Cuidado com quem você xinga na internet. Embora tenha muitos elementos bizarros, Guns Akimbo encontrou uma saída bastante crível para explicar a situação de seu protagonista. Um cara meio depressivo e que se acha esperto (se ele fosse realmente inteligente não teria o emprego que tem e nem precisaria pedir ajudas constantes ao colega) resolveu soltar seu lado violento de uma maneira aparentemente inócua: arrumando confusão online. O problema é quando uma gangue perigosa resolve ir atrás dele na “vida real”.

Mas eu estou me adiantando. Guns Akimbo é mais um filme que se perdeu em meio à confusão que foi 2020. A produção chegou a estrear em vários lugares antes da pandemia de covid-19, ainda que com uma recepção morna. No Brasil, o longa-metragem acabou sendo lançado em outubro de 2020, totalmente sem estardalhaço. Quem não acompanha a carreira de Daniel Radcliffe (ou, pelo menos, não viu suas estranhas fotos vestido a caráter), provavelmente não faz a menor ideia do que se trata.

Com roteiro e direção de Jason Howden, este é um daqueles filmes de ação muito violentos e feitos para ser “cool” – algo que poderia entrar no mesmo bolo de Kick-Ass ou The Suicide Squad. Mas eu já aviso que a intenção não corresponde exatamente ao resultado. O visual que parece sempre lembrar alguma coisa, as diversas reviravoltas e o claro esforço com frases de efeito e momentos “empoderadores” acabam enfraquecendo a produção, que carece de uma identidade própria.

Miles (Daniel Radcliffe) é um cara sem graça, com um emprego chato e uma ex-namorada (Natasha Liu Bordizzo) que ele se arrepende de ter perdido. Para desestressar, ele ofende pessoas na internet e se convence de que está fazendo algo de legal com isso (por achar que elas merecem, talvez). Porém, ele acaba sendo identificado por Riktor (Ned Dennehy), um maníaco que criou um perigoso (e muito popular) reality show online onde os participantes lutam até a morte. Como vingança, Riktor fixa cirurgicamente armas nas mãos de Miles e coloca uma de suas principais jogadoras, Nix (Samara Weaving), na cola do rapaz.

O que se segue é uma perseguição bizarra e implacável, onde Miles e Nix correm para todos os cantos acompanhados por drones um tanto quanto incômodos – afinal, isso está sendo transmitido e ambos se tornam celebridades. No processo, ela desperdiça uma quantidade absurda de munição, ao mesmo tempo em que ele precisa lidar com um contador limitado e com o fato de não poder usar as mãos de forma efetiva (sim, há piadas com banheiros, calças e o medo de atirar no próprio pinto).

E, embora o humor seja barato e as frases de efeito sejam meramente engraçadas, Guns Akimbo consegue entregar sequências de ação interessantes, com bons ângulos de câmera e ideias bem executadas. Tudo é terrivelmente estilizado e clichê, mas não posso dizer que estava esperando algo muito diferente – ou seja, faltou algo que me surpreendesse, mas não é como se fosse uma decepção real. Talvez se o vilão fosse um pouco mais interessante... Mas não é como se existisse uma fórmula mágica.

De qualquer modo, caso você não seja uma velha mal-humorada (como, aparentemente, é o meu caso), é provável que Guns Akimbo renda bons momentos de diversão. Faça uma pipoca, junte os amigos e finja que a pandemia nunca aconteceu. Escapismo por meio da violência objetificada é um bom caminho (e eu nem estou sendo irônica).

Quando Jordan Peele, forte nome da comédia norte-americana, decidiu não apenas se dedicar ao cinema, mas também desbravar o gênero de terror, foi fácil reagir com ceticismo. Felizmente, sua primeira incursão na escrita e direção de um filme, com o excelente Get Out, mostrou que Peele não apenas era capaz, como era um nome promissor.

Todavia, seu filme seguinte não conseguiu o mesmo clamor crítico, a despeito de Us ser uma obra verdadeiramente interessante. Com isso, foi plantada uma semente de dúvida na plateia: seria Peele um cineasta de uma obra só? Um M. Night Shyamalan, sempre fadado a ser comparado com sua filmografia pregressa?

A resposta para essa pergunta é complicada. Ainda que não tenha chegado aos baixos de Shyamalan, Peele não consegue exatamente superar as expectativas colocadas sobre sua própria cabeça. Em um desconfortável ponto de distinção ante suas obras anteriores, Nope é, ao mesmo tempo, diferente demais dos outros filmes, o que pode causar certa decepção dos fãs, mas não único o bastante para se apresentar como uma clara ruptura estilística e temática.

Para começar, Nope não é exatamente um filme de terror. Ele talvez seja um suspense de ficção-científica que tenta, ao menos de início, carregar mais na tensão, mas falta a atmosfera insólita e desconfortável que Get Out tem e que Us até mesmo abusa. Como consequência, este acaba sendo um filme surpreendentemente normal, quase como um Jaws contemporâneo, com direito a todo um confronto final típico desse tipo de filme.

Os paralelos são bastante visíveis. OJ Haywood (Daniel Kaluuya) é um taciturno treinador de cavalos para a indústria cinematográfica que está às voltas com o declínio do negócio da família. Um dia, ele percebe que um estranho fenômeno está acontecendo nas proximidades do seu rancho: de tempos em tempos, um objeto voador não identificado parece sobrevoar a propriedade e assustar seus animais. Percebendo a oportunidade de conseguir fama e fortuna às custas da situação, a irmã de OJ, Emerald (Keke Palmer), bola um plano para filmar o objeto, o que acaba envolvendo o vendedor Angel (Brandon Perea) e um famoso documentarista, Antlers Holst (Michael Wincott).

Com uma história mais direta e sem muitos rodeios, Nope perde a atmosfera desnorteante dos filmes anteriores de Peele. O fato de o “monstro” ser muito mais “caricato”, se é que essa é a palavra certa, torna as coisas menos interessantes do que quando o risco vem pelas mãos de outras pessoas. O trabalho de apresentar essas situações como alegorias e metáforas a questões sociais mais concretas, coisa que o diretor já explorou anteriormente, permanece aqui, porém a mensagem é menos pungente. Além disso, o final não consegue atar o nó simbólico do jeito mais interessante, perdendo-se na grandiosidade da autoindulgência.

Apesar desta crítica, não acho que esse seja um filme ruim. Todo o elenco está fantástico, com performances bastante cheias de nuance e personalidade. Daniel Kaluuya, em especial, apresenta um personagem que é estoico sem ser chato, com razões mais do que suficientes para suas atitudes.

A fotografia do filme também é excelente, cortesia do sempre competente Hoyte Van Hoytema. As vastas paisagens dos cânions californianos mudam de caráter conforme a história precisa, algo que é bastante apropriado para um filme que deixou clara a sua preocupação com uma boa filmagem (dentro e fora da história, devo dizer). Esse é um dos raros casos em que o uso das câmeras de IMAX me parece justificado, não sendo apenas um capricho diretorial.

No frigir dos ovos, Nope é um filme interessante e com boas ideias e visuais, mas acho que falta um pouco mais de substância. Ele é bom nos momentos em que consegue efetivamente criar a tensão do estranho e desconhecido, às vezes até com elementos totalmente descolados da trama principal. Mas, quando a história precisa seguir em frente, muita coisa se perde e Peele apela até mesmo para alguns sustos desnecessários, uma vez que toda a tensão real se desmanchou antes da metade do filme. Assim, o resultado decepciona quando se considera o quão mais ambicioso (e caro) esse filme é se comparado aos outros.

Ou seja, eu esperava que o filme fosse melhor. Os trailers, em um movimento arriscado, venderam uma obra bem mais estranha e única, chegando até mesmo a representar erroneamente certas sequências para amplificar essa impressão. Nada contra brincar com as expectativas do público, mas é preciso entregar algo ainda mais legal para que a surpresa valha a pena, coisa que o longa-metragem não consegue fazer.

Assim, Nope acaba sendo a obra mais fraca na filmografia de Jordan Peele, mas não é desastroso o bastante para decretar a sua derrocada. De qualquer modo, talvez seja válido considerar para o futuro se, para o cineasta, “maior” não acaba sendo o oposto de “melhor”.

Outras divagações:
Get Out
Us

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Filmes sobre adolescentes revoltados sem causa aparente podem dar muito certo, mas o “normal” é que eles sejam somente irritantes. Quando os personagens principais são brancos, de classe média e/ou alta e seus grandes dilemas envolvem o sexo oposto, bem, as chances de dar errado só aumentam. Mesmo tendo todos esses elementos, The Edge of Seventeen consegue funcionar. Sim, a produção é incômoda, mas esse sentimento é proposital, o que faz toda a diferença.

Nadine (Hailee Steinfeld) é uma adolescente de 17 anos que está irritadíssima com a própria vida. Na infância, ela teve problemas de socialização e sua única amiga é Krista (Haley Lu Richardson). Por sua vez, seu irmão, Darian (Blake Jenner), é “perfeito”: bonito, sociável, popular e tem uma boa relação com a mãe de ambos, Mona (Kyra Sedgwick). O pai deles, Tom (Eric Keenleyside) era a única pessoa que parecia entender Nadine, mas ele faleceu há alguns anos – na frente dela.

Assim, quando Krista e Darian se tornam um casal, a garota entre em uma espiral de desolação e desespero. Sozinha, ela acaba lidando mal com quem quer se aproximar dela, especialmente Erwin (Hayden Szeto), busca ajuda com um professor relutante, Bruner (Woody Harrelson), e se envolve em situações potencialmente perigosas.

É impossível negar que praticamente tudo em The Edge of Seventeen poderia ser resolvido com várias conversas entre os envolvidos e uma boa dose de terapia (não só para a protagonista, que fique claro). Ao mesmo tempo, é assim que as pessoas são. A dificuldade de se comunicar e de expressar adequadamente seus sentimentos é algo tão comum que chega a ficar desconfortavelmente perto demais (não posso negar que eu fui um pouco como Nadine e ainda guardo isso dentro de mim).

Além disso, o recorte feito pela trama ajuda a suportarmos (tanto quanto possível) o temperamento da personagem principal. Por mais que ela parta de um exagero, sua sequência de perdas e desapontamentos é realmente sufocante, o que a torna mais compreensível. Ao mesmo tempo, seu desapego às consequências de seus atos deixa claro o cenário privilegiado em que ela vive. Afinal, o que de pior pode acontecer?

Com direção e roteiro da estreante Kelly Fremon Craig, The Edge of Seventeen consegue capturar todo esse contexto e explorá-lo sem julgá-lo. Nadine não é uma garota fácil e o público não é exatamente levado a gostar dela ou a sentir pena de sua situação, mas a compreender suas motivações. Neste ponto, a atuação de Hailee Steinfeld é essencial. É ela quem tem a difícil missão de irritar na dose certa, garantindo que o longa-metragem seja realista e não perca o tom.

Em comparação com outras obras de amadurecimento similares, este filme realmente é mais difícil de assistir. O foco é muito mais dramático e só chega nesse ponto (com essa trama aparentemente boba) porque a protagonista é uma adolescente que está vivendo o pico de sua irritabilidade. The Edge of Seventeen realmente retrata os piores dias da vida daquela garota, o que não é exatamente uma proposta de entretenimento, mas rende uma boa história ao ser contado com habilidade.

Como uma pessoa nascida no final dos anos 1980, eu coloquei Highlander em um espaço de lembranças místicas. Este era um filme passava tarde da noite na televisão e que os adultos não gostavam muito que eu assistisse, mas que causava alvoroço na turma do colégio a cada vez que era exibido. Lembro de alguns meninos (os bagunceiros, claro, aqueles que podiam ficar acordados até tarde) imitando cenas, tentando alcançar a voz gutural de algum personagem, conversando sobre aquele mundo cheio de coisas interessantes. Em sala de aula, eu escondia a minha curiosidade, mas, ao longo dos anos, consegui ter um vislumbre aqui, outro ali. Quando finalmente atingi uma idade adequada para ver o filme e passei a entender do que se tratava, a graça já não existia mais. As continuações estragaram a brincadeira e ninguém mais prestava atenção nas (cada vez mais raras) exibições.

Mas isso não quer dizer que Highlander tenha perdido sua mágica. Hoje, ouso dizer, ele é ainda mais fantástico, com sua narrativa tão típica da época, a trilha sonora exageradíssima –com canções do Queen – e um conceito tão simples e tão absurdo ao mesmo tempo. Isso sem falar nos efeitos visuais (vários deles executados no set de filmagem), nos sons bem demarcados (e falsos) e nos figurinos que beiram o constrangedor. Posso dizer que, nas quase duas horas do longa-metragem, eu mergulhei na história e me diverti exatamente como deveria ser, mas também ri muito.

Connor MacLeod (Christopher Lambert) é um escocês das Terras Altas (as Highlands, o que faz dele um highlander). Ele vive com seu clã, que está sempre em guerra com as famílias vizinhas, até que é atingido em batalha pelo misterioso Kurgan (Clancy Brown). A ferida deveria ter tirado sua vida, mas ele acabou se recuperando rapidamente, pois Connor é um imortal. Para ajudá-lo a lidar com Kurgan, que também é um imortal, ele vira discípulo de Ramirez (Sean Connery), que, vejam só, também não pode morrer. Ou quase isso... O único jeito de acabar com um imortal é arrancando sua cabeça e, eventualmente, todos eles terão que lutar, pois só pode haver um – e esse “um” ganhará um “prêmio” misterioso.

Embora a origem dos imortais, de seus poderes e deste “prêmio” fiquem a critério da imaginação dos espectadores, a trama de Highlander é curiosamente bem amarrada. Afinal, o conceito não passa de uma desculpa para colocar em cena brigas de espadas acontecendo na Nova York do século 20, intercaladas com sequências de época que exploram a criação de um herói nas belas e montanhosas paisagens escocesas. Ou seja, o filme não se dá ao trabalho de explicar nenhum dos elementos fantásticos, apenas se aproveitando deles para fazer uma trama relativamente comum de perseguição entre dois rivais ficar “cool”.

Assim, este filme dirigido por Russell Mulcahy realmente tem mais estética que substância, o que faz com que ele não esteja na lista de “Melhores Filmes” de qualquer compilado minimamente sério (destes que prezam por “cinema de qualidade”), mas ele provavelmente entra nas relações de longas-metragens favoritos, mais adorados ou similares. Mesmo 35 anos após seu lançamento, Highlander segue sendo um bom entretenimento e uma referência sobre a loucura dos anos 1980. E, sinceramente, deu vontade de ser criança para me fascinar com tudo isso e poder imitar meus momentos favoritos sem constrangimento algum: There can be only one!

Surpreender o público é algo que muitos cineastas almejam; para isso, eles escondem uma grande surpresa ou uma virada narrativa que desvela a verdadeira essência da obra. Porém, acredito que há certo mérito no filme que entrega perfeitamente o que prometeu, de modo que não dá nem para ficar brabo se o que ele pretendia nem era lá grande coisa. Bullet Train é um desses.

Com uma batida de olho nos trailers, você já vê do que se trata. É um filme de ação e comédia com Brad Pitt, com uma estética neon, com personagens excêntricos, com diálogos engraçadinhos e que se passa em um trem japonês. Voilá! O filme é isso mesmo, sem tirar nem pôr – e é você quem sabe se isso tem algum apelo com você.

Baseado em um romance de Kôtarô Isaka e dirigido por David Leitch (que fez sua carreira como dublê e diretor de ação, e é um parceiro de longa data de Pitt nesse campo), Bullet Train acompanha uma série de assassinos e profissionais do submundo. Cada um tem suas próprias razões, mas todos se encontram em uma viagem de trem entre Tóquio e Quioto.

Ladybug (Brad Pitt) é um assassino competente, porém absolutamente azarado, que tem como missão recuperar uma maleta misteriosa. A dupla Lemon (Brian Tyree Henry) e Tangerine (Aaron Taylor-Johnson) é formada por dois “gêmeos” que acabaram de salvar o filho de um poderoso chefe da máfia e agora precisam retornar com o dinheiro do resgate. Kimura (Andrew Koji) é um yakuza que vai até o trem buscando encontrar o culpado por uma tentativa de assassinato contra o seu filho. E a misteriosa Prince (Joey King), apesar da aparência inocente, está tentando se aproveitar do caos para matar o já citado chefe da máfia.

Assim, Bullet Train herda muito dos trabalhos anteriores de Leitch. A produção dá atenção especial à coreografia de ação, que é extremamente agradável aos olhos, e que puxa muito mais das acrobacias de Deadpool 2 (o personagem de Pitt, inclusive, é quase um anti-Domino) do que do realismo mais pesado de Atomic Blonde, conseguindo misturar bem lutas corpo a corpo e tiroteios. Eu sou meio parcial nesse sentido, porque sempre acho legal ver um diretor que entende de ação podendo se soltar, especialmente quando quase todos os filmes de heróis que dominam os cinemas têm um trabalho de coreografia pobre e confuso.

O longa-metragem também tenta fazer algumas coisas diferentes com suas sequências, misturando as histórias paralelas desses vários assassinos com flashbacks não lineares. O objetivo é tanto desenvolver os personagens quanto tentar vender aquele mundo como algo maior do que o que vemos na tela, algo que o filme faz com diferentes graus de sucesso e sutileza. O maior exemplo positivo disso é com Aaron Taylor-Johnson e Brian Tyree Henry, que roubam a cena toda vez que aparecem, chegando a ter mais desenvolvimento dramático que o suposto protagonista, por mais que Brad Pitt funcione muito bem como um papel mais cômico.

Mas há momentos em que Leitch erra a mão? Na verdade, esse é mais um caso de muito estilo para pouca substância. Os diálogos e a montagem tentam desesperadamente ser mais inteligentes ou sagazes do que realmente são, buscando um quê de Tarantino ou de Guy Ritchie sem exatamente chegar lá. Não que isso seja um grande problema quando o filme tem ação descerebrada o bastante e é divertido o suficiente para se segurar a despeito dessa aparente falta de brilhantismo e identidade.

A produção ainda tem outros problemas, como a representação do Japão que beira um orientalismo caricatural. Apesar de não ser abertamente preconceituoso, o filme foca demais no exotismo e na estranheza – um pecado recorrente em Hollywood, especialmente em adaptações de obras japonesas com personagens japoneses.

Para completar, o roteiro, que se segura o tempo todo por um fio, descarrila em um terceiro ato rocambolesco e perde um pouco do fôlego que tornou o início do filme tão legal. Além disso, ainda que exista uma resolução para todos os “mistérios” da história, sinto que a experiência mais contida dos primeiros dois atos já era mais do que satisfatória por si só.

Apesar de tudo, devo dizer que gostei do que eu vi. Sim, Bullet Train tinha os ingredientes necessários para ser mais do que é, como um ótimo elenco e boas ideias, mas ele pode ser empolgante se você o encarar sem muitas pretensões. Como já disse lá no início, o filme sabe o que quer ser e entrega exatamente o que promete, satisfazendo minha necessidade de ver algo empolgante e comicamente ultraviolento. Se isso é algo que interessa para você, pegue um balde de pipoca e se prepare para não pensar muito a respeito. Garanto que serão duas horas bastante divertidas.

Outras divagações:
Atomic Blonde
Deadpool 2

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle