Quando uma série de televisão ganha uma incursão aos cinemas, essa é uma oportunidade para aumentar a base de fãs, reintroduzir alguns elementos interessantes podem ter ficado de lado no programa, trazer coisas novas, corrigir alguns detalhes, testar tramas mais elaboradas, enfim... É o momento de expandir horizontes.

Quando se trata de um anime, no entanto, isso pode ser um pouco diferente. Eiga Chuunibyou demo koi ga shitai! Take On Me é um bom exemplo disso. A produção se aproveita do novo meio – capricha ainda mais na animação, conta uma história contida em 1h30 –, mas tudo é encarado como um grande agrado aos fãs do material original; um bônus, por assim dizer. Os personagens até amadurecem e saem do lugar, mas não tanto assim.

Ou seja, se você não assistiu às duas temporadas de Chuunibyou demo koi ga shitai! nem perca seu tempo. Caso decida encarar, posso dizer que a produção honra o "selo Kyoto Animation de qualidade", sendo um produto muito delicado, bem acabado e com uma narrativa encantadora.

Na história encontramos Rikka Takanashi (Maaya Uchida) sofrendo com as provas de seu terceiro ano no Ensino Médio e, para completar, ela está prestes a se mudar de casa mais uma vez – para desespero dela e de seu colega de apartamento/namorado Yuuta Togashi (Jun Fukuyama). Para distrair a irmã da menina e evitar que isso aconteça, Shinka Nibutani (Chinatsu Akasaki) e Sanae Dekomori (Sumire Uesaka) têm uma ideia "brilhante": fingir que eles fugiram para casar enquanto os dois simplesmente viajam pelo país. No entanto, a irmã de Rikka, Tooka (Eri Sendai), parte em uma jornada de perseguição ao casal, inclusive com o apoio relutante das duas meninas.

Com essa premissa, Eiga Chuunibyou demo koi ga shitai! Take On Me aproveita para caprichar nos cenários de belas cidades japonesas e, ao mesmo tempo, sair do ambiente escolar que marcava a série. Mas, por mais que esteja fora do colégio, a protagonista mantém sua principal característica, a “síndrome da oitava série” que a faz viver em um mundo ilusório onde possui poderes mágicos. Essa situação cria muitas situações constrangedoras e, de certa forma, a afasta de seu namorado, criando uma barreira entre os dois que é parte essencial do desenvolvimento da trama.

Aliás, essa delicada atenção dada ao relacionamento dos protagonistas é um dos pontos fortes do longa-metragem. Por mais que a dinâmica entre eles dificilmente se assemelhe a de um casal brasileiro da mesma faixa etária (em torno de 18 anos), é possível embarcar nos dilemas que eles enfrentam. Afinal, mesmo estando cada vez mais perto de entrar em uma faculdade (ou de arrumar um emprego), Rikka segue apegada à infância e a seu mundo de fantasias – e ela sabe disso. Por sua vez, Yuuta tem problemas similares (ainda que em menor grau), mas acrescidos ao fato de que ele precisa entender e respeitar a situação da namorada, amando-a por quem ela é, ainda que isso inclua um tapa-olho e outras esquisitices.

Por outro lado, todos os demais personagens foram reduzidos a sequências breves e feitas para agradar os anseios dos fãs. Kumin Tsuyuri (Azumi Asakura), por exemplo, está presente ainda que não tenha absolutamente nada a acrescentar à trama. Já Nibutani e Dekomori se comportam ainda mais como um estranho e relutante casal, com direito até a chantagens devido a “imagens reveladoras”. Alguns outros personagens contam com aparições brevíssimas, feitas apenas para não os deixar de fora.

De qualquer modo, Eiga Chuunibyou demo koi ga shitai! Take On Me é uma continuação divertida e bastante digna para a história vista até então, dando continuidade para a jornada de amadurecimento de seus protagonistas. Quem está com saudades de Rikka e companhia deve aproveitar.

É meio que inexplicável como Jordan Peele, um escritor e ator famoso pela comédia, acabou se tornando um nome forte do terror nos últimos anos. Depois da sua estreia diretorial no ótimo Get Out, Peele não parecia nem um pouco interessado em largar o osso e encarou o desafio de lançar outro filme no mesmo gênero – só que, dessa vez, sem a vantagem de não precisar lidar com nenhuma expectativa do público ou do estúdio. Enquanto muitos sucumbiriam sob esta pressão, Us prova que Get Out não foi só um lance de sorte e que Peele realmente sabe o que está fazendo.

Adelaide (Lupita Nyong'o), uma mulher atormentada por um acontecimento traumático em sua infância, retorna justamente para o local do ocorrido décadas depois durante uma viagem em família com seu marido Gabe (Winston Duke) e seus filhos Zora (Shahadi Wright Joseph) e Jason (Evan Alex). Ainda que apenas inicialmente desconfortável em estar ali, Adelaide vai ficando cada vez mais inquieta com uma série de estranhas coincidências que prenunciam que algo de muito errado está acontecendo. Isso culmina com a chegada de “gêmeos” um pouco grotescos dela mesma e de seus familiares – e que não parecem estar muito felizes em vê-los. A partir desse ponto, as coisas só vão ficando cada vez mais estranhas.

Com uma atmosfera bizarra e esquisita, Us realmente segue um pouco o caminho de Get Out ao mostrar um horror mais centrado no desconforto e no deslocamento da realidade, ou seja, sem apelar para caminhos óbvios, como a violência extremada ou os sustos baratos. Em resumo, é um filme certamente mais atmosférico do que qualquer outra coisa. E esse é certamente o ponto mais forte da produção, sobretudo quando ancorado na ótima atuação de Lupita Nyong'o, tanto como Adelaide quanto como sua “sósia”, tornando a dicotomia o ponto central do filme e o que o move para frente.

Porém, depois de um filme que nos entregou além de um horror pungente toda uma discussão mais profunda sobre relações de raça nos Estados Unidos, Us parece bem mais básico e não se arrisca a fazer comentários sobre nada, o que é uma pena. Sei que talvez fosse forçar a barra esperar algo diferente, quando talvez Peele só estivesse querendo fazer um filme de terror, mas ainda assim. Não que isso não tenha o seu lado positivo, já que o longa-metragem talvez seja mais palatável para aqueles que abnegam qualquer papo de política no cinema (ou, melhor dizendo, qualquer discussão política que não agrade sua agenda).

Além disso, o filme também não teria o mesmo impacto sem a ótima trilha sonora de Michael Abels, que, mesmo não sendo muito experiente com cinema, trabalhou com Peele em Get Out e é fundamental para instituir o tom do longa, afinal, o terror é um desses gêneros que vivem ou morrem pela força de suas composições. Os trabalhos de direção, cinematografia e edição também são bem interessantes, tendo aquela qualidade especial de fazer o espectador questionar o quanto cada elemento é pensado dentro do produto final e o quanto cada enquadramento é proposital para referenciar os temas narrativos.

Ainda assim, se colocarmos o roteiro embaixo de uma lupa, bem, é possível ver alguns problemas e certas incoerências, que se tornam mais perceptíveis com o decorrer do filme. Felizmente, se você embarcar na atmosfera de estranheza, dá para ignorar esses furos tranquilamente, já que o longa nunca esteve sob o escrutínio de tentar ser realista ou algo assim.

Us é um filme muito interessante, mesmo que não chegue aos pés de Get Out, com o qual será obrigatoriamente comparado. Ainda assim, certamente, é mais uma produção forte na cinematografia do diretor e me deixa animado para continuar acompanhando a sua carreira – e eu nunca fui lá um grande fã do gênero. Aliás, o humor característico de Jordan Peele também se faz presente e está entremeado no roteiro, com pequenas sacadas que são engraçadas no contexto, mas que não destoam tematicamente com o resto do filme.

Assim, ainda que eu não o considere imperdível e reconheça suas falhas, Us é uma recomendação fácil para quem gostou de Get Out e para aqueles que sentem falta de um terror menos óbvio nas telas do cinema.

Outras divagações:
Get Out

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Está ficando cada vez mais difícil escrever sobre filmes de super-heróis. No começo, as questões que envolviam essas produções eram relacionadas a aspectos como fidelidade aos quadrinhos, ritmo frenético, vilões absurdos e problemas das narrativas estrambólicas.

Todos esses, na verdade, continuam sendo dilemas válidos – e são pontos a serem considerados, para o bem ou para o mal, em Captain Marvel. Porém, o universo cinematográfico da Marvel ultrapassou a marca de 10 anos com um sucesso atrás do outro, de modo que as responsabilidades foram se multiplicando na mesma velocidade que o número de fãs. E lidar com esse tipo de expectativa é complicado.

Captain Marvel surge nesse contexto e (como acontece com qualquer novo herói) traz seus próprios desafios. Além de ser a primeira heroína da Marvel a receber um filme só dela, a história precisa se encaixar entre Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame ao mesmo tempo em que busca por seu brilho único.

Isso foi, em parte, resolvido com a trama se deslocando para os anos 1990 – ou quase isso. Vers (Brie Larson) é uma guerreira do planeta Hala que está se preparando para sua primeira missão com a ajuda de Yon-Rogg (Jude Law). Ela é bastante impulsiva, o que não é exatamente bem visto pela Inteligência Suprema (Annette Bening), e se sente um tanto quanto deslocada, já que não lembra de nada de seu passado. O mistério que a cerca, entretanto, começa a ser desvendado de uma maneira inesperada, quando ela cai no planeta C-53, também conhecido como Terra, e faz amizade com um jovem Nick Fury (Samuel L. Jackson).

Só com essa sinopse talvez já dê para notar que há um quê de rocambolesco na trama, algo devidamente acompanhado por um visual exagerado e, suponho, bastante divertido para quem curte quadrinhos – em resumo, Captain Marvel não esconde suas origens. Quem curte filmes e séries de ação ou aventura no espaço também deve mergulhar com facilidade nesse universo.

Mas há um porém nisso tudo. O filme se passa nos anos 1990 e, embora não carregue demais nos clichês, também soa como uma produção desta década. Talvez isso tenha sido intencional, mas não deve cair bem para muita gente. Os alívios cômicos são bem estabelecidos, a principal reviravolta acontece um pouco antes do que estamos acostumados, as cenas de ação parecem meio antiquadas e, bom, o desenvolvimento dos personagens não é lá essas coisas.

Obviamente, grande parte do problema fica resolvido quando o público embarca na nostalgia (a trilha sonora ajuda um bocado, inclusive). Mesmo assim, é preciso considerar que a protagonista enfrenta muitos dilemas, mas não há ninguém suficientemente poderoso para lutar com ela ou sequer desafiá-la.

Dessa forma, seu desenvolvimento como personagem depende apenas de uma estranha trajetória pessoal onde ela é, basicamente, inalcançável para os demais personagens – o que é estranho para um filme escrito e dirigido pela dupla Anna Boden e Ryan Fleck, ainda que seja perfeitamente compreensível no contexto. De qualquer forma, quando o filme termina, essa sensação é apenas elevada a uma nova potência.

Com isso, não é de se estranhar que Captain Marvel tenha confundido um pouco as pessoas que esperavam muita coisa do primeiro filme solo de uma heroína do estúdio. Ao mesmo tempo em que a produção levanta bandeiras feministas e sabe brincar com a percepção social de uma mulher poderosa (ainda mais nos anos 1990), a protagonista não é uma pessoa “identificável” como Peter Parker, carismática como Tony Stark, charmosamente correta como Steve Rogers ou misteriosamente leal e incrivelmente acrobática como Natasha Romanoff. Mas ela é rebelde, atrevida e está sempre teimosamente disposta a fazer o que acredita ser o correto. É quase como se aquela menina bonita e cheia de atitude do colégio tivesse virado uma super-heroína. Talvez você não acha que ela mereça (e, provavelmente, ela não mereça mesmo), porém, é o que aconteceu.

Eu sinceramente entendo quem tenha se decepcionado por conta das cenas de ação, afinal, muitas delas realmente deixaram a desejar (e, convenhamos, esse não é mesmo "o melhor filme da Marvel de todos os tempos"). Mas Captain Marvel é um filme de origem interessante, que não se rende às várias saídas fáceis para esse tipo de história e que abre caminho para todo um universo a ser explorado. É um blockbuster que sabe de suas responsabilidades, mas também quer fazer valer a pipoca.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Black Panther
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Doctor Strange
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Spider-Man: Homecoming
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok

Eu era muito pequena quando Dead Poets Society foi lançado. Mesmo assim, esse filme esteve presente em diversos momentos da minha vida. A cada vez, eu me deparo com uma experiência diferente, com uma história que toca outra parte do meu coração e desperta novos tipos de emoções.

A princípio, trata-se simplesmente de uma história triste sobre a juventude e sua falta de comunicação com o ‘mundo dos adultos’, mas não é possível reduzir o longa-metragem dessa forma. Por isso, queria comentar tanto a complexidade de temas quanto a importância das diferentes personalidades presentes na tela.

Mas, antes, uma breve sinopse. Dead Poets Society começa com a chegada de duas novas pessoas a um colégio interno e religioso, dedicado a rapazes ricos e que entrarão nas melhores universidades dos Estados Unidos. Uma delas é o novo pupilo, Todd Anderson (Ethan Hawke), um menino muito tímido e relativamente inseguro que detesta o ambiente barulhento e cheio de energia do lugar. A outra é o professor John Keating (Robin Williams), que ainda lembra com bastante animação dos tempos em que ele mesmo era o aluno e que deseja implementar uma nova forma de ensinar no lugar.

Em pouco tempo, Todd começa a se enturmar, empurrado por seu colega de quarto, Neil Perry (Robert Sean Leonard), um jovem empolgado e que ambiciona se tornar um ator – mas que esbarra na pressão trazida pelo pai (Kurtwood Smith). Os dois fazem parte de um grupo que adora as aulas de Keating a ponto de recriarem um grupo do qual ele participava em seus tempos de estudante, a tal Sociedade dos Poetas Mortos. Uma tragédia, contudo, cria um dilema para os alunos e coloca o professor em uma posição bastante delicada.

Dessa forma, Dead Poets Society trabalha com a criação de um cenário hostil para os rapazes, mas que eles mesmos tornam mais suportável – cada um a seu modo. Há aquele que é mais apegado às regras (Dylan Kussman), aquele que não é nem um pouco afeito a elas (Gale Hansen), aquele que está mais concentrado em uma garota (Josh Charles), aquele que é o companheiro para todos os momentos (Allelon Ruggiero) e até aquele que não tem muita coisa na cabeça (James Waterston). Eles têm seus próprios problemas e há um sentimento geral de camaradagem explicado somente pela necessidade incutida em todos eles de que precisam estudar muito para cumprirem seus destinos pré-traçados.

Embora sejam todos jovens brancos e ricos – o que poderia minimizar seus dramas em outros contextos –, os rapazes ganham humanidade pelo desejo que possuem de pensarem com suas próprias cabeças e de viverem suas próprias vidas. Além disso, quando é chegado o momento de eles encararem algo muito maior, toda essa vivência ganha uma dimensão adicional, todas as consequências são repensadas, todas as inconsequências ganham peso.

Além disso, Dead Poets Society vai além do universo dos meninos. Keating encontra quem faça uma oposição aberta aos seus métodos (George Martin), mas também um colega que simpatiza com ele (Leon Pownall), além de receber certa vista grossa da diretoria (Norman Lloyd). Sua posição na escola, entretanto, é mais frágil do que parece. Frente a pais poderosos e uma ameaça à reputação da instituição, suas inovações apenas reforçam o ponto de que ele é o elo mais fraco.

É por ter uma variedade grande de personagens e personalidades que a produção consegue tratar de temas tão delicados de uma forma tão eficiente – obviamente, a direção de Peter Weir também ajuda. Ao apresentar diferentes reações a uma mesma situação, o filme explora uma gama de emoções e amplia sua história em um sentido diferente daquele normalmente visto. Por mais que a história siga andando para frente, as implicações ‘laterais’ importam mais e mais a cada cena.

Isso é válido não apenas em relação à evitável tragédia ou ao conflito final, mas também nas pequenas coisas – seja nos grupos de estudos, nas travessuras, nos encontros secretos e no apoio aos colegas. A sua maneira, Dead Poets Society trouxe vários temas que são relevantes para qualquer juventude, como a luta por direitos e o confronto com figuras de autoridade, além de introduzir questões ligadas à saúde mental, por exemplo.

Para completar, aqui temos Robin Williams em sua melhor forma. Como o professor, ele não só conquista seus alunos, mas também o público. Por mais que os métodos tenham aspectos questionáveis, ele está tentando dar uma nova perspectiva para meninos que, ao que tudo indica, serão líderes dentro de pouco tempo. Assim, ele é engraçado e absolutamente inspirador ao mesmo tempo, um feito que não é para qualquer um. Oh captain, my captain.

Como uma pessoa nascida no final dos anos 1980, a década de seguinte marcou não somente a minha infância, como os primeiros anos da minha adolescência – e, com ela, surgiu também meu interesse crescente por cinema. Era uma boa época para aproveitar um cinema nacional cheio de promessas e revelações e eu bebi fortemente daquele sentimento que, convenhamos, não entendia muito bem.

Assim, O Cinema da Retomada - Depoimentos de 90 cineastas dos anos 90 é um livro que chamou a minha atenção logo à primeira vista. Achei fascinante a promessa de traçar um panorama sobre aquele período, com as páginas me ajudando a lembrar e a entender o que estava acontecendo ao meu redor naquele momento, quando a minha própria visão era tão limitada.

Apesar disso, confesso que o formato engessado dos depoimentos – ainda que adequado para o ambiente acadêmico em que o livro foi concebido – é um pouco cansativo. A ideia era simples: entrevistar todos os diretores que lançaram filmes entre 1994 e 1998, o período logo após o descongelamento do cinema nacional proporcionado pelo governo de Fernando Collor de Melo. Obviamente, nem todos aceitaram ou puderam participar, mas o livro acabou contando com o divertido número de 90 depoimentos, o que funciona bem no título.

Os cineastas responderam às mesmas perguntas, que foram editadas em formato de texto corrido. Ainda que nem todos tenham rendido o mesmo número de páginas, a ideia é que eles tiveram a oportunidade de falar sobre os mesmos temas, trazendo uma pluralidade de opiniões sobre cinema, formação, influências, brasilidade, legislação e incentivos governamentais. O resultado é uma espécie de retrato da ‘classe artística’ do período.

De qualquer modo, com esse formato, fica claro que o livro não foi exatamente feito para ser lido ‘de cabo a rabo’, como era minha intenção. Mas mergulhei mesmo assim!

A experiência, dessa forma, foi bastante interessante, especialmente porque a organizadora Lúcia Nagib optou por não ‘expressar julgamento’ sobre os cineastas, que estão simplesmente organizados por ordem alfabética. Dessa forma, nomes já conhecidos desde o Cinema Novo, grandes revelações do período e estreantes em longas-metragens receberam a mesma atenção.

Assim, O Cinema da Retomada - Depoimentos de 90 cineastas dos anos 90 traz tanto Nelson Pereira dos Santos quanto Carla Camurati, passando também por Fernando Meirelles – que, até então, tinha no currículo apenas Menino Maluquinho 2: A Aventura (um filme para o qual ele foi contratado com todos os detalhes já encaminhados, diga-se de passagem) – e Conrado Sanchez, o diretor de Cinderela Baiana.

Ou seja, o livro é praticamente uma viagem no tempo onde o leitor pode vislumbrar o que está acontecendo por meio de várias janelas. Talvez falte um ponto de vista distanciado pelo tempo e/ou por outra profissão, mas isso fugiria da proposta inicial que, por si só, é bastante interessante e única.