Eu sei que muita gente não gosta das músicas do Legião Urbana e entendo os motivos. Ao mesmo tempo, eu cresci com um fã de Renato Russo e confesso que tenho mais de um CD guardado aqui em casa. E acho que, por mais que a banda não seja um prodígio musical, eles conseguiam contar histórias muito bem – o que explica a existência desse segundo filme baseado em uma canção do grupo. O primeiro, Faroeste Caboclo, aliás, também foi dirigido por René Sampaio.

No caso de Eduardo e Mônica, a trama é mais simples, mas a produção dá um jeito de a tornar bem dramática. A opção foi por focar nas dificuldades do relacionamento entre uma mulher “madura”, Mônica (Alice Braga), e o adolescente Eduardo (Gabriel Leone). E, sim, eles se conhecem em uma festa estranha com gente esquisita.

Outra escolha da produção foi encurtar o período em que a história se passa. Enquanto a música envolve muitos anos, viagens, cursos, casamento, construção de casa, filhos e tudo o que o casal tem direito, o longa-metragem referencia isso, mas enfoca nas dificuldades que duas pessoas tão diferentes têm para ficar juntas. Sinceramente, é uma escolha válida e que funciona bem considerando o meio.

Contudo, isso me faz questionar a escolha do elenco. Os dois protagonistas são em torno de 10 anos mais velhos que seus personagens, o que encaixaria bem caso o objetivo fosse levar a trama adiante. Obviamente, eu não reclamo da oportunidade de ver Alice Braga na tela, mas fiquei com dó de ver um homem de quase 30 anos tentando se passar por um menino de 16 (com direito a muitas espinhas na cara e aparelho nos dentes).

De qualquer modo, Eduardo e Mônica traz um retrato bem interessante do período e da situação vivida por seus personagens, complementado por muitas músicas e uma série de referências ao Legião Urbana. Para completar, sempre é refrescante ver um filme brasileiro que não se passa em São Paulo ou no Rio de Janeiro. Inclusive, o senso de “viver em um fim de mundo” que muitos de nós ainda temos (mesmo vivendo em cidades grandes) também é devidamente retratado.

Além disso, os personagens criados para rodear os protagonistas não são exatamente complexos, mas eles têm sua função na trama e ajudam as coisas a andar, justificando situações que são meramente apresentadas na música ou até mesmo criando conflitos adicionais. O destaque vai para o avô de Eduardo, Seu Bira (Otávio Augusto), o melhor amigo do rapaz, Inácio (Victor Lamoglia), e a mãe de Mônica, Lara (Juliana Carneiro da Cunha).

Aliás, como eu disse anteriormente, o drama acaba ganhando um espaço maior do que eu imaginaria e eu não chamaria esta história de uma “comédia romântica” (que, confesso, era o que eu esperava encontrar). Caso você vá ao cinema com a expectativa certa (ou sem expectativas), suponho que a experiência seja melhor.

O relacionamento dos dois protagonistas não tem um caminho fácil e as diferenças entre os dois são bastante enfatizadas, tanto em questão de idade quanto de classe social. Mas a verdade é que Eduardo e Mônica, em qualquer versão (incluindo os comerciais), é a história de um amor que vence barreiras e sobrevive independentemente da razão. Como uma eterna apaixonada, não tenho como reclamar da oportunidade de ver isso retratado na tela do cinema.

Outras divagações:
Faroeste Caboclo

Eu não gosto muito de escrever resenhas “na empolgação”. Não sei se você também se sente assim, mas, logo que saio da sala de cinema, um filme cheio de ação e/ou que mexe comigo de alguma maneira tende a parecer ótimo. Um tempo depois (o que pode demorar alguns dias), no entanto, eu começo a repensar o que vi na tela e chego a ficar em dúvida. Demora um pouco para as coisas se assentarem dentro de mim e a opinião estar consolidada.

Entretanto, vi The Matrix Resurrections hoje de manhã e, em breve, o filme já estará disponível em todo o mundo: não há tempo para entender o que se passou. Inclusive, assim que saí da exibição, meu irmão e companheiro de “Matrixes” anteriores – quase como que um adivinho – ligou e perguntou como foi. Minha resposta, ainda que talvez um pouco hesitante, foi algo na linha de “gostei, muito bom, vale a pena”.

De qualquer modo, considerando que já se passaram 22 anos da estreia de The Matrix e que a trilogia havia se encerrado em 2003, a diretora e roteirista Lana Wachowski teve bastante tempo para pensar em sua obra e seu legado. Enquanto o primeiro filme trazia uma enorme quantidade de boas ideias e criava algo fantástico, suas sequências desapontaram ao não conseguirem manter o ritmo. The Matrix Resurrections, por sua vez, volta àquele universo e àqueles personagens (alguns deles, pelo menos) sem medo de ser diferente e de mudar um pouco o andamento das coisas.

Agora, Thomas Anderson (Keanu Reeves) é um designer de jogos bem-sucedido, mas assombrado pela própria criação. Sua mente insiste em misturar os acontecimentos de sua trilogia de games Matrix com a sua própria vida, o que o mantém obcecado com sua criação mais brilhante. Entre reuniões com seu sócio (Jonathan Groff), idas ao analista (Neil Patrick Harris) e cafés com um colega (Andrew Caldwell), ele observa de longe a vida de Tiffany (Carrie-Anne Moss), mas não faz nada para se aproximar.

Tudo muda, no entanto, quando Bugs (Jessica Henwick) e sua tripulação encontram uma estranha versão de um agente (Yahya Abdul-Mateen II) que está preso em um “modal” (o que quer que isso seja) e tem consciência da Matrix. A descoberta, de alguma maneira, implica que Neo está vivo e eles decidem o libertar mais uma vez – obviamente, haverá resistência.

Como esta minha tentativa de sinopse tenta não entregar algo que seja particularmente surpreendente ou algum “segredo” da produção, ela também deixa muitos buracos e não oferece muitas explicações. O filme faz um esforço considerável para responder às principais questões que tenham ficado no ar e para resolver tanto seus conflitos quanto sua principal razão de ser. Tudo isso enquanto faz piada sobre si mesmo e entrega um novo comentário social.

A verdade é que The Matrix Resurrections não precisava existir e o próprio longa-metragem parece saber disso, sendo consequentemente mais leve, mais divertido, mais relaxado. Além disso, ele funciona como uma história independente e tenta não interferir com a “mitologia” já estabelecida. Para quem espera por uma revolução, ele talvez seja decepcionante. Para quem quer apenas mergulhar na nostalgia, ele funciona bem, mas não tanto quanto poderia. Em resumo, ele é algo diferente – talvez não tão empolgante quanto seus antecessores, talvez mais, a depender de como você vai lidar com o que é mostrado.

Sob certos aspectos, este é um filme sobre o amor, mas não se trata de um romance. Também não estamos falando de um amor comum, mas de algo que transcende as barreiras da existência e é capaz de mover montanhas (nesse caso, até literalmente). Ao mesmo tempo, The Matrix Resurrections é um filme de ação que tem algo político-filosófico a dizer (como sempre) e que aposta em um visual muito legal para embalar tudo isso. Ou seja, é diferente, mas ainda é Matrix.

P.S.: Caso queiram conversar comigo sobre o filme e obter algo menos vago, podem me chamar depois do Natal.

P.P.S.: Simulatte é um nome nada discreto (porém brilhante) para a cafeteria do filme.

Outras divagações:
The Matrix

Eis que chegamos ao terceiro filme do cabeça de teia como parte integrante do universo cinematográfico da Marvel, o famigerado MCU. E uma conjunção de fatores faz com que Spider-Man: No Way Home seja o longa-metragem mais aguardado em um bom tempo.

Claro que, em um cenário “normal”, já estaríamos falando de um possível blockbuster, mas boa parte da população adulta está vacinada contra a covid-19 e há tantos rumores circulando que a curiosidade parece borbulhar. Mas não se preocupem, pois tentarei manter este texto livre de spoilers (considerando que você não seja uma daquelas pessoas que acham que até o trailer pode estragar a diversão).

Em poucas palavras, o filme começa exatamente do ponto em que o anterior acabou. J. Jonah Jameson (J.K. Simmons) acaba de revelar ao mundo que Peter Parker (Tom Holland) é Spider-Man e o culpa pela morte de Mysterio (Jake Gyllenhaal). Como consequência disso, o jovem herói, Ned Leeds (Jacob Batalon), MJ (Zendaya) e até mesmo May Parker (Marisa Tomei) e Happy Hogan (Jon Favreau) acabam ganham uma notoriedade inesperada – e alguns processos judiciais.

Para tentar resolver a situação, Peter apela para a magia de Doctor Strange (Benedict Cumberbatch), mas as coisas não saem exatamente como o esperado. Com isso, alguns vilões de realidades paralelas – ou do multiverso, caso você prefira chamar assim – acabam “escapando”, incluindo Doc Ock (Alfred Molina), Electro (Jamie Foxx) e Green Goblin (Willem Dafoe).

Com essa premissa, já era esperado que Spider-Man: No Way Home fosse homenagear as “encarnações anteriores” do herói, o que rendeu muita especulação (e gerou muita bilheteria). Ainda assim, a produção sabia que precisava entregar algo realmente legal para que tudo isso não se transformasse em uma grande decepção, algo que seria capaz até mesmo de afetar o futuro de outros heróis. Afinal, considerando os títulos que “restaram” após Avengers: Endgame, este é um dos mais “seguros”.

Desta forma, o que vemos na tela envolve várias batalhas – algo que costumava ser um ponto de crítica para o diretor Jon Watts –, um elenco em forma e bem menos tempo dedicado à escola e a outros elementos que tornavam os filmes anteriores mais leves: ou seja, a coisa ficou séria. Para manter o coração do herói no lugar certo, as situações o obrigam a estar sempre relativamente próximo das pessoas que importam, o que também às coloca em perigo. Para quem reclamou do espírito “teen” dos longas anteriores, acho que esse deve agradar mais (para quem gostava, confesso que faz falta).

Outra questão é que, neste caso, além de estar bem informado sobre o que acontece no MCU, também é importante ter um conhecimento sobre os filmes estrelados por Tobey Maguire e Andrew Garfield. Realmente, não sei se um espectador que caia de paraquedas em Spider-Man: No Way Home vai entender muita coisa. Suponho que a história continue funcionando (ela não é tão complexa assim) e que as cenas de luta seguirão ótimas, mas boa parte da diversão vai simplesmente se perder.

Spider-Man: No Way Home é uma ótima pedida para quem está com saudades de ir ao cinema e acredita que estejamos em um bom momento para “perder o medo”. Além deste ser um filme que funciona melhor na telona, acredito que vai ser difícil se manter livre de spoilers por muito mais tempo (caso você se importe com isso).

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Black Panther
Black Widow
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
Doctor Strange
Eternals
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok

Preciso admitir que, quando assisti Turma da Mônica: Laços, eu tinha até me esquecido de que o lançamento de Turma da Mônica: Lições seria em breve. No final das contas, acabei vendo os dois filmes com um intervalo pequeno de tempo e isso foi interessante, pois eles são bem diferentes. Enquanto o primeiro tem um forte apego nostálgico e coloca os já conhecidos personagens em meio a uma aventura leve, esta continuação dá um enfoque maior na dinâmica entre os quatro amigos, dando um peso bem maior nas emoções (sim, talvez seus olhos fiquem molhados ao longo da exibição).

Desta vez, um plano infalível de Cebolinha (Kevin Vechiatto) acaba criando atritos entre os pais da turminha. Como consequência, Mônica (Giulia Benite) acaba mudando de escola e todos os outros são forçados a fazer atividades extras, com o intuito de ficarem separados: Magali (Laura Rauseo) vai ter aulas de culinária, Cascão (Gabriel Moreira) é matriculado na natação e Cebolinha passa a se consultar com uma fonoaudióloga. O problema é que, sem o apoio dos amigos, passa a ser mais difícil lidar com os desafios do dia a dia.

Em meio a este drama, Turma da Mônica: Lições aproveita para trazer personagens secundários já bem conhecidos do público, com destaque para Tina (Isabelle Drummond) e seus amigos, além de Do Contra (Vinícius Higo), Milena (Emilly Nayara), Marina (Laís Vilella) e outros. Ao mesmo tempo, o longa-metragem dirigido por Daniel Rezende se afasta um pouco da linguagem dos gibis, da necessidade de apresentar mil e uma referências e do apego à estética original, retratando um bairro do Limoeiro levemente mais realista (mas não tanto assim). Ou seja, o filme se usufrui de ser uma continuação e já ter uma estética reconhecível para poder “se soltar” em seu próprio meio.

Esta mudança também se beneficia do material original, escrito e roteirizado por Vitor e Lu Cafaggi, que tem uma sensibilidade diferente da de seu antecessor. Embora a trama se aproprie de várias imagens facilmente reconhecíveis – como a encenação de Romeu e Julieta com os personagens –, ao separar as crianças e as colocar em uma situação que elas não se julgam capazes de resolver, as características de cada um dos protagonistas são colocadas como problemas, desafios, e não como um alívio cômico ou como algo que seus amigos devem aprender a respeitar.

Outra questão é que Turma da Mônica: Lições dá um enfoque muito maior na relação entre Mônica e Cebolinha (o que não incomoda tanto porque os atores obviamente não têm oito anos de idade). O conflito principal envolve os personagens (e seus pais) e há diversas situações em que é explorada uma tensão quase romântica entre eles. Talvez um público mais novo sequer perceba isso ou só tome como algo engraçado, mas aqueles que são um pouquinho mais velhos devem se divertir.

De qualquer modo, Turma da Mônica: Lições é uma boa opção para quem já se sentir seguro para levar as crianças ao cinema nestas férias (a produção estreia em 30 de dezembro) ou para quem tem um carinho especial pelos gibis. O filme é divertido, bem produzido e bastante sensível, gerando um entretenimento com gostinho especial de infância.

P.S.: Não saia da sala assim que os créditos começarem a subir, pois há uma surpresa. ;)

Outras divagações:
Turma da Mônica: Laços

Suponho que dificilmente exista um brasileiro nascido nos últimos 50 anos que não tenha tido contato com a Turma da Mônica na infância. São inúmeras as histórias de pessoas que aprenderam a ler com os gibis e há uma quantidade imensa de gente que mantém laços afetivos com os personagens mesmo décadas depois. Indo além de meras revistinhas em quadrinhos, a imaginação de Maurício de Souza passou a integrar a cultura nacional (parece exagero, mas não acredito que seja).

Assim, o lançamento de “graphic novels” comemorativas, assinadas por diversos artistas, que revisitaram situações e personagens, foi algo muito interessante. Com novos traços e diferentes pontos de vista, outras sensibilidades e outros públicos foram atingidos, renovando um universo já conhecido. Turma da Mônica: Laços, feito por Vitor e Lu Cafaggi, foi o segundo título deste projeto, iniciado em 2012 e que já soma 30 livros.

Em sua adaptação cinematográfica, dirigida por Daniel Rezende, a obra também traz algo bastante diferente: pela primeira vez, há pessoas reais interpretando os personagens. Por se tratar de desenhos bastante caricatos, confesso que nunca imaginei que isso pudesse ser feito de uma forma reconhecível. Mas suponho que a reimaginação tornou tudo possível.

Turma da Mônica: Laços começa como qualquer historinha conhecida, ou seja, com um plano infalível que dá errado. Entretanto, esse é só um ponto de partida. Ao descobrir que seu cachorro Floquinho desapareceu, Cebolinha (Kevin Vechiatto) perde o ânimo de se juntar a Cascão (Gabriel Moreira) para roubar Sansão, o coelhinho de pelúcia da Mônica (Giulia Benite). Porém, ao ver o amigo assim, a turminha se junta – o que ainda inclui Magali (Laura Rauseo) – para seguir pistas que os adultos parecem ignorar.

Desta forma, enquanto as crianças partem em uma missão que parece destinada a dar errado, seus pais ficam desesperados, especialmente Dona Cebola (Fafá Rennó) e Seu Cebola (Paulo Vilhena). No caminho, a turma precisa se embrenhar no meio de uma floresta e lidar com as características que fazem cada um deles ser único: a força furiosa da Mônica, a fome infindável da Magali, o medo que o Cascão tem de água e a liderança intransigente de Cebolinha.

Obviamente, não faltam “participações especiais” ao longo de Turma da Mônica: Laços. Diversos personagens fazem pequenas aparições e alguns ganham sequências inteiras, como é o caso de Louco (Rodrigo Santoro). Isso dá um sabor especial ao longa-metragem e alimenta a nostalgia, mas é claro que só funciona para um público que já encara a existência dessa produção com um carinho especial.

De qualquer modo, este é o objetivo do que está na tela. Este filme existe para retratar um universo saído dos gibis, referenciando-se a ele com frequência e, também, com certa reverência. Tenho minhas dúvidas, por exemplo, sobre como uma criança estrangeira reagiria a Turma da Mônica: Laços e acredito que muito se perderia – mesmo assim, imagino que seguiria sendo divertido. Para mim, que já estou na faixa dos 30 e poucos anos, foi um mergulho muito gostoso em algo que só me traz boas lembranças. Espero que seja assim para você também.

P.S.: As divagações sobre Turma da Mônica: Lições devem sair hoje à tarde. ;)

Sessenta anos atrás chegava aos cinemas a adaptação de uma recente, porém já bem-sucedida, peça de teatro de Arthur Laurents, Leonard Bernstein e Stephen Sondheim. Esta obra acabou – muito por conta da versão cinematográfica – tornando-se um ícone, ajudando a definir o que o teatro musical moderno se tornou nas décadas seguintes.

Com seu texto ao mesmo tempo clássico e contemporâneo, misturando temáticas de importância social com uma história de amor quase que universal, West Side Story é tão competente no que faz que mesmo seus arcaísmos não chegam a incomodar – inclusive, todas as suas encarnações, seja nos palcos ou seja a versão de 1961, ainda parecem se sustentar bem o bastante. E isso levanta a seguinte questão: o que Steven Spielberg tem a acrescentar para essa história que justifique a existência de um remake em pleno 2021?

Ao menos na superfície, o enredo permanece o mesmo. A história se passa em uma Nova York do final da década de 1950, onde a imigração e a gentrificação dos bairros mais pobres de Manhattan colocam duas gangues de rua rivais em rota de colisão: os Jets, liderados por Riff (Mike Faist) e composta pelo que resta dos garotos brancos do bairro, e os recém-chegados Sharks, um grupo porto-riquenho comandado pelo boxeador Bernardo (David Alvarez).

Com as tensões elevadas e um conflito aberto entre os grupos prestes a explodir, um ex-membro dos Jets, Tony (Ansel Elgort), retorna ao West Side depois de um ano na prisão e acaba se apaixonado por Maria (Rachel Zegler), irmã de Bernardo, durante um baile. A situação força os dois a encarar o prospecto de uma guerra entre as facções para poderem ficar juntos.

Porém, a despeito do núcleo da história permanecer igual, Steven Spielberg e o roteirista Tony Kushner tentam ao mesmo tempo atualizar as partes mais problemáticas do texto original e dar um senso de escala mais adequado a um blockbuster moderno. Afinal, o filme de 1961 ainda está preso na fotografia um pouco claustrofóbica dos enquadramentos teatrais e do mais do que óbvio uso de cenários de estúdio, que vez ou outra prejudicam o senso urbano que o filme quer passar. Spielberg, por sua vez, evita completamente essa situação, dando uma textura interessante ao filme e um senso mais forte de espaço, ancorando mais fortemente a história em uma Nova York real.

Além disso, o filme dá mais espaço e representatividade ao seu elenco latino. A verdade é que West Side Story é uma obra concebida por homens brancos sobre a experiência de imigrantes, o que gerou problemas que se perpetuaram. Esta versão tenta lidar com isso ao adotar algumas medidas que foram tomadas na montagem de 2009, que é mais autêntica em sua escalação de atores latinos e no uso do espanhol nos seus diálogos. Ainda assim, o longa-metragem não chega ao ponto de utilizar as versões em espanhol das canções, escritas por Lin-Manuel Miranda para a versão teatral (mas ele recebe um agradecimento nos créditos).

Outra mudança que reflete essas intenções é o retorno de Rita Moreno, uma das atrizes mais emblemáticas do filme original. Ainda que uma participação fosse esperada, o que aconteceu foi que Moreno ganhou uma personagem bastante relevante para a trama. A inserção envolveu mudanças na história e arriscava ser gratuita, mas acrescenta elementos à trama e torna algumas dinâmicas entre personagens mais justificadas.

Uma das minhas maiores críticas, entretanto, não tem relação direta com o filme, mas é um aviso que preciso dar para qualquer um que vá aos cinemas ver West Side Story: a legenda nacional é, sem muitos rodeios, questionável. Reconheço que legendar um musical é um trabalho muito difícil, considerando o eterno debate entre fazer uma tradução literal ou uma adaptação lírica das letras, mas a escolha da equipe de legendas de usar o que parece ser a versão nacional das músicas teatrais e não legendar os diálogos em espanhol acaba gerando problemas ao filme.

No primeiro caso, muita informação e caracterização é perdida (“America”, especialmente, perde boa parte de suas críticas às tensões de raça e classe) e, no segundo ponto, a decisão parece ir diretamente contra a visão original do diretor. Spielberg optou por não legendar os diálogos em espanhol na versão norte-americana do filme para não criar uma hierarquia entre as duas línguas – mas, ao não legendar o espanhol e legendar o inglês, a versão brasileira acaba fazendo isso pelo processo contrário, o que me parece ter sido uma escolha infeliz.

Ainda que, para mim, seja inevitável fazer comparações, acho que alguém que jamais teve contato com qualquer versão anterior verá em West Side Story um filme perfeitamente capaz de se sustentar pelos seus próprios méritos. Há boas performances, uma fotografia competente e um trabalho de coreografia que consegue, ao mesmo tempo, manter as influências de balé do original e trazer elementos mais modernos.

O que o filme não tenta de nenhum modo modernizar, entretanto, são suas canções, o que é uma maldição e uma bênção. Para apaziguar os puristas, o longa-metragem pode acabar alienando um público mais desavisado, que vai ter que encarar um musical construído em cima de uma sonoridade que por vezes é bastante datada. Ainda assim, suponho que não havia como a produção se escapar disso.

Outras divagações:
Jaws
The Terminal
The Adventures of Tintin
Lincoln
The Post
Ready Player One

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Por mais que eu goste muito do trabalho de Lin-Manuel Miranda, confesso que achei refrescante ver um filme em que ele está diretamente envolvido (é o diretor), mas não é o responsável pelas canções – nada contra, obviamente. Em tick, tick...BOOM!, as músicas vêm do musical de Jonathan Larson, com algumas inserções de Stephen Sondheim. E esse rock desesperado, retratando uma história que foi escrita e também se passa em 1990 é muito bom de ouvir.

A trama é uma espécie de biografia de Jon Larson (Andrew Garfield), um jovem prestes a completar 30 anos, que está vivendo em Nova York sob condições precárias e que há anos se dedica a escrever um musical futurístico que acompanha um comentário social. Entretanto, como você provavelmente nunca ouviu falar de Superbia, dá para imaginar que ele não entregou um grande sucesso de bilheteria (o que não quer dizer que tenha sido tudo em vão).

De qualquer modo, Jon passa seus dias trabalhando em uma lanchonete, compondo, ensaiando na companhia de seu elenco (Vanessa Hudgens, Joshua Henry e outros), tentando entrar em contato com sua agente (Judith Light), ignorando as contas a pagar, frequentando festas, namorando com Susan (Alexandra Shipp) e conversando com seu melhor amigo Michael (Robin de Jesus). O problema é que sua enorme dedicação ao musical pode acabar comprometendo seus dois relacionamentos que realmente importam – mas, ao menos, ele tem a motivação das palavras inspiradoras do famoso compositor e letrista Stephen Sondheim (Bradley Whitford).

Assim, à medida em que acompanha o dia a dia frenético de Jon, tick, tick...BOOM! também vai mergulhando no universo dele. Vemos os amigos morrendo de Aids, o subemprego, o sonho artístico se despedaçando para aqueles que não são mais tão jovens assim, uma luta ainda incipiente por direitos iguais para homossexuais, e a (desejada) integridade artística batendo de frente com a necessidade de comer, morar e ter eletricidade.

Obviamente, essas circunstâncias não são exatamente animadoras, mas as letras carregadas de emoção dão conta do recado e a história procura expressar mais esperança pelo futuro que comiseração pelo presente. Além disso, a produção se mantém alerta ao alternar a narrativa mais tradicionais com uma encenação teatral de sua própria trama, tornando-se também uma espécie de carta de amor aos musicais (com destaque para uma determinada cena, cheia de participações especiais).

Para completar, todo o filme funciona como um prelúdio para a criação de um dos musicais mais aclamados de todos os tempos. Ainda que Rent seja tecnicamente posterior ao que é mostrado aqui, vários dos temas abordados estão bastante presentes e é perceptível que se trata de uma evolução natural do trabalho de Jonathan Larson. É como se tudo caminhasse para sua grande obra-prima, que ele sente a necessidade de fazer o quanto antes.

Desta forma, acredito que boa parte do apelo de tick, tick...BOOM! simplesmente se perca caso você não seja um fã do gênero (ou, pelo menos, tenha algum conhecimento prévio). É claro que dá para aproveitar o retrato feito desta transição entre os anos 1980 e 1990, o ritmo contagiante e a cantoria de Andrew Garfield, Alexandra Shipp e Vanessa Hudgens, mas a verdade é que este é um longa-metragem para iniciados no mundo dos musicais.

Outras divagações:
In the Heights