Sei que é forçar a barra comentar contexto político quando o assunto é um filme infantil, mas eu assisti Smallfoot com um sorriso no rosto, pensando em todos os adultos que simplesmente precisavam ver isso.

Na história, somos apresentados à comunidade dos ietis, que você talvez conheça como “pés-grandes” ou até mesmo “abomináveis homens das neves”. Pois é, tem mais de um! Eles moram no alto de uma montanha, depois das nuvens, e acreditam que o mundo se resume a isso. Para eles, embaixo das nuvens há mamutes gigantes que seguram o mundo e, depois disso, nada. Para completar, todos os conhecimentos e todas as leis dos ietis estão escritos em pedras que são interpretadas pelo líder local (Common). Quem duvida das pedras é louco e isso, logicamente, não é algo que se faça.

Migo (Channing Tatum) é um feliz morador dessa comunidade, que sonha em assumir o legado de seu pai (Danny DeVito), o tocador do gongo que acorda o caracol gigante iluminado, trazendo o dia. Quando está prestes a realizar seu sonho, porém, ele acaba sofrendo um contratempo que o leva de encontro a uma criatura que ele julgava lendária: um pé-pequeno (que você talvez conheça como “ser humano”).

O problema é que isso contradiz uma das leis escritas nas pedras e Migo acaba sendo ostracizado. Em sua jornada para provar que está falando a verdade, ele também precisa questionar outros velhos conceitos – há quem diga que todas as pedras podem estar erradas! – e, para isso, conta com a ajuda de amigos como Meechee (Zendaya), Gwangi (LeBron James), Kolka (Gina Rodriguez) e Fleem (Ely Henry).

Do outro lado dessa história temos o apresentador de televisão Percy (James Corden), que um dia foi celebrado por seus programas educativos mostrando animais, mas que agora está desesperado para se manter no ar e conseguir pagar as contas. Para isso, ele não descarta ‘aumentar’ um pouco suas histórias, o que faz sua produtora Brenda (Yara Shahidi) questionar sua integridade.

Assim, quando Migo e Percy se encontram – além de enfrentar problemas de comunicação –, eles também têm muito a aprender e a ensinar. O problema é que o pé-pequeno não pode viver na terra dos ietis devido ao ar rarefeito, ao mesmo tempo em que a paz da comunidade dos pés-grandes pode estar em jogo se eles forem descobertos pelos monstruosos e violentos humanos.

Talvez eu tenha me alongado demais nessa sinopse, mas a verdade é que Smallfoot traz alguns conceitos que eu considero muito importantes. Eles vão desde o incentivo ao questionamento e a valorização do conhecimento científico até a relação entre sensacionalismo e audiência, passando pela “bênção” da ignorância e pela “oferta” de segurança por meio de mentiras e doutrinações. Em tempos de Trump, Brexit, Bolsonaro e afins, essas são mensagens que talvez não seja mais possível inculcar nos adultos – mas eu fico bem feliz que alguém esteja tentando passar isso para as crianças.

Outro mérito do longa-metragem e do diretor Karey Kirkpatrick, que também faz parte da equipe de roteiristas, é lidar bem com as zonas cinzentas. Por mais que algumas personagens apresentem comportamentos questionáveis ao logo da história, ninguém é exatamente vilão e sempre há espaço para arrependimento e até mesmo para redenção.

Além disso, vale dizer que Smallfoot faz tudo isso de forma natural, com uma história bonitinha e uma animação bem aceitável. Talvez as canções não sejam as melhores que você já ouviu na vida, mas as versões originais (disponíveis no Spotify) são bem passáveis. Ou seja, nas mãos de outro estúdio talvez não tivéssemos uma mensagem tão contundente, mas é provável que o resultado fosse capaz de alcançar um público mais amplo. Mas vamos torcer, afinal, a produção chega aos cinemas nacionais praticamente sem concorrentes diretos.

Existe uma relação muito próxima entre o boxe e o cinema. Suponho que o apelo esteja em uma mistura de corpos suados, sangue, violência e os movimentos de câmera possíveis em um ringue. E, claro, nas histórias dos lutadores que, não raramente, possuem origens humildes e parecem estar dando tudo de si a cada luta.

10 Segundos para Vencer não apenas é uma incursão nacional sobre o gênero como também é um drama baseado em acontecimentos reais. Mais especificamente, a produção aborda a vida de Éder Jofre (Daniel de Oliveira), boxeador que conquistou o título de campeão mundial dos pesos-galo nos anos 1960 e dos pesos-pena na década seguinte, após uma pausa de alguns anos na carreira.

Na trama, somos apresentados ao protagonista ainda criança, quando ele acompanhava com olhos brilhando as vitórias de seu tio materno, Zumbanão (Samuel Toledo). Ao mesmo tempo, já fica clara a relação do menino com o pai, o apaixonado treinador Kid Jofre (Osmar Prado), e com o esporte. Em resumo, ele gosta de boxe e se esforça para agradar ao pai – um homem bom, mas que tem dificuldades para expressar seus sentimentos –, mas essa não é exatamente sua paixão na vida. Tanto é que, alguns anos depois, Éder começa a estudar desenho profissionalmente, com o apoio da mãe (Sandra Corveloni) e da namorada (Keli Freitas), sua futura esposa.

As coisas mudam, no entanto, quando seu irmão (Ravel Andrade) adoece e a família passa a precisar de dinheiro para o tratamento. É só então que Éder sobe nos ringues e começa a lutar para valer (o filme ignora o desabamento do teto do Liceu de Artes e Ofícios, quando ele perde seus materiais de estudo). Com as vitórias, cresce o desejo de ser campeão e, com isso, surgem também novas responsabilidades.

Dessa forma, 10 Segundos para Vencer traz um protagonista com motivações duvidosas e não exatamente muito fortes – e o filme decide explorar justamente isso. Logo nos primeiros minutos, a personagem de Sandra Corveloni afirma que o rapaz nunca teria subido em um ringue sem a influência do pai e, posteriormente, ele é provocado a lutar por si mesmo, e não pelo irmão, pelo pai ou pela família. Essas são referências diretas ao assunto, mas a verdade é que o tema é recorrente, sendo o principal elemento de unidade do longa-metragem do diretor José Alvarenga Jr.

A questão é que, por mais que essa narrativa tenha seus méritos, ela cansa (ainda mais quando se prolonga por duas horas). Em vez do tradicional longa-metragem de boxe, com um lutador motivado e dando seu sangue a cada luta, temos um protagonista que parece que está sempre prestes a largar tudo, cheio de dúvidas e receios.

Aliás, à medida em que a história avança, a relação entre pai e filho apenas se deteriora, mesmo quando há vitórias. Também não são raros os momentos em que Éder ameaça simplesmente desistir e, sinceramente, fica a dúvida de como ele conseguiu se manter praticamente invicto durante uma carreira tão longa. Inclusive, a primeira polêmica derrota no Japão (que é contestada até hoje por entendidos do assunto) surge em um contexto tão pessimista que até parece que ele pode ter simplesmente entregue a luta.

Quem mais ganha com isso é Osmar Prado, que entrega uma atuação realmente maravilhosa, com direito a um belo trabalho de sotaque. Na figura do pai durão transformado em técnico, ele representa muitos homens que simplesmente nunca se sentiram à vontade para expressar vulnerabilidade. Esse retrato é uma das coisas mais preciosas do filme e denota pontos importantes da nossa cultura.

Com isso, 10 Segundos para Vencer é menos sobre vitórias e superações – o que inicialmente se espera de um filme de boxe – e mais sobre um drama familiar. Mas, por mais que a história seja bonita e tenha muitos aspectos interessantes, eu gostaria de sair do cinema com uma sensação de vitória mais palpável e cheia de esperança.

Após três filmes e prestes a dar sequência a uma série de televisão, The First Purge surge como uma nova porta de entrada para os interessados no conceito – inclusive eu mesma. Embora tivesse conhecimento sobre a trama geral dos demais longas-metragens, eu nunca havia me aventurado na franquia e essa prequel apresenta bem a origem da premissa que levou às produções anteriores.

Dando alguns passos para trás, cada filme da série envolve os eventos de uma única noite e são referentes a um ‘evento’ realizado anualmente, quando todas as leis são ‘suspensas’. Assim, durante 12 horas, nada pode ser considerado crime – o que dá brecha para uma boa dose de violência.

Em The First Purge, como o título deixa claro, temos a primeira dessas noites. Em um contexto de grave crise econômica nos Estados Unidos, a psicóloga Dr.ª Updale (Marisa Tomei) é a idealizadora da iniciativa, pois ela acredita que as pessoas precisam de uma forma de liberar a raiva que estão sentindo. Para testar sua teoria, ela conta com o apoio de um dos líderes do polêmico e cada vez mais poderoso partido político New New Founding Fathers of America (Patch Darragh). A ideia é fazer o experimento em uma área restrita, a ilha Staten Island, em Nova York, que também é uma região com moradores de baixa renda.

Entre os moradores do local temos a jovem militante Nya (Lex Scott Davis), que protesta abertamente contra o experimento. Além de manifestar suas opiniões publicamente, ela ainda precisa lidar com as frustrações de seu irmão mais novo, Isaiah (Joivan Wade), com o status de chefão das drogas de seu ex-namorado Dmitri (Y'lan Noel) e com iniciativas de apoio à comunidade durante a noite. Eventualmente, todos precisam sair de seus locais protegidos e enfrentar a loucura que passa a tomar conta das ruas.

Para quem vai ao cinema esperando por muito sangue, violência e terror, é preciso dizer que The First Purge não é bem assim. A produção usa boa parte de seu tempo para criar os cenários, tanto o mais político quanto o dos moradores que enfrentarão a noite sem lei e, dessa forma, demora um bocado para a sanguinolência começar.

Assim, eu diria que se trata mais de um drama de ação que de um terror propriamente dito, já que há apenas um personagem mais imprevisível – Skeletor (Rotimi Paul) –, além do povo mascarado e de umas lentes de contato escabrosas. Ou seja, nada de grandes sustos. Ainda que isso seja o suficiente para aqueles de estômago mais fraco, no geral, temos alguns personagens fugindo de problemas, outros acompanhando a noite por meio de câmeras de segurança e é só Y'lan Noel que merece algum crédito como herói de ação.

Obviamente, The First Purge traz cenas de violência bem banalizadas e é complicado lidar com o filme se você realmente se envolver com o que está sendo mostrado (alguns momentos realmente mais pesados ficam implícitos ou parcialmente ocultos por fumaça ou pela falta de iluminação). Mesmo assim, o filme possui uma mensagem estranhamente pacifista. Afinal, ele não apenas é protagonizado por uma militante contrária ao movimento, como os idealizadores e suas ações são retratados de forma vilanesca.

Ou seja, tanto o diretor Gerard McMurray quanto o roteirista James DeMonaco (que, aliás, escreveu e dirigiu os três filmes anteriores), sabem que violência não é legal e não deve ser incentivada. Mas eles também sabem que as pessoas têm um gostinho por ela – e são capazes de pagar para vê-la em altas doses no cinema.

Ahoy! É chegado, mais uma vez, o Dia Internacional de Falar como um Pirata. Eu não sou muito boa nisso, mas aqui no Cinema de Novo nós vamos comemorar essa data super especial com uma lista do site /Film, onde a equipe de críticos do site conta quais são os seus piratas favoritos do cinema.

Então, prepare a tripulação e vamos zarpar! Melhor dizendo, confira os nomes na lista abaixo ou clique aqui para o conteúdo original.

• Blind Pew (Jerry Nelson): Muppet Treasure Island
• The Dread Pirate Roberts (Cary Elwes): The Princess Bride
• Han Solo (Harrison Ford): Star Wars
• Kuala (Sessue Hayakawa): Swiss Family Robinson
• Captain Hook (Dustin Hoffman): Hook (imagem)
• Muse (Barkhad Abdi): Captain Phillips
• One-Eyed Willy: The Goonies
• Time Bandits

Melhor ser pirata do que ser marinheiro.

Um bom filme de terror, segundo minha humilde opinião, é aquele que aposta mais no suspense que nos sustos e, de preferência, é construído sobre um conceito simples e engenhoso. Quando isso é feito de uma forma em que as pessoas podem criar uma empatia com os personagens, melhor ainda.

A Quiet Place consegue cumprir todos esses requisitos. Mesmo que não seja o filme mais assustador que você verá na vida, ele é um terror que funciona e que, em resumo, é um bom filme. Dá para indicar até mesmo para quem não é exatamente fã do gênero.

Na história, somos apresentados a uma família que conseguiu sobreviver a algum tipo de desastre apocalíptico. A filha mais velha, Regan (Millicent Simmonds), é surda, mas isso não explica porque todos se comunicam por linguagem de sinais ou o motivo de evitarem fazer barulho a todo custo, inclusive andando descalços por aí – se bem que não é difícil imaginar a razão de todo esse cuidado.

Com o passar do tempo, somos apresentados à rotina dessas pessoas. Regan explora o mundo a seu modo, tentando lidar com uma adolescência em circunstâncias bem difíceis. O pai, Lee (John Krasinski), tenta ensinar seu outro filho (Noah Jupe) a caçar. A mãe, Evelyn (Emily Blunt), prepara tudo para a chegada de mais um bebê. Mas eles não estão exatamente vivendo em harmonia e esse acontecimento feliz é também acompanhado de uma série de imprevistos, o que coloca a vida de toda a família em risco.

Escrito e dirigido por John Krasinski, a partir de um material de Bryan Woods e Scott Beck, A Quiet Place é, antes de tudo, um filme sobre uma família. Há monstros, ameaças inexplicadas e uma premissa que, se você para pensar, poderia ter sido resolvida muito tempo antes. Mesmo assim, a produção funciona e segura o público na cadeira por meio de um forte gancho emocional. Você passa a se importar com essas pessoas, com a relação entre elas e com seus destinos.

Os personagens se comunicam exclusivamente em linguagem de sinais e suas conversas são legendadas (não tem como fazer versão dublada desse filme). Entretanto, isso não quer dizer que a comunicação tenha problemas. Aquilo que não é dito também não seria falado em voz alta em outro contexto, mas é facilmente percebido por meio de ações.

Mas não se engane. A Quiet Place não perde tempo com sentimentalismos exagerados ou grandes dramas. Os personagens sobreviveram porque são práticos, sabem tomar decisões levando em conta seus inimigos e estão relativamente bem preparados. A tensão está sempre presente porque eles estão sempre tensos. Dessa maneira, quando tudo sai de controle, você também segura a respiração e evita fazer qualquer som.

Além disso, o próprio conceito também é envolvente. Na realidade cheia de barulhos em que vivemos, é extremamente limitante não poder falar, ouvir música livremente, assistir televisão ou sequer soltar uma interjeição de surpresa ou dor. Só isso já é agoniante para muitos de nós.

Para completar, o filme aposta em uma narrativa simples, sem reviravoltas mirabolantes. Todas as pistas são postas diante dos seus olhos e, quando as peças finalmente são colocadas juntas, é como se você já estivesse ciente do desfecho o tempo todo. Ao mesmo tempo, essa falta de um mistério maior faz com que o longa-metragem não seja tão memorável quanto outros que o antecederam – mas também não acredito que esse fosse o objetivo. Enquanto muitos buscavam por algo inovador – “um novo Get Out” –, A Quiet Place só queria ser um bom filme, do tipo que não subestima seu público. E cumpriu muito bem esse objetivo.

Ao lidar com uma série de clichês na hora de construir sua narrativa, Handsome Devil não surpreende de forma alguma. Mas há algo de charmoso sobre essa história passada em colégio interno irlandês exclusivo para meninos (além do sotaque, claro). É, basicamente, um drama descompromissado daqueles que fazem você se sentir bem no final das contas.

Ned Roche (Fionn O'Shea) é o aluno deslocado. Ele não gosta de rúgbi – o esporte que parece movimentar o dia a dia geral da instituição –, sofre bullying por ser gay e não está nem aí para as aulas, entregando letras de músicas como se fossem suas redações e fazendo planos absurdos para ser expulso. Mas as coisas começam a mudar quando surgem um novo professor de inglês, Dan Sherry (Andrew Scott), e um novo colega de quarto, Conor Masters (Nicholas Galitzine), que também é a grande promessa do time de rúgbi.

O primeiro está bastante disposto a tirar toda a turma do estupor de sua vida acadêmica, dando uma atenção especial para Ned. Já o segundo parece interessado em uma amizade mesmo com todo o estigma que rodeia o rapaz. Aliás, Conor chega com seu próprio passado misterioso a ser desvendado, já que tem ataques violentos sem muitas explicações e foi expulso de sua escola anterior por causa disso.

A inesperada amizade entre os dois meninos e o envolvimento do professor nisso tudo ecoa a diversos filmes adolescentes envolvendo colégios internos e/ou esportes e/ou mestres querendo mudar a vida de seus pupilos. Mas, no fundo, o que interessa em Handsome Devil é unicamente a jornada do protagonista. Ned navega por tudo isso com uma inocência inesperada e um coração aberto, o que o torna ainda mais frágil diante dos segredos alheios e de seus próprios erros. No processo, tanto Conor quanto Dan Sherry também acabam crescendo.

Só não vale esperar por uma grande profundidade nos assuntos abordados. A produção levanta alguns temas importantes e o diretor e roteirista John Butler consegue flutuar sobre os pontos mais problemáticos quase sem encostar os pés no chão. Ou seja, vale mais como uma espécie de introdução ao drama adolescente e às dificuldades que uma pessoa mais sensível pode enfrentar em um ambiente altamente ‘masculinizado’. E, nesse ponto, não me refiro exclusivamente ao personagem principal – aliás, embora seja fortemente implicado que Ned seja gay, nada é efetivamente confirmado.

Com isso, Handsome Devil poderia passar absolutamente em branco se não fosse pelo elenco, em particular Fionn O'Shea e Andrew Scott. Enquanto O'Shea dá credibilidade da trama com seu olhar de carência e uma postura que alterna momentos de confiança com um total desespero, Scott garante que as coisas não saiam dos trilhos, com seu personagem equilibrando o tom mais exagerado de outros atores por meio de uma atitude de quem está testando as águas em um novo emprego. Nicholas Galitzine, por sua vez, até tenta, mas não consegue exatamente mostrar a que veio.

Handsome Devil, em último caso, é um filme sobre o que forma um time. Isso vale tanto para a unidade já bastante fragmentada entre os professores, para a equipe de rúgbi e para os dois amigos. Entra na conta a (in)existência de um objetivo em comum, o entrosamento, o respeito mútuo e a capacidade de respeitar a individualidade do outro.

De vez em quando, o mundo realmente surpreende. Quem diria que, por algum motivo, duas redes de cinema de Curitiba iriam exibir Bungou Stray Dogs: Dead Apple, uma animação japonesa baseada em uma série repleta de referências literárias, que foi exibida por aqui pelo serviço de streaming Crunchyroll? Mas aconteceu. Foram apenas duas sessões (nada baratas, diga-se de passagem), que reuniram vários nerds da cidade – incluindo a pessoa que vos escreve.

A produção, lançada no Japão em março, é uma continuação direta da série, mas até pode ser vista independentemente graças a uma introdução breve dos personagens principais dada logo no começo (só não dá para piscar e perder o que está escrito na tela). Ainda assim, ela é realmente mais direcionada para quem tem uma noção do que está acontecendo; inclusive, aqueles que perderam a segunda temporada podem ver sem prejuízo.

Para quem chegou agora: a história de Bungou Stray Dogs: Dead Apple se passa em um universo onde várias pessoas têm poderes especiais. Elas têm nomes de escritores famosos e seus poderes fazem referências diretas às obras dos originais (o que deveria deixar todo mundo facilmente reconhecível, mas não funciona assim tão bem já que se trata de uma série japonesa). Nesse contexto, uma agência de detetives armados (e com poderes) combate uma máfia (igualmente paranormal) na cidade de Yokohama.

No filme, a ameaça da vez é uma estranha névoa que parece forçar as pessoas com poderes a se matarem. Devido à temática, o detetive com um passado sombrio e tendências suicidas Osamu Dazai (Mamoru Miyano) poderia facilmente se tornar um suspeito – e as circunstâncias não o ajudam. Contudo, seu pupilo Atsushi Nakajima (Yûto Uemura) se recusa a acreditar em uma possível traição e parte em seu resgate. Enquanto todos estão ocupados com a névoa e os desafios que ela traz, ele assume a missão ao lado da assassina adolescente do bem Kyoka Izumi (Sumire Morohoshi) e de seu inimigo Ryunosuke Akutagawa (Kenshô Ono). Paralelamente, outros planos também se desenrolam.

Com uma narrativa que não é exatamente fácil de acompanhar, além de uma boa quantidade de batalhas e violência, Bungou Stray Dogs: Dead Apple é uma daquelas animações pesadas como só os japoneses parecem ter coragem de lançar comercialmente. Ao mesmo tempo, é impossível negar que esse é realmente o melhor veículo para uma ideia estrambólica como essa. Afinal, de que forma poderíamos ter um personagem chamado Fyodor D. (Akira Ishida) com um poder chamado Crime e Castigo e de uma forma que seja mais assustadora do que patética? Acredite, é possível.

O longa-metragem não só consegue isso, como o faz em um ritmo frenético e lidando com uma grande quantidade de personagens. Infelizmente, muitas das figuras mais interessantes da série acabaram ficando de fora (ou tiveram pouco tempo de tela), mas acredito que os favoritos do público tiveram seus momentos. As jornadas de Dazai e Atsushi são as de maior destaque, como já era de praxe na série, então, acredito que ninguém vai se incomodar muito com a direção que as coisas tomaram.

Bungou Stray Dogs: Dead Apple é uma viagem muito maluca, mas absolutamente mágica. Por ser uma obra que dificilmente chegaria aos cinemas, a experiência se tornou ainda mais especial – mas isso não quer dizer que eu não queira que isso se torne cada vez mais comum.