Se existe um filme da mais recente temporada de premiações que eu tenho recomendado amplamente, este filme é Argentina, 1985. Além dos méritos da produção, há algo particularmente interessante para os brasileiros, afinal, nós não tivemos um episódio como esse em nossa história: um julgamento amplamente divulgado em que os réus eram os comandantes das forças armadas durante o período de ditadura militar. E, sinceramente, acredito que isso fez toda a diferença, inclusive afetando acontecimentos recentes vividos por aqui.

Com direção de Santiago Mitre, esta produção aborda a história do promotor Julio César Strassera (Ricardo Darín) que, por conta de seu cargo público, precisou reunir as provas necessárias e representar a população argentina no julgamento em questão. Por ser uma pessoa que ascendeu em sua carreira durante o período militar e que optou por baixar a cabeça em muitos momentos, pode-se dizer que ele não tem a personalidade mais recomendada para esta função. Ainda assim, o trabalho recai nele.

Uma das principais questões é que Strassera precisa reunir um time pouco ortodoxo para garantir que o trabalho seja feito sem a presença de defensores da ditadura. Para isso, ele recebe a ajuda de um professor universitário com família de militares, Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani), e de uma série de jovens recrutados entre os funcionários do tribunal. A esperança é que a boa vontade seja capaz de compensar a falta de experiência e o curto período que eles terão para organizar tudo. Para completar, todos precisam lidar com ameaças constantes e com o próprio julgamento que se segue.

Assim, Argentina, 1985 é um filme de tribunal como muitos que você já viu por aí. Mas ele também é muito mais próximo. Os dilemas vividos pelos personagens e os relatos das diversas testemunhas reunidas por eles afetam diretamente. São histórias que encontramos na nossa literatura recente, nos nossos jornais e, obviamente, na Comissão da Verdade. Mesmo para alguém como eu, que nasceu logo após o fim da ditadura, tudo parece estar perto – e é como um pesadelo, já que há multidões que ainda clamam pela volta dos militares ao poder. Também vale observar que a Argentina viveu esse horror por sete anos; no Brasil, foram 21.

Enquanto filme, Argentina, 1985 também tem muito que o recomende. A história, em si, é naturalmente tensa e prende a atenção do público sem esforço. Com um protagonista relutante e coadjuvantes que parecem não ter noção do perigo em que estão se metendo, parte da questão é justamente ver como eles reagem ao que o “destino” coloca à frente e como isso pode interferir com um julgamento de importância histórica.

Além disso, há uma reconstrução de época bastante atenta aos detalhes. Ainda que, para alguém de fora, os pontos turísticos de Buenos Aires pareçam parados na História, há detalhes que tornam seu entorno bastante característicos de uma época (como um orelhão, por exemplo). A própria decoração dos ambientes de trabalho ou mesmo da casa do protagonista também são capazes de nos levar em uma “viagem no tempo”.

É verdade que Argentina, 1985 não traz nada de particularmente inovador para o gênero, mas ele representa algo especial para o cinema argentino e sul-americano. A própria percepção da necessidade (e da urgência) de contar essa história tem um mérito. Ao fazer isso com capricho técnico e qualidade, a produção cumpre o que promete de uma maneira cativante e deixando sua posição bem clara.

Tanto com Whiplash quanto com La La Land, Damien Chazelle nos pergunta: é possível amar a arte apesar de todos os problemas necessários para a sua criação? É possível, como ele mesmo diz, amar o cinema, mas odiar Hollywood (mesmo fazendo parte desse sistema)? Essa paradoxal e desconfortável relação volta com ainda mais força em seu novo filme, Babylon.

A produção se centra nos excessos e nas fundações podres da indústria cinematográfica norte-americana e, com isso, explora aqueles que foram deixados para trás por ela. De certa forma, trata-se de uma versão mais cínica – mas não menos apaixonada – do clássico Singin' in the Rain.

Com uma história que se passa durante a transição do cinema mudo para o falado, Babylon acompanha a ascensão e a queda de diversos personagens dessa Hollywood efervescente e desenfreada. Manny Torres (Diego Calva) é um imigrante mexicano com ambições de fazer seu nome da indústria; Nellie LaRoy (Margot Robbie) é uma atriz aspirante de poucos modos e muitos vícios e que procura desesperadamente sua chance ao estrelato; Jack Conrad (Brad Pitt) é um galã do cinema mudo no auge de sua fama; e Sidney Palmer (Jovan Adepo) é um talentoso jazzista negro que luta contra a falta de reconhecimento. Eles e muitos outros compõem um mosaico diverso e colorido de personagens e personalidades que se chocam e cruzam nestes anos em que a indústria se transformou completamente.

Com um elenco extenso e de peso, é curiosa a escolha por um ator quase desconhecido do público americano como Diego Calva para ser o grande protagonista. Porém, ele se segura muito bem e consegue, com uma atuação contida e mais silenciosa, complementar a performance mais chamativa de Margot Robbie. Ela, apesar de encarnar um papel similar ao que já vimos antes, consegue ter lampejos de brilhantismo e vender a ideia do filme, especialmente quando o outro grande nome, Brad Pitt, não tem um personagem tão interessante ou instigante.

Ainda que a produção pareça ser um desenvolvimento natural das ideias de Chazelle depois de evocar esses sentimentos da “era de ouro” de Hollywood com La La Land, é necessário dizer que a situação é invertida. A ideia para Babylon parece preceder todo o trabalho dele com o musical. No momento em que o filme foi idealizado, talvez não fosse possível ou responsável entregar o projeto na mão de um diretor inexperiente, mas cá estamos. De lá para cá, Chazelle se tornou um dos profissionais mais benquistos de Hollywood e parece ter recebido um cheque em branco para realizar o longa-metragem que desejou.

Essa liberdade é bastante aparente. Em um exercício completo de autoindulgência, não faltam adjetivos para definir Babylon: ambicioso, bombástico, intenso. Ainda assim, é muito difícil expressar em palavras exatamente o que esse filme é, e o tipo de energia maníaca que o permeia. Contra todas as suas chances, essa bagunça completa se transforma em algo sublime, com suas frenéticas sequências lindamente filmadas, que capturam a devassidão da indústria cinematográfica americana no auge dos “roaring 20’s”.

Além disso, tudo é embalado por uma trilha sonora absolutamente fantástica, assinada por Justin Hurwitz, parceiro de longa data de Chazelle. O som é marcado por um jazz explosivo e que acompanha perfeitamente a cadência febril do filme.

Por conta disso, Babylon é uma experiência cinematográfica como poucas outras. Em seus melhores momentos, parece passar como uma tempestade que arranca tudo em seu caminho e deixa uma paisagem completamente mudada do outro lado. Não tenho pudor algum em afirmar que, para mim, se o filme todo contasse com a qualidade de seus picos, haveria aqui um novo clássico do cinema, daqueles que são constantemente lembrados e referenciados.

Entretanto, não sei se esse é o caso. Afinal, é justamente essa característica que acaba sendo o calcanhar de Aquiles do filme, que se vê tragicamente esmagado por suas próprias ambições. Em vez de trazer um recorte mais pungente, firme e emocionalmente satisfatório da história, o roteiro se perde por falar demais sobre muita coisa. Ao nos atacar desde o primeiro minuto com todas as suas forças, em uma demonstração apoteótica de sua mensagem central, Babylon chega ao seu último ato quase sem fôlego, tendo esgotado suas surpresas e seu impacto muito antes do seu clímax emocional. O longa-metragem até ensaia um retorno aos 45 do segundo tempo, mas tropeça em sua própria mensagem.

Ainda assim, isso talvez essa tenha sido uma escolha proposital. Talvez seja a forma de Chazelle representar o fim de uma era com a resignação silenciosa de que as coisas nunca serão tão boas quanto já foram – e que a bagunça inchada de Babylon é um espelho de Hollywood. Mas um pecado é um pecado. Este seria um filme melhor e mais engajante se houvesse um foco em vez de tiros para todos os lados, se fosse destilada uma excelente história no lugar de quatro que são apenas boas.

Ao não escolher suas batalhas, Babylon só ganha por pontos o que poderia ter sido um nocaute. É uma pena, já que esse é um dos filmes mais interessantes que vi em muito tempo. Mesmo seu potencial desperdiçado para a grandeza não muda este fato.

Outras divagações:
Whiplash
La La Land
First Man

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Steven Spielberg sempre me soou mais como um cineasta disposto a fazer filmes sobre temas que o interessavam e capturavam sua imaginação do que como um que se engaja em um esforço autoindulgente de falar de si. Nada contra diretores que se encaixam na segunda categoria: sinto que eles produzem bons filmes, mas logo esgotam suas fontes de inspiração (afinal, só se vive uma vida). Assim, suponho que os primeiros acabam por ter um portfólio mais variado.

Aliás, variedade é o que não falta para Spielberg, dono de uma das mais reconhecidas carreiras na história do cinema. Mesmo com seus altos e baixos, seria ridículo negar sua importância para a indústria, de modo que, no alto dos seus 76 anos, com dezenas de filmes lançados e muitos prêmios recebidos, o diretor pode se dar ao luxo de mudar um pouco de marcha. Sendo um pouco mais autocentrado, ele faz um esforço quase que terapêutico para contar parte da história de sua vida, com todos os problemas e benefícios que algo assim trás.

Com uma ficcionalização relativamente fiel à infância e adolescência do diretor, The Fabelmans traz Sammy (Gabriel LaBelle) servindo como um receptáculo para Spielberg – ele é um rapaz de uma cidade interiorana que é consumido por sua paixão pelo cinema e pela arte de fazer filmes, o que o diferencia em relação a sua família e ao resto do mundo. Seu pai, Burt (Paul Dano) é bem intencionado porém não vê muito futuro nessa atividade, enquanto a mãe Mitzi (Michelle Williams) até enxerga o potencial do filho, mas está mais preocupada com as próprias frustrações.

E quando eu digo que esse é um filme terapêutico, eu realmente acredito que seja o caso. A despeito de existir um semblante de objetividade nos olhos do diretor, é claro que essa é uma história vista através de uma lente nostálgica e desfocada do passado. Certos encontros e vinhetas que Sammy experiencia – de uma conversa com um tio excêntrico (Judd Hirsch) até seu primeiro romance com uma colega de escola (Chloe East) – exalam esse senso de uma realidade vista de trás para frente. Ou seja, ao tentar dar significado para o que já aconteceu e do qual só tem uma impressão emotiva, o cineasta recria conversas e desfechos mais pelo significado que elas terão para o protagonista do que pelas intenções dos interlocutores.

Esse filtro nostálgico poderia transformar ou simplificar a motivação dos seus personagens, mas as ótimas atuações presentes em The Fabelmans garantem que a tridimensionalidade não seja perdida. Isso é particularmente importante considerando que se trata de uma história pessoal, toda criada por meio dessas interações.

Como o protagonista, Gabriel LaBelle pode não ter o peso de um astro, não capturando atenção de imediato; mas ele também não se destaca negativamente. Já Paul Dano dá peso e empatia para um personagem que poderia ser apenas um arquétipo do pai severo que afasta o filho de sua paixão, mas que acaba sendo muito mais. Por sua vez, a atuação de Michelle Williams talvez seja mais questionável, mas a verdade é que ela carrega uma personagem com um drama que muitos podem ver como canastro, mas que ainda é crível o suficiente em seus momentos mais ternos. Até mesmo Seth Rogen, que é uma figura controversa e desgostada, está perfeitamente aceitável.

Com uma cadência lenta e um uso muito expressivo de cenas musicadas e sem diálogos (com uma trilha ótima de John Williams), The Fabelmans frequentemente faz referência à própria maneira que as filmagens caseiras eram feitas no período retratado. O recurso é usado de maneira abundante para retratar esse microcosmo suburbano, emoldurando a história e os momentos que elas representam. Isso também é utilizado para homenagear o visual de filmes da época durante a evolução dos personagens, sendo uma divertida curiosidade para os que apreciam o cinema dos anos 1950 e 1960, além de evidenciar o gosto do diretor.

Entretanto, esse ritmo lento e com períodos em que “nada acontece”, faz com que The Fabelmans pareça moroso e pretensioso. Esse tipo de história – o “coming of age” de um rapaz sonhador que encontra resistências para realizar suas paixões e ambições – não é exatamente inédito, de modo que o filme não é exatamente algo único. Assim, a parte realmente “suculenta” da história pessoal de Spielberg (quando ele se torna um cineasta pleno) fica de fora do enredo, o que pode decepcionar quem esperava ver mais Spielberg e menos Sammy Fabelman.

Por outro lado, isso talvez seja algo positivo. Nesse sentido, a comparação com Belfast de Kenneth Branagh pode ser fundamental, já que ambas são produções sobre eventos envolvendo seus criadores, mas não são sobre os cineastas. A opção por adotar pseudônimos e se afastar do centro da ação ajuda a evitar o senso de autoimportância que arrisca transformar uma experiência singela em uma inflamação do próprio ego.

Justamente por conta dessa convencionalidade é que acredito que The Fabelmans vai ser lembrado entre os melhores filmes de Spielberg. Sua natureza profundamente pessoal o torna interessante, ainda mais por se tratar de um diretor conhecido por seus projetos ambiciosos. A já esperada proeza técnica, o capricho e o carinho pelo longa-metragem seguram as pontas, trazendo momentos genuinamente tocantes e que não falam muito sobre Steven Spielberg, mas sobre as dificuldades de muitas famílias. São histórias que acontecem com todos nós, embora nem todos tenhamos condições de as colocar na tela do cinema.

Outras divagações:
Jaws
The Terminal
The Adventures of Tintin
Lincoln
The Post
Ready Player One
West Side Story

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Whitney Houston é, sem dúvidas, uma das artistas mais celebradas de sua geração. Dona de uma série de recordes no mercado fonográfico e de uma voz inconfundível, a cantora também teve uma vida pessoal conturbada que acabou de modo trágico e prematuro.

Dito isso, Whitney Houston: I Wanna Dance with Somebody não consegue exatamente se fundar como uma celebração da vida de Huston por ir diretamente contra o espírito da obra da cantora: enquanto ela era conhecida por tomar riscos e assumir grandes desafios vocais em suas apresentações, este filme sintetiza perfeitamente a expressão “jogar seguro”. Seguindo ao pé da letra a cartilha das cinebiografias, a produção não é ruim, mas ela não se diferencia no mar das obras similares que inundaram o mercado nos últimos anos.

Com a típica estrutura de “história de vida”, o longa-metragem acompanha Whitney Houston (Naomi Ackie) da juventude modesta ao estrelato, passando pela relação conturbada com o pai, John (Clarke Peters), pela amizade (e romance não-realizado) com Robyn Crawford (Nafessa Williams) e pelo casamento complicado com Bobby Brown (Ashton Sanders), incluindo os problemas com a fama e com as drogas. Para isso, o roteiro de Anthony McCarten segue as mesmas batidas narrativas que ele utilizou em Bohemian Rhapsody (que já não eram exatamente originais), dando a impressão de que esse é um filme que você já viu dezenas de vezes ao sintetizar a vida da cantora em um pastiche de momentos dramáticos obrigatórios.

O trabalho de Naomi Ackie é competente, mas não muito transformativo. A voz original de Huston é usada no filme, deixando a atriz apenas com dublagens, o que não colabora para uma performance apoteótica – ainda que Ackie tenha feito um esforço em termos de postura e maneirismos. Aliás, por mais que algumas liberdades sejam tomadas para tentar relacionar as canções com a vida pessoal de Houston, o peso dramático não chega ao que um musical teria. Mas todo o resto do elenco de apoio também se segura bem, com destaque para Stanley Tucci como o simpático produtor de Houston, Clive Davis (que também é produtor do filme).

Além disso, o filme simplifica ou altera a participação de algumas pessoas para enxugar a trama – por exemplo, a relação próxima de Whitney Houston com Eddie Murphy sequer é citada e o pai da cantora é retratado de modo bidimensional. E, como esperado, a relação da cantora com as drogas é retratada de uma maneira bastante “sutil”, uma vez que a família está envolvida na produção e certas coisas acabam sendo minimizadas. Do mesmo modo, existe um esforço de recriação de época, sobretudo com momentos icônicos da carreira da cantora, de modo que esses elementos ao menos são bastante fiéis e nenhum erro crasso fica aparente.

Assim, Whitney Houston: I Wanna Dance with Somebody faz o que pode para entregar aos fãs da cantora uma experiência agradável – as reações que vi de gente que acompanhou mais de perto a carreira foi bastante positiva. Ainda assim, este é um filme que é melhor sem um contexto, já que sua falta de ambições cinematográficas o coloca muito próximo do que veríamos em uma minissérie televisiva.

Se você não se preocupa muito com o fato da narrativa ser "feijão com arroz" e tem uma história pregressa com a cantora, sinceramente, é uma opção divertida e com um ótimo portfólio de canções e clipes. Mas, em meio a um cenário onde outros artistas igualmente influentes receberam um tratamento mais caprichado, Whitney Houston: I Wanna Dance with Somebody acaba devendo um pouco.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Antes mesmo de Operation Fortune: Ruse de guerre começar, eu tive uma boa demonstração do que me aguardava na sala de cinema. Uma pessoa desconhecida não estava se lembrando do título e quem tentou responder precisou olhar o cartaz antes para confirmar. A situação foi meio cômica e alguém aproveitou para fazer graça misturando o nome de duas ou três produções. A verdade é que esse é um filme de ação tão genérico que realmente não fazia muita diferença.

Na trama, um detetive terceirizado do governo britânico, Orson Fortune (Jason Statham), é escalado pelo figurão Nathan Jasmine (Cary Elwes) para tentar desvendar quem é o comprador de uma perigosa tecnologia que ninguém sabe exatamente o que faz. Para cumprir sua missão, ele escala o confiável JJ Davies (Bugzy Malone) e uma novata engraçadona para cuidar da comunicação, Sarah Fidel (Aubrey Plaza). Além disso, para ajudar a encantar Greg Simmonds (Hugh Grant), o criminoso que está mediando a venda, ele chantageia um astro de Hollywood, Danny Francesco (Josh Hartnett). O detalhe é que há um time concorrente e mais bem equipado trabalhando na mesma missão, sob a liderança de Mike (Peter Ferdinando).

Eu fiz questão de colocar os nomes de todos os personagens principais nesta sinopse por dois motivos. O primeiro é mostrar que o título do filme inclui o sobrenome do protagonista, indicando a clara intenção de criar uma franquia (boa sorte). Já o segundo motivo é meramente explicitar que todos os personagens têm nomes absolutamente ridículos.

Com direção e roteiro de Guy Ritchie, pode ser fácil dizer que Operation Fortune: Ruse de guerre tem propositalmente uma aparência genérica e elementos muito caricatos – sinceramente, não duvido que tenha sido intencional. O problema é que o filme precisaria gritar na minha cara que ele é bobo e exagerado de propósito, o que ele não faz. Como eu fico na dúvida se ele é um filme de ação ou uma paródia de um filme de ação, tendo a achar que só faltou criatividade para fazer algo melhor.

Aliás, embora o estilo frenético do diretor esteja perceptível, isso se perde na falta de identidade da produção. A edição é acelerada a ponto de parecer que alguém está contando qual é o plano (porém não é isso) e os diálogos tentam colocar uma série de piadinhas e trocadilhos na boca de Aubrey Plaza, mas são poucos os momentos que realmente funcionam – fiquei com dó do responsável pela legenda em português, que teve que se desdobrar para adaptar. Para completar, o protagonista rabugento e de moral questionável não tem o carisma necessário para que eu queira ver mais um filme com ele.

Com uma trama simples, um elenco interessante (ainda que sem muito o que fazer), uma correria sem propósito, algumas porradas e uma estranha obsessão com esmagamento de testículos, Operation Fortune: Ruse de guerre funciona como um entretenimento de galera ou como uma alternativa mais descerebrada neste momento em que os cinemas vão começar a receber produções mais sérias, da chamada “temporada de premiações”. No futuro, talvez ele seja bem recebido entre as produções que misturam humor e ação nos serviços de streaming. Ainda assim, acredito que seu destino seja o esquecimento.

Outras divagações:
RocknRolla
Sherlock Holmes
Sherlock Holmes: A Game of Shadows
The Man from U.N.C.L.E.

Filmes que contam histórias de fugas de prisões possuem um dilema interessante em mãos. Eles podem focar na prisão e nos riscos de sair dela (o que inclui a possibilidade de que o plano possa dar errado), nos personagens (normalmente obsessivos e inteligentes, embora frequentemente meio transtornados) ou no plano em si (quase como em um filme de roubo/golpe, com destaque para as estratégias mirabolantes). Além disso, quando a produção se baseia em acontecimentos reais, também é preciso lidar com o retrato do prisioneiro em si (se ele for inocente, sempre é melhor).

Em Escape from Pretoria, os potenciais fugitivos são Tim Jenkin (Daniel Radcliffe), Stephen Lee (Daniel Webber) e Leonard Fontaine (Mark Leonard Winter) – este último, uma construção fictícia, baseada em mais de uma pessoa. Eles estão atrás das grades por discordarem do regime de segregação racial existente na África do Sul, o apartheid, e querem sair da prisão justamente para poderem continuar com sua luta. Ou seja, o caráter dos personagens e suas motivações são questões praticamente intocáveis; o público imediatamente está (ou deveria estar) do lado deles.

E o filme não perde tempo em deixar claro que, desde o julgamento, eles já estão se preparando para escapar. Além disso, o sucesso dessa empreitada também parece ser certo (eu não conhecia a história de antemão, mas nunca cheguei a duvidar). A grande questão é: como eles vão fazer isso.

Assim, para criar tensão, a produção de Escape from Pretoria optou por misturar o enfoque nos riscos (basicamente, morrer) e no plano. O problema é que a estratégia elaborada é bastante meticulosa, mas não exatamente algo de outro mundo. Desta forma, acompanhamos os personagens serem extremamente cautelosos com cada passo, conferindo e reconferindo o plano e testando todas as possibilidades. O resultado é sem dúvida realístico, mas acaba não sendo muito empolgante.

Sob certos aspectos, o roteirista e diretor Francis Annan opta por trabalhar com pequenas situações de perigo, que seguem ao longo de todo o filme. Estas sequências não exatamente criam uma crescente em direção ao grande momento, mas funcionam para manter o espectador atento – afinal, mesmo acreditando que a fuga dará certo, isso não quer dizer que não haverá complicações adicionais até lá.

Outro aspecto que chama a atenção em Escape from Pretoria é que, ainda que esteja muito bem guardada, esta prisão fica no meio da cidade e não possui câmeras de segurança, algo que nos acostumamos a ver no gênero. Então, a fuga parece ser relativamente simples. Obviamente, esse não é o caso e sinto que a produção poderia fazer um esforço maior para ter deixado a dificuldade mais clara. Ao mesmo tempo, o retrato dos guardas como funcionários cumprindo seu dever e crentes no sistema me parece adequado (e, sim, eles são mostrados pessoas péssimas, ainda que não como “vilões”).

Para completar, foi feita a escolha de não focar demais no aspecto político dos personagens, embora seja colocada uma oposição na figura de outro preso político, Denis Goldberg (Ian Hart). Com isso, o longa-metragem coloca uma mensagem estranha em relação aos que optaram por se manterem “inocentes” aos olhos da lei ao cumprirem a pena dada por um regime com o qual não concordam.

De qualquer modo, Escape from Pretoria, por mais que não seja o filme mais empolgante (ou eficiente) do gênero, é fiel ao ponto de vista que escolheu e conta sua história com habilidade e tanta precisão quanto possível. Afinal, a produção é baseada em um livro de Tim Jenkin e o ativista esteve presente durante as filmagens. O resultado é fruto dessa prioridade.