Marshall é um desses filmes repletos de boas intenções, mas que acabam escorregando em seus próprios objetivos. Lançado em 2017, ele tinha tudo para ser um dos grandes filmes daquele ano, entretanto, perdeu seu brilho rapidamente (sua única indicação ao Oscar foi para a canção Stand Up for Something, interpretada por Common e escrita por Diane Warren). Ainda assim, o longa-metragem tem seus méritos e merece uma dose de atenção.

Baseado em acontecimentos reais, o filme conta a história de um dos julgamentos que definiram a carreira de Thurgood Marshall (Chadwick Boseman), um advogado dedicado à causa da comunidade negra que eventualmente se tornou o primeiro negro na Suprema Corte de Justiça dos Estados Unidos. Neste caso, ele está ao lado de Joseph Spell (Sterling K. Brown), acusado de estuprar e tentar assassinar sua patroa, Eleanor Strubing (Kate Hudson).

Além de lidar com as dificuldades inerentes ao caso, Marshall precisa enfrentar um juiz que mal tolera sua presença (James Cromwell) e não autoriza que ele atue no Estado, de modo que é necessária a ajuda de Sam Friedman (Josh Gad), um relutante advogado de origem judia, que acredita que esse caso pode acabar prejudicando sua carreira. Para completar, o clima de ódio e xenofobia permeia a cidade, afetando a ambos os advogados.

Outro ponto delicado é o próprio tema do julgamento, o que indica (no mínimo) um timing infeliz da produção. Enquanto as mulheres ainda lutam por credibilidade e por terem direitos em relação ao próprio corpo, frequentemente sendo acusadas de mentirosas e sofrendo um pesado estigma relacionado a esse tipo de crime, dar visibilidade a um caso em que uma mulher conta uma mentira deste tipo em “benefício próprio” parece ser um grande desserviço.

Ao mesmo tempo, estamos falando de um caso que realmente aconteceu (por mais que se trate de uma versão dramatizada) e é irrefutável a posição de privilégio de uma mulher branca e rica em relação a um homem negro e pobre – ainda mais em 1940 e levando em conta todo o contexto das lutas por direitos civis nos Estados Unidos. Inclusive, os roteiristas alegam que as reviravoltas mais absurdas do caso vieram diretamente dos registros do julgamento.

Dito isso tudo, Marshall é... esquecível. A história tem seus bons momentos, os atores são competentes, a direção de Reginald Hudlin cumpre seu papel. Mas falta uma faísca que coloque os espectadores na ponta da poltrona, esperando pelo que vai acontecer. Em especial, falta um pouco de personalidade ao protagonista. Sua vida familiar é retratada de uma forma muito breve e entrecortada, de modo que isso não é o suficiente para o separar da caricatura do “grande homem com um ideal”.

Além disso, enquanto a produção se concentra no brilhantismo profissional (um tanto quanto arrogante) de seu protagonista, o réu Joseph Spell acaba sendo pouco desenvolvido. Assim, por mais que sua inocência não seja questionada, o espectador também não chega a torcer por ele. Algo similar ocorre com sua contraparte, Eleanor Strubing, que só tem alguns traços muito relevantes de sua história e personalidade revelados praticamente nos minutos finais, dando pouco espaço para mostrar que, no fim das contas, ela é apenas uma figura digna de pena.

Por sua vez, o personagem de Josh Gad é inicialmente explorado quase como que um alívio cômico, algo que não tem um espaço (nem necessidade) em um filme como esse. Eventualmente, há momentos de redenção e este acaba sendo o único personagem com uma evolução real ao longo da história. Chega a ser irônico.

De qualquer modo, Marshall tem grandes méritos em seu recorte da história. O filme levanta suas bandeiras, ressalta os pontos pretendidos e cumpre seu papel com louvor. Talvez a produção esteja destinada a se tornar uma lição de casa passada por professores de História, sendo vista por alunos que a assistirão por obrigação. Mas não tem problema. Se o longa-metragem inspirar alguém, seu objetivo estará cumprido.

Em seus mais de 100 anos de história, o cinema rendeu um número imenso de bobagens. Mas os filmes que sobrevivem ao tempo e são lembrados pela posteridade trazem algo de mágico e tocante. É o caso de Salt of the Earth, uma obra de 1954 que pode não ser frequentemente citada como um dos “grandes clássicos da sétima arte”, mas que possui características tão únicas quanto maravilhosas.

Para começar, a produção em si tem uma história interessante. Baseada em acontecimentos reais, ela foi filmada próximo ao local onde tudo aconteceu e muitos dos atores estão interpretando versões de si mesmos – inclusive o protagonista, Ramon Quintero (Juan Chacón). Outro aspecto interessante é a constante presença do espanhol, um aspecto da cultura local que não era valorizado à época (e ainda não é, convenhamos).

Além disso, Salt of the Earth é um longa-metragem abertamente pró-comunista, a ponto de ter sido o único filme a entrar na “lista negra” do governo dos Estados Unidos. Entre seus realizadores, quatro estavam proibidos de trabalhar em Hollywood: o diretor Herbert J. Biberman, o roteirista Michael Wilson, o produtor Paul Jarrico e o compositor Sol Kaplan. Para completar, a maior estrela da produção – a atriz mexicana Rosaura Revueltas – foi deportada no meio das filmagens e nunca mais pôde filmar nos Estados Unidos.

A história em si envolve uma greve de mineradores de zinco que aconteceu no estado do Novo México, no começo da década de 1950. As principais reivindicações dos grevistas envolviam a igualdade de tratamento entre os funcionários locais e os de origem inglesa, especialmente em relação a condições de trabalho. Os patrões, no entanto, se negavam sequer a negociar com eles.

Para completar, quando uma determinação judicial impediu os trabalhadores de realizar piquetes, suas esposas tomaram à frente dos protestos, impedindo a retomada das atividades no local. Ao tomarem essa decisão, elas precisaram passar a enfrentar não apenas a polícia, mas também seus próprios maridos, já que viviam em uma sociedade muito machista. Os homens, por sua vez, se viram obrigados a assumir diversas tarefas do lar e passaram a ver com outros olhos as reivindicações que suas esposas queriam incluir nas negociações com o proprietário da mina.

Sob muitos aspectos, Salt of the Earth é sobre o poder da teimosia e o surgimento da esperança. Embora os trabalhadores acreditassem que tinham um baixo poder de barganha com os patrões – e tinham mesmo – sua história de resistência inspirou a outros grupos. Ao mesmo tempo em que eram auxiliados pelo sindicato e por comunidades próximas (ou não), eles também espalhavam uma mensagem que passava a ser considerada perigosa.

Político desde a sua concepção, o longa-metragem tem muitas lições a ensinar. Sua história trata sobre a importância da representação dos trabalhadores e da luta feminina, entre outros temas. Sob muitos aspectos, a produção tem um ar amador, seja em sua narrativa (parcialmente adaptada pela ausência da atriz deportada no meio das filmagens), seja nas atuações, seja em aspectos técnicos (afinal, foi uma produção realmente independente dos grandes estúdios). Ainda assim, o filme foi capaz de resistir ao tempo e seguir relevante. Mais de 60 anos depois, a luta por igualdade segue sendo uma das principais bandeiras de quem ainda resiste.

A propósito, Salt of the Earth está em domínio público e pode ser visto gratuitamente. Clique aqui!

De uma forma simplória, é possível dizer que existem dois tipos de filme do Studio Ghibli: as fantasias infantis que podem ou não estar repletas de metáforas e os dramáticos mergulhos na nostalgia. Obviamente, não é muito justo resumir as coisas desta forma, mas, para efeito de reconhecimento rápido, funciona. E Omohide poro poro, dirigido por Isao Takahata, é parte do segundo grupo, sem sombra de dúvidas.

A história acompanha as férias de Taeko (Miki Imai) no interior do Japão. Em vez de viajar para o exterior ou para uma praia, a jovem de quase trinta opta por passar seus dias de descanso trabalhando na lavoura, seja colhendo, seja ajudando no tratamento da matéria-prima. Seu principal argumento é que ela gosta muito do interior, mas a verdade é que ela ainda conhece pouco desta realidade, pois não teve a oportunidade de vivenciá-la na infância, quando muitas de suas colegas de escola passavam as férias com os avós ou parentes.

Ao longo dos 10 dias de férias da protagonista, ela trabalha duro, mas deixa sua mente vagar por uma série de memórias infantis envolvendo seus pais, suas irmãs mais velhas e seus colegas de escola. Várias destas memórias, como não poderia deixar de ser, são eventos traumáticos para a pequena Taeko (Yoko Honna), mas sua versão adulta procura trazer leveza para estes momentos, compartilhando-os com uma adolescente que mora na casa onde ela está hospedada, Naoko (Masako Watanabe), e com um rapaz do vilarejo que tem aproximadamente a sua idade, Toshio (Toshirô Yanagiba).

Como é possível perceber, Omohide poro poro não traz um grande conflito ou uma estrutura narrativa complexa, mas ele se envolve com sinceridade na vida de uma moça comum, que poderia ser eu, você ou aquela sua colega de trabalho mais retraída. Com certeza, a infância da protagonista teve muitos momentos felizes. Ela tinha um grupo fiel de amigas e viveu sua primeira paixonite na pré-adolescência, já sabendo que era correspondida. Ela também era uma menina um pouco irritante para os adultos, cheia de vontades e com a cabeça nas nuvens. Tudo isso faz com que a produção toque fundo em seus espectadores, pois ela não idealiza sua personagem, apenas a acompanha e, com isso, a torna muito mais palpável.

Ao mesmo tempo, a bucólica vida no campo é bastante propagandeada. Não é apenas Taeko quem sonha em viver da terra, mas o próprio Toshio, que já está lá e que serve de guia para levá-la às mais belas paisagens. Ainda assim, as dificuldades inerentes a este estilo de vida e as mudanças do mundo são retratadas, especialmente por meio da narrativa sobre o processo de colheita e processamento do açafrão-bastardo, que serve como matéria-prima para a produção de maquiagens que as garotas do campo não têm condições de comprar.

Mas os belos e detalhados cenários, tão típicos do Studio Ghibli, não permitem que pareça haver qualquer coisa de ruim em viver no interior. As paisagens repletas de profundidade nos transportam para um lugar maravilhoso, onde prevalece o contato harmônico da humanidade com a natureza. Cada novo ambiente traz um maravilhamento e, por conta dos passeios realizados pela protagonista, há vários deles.

Para completar, há uma estranha camada de nostalgia que é intrínseca ao detalhismo de Omohide poro poro, que completa 30 anos de lançamento. Embora a protagonista esteja perdida em lembranças da sua infância, o mundo presente do filme é um que já estava se desfazendo quando eu comecei a ter minhas primeiras lembranças. Embora eu tenha sido criada no Brasil, já muitos e muitos quilômetros do Japão, há elementos em comum suficientes para que eu sinta saudades daqueles tempos.

Outras divagações:
Kaguyahime no monogatari

Lendas medievais – com destaque para as arturianas – têm ganhado muitas e muitas adaptações ao longo dos séculos, e o cinema representa apenas uma fração disso. Algumas histórias e textos se tornaram mais célebres que outros e seguem sendo lidos e estudados. Entre eles está o poema aliterativo (quando a “rima” é feita dentro dos versos, nas sílabas iniciais das palavras) Sir Gawain e o Cavaleiro Verde, que se tornou simplesmente The Green Knight nesta versão escrita e dirigida por David Lowery.

Caso você já tenha tentado acompanhar uma história escrita em forma de poesia, você provavelmente sabe que isso é difícil. Os acontecimentos se perdem em meio a longas descrições e, muitas vezes, a eficácia narrativa é deixada de lado em prol do estilo. Eu nem cheguei a ler o poema em questão, mas a proposta de fazer algo com inspirações artísticas a partir deste tipo de material já foi suficiente para me deixar receosa. Poderia dar muito certo, mas também poderia dar muito errado (spoiler: acredito que, no final das contas, tenha ficado em um meio termo).

The Green Knight conta a história do jovem Gawain (Dev Patel), que é sobrinho do rei Arthur (Sean Harris) e aspira se tornar um cavaleiro da távola redonda, embora esteja mais dedicado em festar e namorar com Essel (Alicia Vikander). Em uma manhã de Natal, um misterioso cavaleiro (Ralph Ineson) surge na corte e desafia qualquer um para um estranho desafio: enfrentá-lo com uma espada agora e, dentro de um ano, ir encontrá-lo em uma capela distante para receber exatamente o mesmo golpe que desferir. Enquanto os cavaleiros parecem receosos, Gawain se prontifica e acaba cortando a cabeça do visitante.

Assim, vários meses depois, o jovem precisa partir em uma longa jornada para reencontrar o tal cavaleiro e, literalmente, perder a cabeça – embora toda a questão pareça ser bastante figurativa. No caminho, ele enfrentará diversos desafios, que vão desde assaltantes, a mortos-vivos, passando por mulheres sedutoras, objetos mágicos e outras questões. No processo, ele vai provando se possui (ou não) as virtudes necessárias para ser um cavaleiro: amizade, generosidade, castidade, cortesia e piedade.

Considerando que a jornada interessa mais do que o próprio desfecho da história, The Green Knight é um filme bonito em vários sentidos. Ele conta a sua história no que provavelmente acredita ser a maneira mais poética e esteticamente agradável possível, seja explorando as belas paisagens, abusando da iluminação em ambientes fechados, fazendo um jogo de contrastes nos figurinos e cenários ou mesmo nos mergulhando em sua intensa trilha sonora. Há também usos dramaticamente inteligentes do elenco, com a mesma pessoa interpretando mais de um personagem e gerando diferentes interpretações a respeito de certos acontecimentos.

Ao mesmo tempo, este não é um filme de aventura; não há cenas de ação, piadas ou sequências particularmente grandiosas. A tensão se constrói aos poucos, à medida que as decisões do protagonista quanto ao próprio destino se desenham e ele precisa lidar com as consequências delas. Consequentemente, embora tenha apenas um pouco mais que duras horas de duração, este é um longa-metragem que realmente parece extenso. E, obviamente, a recepção medíocre do público parece ser justificada.

Dito isso, se você se sente minimamente tentado a dar uma chance a The Green Knight, vá fundo e aproveite a experiência. O filme tem uma construção narrativa interessante e cumpre a promessa de explorar o material original com respeito, mas sem deixar de criar algo próprio e único. Ele é praticamente mágico na forma como tudo parece ser um sonho e, ao mesmo tempo, o retrato de uma conexão mais profunda do homem com a (sua própria) natureza.

Eu não sou criança, mas vejo vários filmes que foram pensados com esse público em mente. E eu gosto da maior parte deles. Alguns trazem uma camada de humor mais adulta, outros são tão alegres que contagiam e os mais especiais são os que transmitem uma emoção simples e profunda, de modo que fica impossível não se envolver. Vivo, porém, não se encaixa em nenhum desses grupos: ele talvez esteja mirando no segundo e no terceiro, mas erra o alvo duplamente (ainda que por pouco).

Para começar, o conflito inicial é tão óbvio que já é possível adivinhar antes da primeira canção. E as músicas, ainda que boas, parecem mais focadas em grudar na cabeça do que em emocionar (as melhores passam rapidamente e não são retomadas). Além disso, a protagonista humana não me gerou muita empatia. Por mais que eu entenda suas motivações e as julgue válidas, eu (quase) me irritei com uma criança que nem era de verdade.

Vivo (Lin-Manuel Miranda) é um jupará – um macaco pequeno, de floresta tropical – que, por um acaso do destino, acaba se tornando o companheiro de um músico de praça em Havana, Andrés (Juan de Marcos González). Entretanto, ele se vê obrigado a abandonar sua pacata vida na companhia da sobrinha-neta de Andrés, a agitada Gabi (Ynairaly Simo), que adora música, mas só sabe batucar fora de ritmo. Juntos, eles precisam entregar uma composição para a famosa cantora Marta Sandoval (Gloria Estefan), porém, a missão encontrará uma série de contratempos.

É justamente ao relatar esta jornada cheia de aventuras que Vivo acaba se perdendo. Ainda que a produção se esforce para construir a amizade de seus dois protagonistas aos poucos, os desafios que surgem pelo caminho parecem ter papéis muito limitados a cumprir, além de serem frequentemente mais ligados a alongar a história do que a construírem uma catarse. Particularmente, o fato de as meninas com preocupações ambientes terem ganhado um ar de vilãs-patricinhas não caiu muito bem comigo, por mais que elas tenham seu momento de “redenção” (veja bem, elas nunca estiveram exatamente erradas, ainda que usem meios bem estranhos para seus fins).

Com isso, boa parte das boas memórias que o filme me traz são relacionadas às cenas musicais que antecedem a aventura em si, dando a sensação de que tudo o que acontece é apenas uma grande enrolação para aproveitar a ambientação inicial, o ritmo latino e dar um apelo mais amplo à produção. Aliás... Embora Vivo seja direcionado para crianças, acho complicado que uma história que acontece em Havana e Miami não ouse tocar em aspectos mais delicados da relação entre Cuba e os Estados Unidos. Há tantos aspectos que poderiam ser usados para enriquecer a premissa e os conflitos que a escolha de sequer dar um vislumbre me pareceu covarde e acabou por enfraquecer o lado emotivo da produção.

E é assim que Vivo chega a quase encantar, mas fica apenas na promessa. Suponho que o filme seja agitado o suficiente para entreter as crianças, mas ouso dizer que ele não deve se tornar uma lembrança nostálgica nos anos que virão. Afinal, nem mesmo Lin-Manuel Miranda parece particularmente inspirado, ainda que seja divertido perceber as características bastantes claras de seu trabalho com as canções ao longo do filme. Vivo é divertido, tem momentos engraçados e cumpre seu papel, mas tinha potencial para mais.

Outras divagações:
The Croods