Os fãs de Godzilla vivem um momento único. Por um lado, nunca tivemos tantos filmes do mostrengo em tão pouco tempo – graças à versão americana da Legendary que, apesar de não ser absurdamente competente, é decente o suficiente para render seu quarto título. Por outro lado, é difícil olhar para os rumos da série no ocidente e ver que suas raízes essencialmente nipônicas estão sendo pouco a pouco esquecidas no mar de sequências e universos compartilhados que Hollywood oferece.

De qualquer modo, sete anos depois de experimentar com uma radical releitura da franquia com o divisivo Shin Gojira, a Toho volta aos cinemas com uma filosofia oposta ao seu filme anterior. Gojira -1.0 é um verdadeiro retorno aos temas que consagraram o filme de 1954 como um clássico.

Capitaneado pelo diretor e roteirista Takashi Yamazaki, mais conhecido por seu trabalho em animação e adaptações de outras propriedades, Gojira -1.0 é um filme de época que, tal como o original, retorna ao Japão pós 2ª Guerra. Agora, a narrativa é centrada em Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki), um ex-piloto kamikaze que apenas sobreviveu ao conflito devido ao ataque de uma misteriosa criatura gigante em uma ilha onde havia parado para reparos do seu avião.

Assolado pela culpa de não ter realizado sua missão e pela covardia na hora de enfrentar o monstro, Koichi retorna para Tóquio ainda assombrado pelos fantasmas da guerra. Na cidade, ele encontra a jovem desabrigada Noriko (Minami Hamabe) e a bebê que ela carrega, acolhendo-as meio a contragosto e, eventualmente, formando laços. Porém, com o possível retorno do monstro e o perigo que ele representa, Koichi precisa encarar seu passado, juntando-se a um grupo de ex-soldados e marinheiros dispostos a enfrentar a criatura.

Com uma dose bastante generosa de drama, este é um dos filmes do Godzilla com menos Godzilla. Talvez também seja a produção recente em que ele menos funciona como um personagem, servindo mais como um obstáculo narrativo para o lado humano da trama. Obviamente, não há nada de incomum no “monstro como metáfora” e a noção de um Godzilla com “personalidade” é relativamente recente.

Ainda assim, se comparado à força quase divina de destruição que tínhamos em Shin Gojira ou à opção mais bestial da Legendary, o Godzilla desta produção acaba ficando particularmente apagado. Essa é a versão menos interessante do personagem nos tempos recentes, o que pode acabar desapontando aqueles que forem aos cinemas esperando algo centrado nos monstros e na destruição.

Porém, não acho que podemos jogar essa centralidade do drama humano contra o longa-metragem, pois Gojira -1.0 é um filme surpreendentemente competente quando se trata de apresentar esse aspecto da trama. Afinal, é uma representação sólida e verossímil do Japão no período pós-guerra.

Nesse cenário, o protagonista é atormentado pelo transtorno pós-traumático e pela inabilidade de tirar seu coração do campo de batalha. Ainda que isso às vezes descambe um pouco para o melodrama e uma interpretação exagerada, o recurso funciona bem para fazer com que essa seja uma produção fundamentalmente carregada por seus personagens humanos e não pelo monstro, sendo capaz de comover o público com ou sem a participação do personagem titular.

Se o Godzilla de 1954 representava a ameaça nuclear e dava corpo aos temores de aniquilação da população civil japonesa, esta encarnação talvez represente a guerra em um aspecto mais subjetivo. O filme dá forma aos traumas coletivos de toda uma geração de soldados que se viram impotentes para fazer alguma diferença em uma guerra entre uma nação que não estava preocupada com seu bem-estar e uma superpotência com um poder de destruição incomparável. Enfrentar o monstro é lidar com esses traumas e encontrar forças para seguir em frente.

Assim, a mensagem central tem um bom resultado nessa ambientação – realizando as ambições do terceiro ato de Shin Gojira de uma forma muito mais efetiva –, ainda que não entregue nada de particularmente original ou revolucionário. Nesse sentido, o filme acaba sendo mais “redondo” e palatável que seu antecessor direto, trocando um pouco da esquisitice e das ambições narrativas por uma execução técnica caprichada e uma história que funciona bem tanto no seu país de origem quanto no ocidente. Tudo isso sem cair na galhofa que ficou conhecida por aqui, fazendo valer o peso que a série tem.

Não sei se os fãs da destruição descerebrada que marcou o título nos últimos anos vão ser saciados. Mas Gojira -1.0 é um bom filme, resgatando as origens do personagem e trazendo essa veia mais adulta para os dias de hoje. Sinceramente, recomendo a produção a todos os interessados que forem capazes de encontrar uma das raras sessões presentes nos cinemas nacionais.

Outras divagações:
Shin Gojira

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Aquaman and the Lost Kingdom é o adeus oficial ao universo da DC imaginado por Zack Snyder. Mas, após as recepções de mornas a negativas para Shazam! Fury of the Gods e The Flash, dificilmente alguém achava que este longa-metragem traria uma redenção, ainda mais com o clima de fim de festa estando mais do que perceptível. Em um cenário em que a Marvel vai mal das pernas e os filmes de herói têm dificuldade em empolgar, o desânimo contamina toda a indústria.

Por ter gostado do primeiro Aquaman mais do que a média – afinal, ele abraçou a veia carnavalesca e melodramática do gibi enquanto seus colegas pareciam envergonhados em mostrar qualquer elemento mais fantástico –, o melhor que eu poderia esperar era um final que não colocasse uma pá de cal. Ou seja, eu queria que Aquaman and the Lost Kingdom permitisse uma saída de cena com certa dignidade.

Seguindo diretamente o filme anterior, Arthur Curry (Jason Momoa) tem que lidar com sua nova vida como rei de Atlantis, casado com Mera (Amber Heard, cuja participação foi reduzida a somente o essencial) e com um filho pequeno para cuidar. Além das dificuldades em conciliar suas funções como herói, monarca e pai, ele precisa encarar David Kane (Yahya Abdul-Mateen II), o Black Manta, que retorna querendo vingança e, dessa vez, está empoderado por forças místicas. Com o mundo inteiro em risco, Arthur é obrigado a recorrer ao seu irmão, Orm (Patrick Wilson), aprisionado devido a crimes contra Atlantis.

Com uma narrativa construída em cima da relação entre Arthur e Orm, Aquaman and the Lost Kingdom até consegue se diferenciar do antecessor e ter um pouco de charme. Eu genuinamente gostei da dinâmica entre os dois personagens e da maneira como ela se desenvolve durante o filme, especialmente pelo contraste entre o protagonista e Orm, que ressignifica sua relação com Atlantis e com a própria família. Isso transforma um personagem que era um vilão sem sal em um deuteragonista até que interessante.

Porém, em todo o resto, Aquaman and the Lost Kingdom parece ter sido construído de partes e pedaços de filmes mais interessantes e bem-sucedidos do que ele. As sequências e os personagens lembram um estranho pastiche de batidas narrativas que, a essa altura, soam um pouco cansadas, não trazendo inovações e nem mostrando a que vieram. O vilão é uma versão menos interessante de si mesmo, a ação é dependente de longas sequências de computação gráfica, a trama é repleta de inconsistências e o próprio mundo submarino é menos vibrante do que no filme anterior.

A narrativa também se mostra meio desconjuntada durante o primeiro e o último ato. A controversa participação de Amber Heard talvez seja responsável por uma mudança de planos que afetou a produção negativamente, tirando o peso emocional da relação de Arthur com Mera e seu filho. Porém, não consigo ver um cenário em que isso se resolveria de modo excepcional e acho que o filme inteiro perde.

Aquaman and the Lost Kingdom não chega a ser ruim e, sinceramente, encontrei menos problemas do que nos demais filmes da DC lançados nesse ano. Ao mesmo tempo, é um filme que já entra em campo derrotado, tendo desistido de lutar contra todas as circunstâncias que iam diretamente contra ele e se contentado em entregar o mínimo (antes que David Zaslav decidisse mandar o filme para o mesmo limbo onde está Batgirl).

De qualquer modo, não sei se um investimento maior de energia iria elevar a produção para além do “simpática”. Mas é meio triste ver que o filme se tornou um produto sem identidade própria. Parafraseando T. S. Eliot, acho que é assim que o universo da DC acaba, não com uma explosão, mas com um gemido, em uma grande pilha de potencial não realizado e decisões questionáveis. Espero que James Gunn não cometa os mesmos erros no futuro.

Outras divagações:
Man of Steel
Batman v Superman: Dawn of Justice
The Batman
Black Adam
Suicide Squad
Birds of Prey: And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn
Wonder Woman
Justice League
Aquaman
Shazam!
Shazam! Fury of the Gods
Joker

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Eu não sei muito sobre quem é Priscilla Presley ou mesmo sobre suas conquistas. Mas acredito que isso não é necessário para entender a mensagem que Priscilla está tentando passar. Sob muitos aspectos, o casal retratado é um exemplo de um determinado tipo de relacionamento, inclusive caindo em vários “clichês” desta dinâmica, o que é enfatizado pela fama, pela riqueza e por outras características específicas deste contexto.

Outra questão relevante é que esta produção tem um ponto de vista e não o esconde: ela é baseada na autobiografia de sua protagonista, que também é creditada como produtora. Por conta disso, o longa-metragem não tem apoio da Elvis Presley Enterprises – ou seja, não espere por muitas músicas com o característico vozeirão – e, ainda em sua fase de roteiro, desagradou a filha do cantor, a já falecida Lisa Marie Presley.

Com roteiro e direção de Sofia Coppola, a história começa no início dos anos 1960 e acompanha a vida da jovem Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny), uma adolescente do Texas que nem entrou no Ensino Médio e vive entediada na Alemanha, para onde seu pai foi transferido no exercício de suas funções como militar. Por meio de conhecidos, ela passa a frequentar a casa de Elvis Presley (Jacob Elordi) no país e os dois logo engatam um namoro, apesar da diferença de idade de 10 anos.

Irritada com os pais e encantada com o relacionamento com um homem bonito, rico e talentoso, Priscilla se deixa levar. Em pouco tempo, ela se vê sozinha em uma casa enorme e em uma nova cidade. Sem nenhum vínculo além de seu namorado famoso, a jovem acaba tendo que conviver exclusivamente com a família, os funcionários e os amigos dele, além de se ver obrigada a seguir as regras dele, inclusive sobre como ela deve se vestir e se sentir.

Assim, embora Priscilla leve apenas o nome de sua protagonista, a verdade é que ela conta a história de um relacionamento, com início, meio e fim. Neste mesmo sentido, também vale dizer que se trata de um drama, e não de um romance. Claro que, sob diversos aspectos, os dois vivem algo mágico e maravilhoso, mas o passar do tempo e a maior maturidade de quem conta a história – em relação a quem a “vive” – fazem com que certos pontos amargos ganhem destaque.

Além disso, é preciso admitir que Cailee Spaeny carrega uma enorme responsabilidade. Ao mesmo tempo em que apresenta um jeito de menina e uma voz delicada – que contrastam enormemente com as presenças masculinas –, ela tenta apresentar o amadurecimento de uma mulher. Sua personagem não é absolutamente ingênua, mas com certeza não tem o calibre emocional que é demandado dela. É um retrato delicado de construir, que está em boas mãos com Sofia Coppola, mas que ainda depende de um público receptivo.

E, obviamente, há um contexto histórico a ser observado. Os protagonistas não têm redes sociais e não discutem relacionamentos tóxicos; eles também têm visões claras (e até mesmo coincidentes) sobre o papel de um homem e de uma mulher em um relacionamento. Mas esta é uma trama de 1960 sendo contada por pessoas que vivem em 2023 – e ambas estas datas são relevantes para que Priscilla seja o filme que é.

Por não se tratar da cinebiografia de um cantor famoso, Priscilla não vem acompanhado de toda a empolgação que estas obras têm trazido. Em contrapartida, também não cai nas mesmas fórmulas narrativas. Assim, este não é um filme que encontra ecos em outras produções similares, mas ele espelha muitas outras histórias conhecidas e bem mais próximas, de avós, mães, tias, amigas e nós mesmas.

Outras divagações:
Lost in Translation
Somewhere
The Bling Ring
The Beguiled

Não sei qual é a frequência em que isso acontece em outros países, mas o Japão normalizou a prática de fazer filmes que são continuações de séries animadas. Eiga Bakuten!! é mais um exemplo neste sentido, funcionando de uma maneira bem típica. A produção é uma sequência direta dos 12 episódios exibidos em 2021, sendo praticamente um capítulo alongado.

Para quem não está familiarizado, a história acompanha o time de ginástica rítmica masculina de uma escola japonesa após sua classificação para competir nacionalmente. Isso envolve desde a competição em si até as consequências dela para cada um dos personagens, com as diferenças entre os alunos que seguem na escola, os que estão prestes a se formar e até mesmo o professor que coordena o grupo (Takahiro Sakurai).

Com esta trama, o filme se distancia um pouco do protagonista da série, Futaba Shôtarô (Shimba Tsuchiya), embora o seu olhar sobre os acontecimentos siga sendo determinante. A trajetória mais marcante, por sua vez, passa a ser de Watari Kôtarô (Hiroshi Kamiya), o único veterano que segue no grupo. É ele quem recebe a missão de ser o novo capitão do time, embora não se sinta exatamente preparado – especialmente após seu desempenho na competição e um anúncio que recebe do técnico.

De qualquer forma, Eiga Bakuten!! dá um jeito de incluir todos os personagens já conhecidos, permitindo que cada um tenha espaço para mostrar um pouco de sua personalidade. A maior parte deles não tem nenhum desenvolvimento relevante, de modo que há um ar de “participação especial” em vários destes momentos. Ainda assim, não é como se este filme fosse totalmente dispensável em uma eventual continuação (seja em formato de série ou outro filme), já que o status quo geral tem mudanças.

Aproveitando... Talvez você já tenha questionado o termo “time de ginástica rítmica masculina”. Ele soa estranho porque não se trata realmente de um esporte reconhecido internacionalmente (há até variações na interpretação do que isso implicaria). Mas o fato de que não há uma carreira real por trás deste esporte também tem suas consequências para os personagens.

Além disso, há a questão de que esta é menos uma história sobre o “sentimento esportivo/competitivo” (ou o que quer que isso seja) do que a série. Eiga Bakuten!! poderia ser um filme melancólico sobre as inevitáveis mudanças da vida e a necessidade de abandonar hobbies com a chegada de novas responsabilidades, mas ele prefere ser uma “esticadinha” dos bons momentos. Claro que isso também tem seu valor, mas tudo acaba soando imensamente passageiro, além de não resolver o conflito mais imediato.

Como uma obra isolada, Eiga Bakuten!! tem muito pouco a acrescentar. A animação não é particularmente fantástica, mas entrega um resultado legal. Já a história tem um ritmo estranho e fragmentado, sem conseguir verdadeiramente se aprofundar nos pontos que importam. Suponho que funciona para quem gosta bastante do material original, mas ele não consegue ser tão cativante quanto a série.

Aparecendo como mais um sintoma da “disneyficação” de qualquer forma de nostalgia minimamente capitalizável, o anúncio de Wonka provocou uma resposta quase unânime: “Realmente precisamos de uma prequela de Willy Wonka & the Chocolate Factory (ou mesmo de Charlie and the Chocolate Factory) em pleno ano de 2023?”.

Só para começar, o icônico personagem de Gene Wilder dificilmente pode ser visto como uma figura simpática. Para mim, ele sempre soou como um antagonista misantrópico e ensandecido para contrastar com a bondade ingênua de Charlie. Assim, quaisquer tentativas de torná-lo uma figura mais “humana” pareciam ir contra tudo que o personagem representa, em uma tentativa de lixar as arestas que tornavam Willy Wonka interessante no intuito de o transformar em algo mais amigável e fácil de vender.

Obviamente, eu não esperava que o filme consistisse em duas horas de Timothée Chalamet aprendendo a torturar crianças e escravizar sociedades inteiras – afinal, Hollywood não aceitaria esse risco criativo. Mas, quando tudo que sobra do personagem é uma cartola e a noção de “homem mágico do chocolate”, passa a ser difícil não enxergar a produção como um produto sem alma e pingando cinismo.

Ainda assim, não foi exatamente isso o que aconteceu. Com isso, escrever sobre Wonka é uma experiência particularmente difícil e admito que preferiria só não gostar do filme, sem fazer nenhuma reserva.

Dirigido por Paul King, Wonka tem uma história estranha, em que um jovem Willy Wonka (Timothée Chalamet), recém-chegado de uma viagem pelo mundo, sonha em abrir sua própria loja de chocolates para honrar uma promessa feita com a mãe (Sally Hawkins). Porém, ao encontrar a resistência da polícia local e dos membros do “cartel do chocolate”, ele se vê empobrecido e forçado a trabalhar para Mrs. Scrubbit (Olivia Colman). Então, ele conhece a órfã Noodle (Calah Lane) e outras pessoas na mesma situação, encontrando nestas amizades a possibilidade de escapar da servidão e de realizar seu sonho.

Com números musicais competentes (mas longe de oferecerem o nível de “grudência” que considero ideal), um roteiro leve, certa sagacidade e um clima fantástico suficientemente interessante, Wonka certamente não é a casca vazia corporativa que eu esperava. A produção tem diversos momentos genuínos, especialmente ao explorar coadjuvantes, e se diverte ao poder trazer personagens caricatos e mesclar todos esses elementos.

Infelizmente, esses elementos positivos não apagam completamente a noção inicial de que este é um filme absolutamente desnecessário. Pior ainda, ele é antiético ao personagem. Por isso, é até difícil respeitar a performance de Chalamet, que se esforça, mas que não consegue convencer no papel – em grande parte, por causa da maneira que foi escrito. Este protagonista pouco lembra a veia sardônica de Wilder ou até mesmo a esquisitice quase alienígena de Johnny Depp, sendo uma versão inofensiva e meio sem graça do personagem, que legitimamente não parece que se tornará o Willy Wonka que conhecemos.

Assim, eu realmente me pergunto se Wonka não seria apenas melhor como uma história original, com um personagem diferente. Tenho certeza que Paul King conseguiria trazer este mesmo senso de fantasia e maravilhamento típicos na obra de Roald Dahl de outra maneira. Aliás, alguns elementos típicos, quer sejam os chocolates ou os oompa-loompas, são tão insignificantes na história que poderiam ser facilmente substituíveis.

Isso torna difícil levar a opção artística de fazer esse filme a sério, mas suponho que o efeito seja menos vertiginoso para uma audiência que não tem muita familiaridade com qualquer uma das versões da história original. Wonka me parece o filme ideal para levar uma criança mais nova para o cinema, ainda que a produção esteja dependendo da nostalgia dos adultos para justificar sua existência.

Outras divagações:
Paddington

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

A capacidade de subverter um gênero, de fazer algo novo, de chocar ou, simplesmente, de surpreender é algo que sempre deve ser recompensado – e também é algo bem difícil de fazer direito. Heathers é um filme que, até hoje, gera sentimentos conflitantes em quem o assiste, trazendo à tona sentimentos que raramente são duplicados em produções comerciais de sucesso. Afinal, esta é uma produção perturbadora (e cômica) sobre algo aparentemente mundano.

Veronica Sawyer (Winona Ryder) é uma menina bonita e popular de sua escola; daquelas que são cruéis e simpáticas ao mesmo tempo. Mas ela está cansada da futilidade e da dinâmica de seu grupinho, liderado por Heather Duke (Shannen Doherty) e que também inclui Heather McNamara (Lisanne Falk) e Heather Chandler (Kim Walker). Assim, quando aparece um misterioso aluno novo, Jason “J.D.” Dean (Christian Slater), Veronica não demora a se aproximar dele.

A jornada de amizade e o eventual romance entre Veronica e J.D., entretanto, são acompanhados por uma série de suicídios de estudantes, o que preocupa os pais e os professores, além de chacoalhar os jogos de poder entre os alunos. E Veronica está mais envolvida do que gostaria com cada uma destas mortes.

Heathers, então, mergulha neste universo adolescente que é real e absurdo ao mesmo tempo. Os temas principais estão presentes em muitas obras envolvendo escolas, especialmente considerando a clássica “high school” norte-americana, mas o caráter questionável dos protagonistas e de suas motivações dá um novo tom para a questão. É como se a tal “angústia adolescente” fosse levada a um novo patamar.

Como se não bastasse, o filme parece ter sido cuidadosamente projetado para se tornar um clássico cult. O uso de gírias é terrivelmente datado, mas funciona muito bem para representar a faixa etária (além de distanciar de forma eficiente as “meninas populares” do público); os figurinos são caricatos, sendo perfeitos para serem replicados e reconhecíveis; e os cenários são facilmente identificáveis e ao mesmo tempo irreais, dando um aspecto de sonho para a produção (ou de pesadelo).

Além disso, Heathers tem um roteiro repleto de frases e momentos marcantes, que também ficam nesta estranha fronteira entre o que é realístico e o que é exagerado e inacreditável. Há festas universitárias decadentes, comentários inapropriados sobre suicídio, amizades de conveniência, exemplos de masculinidade frágil, tentativas de estupro (e um estupro) e uma variedade de preconceitos, além de um relacionamento abusivo entre os protagonistas. Mas os personagens reagem a tudo isso como parte do cotidiano, como se não fosse nada demais.

O detalhe é que, mais de 35 anos após seu lançamento, o coração do filme ainda parece estar “no lugar certo” – e há quem interprete a produção como uma divertida lição de moral. Afinal, embora nenhum de seus personagens seja inerentemente bom ou correto, Heathers joga a carta de que se trata de uma sátira da sociedade estudantil adolescente, de modo que qualquer absurdo pode facilmente ser justificado pelo enquadramento (obviamente, sensibilidades mudam, mas acredito que a produção consegue contornar bem esta questão).

Com isso, Heathers continua proporcionando uma experiência interessante, divertida e simultaneamente perturbadora. É uma viagem para um universo alternativo que é assustadora próximo ao mundo em que vivemos.

Por não ter uma memória muito clara de Bridget Jones's Diary – lembrava do dilema de usar ou não uma “calcinha de vó” para um encontro –, eu achava que ia encontrar uma comédia romântica engraçada e um bom conflito sobre qual dos dois “interessados” conquistaria um lugar no coração da protagonista. Eu estava certa na minha primeira pressuposição, mas não na segunda.

A história acontece ao redor de Bridget Jones (Renée Zellweger), uma moça normal, que não se enquadra no padrão de beleza magérrimo, mas que também não é gorda. E eu precisei dizer isso porque ela ser “gordinha” parece ser muito importante em algumas sinopses por aí, como se isso a tornasse “indesejável” e fizesse com que a premissa não fosse crível. Sinceramente, acho que o fato dela ser imensamente atrapalhada talvez seja mais importante neste ponto, mas enfim...

Bridget trabalha em uma editora e tem uma certa queda por seu chefe, o mulherengo Daniel Cleaver (Hugh Grant), que nunca deu a mínima para ela. Um dia, ela aparece no escritório com uma minissaia e, então, começa a receber e-mails cheios de insinuações vindos de seu superior. Embora o tom seja meio pesado (sinceramente, eu iria direto para o RH), ela entra no jogo e, entre uma mensagem e outra, ela e Daniel se tornam um casal.

Embora este relacionamento pareça caminhar para um desastre iminente, há vários momentos fofos entre os dois e eles realmente se dão bem. O detalhe é que o casal começa a cruzar com Mark Darcy (Colin Firth) com alguma frequência. Bridget o conhece de uma festa de Natal na casa dos seus pais (Gemma Jones e Jim Broadbent, ótimos), onde ele foi apresentado como um recém-divorciado trágico – e nenhum teve uma boa impressão inicial do outro. Já Daniel era um antigo amigo, mas algo aconteceu recentemente entre os dois, gerando uma boa dose de ressentimento. Porém, estes momentos estranhos acabam aproximando Bridget e Mark.

Com essa sinopse, dá para entender que não há muito mistério no dilema vivido pela protagonista. Mas Bridget Jones's Diary não se importa muito com isso, aproveitando a sequência de trapalhadas que sua heroína faz pelo caminho. Sob certos aspectos, o romance parece acontecer em uma linha paralela, enquanto a personagem principal vive uma série de momentos constrangedores que Daniel e Mark parecem não notar (ou só acham fofo).

Ao mesmo tempo, o filme representa uma nova sensibilidade (ou geração). Afinal, estamos em 2001 e Bridget é uma mulher comum, que não tem a carreira desejada, o casamento que tanto sonhou e nem a perspectiva de alcançar qualquer uma dessas coisas – ao menos não até a história começar a se desenrolar. Enquanto outros filmes do gênero traziam mulheres poderosas que precisavam sair um pouco da casca para se entregar ao amor (ou variações disso), ela busca por romance desesperadamente, o que gera muitos e muitos tropeços.

Infelizmente, muitas coisas em Bridget Jones's Diary não responderam bem ao passar do tempo, especialmente os avanços de Daniel e uma ou outra frase que soa “errada” aos ouvidos mais de duas décadas depois. Ainda assim, o efeito geral continua sendo o de uma comédia romântica adorável, do tipo que eu não me importaria em reassistir. Sinceramente, deu até vontade de encarar as continuações.

Expectativas são engraçadas. Eu li tantas coisas ruins sobre The Marvels – as motivações não fazem sentido, o tom do filme não é bem definido, a trama é boba etc. – que fui para o cinema esperando por uma bomba. E não devo ter sido a única, já que me deparei com uma sala de cinema meio vazia (ou meio cheia?), algo incomum considerando a estreia recente e o padrão para uma produção do estúdio.

Lá pelas tantas, contudo, eu percebi que estava me divertindo e que várias daquelas coisas ditas anteriormente não faziam muito sentido. O que aconteceu, então? Em primeiro lugar, é preciso admitir que este, obviamente, não é um filme perfeito – mas ficou evidente que seus defeitos estão sendo considerados de forma potencializada, enquanto as qualidades estão sendo ignoradas.

Em grande parte, acredito que seja uma questão de “timing”, pois já estamos saturados de histórias de heróis e, mais especificamente, cansados da fórmula narrativa da Marvel. Outro aspecto que me vem à mente é o próprio preconceito com produções do gênero protagonizadas por mulheres (infelizmente, não tenho como medir o peso disso na recepção do longa-metragem).

The Marvels reúne três personagens já conhecidas, de modo que ele exige um conhecimento prévio não apenas dos filmes, mas também das séries do estúdio. Carol Danvers (Brie Larson) é uma capitã muito, muito, muito poderosa que vive no espaço com seu “gato” e não tem relacionamentos muito bons na Terra. Monica Rambeau (Teyonah Parris) é uma capitã que sempre leva pauladas da vida, mas dá um jeito de se reerguer, ainda que permaneça com o coração machucado. E Kamala Khan (Iman Vellani) é uma menina com muita energia, que sonha em viver grandes aventuras com sua heroína favorita. Já deu para perceber que alguém está destoando no grupo.

Embora cada uma delas tenha sua própria vida, elas são forçadamente conectadas quando a líder política Dar-Benn (Zawe Ashton) resolve utilizar um poderoso bracelete – que é idêntico ao de Kamala – para salvar seu planeta e, de quebra, vingar-se de Carol. Como as três heroínas são capazes de manipular luz de diferentes formas, a cada vez que usam seus poderes ao mesmo tempo, elas trocam fisicamente de lugar.

Com isso, The Marvels usa de uma premissa simples para explorar a dinâmica (propositalmente não muito harmoniosa) entre suas protagonistas e criar cenas de luta divertidas. O recurso funciona porque, de outra forma, elas poderiam derrotar qualquer outro “inimigo” sem muitos problemas, mas também porque força Carol Danvers a criar laços e falar sobre sua vida no espaço, dando uma nova dimensão a uma personagem que, de outra forma, seria apenas sisuda e chata.

Além disso, com o tempo de tela dividido, Kamala consegue trazer comédia sem incomodar demais (ou talvez eu seja simplesmente muito velha para lidar com uma pessoa tão cheia de energia). Em contrapartida, nem mesmo os ares de protagonista conseguem salvar Monica Rambeau, que segue sendo apenas uma enciclopédia de termos científicos rocambolescos, usados para explicar a “ciência” envolvida no filme.

De qualquer modo, The Marvels consegue ser engraçado e trazer um entretenimento perfeitamente aceitável. Não se trata de uma grande obra-prima e está longe de ser a melhor coisa que o estúdio já levou aos cinemas – mas também está longe de ser a pior. Considerando que vamos começar a temporada de produções “sérias”, que aspiram premiações, esta é uma boa opção para quem quer apenas curtir uma tarde divertida.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Ant-Man and the Wasp: Quantumania
Black Panther
Black Panther: Wakanda Forever
Black Widow
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
Doctor Strange
Doctor Strange in the Multiverse of Madness
Eternals
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Guardians of the Galaxy Vol. 3
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
Spider-Man: No Way Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok
Thor: Love and Thunder

De vez em quando, as comédias românticas tentam ressurgir, mas o lançamento de um ou outro filme de sucesso não significa que o gênero retomou a importância de outrora. Para alguém que cresceu com estas produções, foi difícil entender como esta decadência aconteceu, já que dificilmente há algo com mais potencial de aquecer o coração.

Along Came Polly faz parte de uma das últimas levas de comédias românticas estreladas por “grandes atrizes do momento”, capazes de levar um público fiel aos cinemas para vê-las se apaixonando. Ao mesmo tempo em que a produção cumpre com o seu objetivo geral, também entendo que a fórmula é cansativa. Afinal, temos mais uma vez a moça relutante que acaba cedendo a um relacionamento que não faz muito sentido, mas é inevitável – afinal, esta é uma comédia romântica.

Reuben Feffer (Ben Stiller) é um cara quadrado ao extremo, que faz tudo de forma extremamente calculada, incluindo seu casamento com Lisa Kramer (Debra Messing). Porém, quando se vê novamente sozinho, ele acaba sendo influenciado pelas maluquices de seu amigo de infância, Sandy Lyle (Philip Seymour Hoffman), e por uma antiga colega que volta para sua vida inesperadamente, Polly Prince (Jennifer Aniston).

Interessado em reconstruir sua vida amorosa, Reuben decide investir em Polly e começa a questionar muitas de suas antigas atitudes. O detalhe é que a inconstância dela – acompanhada por uma aversão a relacionamentos e pelo retorno de Lisa – pode acabar prejudicando sua posição como braço-direito do chefe (Alec Baldwin). Não que algo particularmente sério vá acontecer, afinal, esta é só uma comédia romântica.

Obviamente, o protagonista masculino de Along Came Polly faz muito pouco sentido. Uma pessoa adulta e bem-sucedida no ramo de seguros não teria um melhor amigo absolutamente caótico e nem se deixaria levar para situações em que fica óbvio que as coisas vão dar errado. Mas o jeito bufão de Ben Stiller tenta fazer as coisas parecerem críveis e você aceita, afinal, esta é só uma comédia romântica.

Outra questão curiosa do filme é que, embora a personagem de Jennifer Aniston tenha muitas questões mal resolvidas, não fica claro como ela chegou neste ponto e nem se ela quer/consegue efetivamente sair desse lugar. Há uma aura de mistério e aleatoriedades ao redor da personagem, sem nenhum interesse da produção em desatar o nó. Não que exista algo intrinsecamente errado com ela, mas falta uma catarse emocional. Mas tudo bem, afinal, esta é só uma comédia romântica (e não queremos desatar para um drama).

Com roteiro e direção de John Hamburg, Along Came Polly segue a cartilha do gênero quase ao pé da letra. Seu único desvio talvez seja justamente se concentrar em um protagonista que tenta entregar o humor, mas não exatamente o romance. Além disso, sem tentar subverter clichês ou puxar de outras fontes, a produção acaba soando pobre e como “só uma comédia romântica”, sem nada a acrescentar.

Não que a produção seja descartável – ou não estaríamos falando dela quase vinte anos após seu lançamento –, mas Along Came Polly é facilmente esquecível em um mar de longas-metragens similares. As sequências não são particularmente memoráveis (exceto por um ou outro exagero criado para efeito cômico) e faltam as faíscas de paixão que fazem brilhar os olhos dos espectadores. É uma comédia romântica do fim de uma era.

Embora assassinatos e crimes violentos aconteçam diariamente, a morte de Marísia e Manfred von Richthofen teve vários elementos que fizeram com que o caso ganhasse uma enorme repercussão na época. Foi um crime brutal no seio de uma família riquíssima, a principal suspeita logo recaiu sobre a aparentemente delicada filha do casal e os motivos do crime eram relativamente rasos. A atenção midiática colocou os envolvidos sob os holofotes – até mesmo os inocentes – e as vidas deles foram destrinchadas na frente de todo o país. Até hoje, qualquer passo de Suzane von Richthofen vira notícia e gera cliques. Não é à toa que essa história eventualmente iria para o cinema (e eu não acredito que esta será a última vez.

Em O Menino que Matou Meus Pais e A Menina que Matou os Pais, o diretor Mauricio Eça opta por contar essa história a partir do ponto de vista de duas das pessoas condenadas pelo assassinato: Suzane (Carla Diaz) e seu namorado, Daniel Cravinhos (Leonardo Bittencourt). Para isso, Ilana Casoy e Raphael Montes desenvolveram o roteiro a partir dos depoimentos de ambos, em que um joga a culpa no outro. Como resultado, temos dois filmes bem parecidos e bem diferentes, ambos com narradores não confiáveis e relativamente longe da verdade (talvez ela esteja em algum lugar no meio, talvez não).

Optei por fazer uma única divagação sobre esses dois filmes porque, sinceramente, eles são a mesma obra. A estrutura narrativa é a mesma e várias cenas são iguais; outras tantas são quase iguais, apenas com variações nos diálogos ou com um enquadramento que traz mudanças nas informações que recebemos. O resultado é um pouco cansativo para quem assiste em sequência, mas acho que vale a pena (se você está investido na história, claro) porque buracos de informação vistos em um lado são frequentemente respondidos pelo outro.

Além disso, embora não exista uma ordem “certa”, o diretor recomenda assistir primeiro O Menino que Matou Meus Pais e, depois, A Menina que Matou os Pais (visualmente, contudo, parece que a opção inicial era o contrário). Desse jeito, de qualquer modo, a mudança em Suzane choca mais e ela termina a sessão como a “grande” culpada (o que, suponho, é o que as pessoas querem ver, sem chances de redenção). Na versão dela, Daniel é um namorado interesseiro, que manipula uma menina carente de afeto ao querer sempre mais e mais. Na versão dele, ela usa da bondade de toda a família para os envolver em uma série de intrigas e fugir do controle excessivo dos pais. Como eu disse antes, nenhuma dessas versões é totalmente verdadeira.

No processo, conhecemos também diferentes lados dos demais personagens. Marísia e Manfred (Vera Zimmermann e Leonardo Medeiros) são pais rígidos e exigentes, mas têm relativamente pouco tempo de tela, pois suas ações frequentemente são trazidas como narrações a terceiros. Já Andreas von Richthofen (Kauan Ceglio) está sempre por perto de Suzane e Daniel, retratado de uma maneira infantilizada e sendo usado por eles. Por sua vez, os pais de Daniel, Nadja e Astrogildo (Debora Duboc e Augusto Madeira) são carinhosos e liberais, às vezes ajudando seu filho a se aproveitar da menina rica, às vezes desconfiados da situação toda, às vezes zelosos tanto em relação a Daniel quanto a Suzane. E Cristian Cravinhos (Allan Souza Lima) tem pouquíssima participação nas narrativas, mesmo sendo um dos condenados pelo crime; dependendo da versão, ele é mais ou menos relutante.

Todo esse elenco ajuda muito a contar a história. Embora ambas as versões tenham seus buracos, elas são bem contadas e são relativamente convincentes. A principal mudança é mesmo em relação à personalidade de Suzane e Carla Diaz é essencial para mostrar isso de uma maneira clara (embora as sequências no tribunal me incomodem um bocado). Em O Menino que Matou Meus Pais, Suzane é uma adolescente que está ensaiando seus primeiros passos de rebeldia ao lado de um namorado ciumento e que a conduz para diversas situações com as quais ela não concorda, incluindo uma primeira relação sexual forçada e o uso de drogas. Em A Menina que Matou os Pais, ela é uma jovem problemática, que cria situações e que apresenta drogas para o namorado, frequentemente dependendo desse tipo de “muleta” para se relacionar com ele por conta de supostos traumas passados.

Um detalhe é que, em ambos os retratos, a questão do sexo (não só entre Daniel e Suzana) e das drogas é tratada de uma forma muito conservadora, o que chega a gerar um efeito inadvertidamente cômico (sinceramente, maconha não faz tanto estrago na vida de uma pessoa). Talvez isso venha dos depoimentos, talvez seja uma escolha da equipe de produção, considerando o que julga ser o público brasileiro. Insinuações de homossexualidade e infidelidade conjugal envolvendo as vítimas também surgem, mas sem nenhuma visualização clara; nesses casos, parecem ser histórias paralelas, jogadas para “manchar” a imagem dos falecidos ou simplesmente para confundir.

De maneira geral, os filmes não trazem respostas, mas abrem espaço para muitos questionamentos a respeito do que realmente teria acontecido. Eles ajudam a alimentar conversas e a manter o caso no imaginário popular. Para os curiosos de plantão, são dois pratos cheios de teorias e possibilidades.

Licorice Pizza é um filme que despertou minha curiosidade desde que as primeiras impressões começaram a pipocar. Afinal, é uma produção com roteiro e direção de Paul Thomas Anderson, que foi bem recebida pela crítica, que se passa nos anos 1970 e que é estrelada por Alana Haim (que eu já conhecia pela banda Haim). Para completar, o longa-metragem recebeu três indicações ao Oscar, todas para Anderson.

O único “senão” estava justamente em dos principais pontos da premissa. De maneira resumida, a história acompanha a parceria entre Alana Kane (Alana Haim) e Gary Valentine (Cooper Hoffman). Ela é uma jovem de 25 anos que está um pouco perdida na vida, morando com os pais e trabalhando em empregos ruins. Ele é um adolescente de 15 anos que começou uma carreira de ator na infância, mas é algo que não parece ter muito futuro.

Os dois se conhecem na escola de Gary e, apesar da diferença de 10 anos, ele demonstra interesses “românticos” por Alana; embora ela não retribua abertamente, é preciso admitir que dá alguma corda. Entre encontros e desencontros, os dois acabam em uma parceria comercial envolvendo colchões d’água, o que também implica em joguinhos, sinais falsos, mal-entendidos e frustrações diversas (para todos os lados).

Com isso, uma das questões comuns quanto a Licorice Pizza é: e se fosse ao contrário? Pois bem, eu acredito que a resposta para isso é complicada. Em primeiro lugar porque, apesar de tudo, Alana (a personagem) é muito imatura. Depois, é preciso considerar que o filme não é sobre um romance entre os dois, mas como ambos contornam a atração que sentem dentro de seus próprios contextos. E, por fim, não é como se um namoro entre os protagonistas fosse algo muito correto moralmente falando, de qualquer modo. Sem contar que dificilmente esta relação estaria destinada ao sucesso.

Dito isso, a produção é um mergulho em tempos mais inocentes – o que só funciona pela sensação de nostalgia trazida pelo visual e pela trilha sonora, que é recheada de ótimas canções. Licorice Pizza acontece dentro de uma bolha onde até há coisas ruins acontecendo no mundo, mas nada é capaz de arranhar os personagens principais. Inclusive, como tudo é mágico e sem grandes consequências, o longa-metragem ganha um ar de “histórias de tempos passados”; o que não é exatamente falso, já que muitos momentos se baseiam em anedotas ouvidas por Anderson e que basearam os personagens.

Para completar, o espectador comum é bombardeado por participações especiais que enchem os olhos. Enquanto o filme é estrelado por desconhecidos, passam brevemente pela tela Maya Rudolph, John C. Reilly, Tom Waits, Sean Penn e Bradley Cooper – só para citar alguns. E nenhum deles passa vergonha com o crédito na produção, já que entregam verdadeiras caricaturas de poder e estrelismo em meio ao “realismo” de Alana Haim e Cooper Hoffman, uma estratégia que funciona bem. Aliás, preciso acrescentar que toda a família Haim está no filme, interpretando justamente a família da protagonista.

Assim, Licorice Pizza é uma delicinha de assistir. É um filme charmoso, divertido, bem produzido, com excelentes atuações e repleto de bons momentos. Além disso, é uma produção sobre amadurecimento a partir de um ponto de vista diferente, explorando aquele momento dos 20 e tantos anos (quando os 30 começam a querer bater à porta). Ou seja, realmente vale a pena conferir.

Outras divagações:
Punch-Drunk Love
The Master
Inherent Vice
Phantom Thread

Ao me aventurar por um clássico – ainda mais um com um título como Le charme discret de la bourgeoisie –, eu me questiono se é melhor estudar sobre o filme antes e buscar “pelo que é bom” com algum conhecimento de causa ou se a alternativa mais adequada seria encarar como se fosse uma nova produção, algo fresco e desconhecido. Muitas vezes, conhecimentos prévios já me jogam no meio do caminho e era isso o que eu achei que aconteceria aqui; para a minha surpresa, o ponto de partida foi mais próximo da novidade.

Dirigido por Luis Buñuel e com roteiro assinado pelo cineasta e por Jean-Claude Carrière, este longa-metragem é, obviamente, uma sátira da alta sociedade francesa dos anos 1960 e 1970 (o filme é de 1972). A história acompanha um grupo de amigos em uma sequência de jantares malsucedidos e/ou de pesadelos rocambolescos. Aos poucos, as neuroses, os hábitos e as futilidades de cada um dos personagens vão sendo ressaltados e ressaltados, até que tudo se torna um grande exagero e a comédia se revela.

A panelinha, por assim dizer, é formado por dois casais – os anfitriões, Henri (Jean-Pierre Cassel) e Alice (Stéphane Audran), e um que está junto por formalidade, François (Paul Frankeur) e Simone (Delphine Seyrig) –, além da irmã de Simone, Florence (Bulle Ogier), e do embaixador de um país ficcional, Rafael (Fernando Rey). As relações entre eles já estão bem estabelecidas quando a história começa e não demandam muitas explicações; o que importa é a maneira como eles interagem e como lidam com os acontecimentos ao seu redor.

Assim, mais de 50 anos após seu lançamento, Le charme discret de la bourgeoisie ainda funciona muito bem. Enquanto assistíamos ao filme, meu namorado comentou a sensação de que as sequências pareciam esquetes de Monty Python, um grupo humorístico britânico que é contemporâneo ao filme, e precisei concordar. E não só eu: uma breve pesquisa do Google me indicou que muitas pessoas também pensaram a mesma coisa.

Com sua estrutura fragmentada, o longa-metragem traz uma sequência de episódios não necessariamente relacionados. Mas a familiaridade é mantida porque há uma ordem cronológica (aparentemente) e porque os personagens se repetem, às vezes com o elenco completo e às vezes em grupos menores. Além disso, há a questão temática, com o eterno problema do jantar sendo interrompido pelas mais variadas razões.

No decorrer de Le charme discret de la bourgeoisie, você percebe que tudo pode suceder. A produção explora adultério, alcoolismo, atentados, drogas, golpes militares em países latino-americanos, mortes, prisões, sexo, vingança e por aí vai... Ao mesmo tempo, como só poderia acontecer com este tipo de personagens, as coisas ocorrem (praticamente) sem consequências, o que só alimenta o sentimento de absurdo.

Talvez Le charme discret de la bourgeoisie seja uma versão francesa do Monty Python, talvez seja o que alguns chamam de “cinema surrealista”. Mas a verdade é que, lançado em um momento histórico que pedia por mudanças políticas e sociais, este filme foi bem recebido em sua época e continua sendo uma boa experiência. Afinal, ao fazer rir em vez de esbravejar, Buñuel deixa a sua mensagem bem clara e mantém sua própria pose.

Diz a lenda que Quentin Tarantino assinou um acordo especial com a Miramax por causa de Chung Hing sam lam; o objetivo era abrir sua própria distribuidora e garantir que a produção chegasse ao maior número de pessoas possível. Não sei se essa história é totalmente verdadeira, mas eu tendo a acreditar nela. Embora este longa-metragem seja escrito e dirigido por Kar-Wai Wong, eu consigo imaginar que Tarantino se sentiria atraído por esse filme a ponto de desejar que ele mesmo fosse o responsável.

A história se passa em Hong Kong e envolve dois policiais que costumam frequentar uma mesma lanchonete (na falta de um termo melhor) e que se apaixonam (não entre eles). O primeiro deles é o oficial 223 (Takeshi Kaneshiro), que está vivendo na fossa há um ano, desde que um relacionamento de quase cinco anos acabou. Mas ele volta a se sentir fascinado quando encontra uma mulher com uma peruca loira, óculos escuros e uma longa capa de chuva (Brigitte Lin), que tem vínculos com criminosos perigosos.

Já o policial 663 (Tony Chiu-Wai Leung) está desiludido pela longa ausência de sua namorada, que trabalha como comissária de bordo (Valerie Chow) e que, pelo jeito, não vai voltar. Ele ainda não está pronto para iniciar um relacionamento, mas uma jovem que trabalha na lanchonete, Faye (Faye Wong), insiste em entrar em sua vida.

Assim, as duas histórias de Chung Hing sam lam têm um vínculo muito leve entre elas e não exatamente possuem relação uma com a outra, de modo que são praticamente dois filmes distintos dentro de uma mesma estética. E que estética! Embora sejam duas histórias sobre romance e solidão, o longa-metragem é filmado como se fosse um filme de ação. A câmera está em constante movimento, mas também faz pausas bruscas, e a iluminação é acentuadamente artificial, amarelada ou azulada, tornando tudo mais extremo.

Outro ponto interessante é que a mensagem (ajudada pela estética) parece importar mais que os personagens. Os dois policiais têm desenvolvimentos interessantes e são mais aprofundados; ainda assim, eles parecem estar o tempo todo interagindo com pessoas caricatas e enxergam as situações com uma boa dose de exagero.

Hong Kong também tem um papel a representar em Chung Hing sam lam. A correria da cidade, o caos dos transeuntes e a arquitetura asfixiante são amplamente utilizados e fazem parte da construção dos protagonistas. Por mais que boa parte da trama aconteça ao redor da lanchonete (que dá nome ao filme), a moradia de 663 tem muito a dizer sobre ele, assim como o hotel que 223 escolhe para passar a noite. Outros ambientes, como bares e clubes, também têm seus objetivos a cumprir.

Além disso, o filme faz um uso extensivo de músicas, incluindo canções facilmente reconhecíveis sendo repetidas à exaustão. Muitas vezes, é o som que cria o vínculo entre os acontecimentos e conta uma camada da história (que, convenhamos, pode parecer confusa, mesmo sendo bastante simples).

Chung Hing sam lam é absolutamente fascinante, ainda que seja um pouco estranho. Sua estrutura não é muito convencional e sua preocupação com o aspecto visual pode levar à sensação de que falta substância, o que não é verdade e nem faz muito sentido, pois estamos falando de um meio audiovisual de contar histórias. Prestes a completar 20 anos de lançamento (em 2024), este filme segue com seu ar vanguardista e merece ser redescoberto.

Alguns filmes eram tão frequentes na televisão durante a minha infância que eu conheço a história de tanto ver pedaços da trama. Mas essa lembrança de uma experiência parcelada e muito distante no tempo é, obviamente, cheia de falhas. Por isso, resolvi aproveitar a oportunidade de ver Dirty Dancing sem interrupções.

A história acompanha um verão bem especial para Baby Houseman (Jennifer Grey). Ela é uma jovem cheia de privilégios que acabou de ser aceita em uma universidade de prestígio para estudar economia (ou algo assim) e que tem como ambição resolver conflitos no terceiro mundo (ou algo assim). Com esse jeito determinado, mas ainda ingênuo, ela é a filha preferida de seu pai (Jerry Orbach) e vive uma relação cheia de altos e baixos com a irmã, Lisa (Jane Brucker), que quer ser uma decoradora (ou algo assim).

Neste verão em específico, a família resolveu alugar um chalé em um hotel cheio de atividades. A equipe inclui um proeminente estudante de medicina que está trabalhando durante o verão (Max Cantor) – e que demonstra interesse por Lisa – e um instrutor de dança bonitão, Johnny Castle (Patrick Swayze), que logo chama a atenção da Baby. Entretanto, ele possui uma química interessante com a professora de dança do local, Penny Johnson (Cynthia Rhodes).

Curiosa para ver os “bastidores” do hotel, Baby acaba descobrindo as animadas festas nas dependências dos empregados, onde as danças são muito mais sensuais que as realizadas na frente dos hóspedes. Interessada neste “novo mundo”, ela também se sente impelida a ajudar quando descobre que Penny está grávida, por mais que isso envolva assumir seu lugar em uma apresentação em um hotel próximo. Consequentemente, isso envolve muitos ensaios com Johnny e os dois se aproximam.

Dirty Dancing, então, intercala montagens de ensaios de dança com o surgimento de um romance entre Baby e Johnny. Além disso, a produção mostra a menina rica caindo no conceito de seu pai (e demonstrando algum carinho pela irmã) ao se envolver em assuntos de pessoas que vivem um contexto menos privilegiado. Enquanto fica sabendo mais sobre o mundo, ela mantém sua bússola moral em uma direção firme, mas também nota que há outras forças em ação.

Ainda assim, o filme trata o contexto de vida de Johnny, Penny e companhia de uma maneira superficial. Como muita coisa fica subentendida (dou um desconto para a subtrama envolvendo um aborto, já que isso era ilegal na época), a produção dá a entender que foi realizada por pessoas mais próximas do contexto de Baby que do de Johnny. Além disso, a sexualização do protagonista masculino apenas contradiz tópicos levantados pela própria obra (embora eu não reclame totalmente, uma vez que não é sempre que vemos um filme fazer isso).

De qualquer modo, Dirty Dancing é muito menos sobre uma dança “suja” do que sobre valores morais sendo colocados em teste. Também é menos sobre sensualidade que romance. Para completar, ele conta com uma sensibilidade adolescente, que se alimenta de coisas mal explicadas e segredos desnecessários.

Dito isso, o filme acaba sendo bem mais convencional e palatável do que seu marketing costuma dar a atender (mesmo hoje em dia). Assim, embora algumas cenas objetifiquem Swayze, a produção não passa de uma história fofa a respeito de um romance de verão.

Apesar deste ser um dos gêneros mais importantes da história do cinema, é possível contar nos dedos a quantidade de filmes de ficção-científica realmente ambiciosos da última década. Geralmente relegados a grandes franquias ou tentando adaptar outra mídia, temos poucos títulos que apresentam uma história original, então admito que me senti na obrigação de checar o que o novo filme de Gareth Edwards, mais conhecido por Godzilla (2014) e Rogue One: A Star Wars Story, tinha a oferecer.

Ainda que não simpatize especialmente com Edwards, The Creator não parecia ser um projeto descartável: com uma excelente equipe de direção de arte e trilha sonora de Hans Zimmer, a produção tem um time de gente claramente talentosa, o que me deixava animado. Infelizmente, apesar da clara capacidade dos envolvidos e do ótimo resultado técnico, o filme peca nos elementos mais importantes de uma ficção-científica, o seu mundo e a sua história.

Em um futuro em que o avanço da inteligência artificial alterou a sociedade humana para sempre – com indivíduos sintéticos quase indistinguíveis dos orgânicos –, esta relação está longe de ser harmoniosa. Um atentado nuclear levou à destruição de Los Angeles e gerou uma duradoura guerra entre os Estados Unidos e a Nova Asia, último grande refúgio das Ias.

Neste cenário, acompanhamos o agente militar Joshua (John David Washington). Após viver anos infiltrado nas linhas inimigas em busca do misterioso programador Nirmata, ele se apaixona por uma cientista inimiga Maya (Gemma Chan). Com um fim trágico para a sua missão, Joshua retorna para os EUA em desgraça, mas é chamado de volta quando descobre que Nirmata havia criado uma poderosa arma para acabar com a guerra. Sendo o único da equipe com experiência de campo e na esperança de reencontrar Maya, ele guia seu time ao encontro de Alphie (Madeleine Yuna Voyles), uma criança androide com estranhos poderes.

Com uma trama que parece um amálgama de três ou quatro obras diferentes, The Creator é circundado por um estranho senso de familiaridade. A história nunca surpreende e não é difícil imaginar onde cada um dos elementos apresentados vai desembocar. Suponho que isso aconteça justamente porque o filme apenas empresta a estética e os temas de uma ficção-científica sem se comprometer os elementos reais do gênero, como a exploração de seu mundo em relação a seu grande ponto de inflexão. Ou seja, qual seria a relação entre a humanidade e as inteligências artificiais super avançadas?

Assim, não há nenhuma exploração temática adequada, nenhuma contestação das IAs sobre o seu papel no mundo, nenhuma divergência de opinião entre elas, nenhum questionamento sobre a diferença fundamental entre as duas espécies, nenhum questionamento em relação à vida, à morte ou à espiritualidade. É espantoso o quanto a produção está pouco interessada em fazer essas inflexões, desembocando em percepção infantil e dualista. Sem ponderação crítica, o filme beira um constrangedor orientalismo e exotismo, de modo que me soa um grande desperdício ter todo esse belo castelo construído sobre uma fundação instável.

Os atores são bons e eu realmente simpatizei com John David Washington e a trama dada a ele. O visual, como eu disse, é bem executado e caprichado; a equipe de design de produção e efeitos visuais realmente sabia o que estava fazendo (e são os heróis não declarados do filme, tendo feito milagre com um orçamento bastante modesto). E a trilha sonora, como esperado, consegue vender bem o clima da obra.

Mas isso de nada adianta se a história é algo meio sem pé nem cabeça, que não tem nada a dizer. Parece que Edwards apenas viu que IA era o assunto do momento e resolveu colar outro filme por cima deste conceito, sem cuidado ou interesse de trabalhar com eles. Com isso, The Creator é apenas mais um blockbuster derivativo e com pouco mérito além do espetáculo (que, convenhamos, é um bom), desapontando quem gostaria de algo um pouquinho mais inteligente.

Outras divagações:
Rogue One: A Star Wars Story

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Existem premissas que podem até não ser particularmente inovadoras, mas que são encantadoras por si só. Elas são suficientes para vender a ideia do filme e já deixam claro que se trata de uma boa ideia. Ou seja, é só fazer tudo direitinho e com carinho que vai ser um sucesso; boa parte do caminho já veio trilhado.

Para muita gente – grupo em que eu me incluo –, Yesterday entra facilmente nesta categoria. Após um misterioso apagão global, todo mundo simplesmente se esqueceu da existência de várias coisas e, dentre elas, a banda The Beatles. Mas uma única pessoa ainda se recorda e trata-se de Jack Malik (Himesh Patel), um músico relativamente competente, mas frustrado, que nunca conseguiu fazer sucesso.

Antes mesmo de entender o que aconteceu, Jack toca algumas canções dos Beatles e seus amigos acham que ele é o compositor. Então, ele decide fazer uma última tentativa de chegar ao sucesso, mas agora com as canções alheias. O problema é que seu plano dá certo rapidamente e ele acaba se enrolando com a única pessoa que realmente importa, sua melhor amiga e empresária dos tempos de vacas magras, Ellie Appleton (Lily James).

Entre lidar com a fama e com a descoberta de seus próprios sentimentos, o protagonista de Yesterday vai se embrenhando em um mundo onde ele se sente uma farsa (e ele sabe que é) e de onde quer escapar, embora não saiba bem como, quando ou sequer o porquê e tenha dificuldade de resistir às tentações. A seu lado nessa nova vida estão seu distraído amigo e “assistente”, Rocky (Joel Fry); sua nova e insistente empresária, Debra Hammer (Kate McKinnon); e, bem, Ed Sheeran.

Claro que, no final das contas, tudo isso poderia ser simplesmente uma comédia romântica bonitinha e ordinária – porém, estamos falando de um filme do diretor Danny Boyle. Ainda que isso não seja exatamente um atestado de qualidade, há um indicativo de comprometimento e de boas ideias.

E Yesterday vai tão fundo quanto acredita que deve ir naquilo a que se propõe: a produção faz uma escolha consciente de se equilibrar entre o doce e o irônico, o engraçado e o triste (ainda que pendendo fortemente para o cômico). Algumas consequências da premissa são exploradas, mas muitas ficam tão rasas que podem passar despercebidas. Além disso, o maior dilema é simplesmente deixado de lado: como a música e a cultura pop seriam se os Beatles nunca tivessem existido?

De qualquer modo, para quem busca um filme repleto de músicas e referências aos Beatles, este realmente é um prato cheio. O filme é divertido, colorido e descomprometido. A única questão é que, se você realmente tem um apego emocional em relação à banda ou às canções, talvez algo esteja faltando. No final das contas, esta é a história de Jack e do que acontece com ele dentro de circunstâncias muito específicas (e bem malucas). Embora o personagem principal realmente possua uma profundidade dramática e seja capaz de segurar a história, isso é algo que não se estende a mais ninguém, nem mesmo a sua contraparte feminina.

Então, por mais que a premissa seja encantadora, o longa-metragem seja fofo e todos os aspectos da produção sejam caprichados, bem... Yesterday, o filme, simplesmente nunca será (nem cogitou querer ser) tão brilhante, único e especial quanto Yesterday, a música.

Outras divagações:
127 Hours
Trance
Steve Jobs
T2 Trainspotting