Apesar deste ser um dos gêneros mais importantes da história do cinema, é possível contar nos dedos a quantidade de filmes de ficção-científica realmente ambiciosos da última década. Geralmente relegados a grandes franquias ou tentando adaptar outra mídia, temos poucos títulos que apresentam uma história original, então admito que me senti na obrigação de checar o que o novo filme de Gareth Edwards, mais conhecido por Godzilla (2014) e Rogue One: A Star Wars Story, tinha a oferecer.

Ainda que não simpatize especialmente com Edwards, The Creator não parecia ser um projeto descartável: com uma excelente equipe de direção de arte e trilha sonora de Hans Zimmer, a produção tem um time de gente claramente talentosa, o que me deixava animado. Infelizmente, apesar da clara capacidade dos envolvidos e do ótimo resultado técnico, o filme peca nos elementos mais importantes de uma ficção-científica, o seu mundo e a sua história.

Em um futuro em que o avanço da inteligência artificial alterou a sociedade humana para sempre – com indivíduos sintéticos quase indistinguíveis dos orgânicos –, esta relação está longe de ser harmoniosa. Um atentado nuclear levou à destruição de Los Angeles e gerou uma duradoura guerra entre os Estados Unidos e a Nova Asia, último grande refúgio das Ias.

Neste cenário, acompanhamos o agente militar Joshua (John David Washington). Após viver anos infiltrado nas linhas inimigas em busca do misterioso programador Nirmata, ele se apaixona por uma cientista inimiga Maya (Gemma Chan). Com um fim trágico para a sua missão, Joshua retorna para os EUA em desgraça, mas é chamado de volta quando descobre que Nirmata havia criado uma poderosa arma para acabar com a guerra. Sendo o único da equipe com experiência de campo e na esperança de reencontrar Maya, ele guia seu time ao encontro de Alphie (Madeleine Yuna Voyles), uma criança androide com estranhos poderes.

Com uma trama que parece um amálgama de três ou quatro obras diferentes, The Creator é circundado por um estranho senso de familiaridade. A história nunca surpreende e não é difícil imaginar onde cada um dos elementos apresentados vai desembocar. Suponho que isso aconteça justamente porque o filme apenas empresta a estética e os temas de uma ficção-científica sem se comprometer os elementos reais do gênero, como a exploração de seu mundo em relação a seu grande ponto de inflexão. Ou seja, qual seria a relação entre a humanidade e as inteligências artificiais super avançadas?

Assim, não há nenhuma exploração temática adequada, nenhuma contestação das IAs sobre o seu papel no mundo, nenhuma divergência de opinião entre elas, nenhum questionamento sobre a diferença fundamental entre as duas espécies, nenhum questionamento em relação à vida, à morte ou à espiritualidade. É espantoso o quanto a produção está pouco interessada em fazer essas inflexões, desembocando em percepção infantil e dualista. Sem ponderação crítica, o filme beira um constrangedor orientalismo e exotismo, de modo que me soa um grande desperdício ter todo esse belo castelo construído sobre uma fundação instável.

Os atores são bons e eu realmente simpatizei com John David Washington e a trama dada a ele. O visual, como eu disse, é bem executado e caprichado; a equipe de design de produção e efeitos visuais realmente sabia o que estava fazendo (e são os heróis não declarados do filme, tendo feito milagre com um orçamento bastante modesto). E a trilha sonora, como esperado, consegue vender bem o clima da obra.

Mas isso de nada adianta se a história é algo meio sem pé nem cabeça, que não tem nada a dizer. Parece que Edwards apenas viu que IA era o assunto do momento e resolveu colar outro filme por cima deste conceito, sem cuidado ou interesse de trabalhar com eles. Com isso, The Creator é apenas mais um blockbuster derivativo e com pouco mérito além do espetáculo (que, convenhamos, é um bom), desapontando quem gostaria de algo um pouquinho mais inteligente.

Outras divagações:
Rogue One: A Star Wars Story

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Existem premissas que podem até não ser particularmente inovadoras, mas que são encantadoras por si só. Elas são suficientes para vender a ideia do filme e já deixam claro que se trata de uma boa ideia. Ou seja, é só fazer tudo direitinho e com carinho que vai ser um sucesso; boa parte do caminho já veio trilhado.

Para muita gente – grupo em que eu me incluo –, Yesterday entra facilmente nesta categoria. Após um misterioso apagão global, todo mundo simplesmente se esqueceu da existência de várias coisas e, dentre elas, a banda The Beatles. Mas uma única pessoa ainda se recorda e trata-se de Jack Malik (Himesh Patel), um músico relativamente competente, mas frustrado, que nunca conseguiu fazer sucesso.

Antes mesmo de entender o que aconteceu, Jack toca algumas canções dos Beatles e seus amigos acham que ele é o compositor. Então, ele decide fazer uma última tentativa de chegar ao sucesso, mas agora com as canções alheias. O problema é que seu plano dá certo rapidamente e ele acaba se enrolando com a única pessoa que realmente importa, sua melhor amiga e empresária dos tempos de vacas magras, Ellie Appleton (Lily James).

Entre lidar com a fama e com a descoberta de seus próprios sentimentos, o protagonista de Yesterday vai se embrenhando em um mundo onde ele se sente uma farsa (e ele sabe que é) e de onde quer escapar, embora não saiba bem como, quando ou sequer o porquê e tenha dificuldade de resistir às tentações. A seu lado nessa nova vida estão seu distraído amigo e “assistente”, Rocky (Joel Fry); sua nova e insistente empresária, Debra Hammer (Kate McKinnon); e, bem, Ed Sheeran.

Claro que, no final das contas, tudo isso poderia ser simplesmente uma comédia romântica bonitinha e ordinária – porém, estamos falando de um filme do diretor Danny Boyle. Ainda que isso não seja exatamente um atestado de qualidade, há um indicativo de comprometimento e de boas ideias.

E Yesterday vai tão fundo quanto acredita que deve ir naquilo a que se propõe: a produção faz uma escolha consciente de se equilibrar entre o doce e o irônico, o engraçado e o triste (ainda que pendendo fortemente para o cômico). Algumas consequências da premissa são exploradas, mas muitas ficam tão rasas que podem passar despercebidas. Além disso, o maior dilema é simplesmente deixado de lado: como a música e a cultura pop seriam se os Beatles nunca tivessem existido?

De qualquer modo, para quem busca um filme repleto de músicas e referências aos Beatles, este realmente é um prato cheio. O filme é divertido, colorido e descomprometido. A única questão é que, se você realmente tem um apego emocional em relação à banda ou às canções, talvez algo esteja faltando. No final das contas, esta é a história de Jack e do que acontece com ele dentro de circunstâncias muito específicas (e bem malucas). Embora o personagem principal realmente possua uma profundidade dramática e seja capaz de segurar a história, isso é algo que não se estende a mais ninguém, nem mesmo a sua contraparte feminina.

Então, por mais que a premissa seja encantadora, o longa-metragem seja fofo e todos os aspectos da produção sejam caprichados, bem... Yesterday, o filme, simplesmente nunca será (nem cogitou querer ser) tão brilhante, único e especial quanto Yesterday, a música.

Outras divagações:
127 Hours
Trance
Steve Jobs
T2 Trainspotting

A cada mergulho na obra de Pedro Almodóvar, eu saio com algo diferente. La mala educación tem muitas características típicas do cineasta – o uso de cores, a trama estrambólica, críticas à religião, representação LGBT+ etc. –, mas a combinação disso tudo é única. Mais uma vez, o cineasta faz a extrapolação de gêneros cinematográficos, criando algo novo ao desvirtuar os clichês previamente estabelecidos.

Na infância, Enrique (Raúl García Forneiro) viveu seu despertar sexual com um colega de dormitório (Nacho Pérez) em um colégio católico. Quando ambos são descobertos pelo diretor, Padre Manolo (Daniel Giménez Cacho), apenas Enrique é expulso.

Anos depois, Enrique Goded (Fele Martínez) é um diretor de cinema em busca de uma história. Eis que um conto bastante interessante – meio baseado em acontecimentos reais, meio ficção – é entregue a ele por um ator em busca de trabalho, Ángel (Gael García Bernal). Em meio a imaginações, mentiras e narradores não confiáveis, o destino de uma determinada personagem (Francisco Boira) vai sendo esclarecido.

A questão é que tudo se mistura. Flashbacks e encenações podem (ou não) envolver os mesmos atores e, em um primeiro momento, não fica claro o que é o “filme dentro do filme” e o que realmente teria acontecido (não garanto que fica totalmente compreensível em algum momento). Com isso, La mala educación traz novas descobertas a cada nova sequência e prende a atenção do começo ao fim.

E, obviamente, tudo isso está envolto em um melodrama colorido e repleto de cenas de sexo. A nudez é utilizada de um modo provocativo e manipulativo, tanto entre os personagens quanto pelo filme em si (ainda assim, não há nada absolutamente explícito). O objetivo é entreter e confundir, criando um filme para ser lembrado. E nem preciso dizer que Almodóvar sabe como conseguir o efeito desejado.

Outra característica interessante é que La mala educación se utiliza de temas e estéticas facilmente relacionáveis ao diretor ao mesmo tempo em que parece contar um mistério mais pesado e cinzento, quase como um filme noir. A dissociação entre esses elementos causa estranheza e pode torcer alguns narizes, mas ela também mostra que há espaço para criatividade e para ser diferente no cinema.

Para completar, a produção dá espaço para Gael Garcia Bernal mostrar versatilidade. A cada virada da história (melhor dizendo, a cada nova peça do quebra-cabeça), ele tem a oportunidade de mudar completamente, indo de uma drag queen viciada em drogas a um ganancioso irmão mais novo, passando também por um jovem ator com brilho nos olhos e por um chantageador barato. Em todos esses momentos, eu simplesmente acreditei que aquela era a sua “verdadeira” versão.

La mala educación é um mistério cativante que se passa em um mundo terrível: próximo demais da realidade para o conforto, mas brilhante demais para ser real. Assim, ele não é exatamente sobre as crueldades vistas em escolas religiosas, sobre abuso infantil, sobre transexualidade ou sobre traumas, mas é sobre pessoas lidando com suas bagagens emocionais em seus próprios dramas.

Outras divulgações:
Los Amantes Pasajeros

De vez em quando, eu me arrependo do meu “compromisso” de escrever sobre os filmes que assisto e Requiem for a Dream é um desses casos. Inclusive, acredito que demorei muito para ver a produção justamente pela carga dramática e pelo peso das decisões que foram tomadas para contar esta história. Não é um filme de digestão fácil.

Segundo longa-metragem de Darren Aronofsky, com roteiro escrito por ele e pelo autor do livro original, Hubert Selby Jr., Requiem for a Dream entra naquela relação de “filmes impactantes sobre o uso de drogas”, ao lado de Trainspotting e algumas outras produções do final dos anos 1990 e início dos anos 2000. Além de não ser um tema agradável, o enfoque nos dependentes químicos torna tudo ainda mais pesado e triste. Para completar, há toda uma tendência de edição rápida de imagens que ajuda na sensação de frenesi e náusea.

Neste caso, acompanhamos a história de Harry Goldfarb (Jared Leto) e três pessoas conectadas a ele. Harry é um rapaz viciado em heroína (embora o nome da droga nunca fique explícito) que resolve ganhar dinheiro como revendedor de drogas. Seu melhor amigo, Tyrone C. Love (Marlon Wayans), entra como sócio nessa empreitada. Já a namorada de Harry, Marion Silver (Jennifer Connelly), vai se afundando no vício ao mesmo tempo em que acredita estar perto de realizar seus sonhos e se libertar de uma família opressora.

A quarta protagonista nesta trama é a mãe de Harry, Sara Goldfarb (Ellen Burstyn). Viúva e distante do filho, ela se sente sozinha e feia. Seu único alento é a televisão, que acaba sendo constantemente levada embora de casa pelo filho dependente químico. Assim, a possibilidade de participar de um programa na TV a leva a uma jornada de obsessão e emagrecimento.

Com isso, Requiem for a Dream coloca em paralelo a jornada dos jovens adultos, que tentam construir a vida em cima de algo moralmente errado, e da senhora que perdeu tudo e busca se reconstruir por meio de uma glória inalcançável – um paralelo questionável sob quaisquer outros recortes, mas que funciona bem aqui. Todos são viciados, mas a relação de cada um deles com o vício é diferente.

Além disso, ao se concentrar apenas nas consequências pessoais dos atos de seus personagens (Harry é o único com capacidade de ecoar nos demais, embora isso acabe sendo limitado), o filme entra em um cenário de miséria e desespero emocional que parece não ter saída e, ao mesmo tempo, se protege de uma percepção mais ampla dos “estragos”. Afinal, nenhuma consequência é tão ruim quanto a que eles causam para si mesmos. Sob certos aspectos, todos são apenas vítimas das circunstâncias e da sociedade.

Musicalmente, segundo o dicionário, um réquiem é “uma composição sobre o texto litúrgico da missa dos mortos”. Com esta noção, a produção repensa vários réquiens e se utiliza de sons como o de uma orquestra afinando seus instrumentos (o que, aliás, acontece em uma sequência bastante importante). Sem a profusão de música pop que existe em longas-metragens similares, o efeito geral é ainda mais perturbador e permite que o filme não fique vinculado a uma época específica. Requiem for a Dream é um mergulho profundo no desalento.

Outras divagações:
Black Swan
Noah
Mother!