Histórias de vingança são contadas desde sempre. Promising Young Woman é mais uma delas e segue várias características do gênero. Ainda assim, a produção consegue se destacar: o tema é bastante atual, a atriz principal é ótima e o texto de Emerald Fennell (também responsável pela direção) consegue trazer vários pormenores bastante incômodos, demonstrando sutileza e atenção aos detalhes.

Suponho que, se não fosse a pandemia de covid-19, o filme talvez não tivesse recebido algumas de suas cinco indicações ao Oscar e, talvez, não tivesse ganhado o prêmio de Melhor Roteiro Original. Mas esse vai ser um “fantasma” sobre todas as produções que participaram da festa deste ano. O fato é que Promising Young Woman se fez presente por seus próprios méritos e mereceu sua estatueta.

Na trama, Cassie (Carey Mulligan) é uma jovem de 30 anos que ainda está tentando lidar com o que aconteceu com sua melhor amiga na época da faculdade. Assim, ela desenvolveu seus próprios métodos para, digamos assim, tentar fazer do mundo um lugar melhor para as mulheres (não vou entrar em detalhes para evitar contar surpresas). Após um encontro casual com um antigo colega, Ryan (Bo Burnham), no entanto, suas atenções se voltam para pessoas específicas que fizeram mal para sua amiga, especialmente Al Monroe (Chris Lowell).

Desta forma, o filme mistura os planos de Cassie com o desenrolar do que realmente aconteceu com a amiga e com a maneira como a protagonista passou a se relacionar com o mundo a sua volta após o trauma. Um ponto de atenção é a relação entre ela e os pais (Clancy Brown e Jennifer Coolidge), que parece ser algo prestes a explodir – porém, ao final, a forma como a mãe e o pai dela reagem aos acontecimentos é bem diferente, enfatizando a própria questão do filme.

Promising Young Woman é, obviamente, um filme que caracteriza o tempo em que estamos vivendo. Ele até pode ser acusado de generalizar situações ou de explorar certos sentimentos, mas não de representar mal o cenário. Homens adultos sendo chamados de crianças para justificar atos criminosos, violências sendo tratadas como piadas, culpabilização de vítimas, entre outras questões, estão bem presentes, mas parece que só as pessoas tidas como instáveis conseguem enxergá-las pelo que são.

Há, inclusive, um esforço para retratar a enganosa figura do “cara legal”, que se vê desta forma e é encarado assim pela sociedade, mas que destila hipocrisia e comportamentos frequentemente contraditórios. Afinal, no final das contas, a amiga não foi vítima apenas dos atos praticados diretamente contra ela, mas de um sistema que protege os criminosos – e isso não é “coisa de filme”, é algo bem real.

Por isso, quando o longa-metragem acaba e as luzes se acendem, a sensação incômoda permanece. Esta é uma história inventada, mas ela poderia ser real e, provavelmente, seria crível se acontecesse perto de você. Promising Young Woman tem seus momentos de humor e há quem ache o filme engraçado, mas a verdade é que, para mim, ele toca muito perto para isso. A amiga da protagonista poderia ser a minha amiga ou poderia ser eu mesma. A hipocrisia poderia vir da mesma forma de várias pessoas próximas a mim.

Embora eu duvide que, algum dia, Clueless deixe de ser minha adaptação cinematográfica favorita deste clássico livro de Jane Austen, preciso admitir que Emma se esforçou bastante para tentar roubar o posto. Caso o seu julgamento não seja afetado pela nostalgia de ter sido criança ou adolescente nos anos 1990, vale a pena encarar ambas as produções e chegar a sua própria conclusão (a versão de 1996, estrelada por Gwyneth Paltrow, é opcional).

Em primeiro lugar, Emma é um filme muito bonito – plasticamente, eu diria. A estética inclui até mesmo os movimentos, com alguns personagens se mexendo de forma coreografada, para que tudo se encaixe com perfeição. O conjunto é bastante polido e nenhum fio de cabelo parece estar fora do lugar. O figurino é tão repleto de detalhes que nem parece ser real, ao mesmo tempo em que as maquiagens conseguem ser naturais e, ao mesmo tempo, deixarem todos com um ar de estranha perfeição: não à toa, a produção recebeu indicações ao Oscar em ambas as categorias.

Este mundo tão cuidadosamente retratado combina com a história sendo contado e, principalmente, com sua protagonista. Emma Woodhouse (Anya Taylor-Joy) é uma jovem bonita, rica e inteligente que vive na Inglaterra do século 19. Em sua vida privilegiada, ela adota passatempos como se tornar amiga de Harriet Smith (Mia Goth), uma moça sem graça e de origem desconhecida, que Emma decide “educar” em seus modos aristocráticos e, quem sabe, casar de acordo com eles.

Ao redor das duas estão personagens excêntricos, como o neurótico pai de Emma (Bill Nighy), a falante Miss Bates (Miranda Hart) e o empolgado vicário Elton (Josh O'Connor), embora o único amigo real de Emma pareça ser seu concunhado, Knightley (Johnny Flynn). Em meio a esta convivência já estabelecida, as coisas se agitam um pouco com a chegada de Jane Fairfax (Amber Anderson), de quem Emma não quer gostar, e de Frank Churchhill (Callum Turner), de quem ela quer gostar.

A trama, desta forma, gira ao redor das relações sociais da mimada protagonista, que brinca de casamenteira e demora a perceber que seu passatempo pode fazer outras pessoas sofrerem. Embora algumas atitudes da protagonista sejam cruéis e manipuladoras, o aspecto de “casa de bonecas” dado pela diretora Autumn de Wilde e a caracterização juvenil de Anya Taylor-Joy faz com que Emma pareça ingênua a respeito de suas próprias maquinações (mesmo assim, é satisfatório vê-la ter que encarar seus defeitos e caprichos).

Além disso, o filme também traça um paralelo interessante entre Emma e Frank e entre Jane e Knightley, garantindo que as conclusões dos protagonistas e seus sentimentos não precisem ser abertamente explicitados para serem compreendidos. Ao mesmo tempo, se você sabe (ou, ao menos, já percebeu) e o que está vindo, a relação estabelecida se torna ainda mais divertida.

Outra característica interessante é que, embora Emma seja muito focado em sua protagonista, todos os atores têm oportunidades de “roubarem” cenas – e eles parecem se divertir com isso. Os exageros, os diálogos “espertos”, os mal-entendidos se fazem presentes com força, garantindo que esta é, sem sombra de dúvidas, uma adaptação de uma das melhores e mais divertidas obras de Jane Austen.

Outras divagações:
Clueless
Emma (1996)

Existem filmes com títulos misteriosos e premissas que você só vai entendendo ao longo do desenrolar da história. Este, definitivamente, não é o caso de Judas and the Black Messiah. Logos nas primeiras cenas, os dois personagens principais e suas relações já ficam bem estabelecidos – e você já tem uma boa ideia de como tudo deve acabar.

Com isso, o destino de cada um dos personagens deixa de ser o ponto mais importante desta trama escrita e dirigida por Shaka King. O objetivo é explorar quem são estas pessoas, como elas vão chegar lá e o quanto elas vão deixar de si mesmas pelo caminho.

Fred Hampton (Daniel Kaluuya) é a ameaça ao governo dos Estados Unidos e ao modo de vida previamente estabelecido, embora ele pareça só estar oferecendo café da manhã para crianças carentes. Diretor do partido dos Panteras Negras, ele é um líder com ideias comunistas bem explícitos, que fala bem com o público, tem bons argumentos – embora sua namorada, Deborah Johnson (Dominique Fishback), esteja por trás de seus discursos – e que consegue, aos poucos, reunir outras minorias a sua causa.

Já Bill O'Neal (LaKeith Stanfield) é um ladrão de carros sem muitas perspectivas e que pode pegar muitos anos de prisão. Sob a orientação do agente do FBI Roy Mitchell (Jesse Plemons), ele se alista nos Panteras Negras e se aproxima de Hampton, sendo compensado financeiramente a cada informação valiosa que repassa. Com seus conhecimentos práticos sendo bem aplicados, ele também consegue subir na organização, até se tornar chefe de segurança.

Os espectadores adentram o mundo do partido na companhia de O'Neal, de modo que a traição e a tensão já são preestabelecidas. Além disso, seu desconhecimento sobre a ideologia faz com que ele se prenda as ideias de Hampton e precise ser educado a respeito de várias delas, de modo que Judas and the Black Messiah acaba sendo até mesmo didático quanto aos Panteras Negras.

Ao mesmo tempo, o filme não se preocupa muito em fazer com que seus dois protagonistas ganhem a empatia do público. Enquanto o personagem de Daniel Kaluuya recebe camadas de personalidade e monólogos poderosos, LaKeith Stanfield fica preso a uma mesma situação, representando um medo volátil.

A própria existência oposta dos dois personagens também não é reforçada de acordo. Fred Hampton, obviamente, está em um extremo: ele tem uma postura combativa, fala alto, é firme em seus ideais. Seu antagonista, entretanto, não representa exatamente um contraponto e não vai a seu encontro, permanecendo em uma zona cinzenta. Em algumas cenas, é sugerido que ele teria uma lealdade pelo agente do FBI, mas isso nunca é efetivamente mostrado, de modo que ele fica sem um coração.

É difícil dizer o que teria acontecido em um outro contexto, mas suponho que Judas and the Black Messiah não teria um destaque tão grande na temporada de premiações se a pandemia de covid-19 não tivesse atingido com força os lucros da indústria cinematográfica. Porém, este é um filme que merece o espaço que recebeu. Daniel Kaluuya entrega uma excelente performance e a temática é mais do que adequada ao atual momento. Se cinema é arte, ele precisa ser interpretado em seu contexto de produção e Judas and the Black Messiah, sem sombra de dúvida, é um filme político.

A cerimônia do Oscar deste ano terminou de um jeito estranho. A ordem dos prêmios foi alterada e a última categoria foi Melhor Ator, mas Anthony Hopkins não estava disponível para receber sua estatueta por The Father. A sensação de confusão, guardadas as devidas proporções, parece ecoar o próprio filme.

Na história, Anthony (Hopkins) é um senhor de idade cuja memória já não é mais a mesma. Ele confunde informações, esquece de coisas que acabaram de acontecer, é ríspido e violento com suas cuidadoras, mesmo a vivaz Laura (Imogen Poots). Sua filha, Anne (Olivia Colman), está tentando manter as coisas sob controle, mas o processo é bastante difícil para ela também.

A grande questão é que The Father é narrado pelo ponto de vista de Anthony, de modo que o espectador também não tem muita certeza sobre o que está acontecendo. Anne vai ou não se mudar para Paris? Ela é ou não casada com Paul (Rufus Sewell)? De quem é o apartamento? O quadro estava mesmo pendurado sobre a lareira? E o que aconteceu com a outra filha, Lucy (Evie Wray)?

Além das informações desencontradas, dos momentos revividos com algumas diferenças e dos buracos de informação, eventualmente os atores são trocados (por Olivia Williams e Mark Gatiss), alimentando a sensação de confusão e desconforto. Outro recurso usado de forma interessante em The Father são as constantes, mas discretas, mudanças nos cenários, que alternam entre ambientes estruturados de forma similar.

Estas escolhas narrativas derivam da peça original, que foi escrita pelo próprio Florian Zeller, também responsável pela direção do filme e pelo roteiro (que assina ao lado de Christopher Hampton). Ele é francês e fez esta adaptação cinematográfica com Anthony Hopkins em mente – ele mudou o nome do protagonista propositalmente e já declarou que, caso o ator não aceitasse participar da produção, o filme provavelmente teria sido feito na França. Até mesmo a data de aniversário é a de Hopkins, em uma tentativa de tornar a história tão pessoal quanto possível.

A escolha do ator, com certeza, fez diferença. A performance é sensível e demonstra um alcance dramático muito amplo. Hopkins consegue convencer como o homem que faz charme para uma desconhecida, que acusa a própria filha de coisas horríveis, que faz brincadeiras inocentes no café da manhã, que comete “sincericídios”, que constantemente esconde, perde e sai procurando o próprio relógio, que não reconhece as pessoas próximas, que repete uma mesma piada sem graça e que chora como uma criança.

Como o ponto de vista é o do personagem principal, temos apenas uma noção do que realmente está acontecendo com sua filha. Ainda assim, entre fragmentos de conversas e olhos marejados, Olivia Colman consegue transmitir muito. Parte do coração do filme está em sua atuação, ao mesmo tempo contida e emocionada.

O resultado desta amálgama de situações e sentimentos é que The Father expressa a agonia da situação vivida por seu protagonista com bastante eficiência. O filme consegue prender a atenção não por trazer reviravoltas e acontecimentos mirabolantes, mas porque ele nunca revela exatamente o que está acontecendo. Não há respostas para Anthony, pois ele não consegue mais acompanhar o mundo a sua volta.