Embora eu majoritariamente use esse cantinho da internet para falar obviedades sobre as coisas que assisto, confesso que questionei se Fruits Basket: Prelude “merecia” estar aqui. Entre os meus principais critérios para selecionar o que vou comentar no Cinema de Novo está o fato de que só trato de filmes (nada de séries, portanto). E, bom... Além do fato de que se trata de um prelúdio (como o próprio título já indica) para uma história contada ao longo de três temporadas, a produção também aproveita muitas cenas de Fruits Basket, inclusive a ponto de tirar um pouco do meu ânimo em relação a este longa-metragem (que, do contrário, seria um curta). De qualquer modo, meu carinho pela obra original foi mais forte e cá estamos.

Com direção de Yoshihide Ibata (também responsável por alguns episódios da série), Fruits Basket: Prelude conta a história dos pais de Tohru Honda (Manaka Iwami), explorando os momentos iniciais do romance de Katsuya (Yoshimasa Hosoya) e Kyoko (Miyuki Sawashiro), assim como a adolescência turbulenta de Kyoko e o contraste deste período com seus primeiros anos como mãe e, posteriormente, como viúva. Em paralelo, há também momentos que mostram a interação da jovem mulher com um pequeno Kyo Soma (Yuma Uchida), que viria a se tornar o par romântico de Tohru.

Em resumo, não há muita história sendo contada, mas o apanhado de situações ajuda a construir um panorama interessante, tentando montar o “quebra-cabeça” desta personagem que, a princípio, parece tão inconsistente. Veja bem: o legado de Kyoko a transforma em uma espécie de ídolo de jovens meninas “delinquentes”, em mentora de crianças desconhecidas, em uma mãe carinhosa e, também, em uma espécie de assombração moral. Ela, obviamente, não é perfeita – mas é uma personagem curiosa e com nuances suficientes para sustentar este filme.

O tom da narrativa também segue a obra original, com um drama acentuado e cheio de grandes dilemas, destacando relações familiares problemáticas e a capacidade das pessoas em lidar com isso. Também há alguns pontos delicados (como a óbvia diferença de idade do casal e a origem estranha do relacionamento), mas essas são questões que derivam dos quadrinhos originais e que refletem a época em que eles foram feitos, no final dos anos 1990 (sim, estou dando um desconto bem grande na problematização).

De qualquer modo, como Fruits Basket: Prelude parte do princípio de que os personagens e a história principal são conhecidos, a produção parte diretamente para os pontos mais chamativos da história. Assim, o filme aproveita para intercalar cenas inéditas com a retomada de sequências já conhecidas, abordando “buracos” da história. O recurso não é exatamente muito legal, mas dá para ignorar em boa parte do tempo.

Este recorte, apesar de tudo, é bem focado e não abre muito espaço para explorar a profusão de personagens que recheiam a série. Sob muitos aspectos, isso é positivo, uma vez que o tempo é reduzido e a ideia era justamente se aprofundar nas personalidades que participaram da formação da protagonista do anime.

Dito assim, acho que fiz Fruits Basket: Prelude parecer até mais instigante do que ele realmente é. O filme é bonito e bem animado, mas seu apelo é realmente restrito aos fãs da série; e, mais especificamente, àqueles que já ficaram com saudades dos personagens e estavam se sentindo prontos para mais um mergulho (ainda que breve) nesse mundo. Não tenho muito orgulho em dizer, mas esse era o meu caso – e o de muitas outras pessoas, já que a animação teve um bom desempenho nas bilheterias japonesas e também foi levada às salas de cinema nos Estados Unidos.

A Warner e a DC parecem não decidir o que querem fazer com suas propriedades no cinema. Há alguns acertos – ou seja, filmes que parecem escapar da maldição autoimposta de querer se igualar a sua rival histórica – quando o estúdio decide abandonar o molde de universo interconectado em prol de histórias mais contidas e com identidades próprias, como foi o caso de The Batman. Mas sempre ocorre aquela volta titubeante ao conceito anterior, sem um plano concreto além de “vai que agora dá certo”.

Embora algumas destas iniciativas, como The Suicide Squad e a série que se originou dele, parecessem estar indo em uma boa direção ao unir um clima único à mitologia do universo, as guinadas na direção da franquia são capazes de deixar qualquer um desorientado. A nova política de conteúdo da empresa, após sua fusão com a Discovery, deixou um rastro de filmes cancelados aos 45 do segundo tempo e uma clara impressão de que os executivos querem correr os menores riscos possíveis.

Em meio a tudo isso, por mais que Black Adam tenha sido concebido antes mesmo dessa fase chegar à fruição, a produção parece em casa. Bebendo da mesma mitologia de Shazam! (e com uma ou duas referências mais explícitas), o longa-metragem tem uma história de origem sem grandes ligações diretas com os outros filmes da DC.

A trama é centrada no retorno de Thet Adam (Dwayne Johnson), um herói histórico da nação de Kahndaq, aos dias modernos depois de um sumiço de milhares de anos. Thet Adam é acordado pela arqueóloga Adrianna (Sarah Shahi), que buscava proteger um artefato místico da antiguidade da Intergangue (talvez o nome mais pueril para uma organização paramilitar já criado), os mais recentes ocupantes de Kahndaq.

O problema é que o aparecimento repentino de um sujeito superpoderoso acaba chamando a atenção da velha conhecida Amanda Waller (Viola Davis). Ela, então, convoca os heróis da Sociedade da Justiça – Hawkman (Aldis Hodge), Doctor Fate (Pierce Brosnan), Cyclone (Quintessa Swindell) e Atom Smasher (Noah Centineo) – para parar essa nova potencial ameaça.

Entretanto, isso acaba sendo apenas um veículo para que Dwayne Johnson faça suas caras e bocas enquanto voa para lá e para cá em uma tela verde. Thet Adam é um personagem de uma nota só: mesmo protagonizando alguns momentos divertidos, especialmente quando está aniquilando brutalmente pelotões de mercenários sem rosto, ele parece se esforçar demais para ser o arquétipo do machão silencioso. O pouco de vulnerabilidade que o personagem apresenta não chega a compensar por todos os outros momentos.

Isso faz com que ele perca protagonismo no próprio filme. Inclusive, admito que me diverti mais quando a Sociedade da Justiça estava no centro da ação, ainda que com sérias ressalvas, já que a maneira com que os personagens são escritos parece ser uma cópia barata de algo que a Marvel colocaria nos cinemas.

Apesar de tudo, o meu lado fã não consegue deixar de achar legal finalmente ver esses heróis clássicos nas telas do cinema. Em especial, destaco Doctor Fate que, mesmo parecendo um carbono do feiticeiro supremo da Marvel, protagoniza os melhores momentos do filme.

De resto, não consigo ver muitas coisas que já não tenham sido melhores executadas anteriormente. Nada é exatamente original ou consegue quebrar qualquer molde dos filmes do gênero, oscilando entre o agressivamente medíocre e o tedioso. Claro que há momentos que funcionam a despeito de todo o resto, especialmente quando o filme deixa qualquer pretensão de lado, mas elas nunca conseguem ganhar uma centralidade em meio a uma produção que carece de qualquer traço mais forte de ambição ou autoria.

O detalhe é que Black Adam acena para discussões realmente instigantes e que ainda não foram bem tratadas nas dezenas de filmes de heróis que tivemos nas últimas décadas (nem mesmo em Watchmen, que talvez seja o mais próximo destas questões). Como se configura o neocolonialismo quando países centrais tem acesso a indivíduos superpoderosos? Podemos falar em “heróis” quando essas pessoas não fazem nada além de manter uma paz que é fundamentada na subalternidade de países periféricos?

Porém, o filme não faz absolutamente nada com isso. Não que eu esperasse que um filme estrelado por The Rock fosse seriamente abordar questões como estas, mas o fato delas existirem desse modo desastrado e indeciso é até pior.

Pessoalmente, não considero Black Adam como um filme terrível a ponto de precisar ser ignorado – ele talvez seja perfeitamente aceitável para aqueles que só queiram ver um filme de (anti) herói básico e sem muitas firulas. Além disso, Dwayne Johnson pode ter seu público cativo. Do meu lado, talvez eu tenha uma tolerância maior a esse tipo de coisa (desenvolvida por anos lendo quadrinhos que também não eram lá muito incríveis).

Mas, para todo mundo que já se considera saturado com o gênero, esta produção não faz nenhum favor. Pelo contrário, o filme serve como uma manifestação bastante concreta desse deserto criativo hollywoodiano e do quanto uma renovação é necessária.

Outras divagações:
Man of Steel
Batman v Superman: Dawn of Justice
The Batman
Suicide Squad
Birds of Prey: And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn
Wonder Woman
Justice League
Aquaman
Shazam!
Joker

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

A premissa de Druk poderia facilmente ser a de uma comédia abobada, com piadas envolvendo flatulência e sexo, por exemplo. Mas o fato de se tratar de um filme sério, com pretensões dramáticas, é o que a torna inusitada – ainda assim, todo o contexto gera uma série de situações engraçadas.

Basicamente, a história envolve quatro professores de uma mesma escola – três de Ensino Médio e um de educação infantil – que são muito amigos e decidem fazer um experimento: ver como o consumo constante e controlado de álcool afeta suas vidas diárias. Obviamente, a experiência acaba afetando seus trabalhos e suas famílias, com algumas consequências boas e outras ruins.

De maneira geral, a narrativa segue mais de perto Martin (Mads Mikkelsen), que estava passando pela vida de forma apática. Por conta de horários de trabalho divergentes, ele e a esposa (Maria Bonnevie) mal se falavam e a relação com os filhos também andava distante. Na escola, suas aulas de História estavam monótonas e absolutamente desinteressantes, a ponto de os próprios alunos reclamarem, alegando a necessidade de passar nos exames. Com o experimento em ação, ele ganha uma dose de coragem, perdendo inibições e passando a se interessar mais pelo trabalho e pela família. Ao mesmo tempo, ele pode estar próximo de ultrapassar o limite desejável.

Os amigos, por sua vez, incluem o certinho professor de coral Peter (Lars Ranthe), o pai de três crianças pequenas e professor de psicologia Nikolaj (Magnus Millang) e Tommy (Thomas Bo Larsen), um professor de Educação Física que vive com seu cachorro idoso. Todos eles se empolgam com o projeto por diferentes motivos, o que ressalta seus problemas pessoais, suas qualidades e seus defeitos.

Baseado em uma peça escrita pelo próprio diretor, Thomas Vinterberg, Druk acabou sofrendo transformações após a morte inesperada de sua filha Ida, que deveria estar no elenco da produção. De acordo com ele, embora o objetivo fosse fazer uma “celebração do álcool”, o longa-metragem acabou se tornando mais afirmativo, trazendo uma noção de “acordar para a vida”. E este objetivo maior com certeza aparece e faz diferença.

Obviamente, o experimento dos quatro amigos não é algo a ser tratado com total leveza, pois é um tema que pode envolver dependência e que gera consequências para os que convivem com estas pessoas. Inclusive, um dos aspectos que mais me chamou atenção foi o fato de que, embora a questão fosse tratada como tendo bases científicas, as esposas estranhamente não foram informadas (ou seja, os “meninos” tinham consciência de que não teriam aprovação). Ao mesmo tempo, a exposição de consequências – algumas bem drásticas – dá um tom quase moralista à produção, o que parece sair do programado.

Ainda assim, Druk consegue ser divertido. Ver quatro homens maduros e aparentemente responsáveis se comportando como adolescentes ou fazendo idiotices aleatórias tem seu inegável lado cômico. Mas, mais do que isso, o filme brinca com o próprio ridículo da vida, que coloca as pessoas em situações inusitadas e pode demandar respostas diferentes do padrão. Ao trazer jogo de cintura e colocar seus respeitáveis personagens em uma premissa absurda (mas nem tanto), Druk leva leveza para uma série de temas pesados e encara a vida sob um novo ângulo, ainda que precise eventualmente cair na sarjeta para isso.

Outras divagações:
Kursk

Filmes sobre filmes são bastante comuns. Mas animações sobre filmes – ainda mais voltadas para o que acontece “do outro lado” das câmeras – é algo que não se vê todo dia. E essa é justamente a proposta de Eiga Daisuki Pompo-san.

Gene Fini (Hiroya Shimizu) é um cara nerd que sonha em trabalhar com cinema. Ele sabe de tudo um pouco e é um grande observador, mas não tem exatamente uma formação na área ou um “padrinho”, de modo que o emprego como assistente pessoal da produtora Joelle Davidovich Pomponette (Konomi Kohara) parece ser uma excelente oportunidade – e é. Embora seja conhecida por filmes B, ela possui muitos contatos e sabe circular bem por esse universo. Mas, quando finalmente decide escrever seu próprio roteiro, ela escolhe Gene como seu diretor.

A partir dessa premissa, Eiga Daisuki Pompo-san mergulha na experiência de um diretor de primeira viagem que está trabalhando em um projeto dos sonhos, o que inclui o apoio (e a pressão) de uma produtora experiente, um grande roteiro original e um elenco interessante, combinando o experiente Martin Braddock (Akio Ôtsuka) e a estreante Nathalie Woodward (Rinka Ôtani). Para completar, o filme vai um pouco além das filmagens e também explora a fase de edição e a temida busca por recursos.

Com isso, a produção resume uma jornada de meses em apenas 90 minutos – e o que fica de fora acaba fazendo falta em muitos momentos. O protagonista vive uma montanha-russa de sentimentos ao longo de todo o período e, justamente por acontecer tanta coisa, nada parece ter uma real consequência sobre ele; afinal, ele deve superar esse desafio em breve e logo partir para o próximo. Os coadjuvantes têm pouco a acrescentar nesse quesito. A única personagem que também tem uma história de crescimento é Nathalie, mas isso não chega a ser muito aprofundado.

De maneira geral, Eiga Daisuki Pompo-san conta a história que se propõe a trazer e o faz de uma maneira divertida e até mesmo educativa. Quem já tem um mínimo conhecimento sobre como se faz um filme acaba “brincando” de descobrir o que vem pela frente ou tentando encontrar as soluções de que Gene precisa. Para os demais, é uma montanha de informações que funciona como um entretenimento frenético.

Como se não bastasse, a obra tem um traço bastante próprio e é muito colorida, o que ajuda na sensação de que tem muita coisa acontecendo ao mesmo tempo. Os sentimentos são frequentemente expressados de forma bastante visual, também contribuindo para “ajudar” a passar a mensagem necessária mais rápido – e sendo um diferencial considerável em comparação com as produções mais realistas sobre o mesmo tema.

Aliás, vale dizer que Eiga Daisuki Pompo-san procura contar qual é o contexto real de uma produção cinematográfica, mas sua trama é quase um conto de fadas e tem pouco apego à realidade. Infelizmente, olhos brilhantes (ou que não brilham) dificilmente representam um motivo para a escolha de um profissional para determinada função. Ainda assim, não é como se esta história, escrita e dirigida por Takayuki Hirao, não representasse o sonho de qualquer aspirante a diretor: poder trabalhar duro, estar cercado de gente competente e alcançar algum reconhecimento. E, sinceramente, tudo bem ser assim – eu é que não vou reclamar.