programa onde há uma competição acirrada neste quesito. Posteriormente, ela se reinventou como apresentadora e música, apostando no country folk, mas sempre mantendo toques de seu humor.

Em Trixie Mattel: Moving Parts, encontramos Brian e Trixie em um momento complicado. Seu programa, feito em parceria com a drag queen Katya Zamolodchikova, está em risco – assim como a amizade entre as duas. Os preparativos para uma nova turnê estão em andamento. E é chegado o momento de ir ao ar uma nova temporada de RuPaul's Drag Race: All Stars. Com a participação nesta nova temporada, Trixie enfrenta a dicotomia de ganhar visibilidade ao mesmo tempo em que o excesso de olhares e a possível crueldade de algumas pessoas a deixam sensibilizada.

Para quem não conhece Trixie Mattel e seu criador, estas características de sua personalidade podem parecer contraditórias e estranhas. O documentário, porém, não faz muito esforço para tentar explicar por que uma pessoa aparentemente tão retraída resolveu ganhar a vida se vestindo de uma maneira absolutamente chamativa e se exibindo na frente de uma plateia. Embora um pouco de aprofundamento a respeito de quem é o retratado não fosse uma má ideia, esta é uma escolha interessante. Você não sabe os motivos daquela pessoa, mas é apresentado a ela mesmo assim.

Ainda assim, é óbvio que Trixie Mattel: Moving Parts foi feito para quem já tem algum conhecimento sobre aquela pessoa, sua carreira, seus trejeitos e suas inseguranças. Sob certos aspectos, o filme é um mergulho tímido nos pensamentos de uma pessoa confusa, que quer mostrar como sua cabeça funciona, mas não quer lidar com as consequências disso. Para os fãs de Trixie, isso pode já ser bastante interessante por si só.

No final das contas, o que aparece na tela é uma montanha russa de emoções e você se questiona se o cinto se segurança está realmente firme – não pelo seu próprio bem, mas por Brian. O filme acaba sendo difícil de assistir porque estamos acompanhando uma pessoa que parece estar sem rumo. Ao mesmo tempo, é estranho acreditar nisso. Com uma turnê em andamento e outra à vista, além da certeza de sucesso em uma competição vista em diversos países do mundo, Trixie tem um futuro muito interessante à frente. E o filme não deixa claro o que exatamente a impede de acreditar nisso.

Para os fãs, Trixie Mattel: Moving Parts é uma oportunidade de ter um acesso maior a uma personalidade que eles já aprenderam a gostar e a amar. Para quem chegou agora, no entanto, esta definitivamente não é a melhor forma de entrar nesse mundo.

Quando Lost in Translation foi lançado, o filme chamou atenção. Seja por sua temática, por sua diretora, por seu elenco, pela forma como sua história é contata, pelas coisas que ficam no ar. Naquele momento, infelizmente, eu talvez fosse muito nova (ou, talvez, só muito imatura) para entender exatamente do que o filme se tratava. O que eu vi foram duas pessoas entediadas, mesmo sendo turistas em um país cheio de locais fantásticos a serem visitados. E eu não pude deixar de ficar um pouco chateada com esses personagens. Afinal, eles estavam simplesmente desperdiçando uma grande oportunidade!

Tantos anos depois, eu confesso que ainda sinto um pouco desse ressentimento em relação aos protagonistas de Lost in Translation. Eles são pessoas muito privilegiadas e que parecem simplesmente não perceber isso. Ainda assim, nesse meio tempo, eu vi mais filmes, cresci, viajei e vivi diferentes relacionamentos, com diferentes graus de sucesso. E, embora eu ainda não goste essencialmente dessas pessoas, eu acho que consigo entendê-las melhor.

Charlotte (Scarlett Johansson) é uma jovem, casada a pouco tempo e que está questionando seu relacionamento. Ela foi a Tóquio para acompanhar seu marido, John (Giovanni Ribisi), que está trabalhando como fotógrafo no país. Por sua vez, Bob Harris (Bill Murray) é um ator que já viveu melhores momentos em sua carreira. Ele está em Tóquio para gravar um comercial de whisky e parece temer o momento em que terá que voltar para casa e encarar sua família.

Charlotte e Bob se encontram pelo hotel algumas vezes, trocam olhares e se reconhecem enquanto figuras solitárias. Ao longo de alguns dias, eles desenvolvem uma amizade que se desenrola especialmente durante noites insones. Durante o dia, ela faz passeios pelo país, visita templos e se sente imensamente vazia por não ter as reações emocionais esperadas. Ele, por sua vez, faz um trabalho entediante, mas bem remunerado, que não o satisfaz.

À noite, os dois ouvem jazz no bar do hotel, fazem amigos passageiros, vão a bares, restaurantes e até karaokês. Eles vivem uma espécie de vida paralela e parecem flertar, mas também conversam abertamente sobre seus relacionamentos, suas carreiras e suas famílias. A diferença de idade surge em diversas interações – ele é muito mais seguro sobre o futuro dela do que ela mesma; ela reage com humor a certos comportamentos dele.

Sob muitos aspectos, Lost in Translation é um filme sobre uma amizade breve e inesperada. Obviamente, é um filme sobre comunicação: enquanto a maior parte das histórias se constrói por falta de uma comunicação adequada, esta é praticamente o contrário. Em meio a muito silêncio e a uma – literal – falta de compreensão por todos os lados, duas pessoas se encontram e se sentem livres o suficiente para abrir seus corações. Ao mesmo tempo, eles mal se conhecem e há momentos em que eles se desapontam mutuamente. Ainda assim, este filme consegue ser único em sua construção e isso o torna relevante, mesmo após tantos anos.

Por conta de sua natureza, Lost in Translation também é um filme muito contido. Ele se fecha dentro dessas breves horas em que o relacionamento de seus protagonistas acontece. Seus personagens são pessoas normais, vivendo uma situação em que elas se sentem levemente desconfortáveis. Não há nada fantástico acontecendo. Não há um grande conflito. Mas isso não significa que a produção seja entediante. Assim como essas pessoas estão se conhecendo, você também as está conhecendo. E elas são interessantes.

Outras divagações:
Somewhere
The Bling Ring
The Beguiled