O que começou com a vontade de ver um filme bobinho, só para distrair, chegou até aqui. To All the Boys I've Loved Before é fofo e apaixonante, o tipo de coisa que consegue fisgar uma menina sonhadora (com mais de 30 anos na cara, mas vamos fingir que isso não faz diferença). Por mais que a sequência direta, To All the Boys: P.S. I Still Love You deixe um bocado a desejar, ainda resta um pouco de ânimo para To All the Boys: Always and Forever – ainda bem.

O longa-metragem que encerra esta trilogia também marca o fim de uma fase para Lara Jean (Lana Condor), sua família e seu namorado, Peter (Noah Centineo). Os adolescentes estão terminando o Ensino Médio e se preocupando com a entrada na universidade, sonhando em estudarem na mesma instituição, bem longe dos pais.

Enquanto Peter já conseguiu uma bolsa (de atleta) na prestigiada Stanford, Lara Jean ainda precisa ouvir um retorno das universidades, o que gera uma ansiedade sem tamanho. Ao mesmo tempo, ela ainda precisa lidar com os tradicionais atritos com suas irmãs (Janel Parrish e Anna Cathcart), com o baile de formatura e com a organização do casamento de seu pai (John Corbett). Aliás, a mudança de Trina (Sarayu Blue) para a casa das meninas também representa uma nova era: a presença da mãe se enfraquece e tudo deve mudar.

Para completar, o filme ainda consegue encaixar o romance atravessado de Chris (Madeleine Arthur) e Trevor (Ross Butler), a complicada relação com Genevieve (Emilija Baranac) e duas viagens: uma para Seul, na Coreia do Sul, e outra para Nova York. Bom, tédio realmente não é um problema neste caso.

Apesar disso tudo, o coração de To All the Boys: Always and Forever segue no romance. Por mais que seja um cara legal, Peter também tem seus problemas e demanda, quase sem querer, algo que Lara Jean gostaria de poder proporcionar a ele – mas o destino e seu forte senso de moral a impedem (querendo ou não, esta menina sempre faz o que ela julga ser o certo). A situação do relacionamento dos dois acaba encontrando um estranho paralelo no reencontro do rapaz com seu ausente pai (Henry Thomas). A questão é que, obviamente, há uma discrepância entre as responsabilidades de uma namorada e as de um pai.

Ainda que o conflito principal da história não seja algo de outro mundo, ele é interessante e consegue segurar a trama. Os personagens vivem um momento da vida que envolve uma série de decisões e, muitas vezes, estas escolhas irão afetar outras pessoas. Entre uma história de conflitos internos e amadurecimento ou um triângulo amoroso – como aconteceu no longa anterior –, a primeira opção tende a ser mais enriquecedora.

Em meio a cupcakes, festas de formatura, casamentos, bailes, viagens e a difícil escolha da “música do casal” (é, tem isso também!), To All the Boys: Always and Forever é o filme de romance adolescente que eu não pedi, mas que gostei de receber. Ele é calculadamente fofo, sabe disso e não pede desculpas – afinal, é justamente por isso que ele existe. E ele tenta passar a mensagem de que as garotas devem fazer o que é melhor para elas e seus futuros, mesmo que isso envolva desapontar seus namorados, o que é sempre um recado bem válido.

Outras divagações:
To All the Boys I've Loved Before
To All the Boys: P.S. I Still Love You

Se você for parar para pensar, a história retratada em Colette encontra muitos paralelos por aí. Mas talvez seja justamente por isso que ela precisa ser contada e recontada – para os interessados em outras versões, há um filme de 1991 chamado Becoming Colette. Embora seja um drama de época, o que este filme traz ainda está presente na vida de muita gente. E, sim, precisamos sempre que possível trazer para a discussão episódios de opressão matrimonial, além de falar abertamente sobre a luta das mulheres LGBT+.

Para completar, o diretor Wash Westmoreland (pela primeira vez no comando de um filme sem a presença de seu marido Richard Glatzer, falecido em 2015) fez com que a produção se tornasse uma plataforma para algo maior do que uma cinebiografia. No elenco, há dois atores transgênero interpretando personagens cisgênero (Jake Graf e Rebecca Root). Mas, sinceramente, eu só sei disso porque fui pesquisar mais informações sobre o longa-metragem. Afinal, a “mudança” não fez diferença alguma na prática.

Colette conta a história da escritora e atriz Sidonie-Gabrielle Colette (Keira Knightley). Embora fosse uma garota simples, vinda de uma pequena vila da França, ela se casou com o famoso escritor e editor Henry “Willy” Gauthier-Villars (Dominic West) e foi morar com ele em Paris, passando a conviver com a elite e a classe artística local. Porém, sua vida em casa tinha suas dificuldades, especialmente devido às infidelidades do marido e às dificuldades financeiras dele.

Com a adaptação ao novo estilo de vida, ela passa a se apresentar somente como Colette e começa a escrever. Seus romances, assinados por seu marido, são um grande sucesso, atingindo um público que até então vinha sendo negligenciado pelo mercado editorial: as mulheres jovens. Juntamente com a chegada do sucesso, ela descobre que também pode desfrutar de certas liberdades – desde que elas não envolvam homens. Entre suas amantes estão a riquíssima Georgie Raoul-Duval (Eleanor Tomlinson) e a progressista Mathilde “Missy” de Morny (Denise Gough), com quem ela passa a se envolver romanticamente.

Uma das grandes questões de Colette é que não se trata apenas de um romance. A protagonista, ao ganhar relevância por meio de seus livros, promove uma revolução cultural. Seu modo de pensar, de escrever e suas histórias fazem parte de um universo muito próprio e pessoal, que ela compartilha com as pessoas e percebe ressoar. Ainda que seja possível questionar se ela poderia ter feito isso sem o apoio do nome do marido, a questão é que havia uma demanda e um interesse real por aquele tipo de obra.

Outro ponto interessante é que, não importa onde a protagonista esteja, ela se destaca. No meio rural, ela parece muito agitada e pronta para descumprir todas as regras. Na cidade grande, ela segue inquieta, mas predomina seu lado observador e crítico. Sob os holofotes da fama, ela brilha e se adapta com facilidade, mas sua vontade de fazer algo inteiramente seu apenas cresce.

Além disso, o casamento retratado não é intrinsecamente infeliz. Ainda que não seja o relacionamento idealizado, o casal assume uma postura de amizade e cumplicidade que funciona por muitos anos – até que a autoria “compartilhada” deixa de ser suficiente para Colette, expondo rachaduras há muito tempo existentes. A princípio, Willy é um homem de seu tempo, que se aproveita constantemente de seus privilégios e que, ao menos da forma como é retratado aqui, tem certo carinho e respeito por Colette. Mas isso não é o suficiente, obviamente.

Indo além da trama, Colette é um longa-metragem muito bonito visualmente, sabendo se aproveitar de belos figurinos e do contraste entre a bucólica zona rural francesa e a apaixonante cena parisiense do começo do século 20. Desta forma, além de se deleitar com uma história bem contada, também é possível apreciar um tempo que (ainda bem) não voltará.

Para completar, o longa-metragem ainda aproveita para reforçar a mensagem de que a luta da protagonista segue viva e não deve ser esquecida. Viva Colette!

Outras divagações:
Still Alice

Eu nunca fiz parte de uma banda, mas sempre ouvi histórias de grupos que acabaram por “culpa” de relacionamentos que, de alguma forma, acabam atrapalhando a dinâmica entre os integrantes. Quando ambos fazem parte da banda, então, a situação é ainda pior. No caso de Given, há algo ainda mais inusitado acontecendo (e eu me arrisco a dar um spoiler aqui: ao final, a banda ainda segue junta).

A série que antecede aos acontecimentos narrados neste filme conta o romance do talentoso guitarrista Ritsuka Uenoyama (Yuma Uchida) com o aprendiz de voz e guitarra Mafuyu Sato (Shogo Yano). É um romance adolescente com alguns momentos mais pesados, marcados pelo passado trágico de Mafuyu e suas dificuldades em escrever uma música sobre isso.

Aqui, as atenções se voltam para outros personagens, mais especificamente o já estabelecido triângulo amoroso entre o simpático baixista da banda, Haruki Nakayama (Masatomo Nakazawa), o problemático baterista, Akihiko Kaji (Takuya Eguchi), e o misterioso gênio do violino Ugetsu Murata (Kotaro Asanuma). Uma vez que os sentimentos de Haruki são bem claros, Akihiko acaba explorando seu amigo enquanto tenta organizar sua vida e seus sentimentos, com Ugetsu ainda se fazendo dolorosamente presente.

Fortemente dependente de um conhecimento prévio do que está acontecendo, Given é um filme feito para os fãs, seja da série ou do mangá original. Ele segue a trama praticamente do mesmo ponto em que a história parou na versão televisiva e não perde tempo com a apresentação de seus personagens. Aliás, com apenas uma hora de duração e muita história para contar, o filme perde pouquíssimo tempo com o que quer que seja.

A história mantém o tom pesado, explorando relacionamento complicados e pessoas que não costumam tomar as atitudes mais corretas ou sensatas. Isso fica evidenciado porque, com uma trama bastante comprimida, não há muito espaço para momentos mais leves ou de grandes reflexões sobre amor ou música – o que combina com os personagens mais adultos. Ao se afastar das inseguranças adolescentes, todo o enfoque muda.

Com direção da praticamente estreante Hikaru Yamaguchi, Given não é um exemplo de uma grande animação, mas consegue manter um visual bonito ao longo de todo o filme e traz uma qualidade razoável. Pessoalmente, eu preferiria ver os personagens tocando com mais frequência (e se perdendo na música), mas a história sobrevive bem sem isso.

Além disso, confesso que o estilo das canções dos personagens não é o meu favorito. As músicas que deveriam representar grandes catarses não chegam a ter o efeito desejado (assumo que isso pode ser minha culpa, mas ouso dizer que não) e acabam gerando até mesmo um estranhamento. Falta algo que transmita a verdadeira emoção de estar em um palco e de expor seus sentimentos aos berros para o público.

Assim, ainda que não seja exatamente muito recomendado para um público amplo, Given é uma opção válida para quem tem algum carinho por esta história e por estes personagens. Ele é fiel ao clima originalmente estabelecido e traz um monte de caras bonitões interessados amorosa e sexualmente uns nos outros – para quem não conhece, isso faz parte de um gênero chamado “boy love”, destinado principalmente para o público feminino. Se você se interessou, recomendo que não comece por aqui, mas procure a série ou o mangá.

Paul Bettany está em alta no momento por conta da série WandaVision, mas foi praticamente sem querer que acabei cruzando com Uncle Frank. Eu já conhecia a premissa básica do filme e ela havia me chamado a atenção, mas talvez não o suficiente até então. Em um início de noite chuvoso, no entanto, este longa-metragem me pareceu uma boa ideia.

Ambientado na Carolina do Sul, no começo dos anos 1970, Uncle Frank explora o olhar de uma jovem que se sente deslocada do restante da família, Beth (Sophia Lillis). Aparentemente, ninguém naquele lugar a entende, com a possível exceção de um tio que mora em Nova York e faz raras visitas, o professor universitário Frank (Bettany). Quieto e sempre sozinho, ele enfrenta uma estranha hostilidade vinda do próprio pai, Daddy Mac (Stephen Root).

Quando Beth ingressa na faculdade e também vai morar em Nova York, não demora muito para que ela descubra o segredo de seu tio: ele é gay e vive há 10 anos com outro homem, o bem-humorado Wally (Peter Macdissi). Antes que ela tenha tempo para digerir essa informação, porém, eles são informados da morte de Daddy Mac e precisam voltar para a Carolina do Sul.

Embora pareça que eu tenha contado uma boa parte da história, isso não é exatamente verdade. Uncle Frank é muito mais uma obra sobre os demônios internos do protagonista que exatamente sobre este enredo. Aos poucos, o roteiro e a direção de Alan Ball exploram a complicada relação entre pai e filho e as próprias dificuldades de aceitação de Frank, que teve uma criação religiosa e guarda um grande arrependimento em seu passado.

Embora isso pareça algo pesado, o filme consegue desviar do dramalhão e se transforma em uma espécie de road movie relutante. Para completar, a produção até mesmo se arrisca a acrescentar elementos mais leves e humorísticos. Isso acontece tanto por meio de Wally quanto pela percepção de diversos personagens a respeito de o que significa uma pessoa ser gay. Ao menos comigo, isso não funcionou muito bem. Mas ajudou a dar um sentimento geral mais acolhedor.

Com cores suaves, personagens ingênuos e uma trama óbvia, Uncle Frank realmente se esforça para não escorregar em um drama mais pesado, ainda que todo o desenvolvimento da história pareça caminhar nessa direção. Se o movimento fosse assumido, talvez ele desse um pouco mais de profundidade ao filme, mas o longa-metragem não precisa necessariamente disso para funcionar.

Um detalhe é que, com tudo isso acontecendo, o crescimento de Beth acaba sendo drasticamente ofuscado. A personagem tem seus bons momentos, mas o filme acaba mudando seu foco e deixa de ser sobre ela, como parecia indicar nas sequências iniciais. Isso não quer dizer que ela não seja interessante e não tenha uma evolução ao longo da trama, mas não é nada de muito destaque. Além disso, algumas de suas “ideias empoderadas” não funcionam muito bem no contexto, especialmente considerando que ela é uma caipira que, em plenos anos 1970, acabou de chegar na cidade grande.

Uncle Frank, definitivamente, não é um dos grandes filmes do ano ou algo que você absolutamente precise ver. Mesmo assim, suponho que é um bom filme para ser casualmente descoberto enquanto você “navega” pelo aplicativo da Prime Video. Para completar, ele tem um elenco interessante, que inclui Steve Zahn, Judy Greer e Margo Martindale. É uma boa opção para um dia preguiçoso e chuvoso, oferecendo a possibilidade de um horizonte um pouco mais iluminado.