Não tenho vergonha de dizer que a minha maior motivação para ver Las Herederas foi conferir se o filme valia toda a boa recepção recebida tanto no Festival de Gramado quanto lá fora – até o momento, essa produção paraguaia foi premiada na Alemanha, na Espanha, na Holanda, na Ucrânia, nos Estados Unidos, na Colômbia, no Peru, na Austrália e na Coreia do Sul.

Ainda assim, o tipo de drama apresentado não é exatamente o meu gênero favorito e a posição de ter de falar sobre uma história que em sua essência é sobre mulheres (e mulheres homossexuais) não é muito confortável para mim. Porém, eu me surpreendi com a competência do diretor e roteirista Marcelo Martinessi em contar essa história. Mesmo que sua filmografia ainda seja curta, espero ver muitas outras contribuições dele para o cinema paraguaio no futuro.

Chela (Ana Brun) e Chiquita (Margarita Irun) são mulheres de origem privilegiada, herdeiras de um legado já morto e cujo único resquício são os hábitos e o orgulho burguês. Apesar disso, o casal sofre com os atritos e as consequências trazidas pelos tempos de vacas magras, incluindo uma repentina prisão de Chiquita por conta de dívidas. Nesse contexto, Chela é forçada a sair de sua zona de conforto pela primeira vez em décadas, servindo de motorista para Pítuca (María Martins), uma vizinha mais abastada, o que a coloca em contato com pessoas como Angy (Ana Ivanova), uma mulher mais nova que a lembra de suas vontades e aspirações, a fazendo repensar sobre sua vida e sua posição no resto do mundo.

Ainda que eu não tenha muita empatia com as circunstâncias pela qual as personagens passam e tenha problemas pessoais com a abordagem que Las Herederas dá a certas situações, não consigo deixar de ver um grande mérito na maneira que essa história é contada. O filme tem um trabalho de câmera que contribui muito para o clima desconfortável e, ao mesmo tempo, incrivelmente pessoal – além de ter excelentes performances.

O roteiro é sutil, mas as transformações pelas quais as personagens passam são absolutamente visíveis, ainda que nem um pouco textuais. O filme faz um ótimo trabalho em mostrar tudo que precisa ser mostrado sem parar para explicar quase nada. Ana Brun, aliás, talvez seja a maior responsável por isso, dando cor e profundidade o bastante a sua protagonista para fazer que tudo funcione em conjunto.

Além disso, merece destaque a maneira como o longa-metragem constrói tensão: a partir de graus infinitesimais de escalada emocional e de um hiper naturalismo que subverte algumas das nossas expectativas em relação a direção para que a trama segue. Ainda que, no fundo, nada demais aconteça na história, Las Herederas consegue transmitir a ideia de que, ao menos para aquelas personagens, muita coisa aconteceu. Para quem assiste, fica a sensação de que muita coisa poderia ter acontecido – e toda essa sutileza e sensibilidade talvez seja a maior força da produção.

Infelizmente, o filme sofre um pouco com a lentidão e a morosidade, fazendo que seus enxutos 98 minutos pareçam durar bem mais. Ainda que essa dinâmica não chegue a incomodar a todos, ela talvez atrapalhe quem não tem tanto investimento emocional na trama, tornado toda a experiência tediosa. Mas, certamente, quem compra a ideia e consegue se identificar com as personagens deve ter um prato cheio em mãos.

Las Herederas é um filme absolutamente bem construído, tratando de vários temas interessantes, como a fragilidade de divisões sociais, a sexualidade feminina, a idade e a dependência emocional. Porém, ele não é para todo mundo, sendo uma típica obra feita para festivais e para um público mais restrito. Se você se encaixa nessa categoria, pode ser uma ótima surpresa, nem que seja para prestigiar uma nova face do cinema latino-americano.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Sem conhecer a série que deu origem a Teen Titans Go! To the Movies, eu confesso que entrei na sala de cinema esperando por uma aventura maçante, cheia de clichês e com um humor absolutamente bobo.

Bom, não posso negar que o filme tem uma trama desvendável a quilômetros de distância (ao menos para quem tem mais que sete anos de idade) e que muitas das piadas são realmente infantis... Mas, ao mesmo tempo, é possível se divertir com tudo isso. Especialmente porque a produção se esforça em agradar a todos os que estão na sala, sejam as crianças, os pais ou até mesmo os irmãos adolescentes.

A história é bem simples. Robin (Scott Menville/Manolo Rey) reuniu mais quatro amigos – Beast Boy (Greg Cipes/Charles Emmanuel), Cyborg (Khary Payton/Eduardo Borgerth), Raven (Tara Strong/Mariana Torres) e Starfire (Hynden Walch/Luiza Palomanes) – para formar um grupo de super-heróis, aos moldes da Liga da Justiça. Contudo, eles não são exatamente levados a sério, até porque costumam fazer gracinhas desnecessárias, parar a missão para cantar músicas e até mesmo deixar o trabalho pela metade. Mas isso não quer dizer que eles não tenham capacidade e poderes legais.

Assim, quando Robin fica chateado porque a famosa diretora de cinema Jade Wilson (Kristen Bell) não quer fazer um filme sobre ele, o grupo une forças e decide se dedicar a combater um grande inimigo, mais especificamente: Slade (Will Arnett/Ricardo Schnetzer). O problema é que o orgulho de Robin pode acabar ficando na frente da amizade.

Embora tudo isso siga uma trajetória de aprendizado previsível, isso não a torna menos válida. A trama de Teen Titans Go! To the Movies se aproveita disso para inserir muitos conceitos legais e piadas realmente engraçadas. Há desde referências diversas – desde Nicolas Cage como o dublador de Superman a uma participação especial de Stan Lee, passando pelo fracassado Green Lantern – até conceitos interessantes, como motos que viajam no tempo e o fator que une a história de origem de todos os super-heróis.

Aliás, os personagens refletem bastante sobre o que faz alguém se tornar um herói. Ainda que eles não se preocupem muito em chegar a uma conclusão, esse é um dos melhores pontos do longa-metragem, que não tem muito receio de chegar em conclusões piegas, desde que o meio do caminho tenha valido a pena.

Para completar, Teen Titans Go! To the Movies traz uma animação bem competente. O traço bebe diretamente da tendência iniciada por Genndy Tartakovsky e companhia e, embora muitos critiquem a simplicidade, funciona – ainda mais quando estamos lidando com versões cômicas de personagens tão icônicos. Além disso, as cores chapadas e vibrantes ficam muito bem com a profusão de coisas acontecendo na tela, com direito a muitas poses de efeito em frente a explosões, exatamente como deveria ser.

Claro que o filme não é para todo mundo e (com o preço dos ingressos por aí) talvez seja vantajoso esperar que ele apareça em algum canal de streaming ou na TV a cabo. Ainda assim, quem for conferir Teen Titans Go! To the Movies vai sair do cinema mais leve, com a sensação de ter visto algo divertido como a tempos não acontecia. É bom voltar a ser criança!

Antes de falar de Alex Strangelove vou contar um ‘causo’ para vocês. Eu tenho uma péssima memória. Assim, bem ruim mesmo. Se eu não anoto uma coisa, a chance de esquecer é grande. Eis que eu assisti um certo filme e, depois, não conseguia lembrar o título para escrever a resenha. Pior: não conseguia lembrar nem a sinopse para ver se alguém (cof, cof, o Google) poderia me ajudar. Comecei até a ficar na dúvida. Será que eu vi esse filme mesmo ou só sonhei que vi? Afinal, ele não está aparecendo nem ao menos no meu histórico da Netflix.

Eventualmente, por meio de um estalo (cof, cof, uma busca aleatória no Google, onde o pôster de várias produções apareceram lá em baixo), eis que eu ‘lembro’ que o tal filme se chama Alex Strangelove. E também fica bem claro o motivo do meu esquecimento: o filme é absolutamente genérico – bonitinho, porém, genérico.

Não me entendam mal. O fato de termos mais uma produção sobre um rapaz gay descobrindo seu primeiro amor é super positivo e há toda uma demanda para isso. Aliás, chego a dizer que, na falta de uma comédia romântica, esse tipo de história tem sido minha opção preferida para aqueles dias em que quero ver alguma coisa, mas não quero comprometer demais o meu cérebro.

Alex Strangelove (Daniel Doheny) é um rapaz do Ensino Médio que é um tanto quanto nerd e deslocado, mas também não tanto assim. Ele possui seu grupo de amigos fiéis e encontrou uma parceira ideal para os estudos, as festas e as nerdices em Claire (Madeline Weinstein) que, eventualmente, tornou-se sua namorada.

Com a formatura se aproximando, Alex não está lidando bem com a pressão. Seus pais estão preocupados com a entrada em uma universidade e sua namorada quer perder a virgindade. O detalhe é que o segundo ponto gera um estresse bem maior que o primeiro, enfatizando que há algo que o deixa desconfortável no relacionamento. Ao mesmo tempo, quase que por acaso, surge Elliot (Antonio Marziale), um rapaz que tem uma trajetória bem diferente da dele. À medida em que os dois se aproximam, as coisas parecem ir para o lugar na vida de Alex, mas isso também implica que muitas coisas acabarão mudando.

Há alguns pontos que eu gostaria de frisar aqui. Um deles é a descoberta da sexualidade do personagem título. A princípio, eu me incomodei um pouco com alguém que tem uma namorada, já tem mais de 16 anos e que ainda ‘não percebeu’ que se sente atraído por pessoas do mesmo sexo. Isso é, basicamente, um clichê nos filmes do gênero, mas sempre me pareceu forçado. Ao mesmo tempo, não se pode negar a capacidade adolescente de se autoenganar, de transformar tudo em grandes dilemas e de acumular insegurança sobre insegurança sobre insegurança.

Alex Strangelove consegue construir esse cenário de uma maneira relativamente interessante, o que é um grande mérito do trabalho de direção e roteiro de Craig Johnson. Embora as pessoas que cercam o protagonista não sejam tão dramáticas quanto ele, há uma infantilidade geral (e bem-vinda, considerando o contexto de Ensino Médio) no comportamento alheio que torna toda essa jornada mais crível – especialmente quando olhamos para a figura do melhor amigo, Dell (Daniel Zolghadri). Nesse contexto, os flashbacks que tentam trazer insights da formação de personalidade do protagonistas se tornam narrativamente dispensáveis (mas suponho que sejam válidos para ajudar na criação de empatia).

Outro ponto que eu queria levantar é a construção de Claire. A personagem feminina costuma ter um papel bem ingrato nesse tipo de história, mas o filme conseguiu dar a ela um desenvolvimento de personagem que talvez seja até maior que o do protagonista. Vemos a relação com a mãe, os problemas que estão além de seu alcance, as frustrações do dia a dia, as conquistas, as ansiedades e como ela reage às mudanças em seu relacionamento levando em conta todo esse contexto. Ela não é uma vilã, mas também não se coloca como uma vítima da situação.

Com tudo isso, Alex Strangelove é um filme que dá conta daquilo a que se propõe, sendo bastante sensível e respeitoso à temática (com direito a depoimentos reais). Ele não tem qualquer intenção de reinventar a roda, mas também não se esforça em trazer algo realmente diferente para o público. É um genérico bonzinho, que fica bem no meio do catálogo de filmes da Netflix.

Eu tenho medo de cachorro. Bastante. Outro dia, alguém entrou no elevador com um cão de pequeno porte e eu congelei, parei de respirar, mal consegui me mexer, só fazia que não com o dedo e assustei pra caramba meu colega ser humano (que até tentou argumentar que o bicho não morde, mas viu que não iria adiantar). O cachorro, obviamente, não deu a mínima para todo o espetáculo.

Mas, ainda bem que, na segurança da sala do cinema e com uma pessoa compreensiva ao meu lado, eu consegui assistir Isle of Dogs. Não dava para perder de ver uma obra de Wes Anderson no cinema, afinal de contas.

O filme se passa no Japão e todos os latidos estão convenientemente traduzidos para o inglês. Por sua vez, para entender o que as pessoas estão falando, dependemos de tradutores que nem sempre estão disponíveis. Ou seja, o objetivo é que você realmente se identifique mais com os animais de quatro patas. Essa não é uma escolha inédita, mas foi feita de uma forma bastante elegante e que coloca o público na fantasia logo de cara.

Basicamente, a cidade de Megasaki é controlada a muitas gerações por uma família que detesta cachorros. Eles têm liderado vários esforços para expulsar os animais do local e, agora, com a ameaça de diversas doenças, conseguiram transferir todos os bichos da cidade para uma ilha próxima, também usada como lixão. Mas um menino de 12 anos, Atari (Koyu Rankin), que tem uma conexão com a família do prefeito, decide fugir de casa para resgatar seu cachorro, Spots (Liev Schreiber).

Lá chegando, ele recebe a ajuda de um grupo democrático de machos alfa formado por quatro cães que têm muita saudade de seus antigos donos e dos mimos que recebiam – Rex (Edward Norton), King (Bob Balaban), Boss (Bill Murray) e Duke (Jeff Goldblum) – e por um vira-lata de rua, Chief (Bryan Cranston). Na cidade, por sua vez, ele conta com o apoio de um grupo estudantil que publica um jornal, dá voz às teorias de uma intercambista (Greta Gerwig) e apoia um candidato de oposição, Professor Watanabe (Akira Ito).

Assim, embora essa pudesse facilmente ser uma história sobre um menino e um cachorro, Isle of Dogs se torna um misto de fábula e comentário político. Não recomendo que o público procure por referências diretas a personalidades atuais, mas há alguns pontos que caem muito bem no contexto nacional, desde a família que controla a cidade a séculos até a voz da minoria que não passa de um incômodo dentro de um sistema de votação. Eu diria que são questões atemporais e que apenas somam à qualidade da produção (mas, sinceramente, gostaria muito que esse não fosse o caso).

Outro ponto que precisa ser levantado é a forma como o Japão foi retratado. Wes Anderson, obviamente, não é japonês. Mas ele é um diretor fortemente movido por suas referências visuais e a escolha consciente de levar essa história para o país veio com inúmeras delas, além de uma trilha sonora fantástica (assinada por Alexandre Desplat), um trabalho de sonorização invejável e um grande respeito. É claro que essa não deixa de ser uma visão de um autor ocidental sobre o Japão, mas isso não quer dizer que esse seja um ponto necessariamente negativo. Acredito que outras pessoas possam tratar sobre esse ponto com muito mais bagagem do que eu, mas – pelo que tenho visto – há muito mais elogios que críticas negativas.

Com um ar melancólico e decadente, Isle of Dogs também não suaviza a situação dos cachorros. Eles lutam por comida, há referências a prática de canibalismo e as doenças dão um aspecto aterrorizante para vários deles. Ou seja, esse talvez não seja o melhor filme do mundo para crianças pequenas (a classificação indicativa no Brasil é 12 anos). Em contrapartida, diversos clichês são tomados como verdades absolutas, como a lealdade aos humanos e a vontade de brincar de buscar uma vareta.

Nesse pequeno mundo cheio de contradições, Wes Anderson faz a sua mágica e consegue extrair algum tipo de beleza que é maior do que aquilo que vemos na tela.

E é incrível que eu não tenha mencionado isso até agora, mas Isle of Dogs é uma animação. Inclusive, por ser uma animação em stop-motion com o mesmo diretor, vários atores habituais do cineasta, o mesmo diretor de fotografia (Tristan Oliver), muitos técnicos de animação em comum e protagonizada por bichinhos, há muitas comparações a serem feitas com Fantastic Mr. Fox. Sinceramente, o filme não foge disso, mas também não abraça o conceito com todas as forças (e há um divertido uso de animação tradicional em 2D). Para completar, há uma distância de nove anos entre uma produção e outra, o que traz novas técnicas e mais amadurecimento para a mesa. É bonito de ver.

Outras divagações:
The Royal Tenenbaums
The Life Aquatic with Steve Zissou
Fantastic Mr. Fox
Moonrise Kingdom
The Grand Budapest Hotel

Imagine que você está no cinema, em uma sala praticamente vazia, e começa a pensar: “Como foi que esse filme deu tão errado? Como ninguém percebeu que, dessa forma, as coisas não iriam funcionar?”. Pois isso aconteceu comigo em uma sessão de Acrimony – e a produção ainda não estava nem em seu (desastroso) terço final.

A história, só para começar, é um novelão. Melinda (Taraji P. Henson) está sendo forçada judicialmente a frequentar uma terapeuta para controlar a sua raiva, contudo, ela se diz no direito de sentir fúria, afinal, o que fizeram com ela foi horrível. Então, ela começa a contar a sua história.

Quando estava na faculdade, Melinda (Ajiona Alexus) – uma patricinha inocente, mas com um temperamento explosivo – começou a namorar um rapaz pobre e cheio de ideias, Robert (Antonio Madison). Suas irmãs eram contrárias ao relacionamento, ainda mais depois que a moça foi traída logo após ter dado um carro de presente para o namorado. Mas ela teve sua vingança e ele teve seu pedido de desculpas aceito. Os dois se casaram e ele prometia mundos e fundos para sua amada, algo que nunca se concretizava.

Assim, enquanto Robert (Lyriq Bent) lutava por sonhos que pareciam cada vez mais impossíveis, Melinda gastou toda sua herança, perdeu a casa de seus pais e passou muitos e muitos anos trabalhando em dois empregos para poder sustentar os devaneios do marido, que nunca teve sequer um emprego formal. Assim, quando a esperança acabou, o casamento também se foi.

O detalhe é que, assim que ela ficou sozinha, pobre e desiludida, as coisas começaram a dar certo para ele – que passou a realizar todos os sonhos do casal com outra mulher, Diana (Crystle Stewart). Já mencionei que ela também foi a moça envolvida na traição lá dos tempos da faculdade? Pois é.

Ou seja, a protagonista realmente tem direito de ficar com raiva dessa situação toda. Certo? Não exatamente. Apesar da história ser contada por ela, Acrimony dá também o ponto de vista do marido, fornecendo justificativas a muitos pontos que poderiam ter ficados dúbios, o que valorizaria o suspense ou, pelo menos, geraria alguma empatia direcionada à personagem. Ela foi levada à loucura, mas até que ponto cada um dos dois tem ‘culpa’ na situação? No final das contas, parece que ter tido toda a sua juventude ‘sugada’ realmente não é uma justificativa para a raiva que ela sente.

Aliás, por esse ser um filme escrito e dirigido por Tyler Perry, eu realmente esperava que houvesse alguma forma de humor na situação toda. Algo mais cínico, talvez? Um ‘quê’ de She-Devil? Mas a verdade é que o filme chega ao absurdo sem explorar o fato de que tudo realmente saiu de controle. Quando as ações de Melinda vão além do que se espera de uma pessoa injuriada e colérica, a sensação é de que Acrimony saiu dos trilhos junto com sua personagem principal.

A produção, vale acrescentar, tem efeitos especiais bem vagabundos e uma montagem absolutamente entediante – poderiam, pelo menos, ter colocado idas e vindas na narrativa, algo que chacoalhasse a percepção do público sobre os personagens. Por vezes, é como se o longa-metragem quisesse ter uma moral para passar, mas é muito difícil se deixar convencer por ela.

Em meio a tudo isso, fico com pena de Taraji P. Henson. Ela entregou muita coisa em uma atuação visceral, realmente enfurecida e digna de crédito, mas que se perde em um filme que não a merece. Há vários momentos que, em outro contexto, poderiam render indicações a prêmios. Aqui, entretanto, eles apenas livram a atriz de um constrangimento maior.

Serei sincera: Mamma Mia! Here We Go Again tem vários problemas. Mas tudo fica perdoado assim que Cher aparece na tela.

Assim como acontece no original, lançado 10 anos atrás, toda a história do longa-metragem é uma desculpa para os personagens cantarem uma sequência de músicas do grupo sueco Abba. Assim, se você deseja entrar na sala de cinema, o melhor caminho é abraçar a breguice e já ir cantarolando alguma coisa para entrar no ritmo.

Sophie (Amanda Seyfried) está bastante estressada às vésperas da abertura de seu novo hotel na Grécia. Além de viver problemas em seu casamento com Sky (Dominic Cooper), ela está desapontada porque nem todos os seus três pais (Colin Firth, Stellan Skarsgård e Pierce Brosnan) poderão comparecer à festa de inauguração e, para completar, ela teme não ficar a altura das expectativas de sua mãe, Donna (Meryl Streep). Ainda bem que ela pode contar com um gerente capaz de prever tempestades (Andy Garcia) e com as duas melhores amigas de Donna (Julie Walters e Christine Baranski).

Enquanto Sophie tenta se reconectar com sua mãe, acompanhamos em paralelo a história de Donna quando jovem (Lily James). Vemos sua chegada na Grécia, suas amizades de longa data (Alexa Davies e Jessica Keenan Wynn), seus encontros com seus três eventuais namorados (Hugh Skinner, Josh Dylan e Jeremy Irvine, respectivamente) e a decisão de permanecer – já grávida – no país. Além disso, é claro, temos vislumbres de sua relação problemática com a própria mãe, Ruby (Cher).

Para quem ainda lembra do filme anterior, Mamma Mia! Here We Go Again traz um divertido reencontro com os mesmos personagens – e suas versões mais jovens. O filme, inclusive, não nega que a trajetória de Donna é muito mais divertida que a de sua filha, uma vez que ela é um espírito livre, rebelde e bastante disposto a viajar e a namorar.

Contudo, se você não se sente nostálgico, essa definitivamente não é a melhor opção para uma sessão de cinema. A produção tem um ritmo estranho e parece não saber exatamente para onde quer levar sua história, dando volta desnecessárias (para poder encaixar mais canções do Abba, a gente sabe) e com um elenco de desempenho bastante irregular. Basicamente, a maior parte dos ‘veteranos’ está achando a coisa toda bastante divertida e não leva à produção muito a sério (o que não deixa de trazer bons momentos, como a referência a Titanic), enquanto os ‘novatos’ estão empolgados demais com a oportunidade.

Como filme isolado, Mamma Mia! Here We Go Again definitivamente não funciona. E, sinceramente, os números musicais também poderiam ser melhores. As dancinhas são bastante divertidas e há alguns momentos inspirados – e Abba é Abba, claro –, mas a produção não consegue retomar a diversão absurda do longa anterior. É uma pena.

A única grande vantagem dessa produção é, como mencionei anteriormente, a presença de Cher. Inclusive, a partir do momento em que ela surgiu na tela, eu senti a respiração das demais pessoas na sala de cinema mudarem. Tudo ficou mais divertido, as piadas se tornaram mais engraçadas, as cores ficaram mais brilhantes e a absoluta falta de uma história até ajudou, afinal, o objetivo era ver ela cantando e interagindo com os demais. Não precisava de absolutamente mais nada.