Infelizmente, transformar uma ideia em um filme pode ser algo bem complexo, especialmente se os criadores esperam ter algum tipo de alcance mais amplo e há o envolvimento de estúdios. Nimona, por exemplo, teve uma trajetória conturbada: começou sendo produzido pela Blue Sky, da Fox, que foi comprada pela Disney, e eventualmente caiu nas mãos da Annapurna e da Netflix.

Passado em uma sociedade ao mesmo tempo futurística e com ares medievais, o longa-metragem tem um visual bem legal (não é riquíssimo em detalhes e texturas, mas é de qualidade) e uma animação ágil, algo necessário considerando a constante correria. Talvez as lutas de espada decepcionem um pouco, mas, sinceramente, não é como se essa alternativa fizesse muito sentido.

De uma forma resumida, a produção é sobre aceitar o que é diferente. E, a princípio, Ballister Boldheart (Riz Ahmed) é bem diferente. Embora tenha nascido como uma pessoa comum, ele tem o sonho de se tornar um cavaleiro, algo reservado aos nobres.

Durante o treinamento, como se não bastasse realizar sua maior ambição e cair nas graças da diretora (Frances Conroy), Ballister ainda encontra o amor ao lado de Ambrosius Goldenloin (Eugene Lee Yang). Em contrapartida, ele não tem o apoio amplo da opinião pública e precisa lidar com a escrotidão de muita gente, incluindo alguns colegas (Beck Bennett).

De qualquer modo, tudo parecia caminhar bem até sua ordenação como cavaleiro, quando a rainha (Lorraine Toussaint) é assassinada de uma forma que Ballister parece ser o culpado. Sem saber como provar sua inocência e sem ter a quem recorrer, ele encontra um apoio inesperado em uma garota rebelde e muito habilidosa, Nimona (Chloë Grace Moretz), que esconde grandes segredos.

Assim, Nimona não apenas traz dois protagonistas que são “diferentes” perante a sociedade como também mostra formas variadas de lidar com isso. Ballister procura se enquadrar da melhor forma possível, abaixando a cabeça se necessário, mas permanecendo firme e conquistando seu lugar aos poucos. Já Nimona opta pela rebeldia, por mostrar o que há de errado e por querer ser ela mesma custe o que custar. Nenhum dos dois está errado, mas eles obviamente são bem diferentes e a convivência pode ser complicada.

Com isso, a produção definitivamente está com o coração no lugar certo – ainda que caia em muitos clichês no processo. Para começar, é complicado fazer uma sociedade futurística e cheia de tecnologia (e, consequentemente, de informação) parecer crível quando há uma monarquia atuante, nenhuma possibilidade de ascensão social e cavaleiros treinados para lutar com espadas (sim, há armas e bombas).

Na mesma linha, não só “as massas” parecem ser muito influenciáveis, mas também boa parte dos personagens secundários. Em muitos momentos de Nimona, o que vale é quem deu a última palavra, desconsiderando toda a discussão realizada até então. Isso sem considerar que, embora a protagonista critique “pensamentos pequenos”, ela acaba dando uma resposta aos questionamentos que despreza.

Mas, apesar de seus tropeços, Nimona ainda traz frescor. Seus temas são atuais e tratados com naturalidade em meio a uma explosão de energia. A trilha sonora é divertida e o ritmo acelerado garante que a produção passe em um piscar de olhos.

Fazia um tempo considerável em que eu não me empolgava com um filme – e um ainda maior em que tal longa-metragem era capaz de atender minhas expectativas (ou superá-las). Então, já peço desculpas de antemão caso essa resenha esteja um tanto “deslumbrada”. Mas não posso negar que é assim que eu me sinto. Desde que saí da sessão de Barbie, tudo o que eu quero é conversar sobre o que vi e relembrar sequências.

Para começar, gostaria de comentar a perspicaz escolha de Greta Gerwig para dirigir a produção (e escrever o roteiro, ao lado de Noah Baumbach). Afinal, a presença de uma cineasta conectada com o momento e que já entregou obras bastante interessantes sobre o papel da mulher na nossa sociedade deixa uma marca. Mesmo sendo uma comédia cheia de exageros e repleta de referências à boneca e sua longa história, a produção é um comentário sobre o mundo em que vivemos, os ideais que nos rodeiam (de beleza, de relacionamento, de carreira, de conquistas, de vida) e, sim, o papel do patriarcado nisso tudo.

Barbie acompanha uma versão padrão da famosa boneca (Margot Robbie). Ela é branca, loira, magra, bonita e mora em uma casa dos sonhos. Ao seu redor, moram diversas outras Barbies, cada uma com sua carreira, suas características e suas casas. Todos os dias, ela e suas xarás se vestem com algo bonito e se alimentam de comidas imaginárias. Além disso, Barbie também costuma ir à praia, onde encontra com Ken (Ryan Gosling) e observa as tentativas dele para chamar a sua atenção. Para fechar o dia, nada como uma festa com as amigas.

O problema é quando Barbie começa a ter pensamentos estranhos, que não são apropriados para uma boneca. Como todos são perfeitamente cientes de que suas vidas fantásticas existem porque há crianças reais, uma outra Barbie (Kate McKinnon) sugere que a versão padrão vá ao mundo real, onde ela deve encontrar com a menina que brinca com ela, Sasha (Ariana Greenblatt). Coincidentemente, a mãe da garota, Gloria (America Ferrera), trabalha como secretária do CEO da Mattel (Will Ferrell).

A visita ao mundo real e o colapso entre esses dois mundos é o que torna Barbie um filme interessante. Obviamente, há a piada sobre a presença de uma boneca viva e em tamanho humano descobrindo a cidade grande, mas ela não passa disso. A história em si envolve a jornada de Barbie, Sasha e Gloria rumo a um entendimento e a uma reaproximação entre mãe e filha, mas com uma grande pedra no caminho: uma “revolução patriarcal” com direito a episódios de misoginia e até lavagem cerebral.

Mas não se assuste. Esta é uma produção que consegue falar sobre questões sérias fazendo rir o tempo todo. Seja com Margot Robbie se movendo com as limitações de uma boneca ou seja por meio de um texto esperto, o longa-metragem não deixa a bola cair. Sob todos os aspectos, ele se constrói sobre situações exageradas e tudo é levado ao limite. É engraçado porque é um retrato absurdo de algo bem real.

Além disso, o visual é exatamente o que você quer encontrar em um filme como esse: um mundo de plástico, com uma praia de ondas falsas, casas sem a quarta parede, armários com um interior de adesivo e tudo o mais. Os figurinos, obviamente, também são cuidadosamente pensados, fazendo referências a bonecas que foram comercializadas, escancarando todas as profissões e ajudando a contar a história. Isso sem contar as divertidas menções a todos os produtos relacionados a este universo, incluindo os descontinuados.

Outra camada de diversão está no elenco cheio de participações especiais. O núcleo principal ainda é composto por Simu Liu, Michael Cera, Rhea Perlman, Issa Rae e Helen Mirren (como narradora); também há uma presença marcante de atores que saíram do elenco de Sex Education, como Emma Mackey (uma escolha esperta, já que ela se parece com Robbie), Ncuti Gatwa e Connor Swindells; isso sem contar Nicola Coughlan, John Cena, Dua Lipa, Alexandra Shipp e por aí vai.

Na prática, a escolha de fazer Barbie como um filme para adultos, com aposta na nostalgia e em um humor atual funciona muito bem – e faz sentido, afinal, não está fácil financeiramente levar a criançada ao cinema. Eu me questiono sobre como a produção deve “envelhecer”, mas suponho que boa parte de seus questionamentos devem resistir ao tempo. Por ora, de qualquer modo, é uma ótima pedida para um programa com as amigas.

Outras divagações:
Frances Ha
Lady Bird
Little Women

Se você perguntasse para o pequeno Vinicius o que ele queria ser quando crescesse, ele não diria jogador de futebol ou bombeiro, mas: “Cientista!”. Desde cedo, eu era fascinado por entender como o mundo ao meu redor funcionava, e uma dieta de TV Cultura e bons livros ajudaram a firmar essa ideia. O tempo passou e percebi que não tinha lá muito jeito para as “hard sciences”, mas – ainda que tenha deixado elas de lado para me situar no ingrato ramo das humanidades – continuo tendo um respeito muito profundo por aqueles na linha de frente da produção do conhecimento científico.

Foi esse tipo de pensamento que me levou a ler, quase duas décadas atrás, a ótima autobiografia do físico Richard Feynman. Com ela, tive o primeiro contato mais pessoal com os bastidores do projeto Manhattan e notei que, por trás da mística e do glamour destes experimentos de ponta, no fim do dia eram apenas pessoas, com suas políticas, seus (enormes) egos e suas personalidades – tudo amplificado pela tarefa absurdamente monumental à frente.

Talvez a figura mais influente dessa geração tenha sido J. Robert Oppenheimer, o diretor do projeto e o pivô de várias mudanças radicais da política nuclear americana. Por isso mesmo, ele não ficou isento de polêmicas, especialmente considerando o impacto de seu trabalho nos anos seguintes. Essa situação me deixou temeroso de que uma tentativa de adaptar sua história em algo facilmente digestível para o cinema acabasse incorrendo em simplificações crassas e uma dose de maniqueísmo, transformando os envolvidos em heróis ou vilões, quando eles são apenas pessoas.

Porém, Christopher Nolan parecia comprometido em dar o seu melhor. Com grandes ambições estilísticas e narrativas, Oppenheimer não parecia uma cinebiografia a ser imediatamente esquecida, destas que seguem à risca as receitas desse tipo de história.

O filme, então, abandona a linearidade para se sustentar em uma estrutura narrativa focada na audiência de confirmação do então candidato a membro do gabinete presidencial Lewis Strauss (Robert Downey Jr.), em 1959, e no testemunho do próprio Oppenheimer (Cillian Murphy) à comissão de segurança nacional, em 1954. Com isso, há uma clara intenção de apresentar um panorama da vida do cientista, mas também o colocar dentro de uma conjuntura social e histórica muito maior do que ele.

Assim, o que mais me interessou na execução do filme é que ele não tem vergonha de mostrar que a ciência não é politicamente neutra e que, como qualquer outra coisa, ela se expressa no meio de uma sociedade que tem seus vieses e problemas. Desta forma, o longa-metragem consegue trazer um balanço relativamente maduro a respeito do tema.

Ao mesmo tempo, Oppenheimer acaba se preocupando muito mais em discutir como as conjunturas geopolíticas se constituíram e o impacto delas na academia do que falar dos prótons e nêutrons. Não à toa, o filme passa muito mais tempo enfatizando como a bomba mudou o mundo e a responsabilidade pessoal dos envolvidos do que cantando os louros de seu protagonista como um grande gênio capaz de ver o que ninguém mais viu. Se não fosse ele seria outra pessoa, o filme parece nos dizer.

Mas, quando sai dos aspectos “macro” para ir ao “micro”, o roteiro peca um pouco. Os personagens são interessantes, mas não excepcionalmente distintos ou memoráveis por si só. Obviamente, os atores fazem um trabalho a altura desse tipo de produção, mas apenas Robert Downey Jr. parece realmente se destacar com uma atuação multifacetada e longe da que costuma entregar, algo enfatizado pela fotografia distinta e potente das sequências que ele protagoniza.

O filme parece também minimizar os problemas pessoais de Oppenheimer e dar a famosa “passada de pano” na vida daquele que acompanha. A produção não esconde seu caso com Jean Tatlock (Florence Pugh) e a relação complicada com a esposa Kitty (Emily Blunt), mas acaba deixando de lado os severos problemas psicológicos do protagonista, que só aparecem em uma esquisitíssima sequência inicial que não me caiu muito bem. As visões políticas também acabam reduzidas, especialmente considerando a perseguição que ele sofreu por conta delas, de modo que o protagonista é retratado muitas vezes como um indeciso sem grandes convicções, quando o consenso histórico é bastante distinto.

De qualquer modo, todo o marketing sobre filmagens em vários formatos especiais (especialmente IMAX 70 mm, algo que não temos no Brasil), parece se justificar. Oppenheimer não só entrega o espetáculo que esse tipo de formato proporciona, com cenas abertas muito bonitas, mas faz uma coisa bem rara para esse tipo de filme, com cenas mais pessoais e em ambientes fechados funcionando excepcionalmente bem. Certamente, a produção cria um patamar a ser batido para esse tipo de composição.

Além disso, a mixagem de som também está absurdamente boa, o que talvez seja, para mim, o maior atrativo de ver esse filme em uma boa sala de cinema. Mais do que a imagem, o som dá todo o peso que você espera desse tipo de história.

Extremamente polido e competente, Oppenheimer é um daqueles filmes raros de se ver até nos mais prestigiosos círculos do cinema. Mesmo com suas longas três horas de duração, ele não se arrasta ou parece se alongar desnecessariamente. Como cinema, ele é impecável, ainda que talvez falte alguma substância maior ou um cerne emocional mais forte à narrativa. Talvez não seja bombástico (com o perdão do trocadilho) e capaz de alcançar as altíssimas expectativas colocadas para a produção, mas é um filme que entende seu público e é mais do recomendado aos amantes de cinema. Pena que, ao contrário do real Oppenheimer, esse aqui talvez não consiga mudar o mundo.

Outras divagações:
Batman Begins
Inception
The Dark Knight Rises
Interstellar
Dunkirk

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Embora eu já tenha lido muitos textos sobre François Truffaut e outros tantos escritos por ele (livros, inclusive), o acesso aos filmes deste cineasta não é lá muito amplo – ou, pelo menos, não é tão “na cara” quanto o de produções norte-americanas. Assim, esse é um “buraco” nos meus estudos sobre cinema que eu gostaria de, aos poucos, preencher.

Nesse contexto, Le dernier métro não seria minha primeira opção, mas foi uma oportunidade de ocasião que aproveitei. O longa-metragem tem seus méritos – não é à toa que ele ganhou dez prêmios César –, mas também carrega um ar de uma produção barata, com cenários e iluminações não muito convincentes. Ainda assim, considerando a proposta de retratar os bastidores teatrais, tudo parece combinar.

A produção se passa em uma Paris ocupada por nazistas, mas, mais especificamente, em uma casa de espetáculos administrada por Marion Steiner (Catherine Deneuve). Ela, contudo, costumava ser apenas a estrela do local, de propriedade de seu marido, Lucas Steiner (Heinz Bennent). Com a invasão, Lucas fugiu e deixou para a esposa a função de cuidar do teatro e de colocar nos palcos uma peça de sua autoria, com direção de Jean-Loup Cottins (Jean Poiret) e estrelada pela própria Marion e por Bernard Granger (Gérard Depardieu).

Assim, Le dernier métro acompanha os ensaios, trazendo as tensões do elenco – algumas entre os personagens e outras motivadas pelo momento histórico –, e o cotidiano caótico da protagonista. Afinal, Marion não somente acumulou funções, como também está guardando segredos importantes e, aparentemente, pode ter um interesse em Bernard, a despeito de ainda ter muito afeto pelo marido.

Uma escolha interessante do longa-metragem é que as reais intenções da personagem nunca são exatamente esclarecidas, alimentando um mistério que mantém o espectador atento ao filme. Porém, como tudo se passa em um território ocupado e em um contexto de perseguição aos judeus, a trama já conta com uma tensão quase “natural”, que poderia ser facilmente explorada. Ou seja, embora o conflito histórico esteja muito presente, ele é mais usado para criar a atmosfera necessária do que para efetivamente ajudar a contar a história.

Desta forma, Le dernier métro se apoia fortemente em seus atores, dependendo que eles tornem a trama crível. Catherine Deneuve, em especial, tem a missão de segurar diferentes “núcleos”, conectando personagens que não interagem diretamente e prestando pequenos esclarecimentos aos espectadores de forma sutil.

Mas ela, obviamente, não está sozinha. Além da presença constante de Gérard Depardieu e Heinz Bennent, há também todo o dia a dia do teatro (egos, fofocas, confusões e afins) e um temido crítico, Daxiat (Jean-Louis Richard), que tem conexões com o exército alemão e “simpatiza” com as ideias nazistas.

Com isso, Le dernier métro não é exatamente um romance, nem um melodrama convencional. Também não se trata de um filme de guerra, sendo talvez melhor classificado como uma história de resistência (e de bastidores). Em um momento difícil, as pessoas seguem tendo seus dramas pessoais e constantemente são relembradas do que é realmente importante; este é um filme sobre manter a honestidade consigo mesmo.

Uma característica das animações japonesas que tem me chamado a atenção é uma valorização de localidades bastante específicas, sejam cidades pequenas (e aparentemente sem muita graça) ou paisagens rurais bucólicas. Com alguma frequência, o próprio cenário se insere nas motivações dos personagens, que tem o intuito de sair daquele lugar ou preservá-lo de alguma maneira.

Sora no aosa o shiru hito yo, por exemplo, coloca suas personagens em um contexto como esse, com cada um reagindo a sua maneira e dentro de suas possibilidades. Aoi Aioi (Shion Wakayama) é uma adolescente revoltada, que viveu uma tragédia familiar há alguns anos e não vê o momento de ir embora para se tornar uma baixista em Tóquio. Já sua irmã, Akane (Riho Yoshioka) – que assumiu a responsabilidade pela outra quando ainda era muito jovem –, está bem estabelecida na pequena cidade e envolvida com a organização de um festival musical que promete animar a população local.

Os conflitos entre as duas acabam vindo à tona com o reaparecimento do ex-namorado da mais velha, Shinnosuke Kanomura (Ryô Yoshizawa), que retorna à cidade natal de uma maneira nada convencional e, também, de outra totalmente esperada (se você achou isso confuso, entenda que estou tentando não estragar a surpresa). Enquanto Aoi precisa lidar com os evidentes contrastes entre esta nova pessoa e a de suas lembranças, Akane assume uma perspectiva mais pé-no-chão e prefere observar os acontecimentos antes de tirar conclusões.

Assim, como Aoi possui uma personalidade que a obriga a agir – e é ela quem tem mais assuntos internos a resolver –, o filme acaba sendo direcionado por suas angústias, dúvidas e mancadas. Afinal, como uma boa adolescente, ela frequentemente não opta pelo caminho mais direto para solucionar seus problemas e se vê enrolada com uma participação no mesmo festival que sua irmã está organizando.

Com isso, a trama de Sora no aosa o shiru hito yo não é exatamente complexa, ainda que sua premissa seja um pouco rocambolesca. O filme cria uma série de situações com o objetivo de explorar os conflitos emocionais de sua protagonista e gerar um amadurecimento que, em situações normais, poderia demorar um tempo considerável. Ou seja, no fundo, esta é uma história de formação misturada com uma espécie de romance mal resolvido, algo que parece perfeitamente adequado para a dupla formada pelo diretor Tatsuyuki Nagai e a roteirista Okada Mari (que é natural de Chichibu, onde a história se passa).

E, ainda que tudo isso tenha certo apelo, o longa-metragem sabe que não pode se sustentar sem uma qualidade técnica compatível. Aproveitando-se da importância do local, a produção abusa de cenários com qualidade fotográfica e leva seus personagens tanto para ambientes externos de uma beleza grandiosa quanto para pontos turísticos locais, como a estação de trem, o teatro e até uma caverna. Cada um desses espaços parece contar uma história própria e muito maior do que a vista na tela, carregando consigo uma camada mais profunda de drama.

Com tanto a realizar, Sora no aosa o shiru hito yo acaba com uma promessa maior do que suas realizações e a trama fica com algumas pontas soltas. Mesmo assim, o filme segue sendo um deleite para os olhos, cumpre seu objetivo de divulgar o lugarejo e traz personagens bastante interessantes, capazes de cativar mesmo quando se comportam horrendamente (todos fomos adolescentes incompreendidos um dia, não é mesmo?).