Embora Ma vie de Courgette tenha sido lançado há mais de cinco anos, eu não cheguei a esquecer de sua proposta. Na época, ele chamou atenção por sua técnica de animação e por ter sido selecionado pela Suíça como seu representante para a categoria de Melhor Filme em Língua Estrangeira do Oscar – no final das contas, o filme recebeu apenas a indicação de Melhor Animação, mas não levou a estatueta para casa, perdendo para Zootopia.

Mas o que me interessava mesmo era sua sinopse tristonha e o fato de uma história aparentemente tão pesada receber uma roupagem tão leve e bonitinha. Agora que finalmente assisti a produção, entendo que não poderia ser de outra forma. Esse é um mergulho no universo infantil, onde crianças não se tornam adultos porque foram forçadas pela vida; elas simplesmente seguem sendo inocentes, absorvendo aquilo que conseguem compreender e lidando com o resto da forma como for possível.

Ma vie de Courgette acompanha a tragédia que faz com que o pequeno Courgette (Gaspard Schlatter) precise sair de sua casa e ir morar em um orfanato, mas o destaque é para a vida que ele leva por lá. No local, ele encontra diversas outras crianças em situações similares, com destaque para o “problemático” Simon (Paulin Jaccoud) e para Camille (Sixtine Murat), que chega após o período de adaptação inicial de Courgette. Além disso, o menino passa a receber visitas do policial Raymond (Michel Vuillermoz), que cuida do seu caso.

Desta forma, o filme explora a formação da relação de camaradagem entre as crianças e o vínculo que se forma entre elas. Embora cada uma tenha seus traumas e precise lidar com situações familiares diversas, há uma compreensão geral de que todos enfrentaram dificuldades e estão ali por um motivo comum: eles não têm uma família.

Sob diversos aspectos, Ma vie de Courgette lembra December Boys – há uma viagem e alguns dos dilemas dos protagonistas se repetem, por exemplo. Em ambos os casos, apesar da vida em uma instituição ser dolorosa, você se percebe secretamente feliz por aquelas crianças estarem passando por isso em um país “de primeiro mundo”. Sinceramente, não visualizo um filme brasileiro sobre o mesmo tema que consiga manter o tom leve ao final.

De qualquer modo, a diferença de idade dos personagens tem um peso importante. Aqui, a dependência de cuidados, a falta de compreensão a respeito do mundo e a inocência têm um peso muito maior, afetando a maneira como a história se desenvolve e os personagens se relacionam. É também aí que mora o humor do filme, o que faz com que a empatia surja facilmente. Crianças são crianças em qualquer lugar.

Baseado em um livro de Gilles Paris (que já havia virado um longa-metragem com atores em 2008), Ma vie de Courgette não é uma grande aventura e não é algo que eu chamaria de divertido. Mas esse filme também não é um dramalhão e acredito que ele seja capaz de prender a atenção das crianças (eu não me preocuparia muito com as temáticas mais pesadas, já que elas surgem nas nuances). Esta é uma daquelas obras que nos deixam com o coração quentinho. Vale a pena dar uma chance.

A estafa relacionada a filmes de super-heróis finalmente me alcançou. Por algum motivo, não só demorei para ir conferir Black Panther: Wakanda Forever como também estava esperando por algo absolutamente morno. Mas a vantagem dessa baixa expectativa é que acabei me surpreendendo positivamente.

Admito que o longa-metragem não é uma obra-prima, não reinventa o gênero e nem faz nada de absolutamente fantástico. Ainda assim, ele dá uma maneirada no “senso de humor Marvel” (algo que seu antecessor já havia feito) e opta por focar em seus personagens em vez de entregar reviravolta atrás de reviravolta. Juntando isso com muitos efeitos especiais, várias cenas de perseguição e umas batalhas confusas, acho que o saldo é positivo.

Mas o mais importante é que Black Panther: Wakanda Forever não só lembra Chadwick Boseman como o homenageia durante todo o filme, transformando a morte de seu personagem no coração da história. Sim, esse é um filme sobre o luto – e, convenhamos, com mais de dois anos de pandemia nas costas, todos conseguimos nos relacionar com isso.

Em resumo, a produção acompanha a jornada de Shuri (Letitia Wright) para lidar com a perda do irmão e a culpa por não ter conseguido o salvar. Em meio a isso, a rainha Ramonda (Angela Bassett) ainda precisa lidar com a pressão internacional envolvendo o interesse de outros países pelo vibrânio de Wakanda.

O detalhe é que, quando a estudante Riri Williams (Dominique Thorne) consegue elaborar uma máquina que detecta o metal, a nação ameaçada não é exatamente a africana, mas um povo de origem asteca que vive no fundo do mar e é liderado há séculos pelo poderoso Namor (Tenoch Huerta). Na tentativa de proteger a jovem, Shuri acaba criando uma verdadeira guerra com o país marinho.

Com essa trama relativamente simples, Black Panther: Wakanda Forever consegue encaixar facilmente momentos para Okoye (Danai Gurira) brilhar, além de dar algum destaque para Nakia (Lupita Nyong'o), M'Baku (Winston Duke), Everett Ross (Martin Freeman) e até mesmo Val (Julia Louis-Dreyfus). O único problema é que a própria Shuri acaba enfraquecida, perdida entre ser uma heroína relutante ou uma grande vingativa – o que, por sua vez, acaba me deixando curiosa sobre como um terceiro filme deve se desenvolver.

Outro ponto que me chama atenção é a conexão desta história com todo o “universo” Marvel. Ao contrário do que aconteceu em outras produções, não acho que há a necessidade de fazer uma revisão antes de encarar a sala de cinema. Mas também não acredito que o roteirista e diretor Ryan Coogler vai conseguir segurar essa “independência” por muito mais tempo, ainda mais considerando a entrada oficial de mutantes (lembrando que um terceiro filme ainda não foi confirmado).

De qualquer modo, visto individualmente, Black Panther: Wakanda Forever tem pouco para o sustentar além da força do sentimento de luto. A trama funciona e as cenas de ação conseguem empolgar uma sala de cinema cheia, mas nenhuma é particularmente memorável. Além disso, todo o contexto traz muitas oportunidades para efeitos especiais de “encher os olhos”, embora o resultado acabe sendo estranhamente esquecível.

Felizmente, o universo e os personagens seguem sendo interessantes, de modo que o longa-metragem fez bem em focar neles. A falta de um desenvolvimento real, entretanto, faz com que os próximos passos sejam bem incertos. Só nos resta aguardar (de preferência, sem muitas expectativas).

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Black Panther
Black Widow
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
Doctor Strange
Doctor Strange in the Multiverse of Madness
Eternals
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
Spider-Man: No Way Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok
Thor: Love and Thunder

Talvez você nunca tenha tido a oportunidade de assistir a uma montagem da peça Cyrano de Bergerac. Não tem problema. Você, com certeza, já viu muitas e muitas histórias que envolvem o mesmo dilema. É simples. Dois rapazes estão apaixonados por uma mesma moça. Um deles é bonito e burro e o outro é feio (ou algo similar) e inteligente. Considerando-se de fora da disputa (e com uma ou outra motivação adicional), o feio resolve ajudar o bonito e, no processo, a moça se apaixona por quem ele é, independente de quaisquer aspectos físicos. Às vezes, o final é feliz; às vezes, não.

The Half of It conta exatamente essa história. Paul Munsky (Daniel Diemer) é o jogador de futebol com cara de cachorro pidão, que poderia ser o protagonista de qualquer comédia romântica adolescente, mas que é incapaz de escrever uma carta de amor descente. Ele é apaixonado por Aster Flores (Alexxis Lemire), uma menina linda e inteligente, que canta como um anjo, vai à igreja, é popular e parece ter uma vida perfeita, o que já inclui um namorado bonitão, Trig Carson (Wolfgang Novogratz). E a terceira peça nesse jogo é Ellie Chu (Leah Lewis), uma garota sem sal e sem dinheiro, que aceita escrever uma carta para outra menina em troca do valor necessário para pagar a conta de luz – mas, no fundo, ela sabe que esse não é o único motivo para se corresponder com Aster.

Com roteiro e direção de Alice Wu, esta estrutura clássica ganha autenticidade ao se aprofundar nos personagens. Paul, apesar de não estar fazendo algo exatamente ético, é cheio de boas intenções e se comporta de uma maneira íntegra com Ellie, ajudando a quebrar a muralha que a menina criou ao redor de si. A protagonista, inicialmente ríspida, vai se abrindo aos poucos, especialmente à medida que o filme explora sua relação com seu pai (Collin Chou). Infelizmente, Aster segue sendo perfeita demais para ser verdade, mas é possível dizer que ela ganha personalidade com o decorrer da história.

Mas é claro que The Half of It nunca deixa de ser um romance adolescente de pretensões bem moderadas. Os conflitos se desenrolam como esperado, os adultos não fazem muito sentido e todos os coadjuvantes são absolutamente unidimensionais, especialmente Trig (que, eu suponho, deveria ser um alívio cômico). Ainda assim, eu suponho que a produção ganha pontos pelo esforço.

Além disso, o longa-metragem procura seu espaço também como uma história sobre amadurecimento. Seus três protagonistas têm origens diferentes – chinesa, alemã e latino-americana – e precisam lidar com expectativas familiares próprias. Ellie tem mais obrigações do que deveria, Paul sente a necessidade de se destacar em meio ao tradicionalismo e Aster quer encontrar liberdade sem sair do caminho traçado. Assim, em meio ao romance e ao drama adolescente, eles também precisam crescer enquanto indivíduos (o que não deixa de ser mais importante).

Sem gritar, espernear ou se enfurecer, cada um dos personagens de The Half of It é um adolescente bastante real (ainda que interpretado por uma pessoa de 20 e poucos anos). Desta forma, por mais que poucos de nós tenhamos vivido triângulos amorosos como esse, fica fácil se identificar.

Quando as primeiras impressões não muito calorosas sobre The French Dispatch começaram a chegar aos meus ouvidos, eu realmente me desanimei em relação ao filme. Imaginei que Wes Anderson – que dirige e roteiriza a produção – poderia ter perdido seu toque “mágico” para contar histórias (acontece, todo mundo tropeça).

Porém, acho que se trata mais de uma questão de expectativas e de conhecimento sobre a proposta. Se você é absolutamente contra qualquer tipo de spoilers, suponho que as decepções sejam mais frequentes do que para alguém que já tem uma noção do que vai encontrar (mas isso é assunto para algum outro momento).

Neste caso, há menos romance e menos humor do que se poderia esperar em um primeiro momento, com o foco sendo jogado para um grupo de repórteres bastante particular. Em resumo, The French Dispatch não é exatamente um filme convencional, nem mesmo para seu diretor.

A produção, na verdade, é composta por seis narrativas referentes a diferentes textos da publicação jornalística que dá nome ao longa-metragem. Em alguns casos, histórias e personagens se cruzam (estamos falando de colegas de trabalho, afinal), mas não há nenhuma conexão real entre os textos além da já mencionada. Além disso, há um forte apego à narração e à palavra escrita, conectando cada segmento ao “material original”, ainda que as estratégias usadas para isso nem sempre sejam as mesmas.

Como se trata de uma publicação originária do Kansas sobre acontecimentos europeus e tudo se passa na fictícia cidadezinha francesa de Ennui-sur-Blasé, há um tom de anedota política e bizarrice que só um correspondente internacional com um bom senso de humor pode prover (e que, como na realidade, nem sempre funciona). Os segmentos envolvem um obituário, um breve guia de viagens, um artigo sobre ciclismo, um longo relato sobre a vida de um artista, uma peça política de ética jornalística questionável e uma resenha culinária que acaba virando uma peça policial.

E tudo isso conta com o forte direcionamento gráfico dado por Wes Anderson, o humor melancólico já esperado, com direito a aquele estranho sentimento de nostalgia do não vivido, e um elenco repleto de grandes nomes. Aliás, nenhum dos atores chega a ter muito tempo de tela, dada a própria natureza da produção, mas, em alguns casos, as aparições realmente são no esquema “piscou, perdeu”.

Entre os mais conhecidos, cito: Benicio Del Toro, Adrien Brody, Tilda Swinton, Léa Seydoux, Frances McDormand, Timothée Chalamet, Jeffrey Wright, Bill Murray, Owen Wilson, Tony Revolori, Christoph Waltz, Liev Schreiber, Willem Dafoe, Edward Norton, Saoirse Ronan, Elisabeth Moss, Jason Schwartzman e Anjelica Huston (apenas em voz).

Enquanto um filme sobre jornalismo, The French Dispatch está obviamente muito longe da realidade de qualquer redação. Ainda assim, é um longa-metragem sobre a reportagem, o descobrimento dos fatos e o relato (e um pouco sobre a convivência entre os profissionais da área). Como jornalista, acabei me sentindo mais “homenageada” pela forma do que pelo conteúdo, o que não deixa de ser curioso. É uma visão idealizada e cor-de-rosa, exatamente como eu esperaria do cineasta – e algo que eu preciso, de vez em quando, para seguir em frente no meu próprio dia a dia.

Outras divagações:
The Royal Tenenbaums
The Life Aquatic with Steve Zissou
Fantastic Mr. Fox
Moonrise Kingdom
The Grand Budapest Hotel
Isle of Dogs

Embora existam mais filmes que eu gostaria de ver do que tempo disponível, sempre estou em busca de indicações. Às vezes, uma recomendação me chama tanto a atenção que um título simplesmente “fura a fila” e se torna prioridade. Foi o caso de Beautiful Thing – e não me arrependo.

Este longa-metragem de 1996 é a adaptação de uma peça teatral de Jonathan Harvey (com roteiro do próprio autor) e marca a estreia de Hettie Macdonald na direção; na sequência, ela iniciou uma carreira bem interessante na televisão e, em breve, deve voltar aos cinemas. Trata-se uma mistura de drama e comédia, com um orçamento claramente limitado e uma sensibilidade tipicamente inglesa.

Beautiful Thing acompanha o desenvolvimento do relacionamento romântico entre Jamie Gangel (Glen Berry) e Ste Pearce (Scott Neal). Eles são vizinhos em Londres, em uma espécie de condomínio habitacional público, e têm situações de vida complicadas. Inclusive, é por causa de episódios de violência doméstica que Ste passa a eventualmente dormir algumas noites na casa de Jamie, levando à aproximação dos dois.

Além disso, por mais que a mãe de Jamie, Sandra (Linda Henry), pareça estar a um passo de conseguir melhorar sua situação de moradia, ela não chega a dividir suas esperanças com o filho, que já está tendo que se adaptar à convivência com o novo namorado dela, Tony (Ben Daniels). Para completar, há uma vizinha “maluquinha”, Leah Russell (Tameka Empson), que parece ser uma pessoa legal, mas também gosta de fazer fofocas pesadas, gerar intrigas e tem uma estranha obsessão com a cantora Cass Elliot.

Ao trazer tudo isso, Beautiful Thing cria um universo bastante específico para seus protagonistas, situando-os em uma época, uma classe social e em um local. Concomitantemente, o filme acaba se universalizando, pois facilita a criação de uma identificação. Eu jamais serei um adolescente inglês homossexual, mas consegui empatizar facilmente com os dramas dos dois, com suas inseguranças, com suas ingenuidades, com suas esperanças e até com seus momentos de felicidade desesperada.

Outro ponto interessante é que, como o romance começa com cuidado, praticamente nas sombras, é a vida no condomínio que faz a trama andar. São as interações entre as mais diversas figuras do local que geram conflitos e movimentam o dia a dia dos dois. Aliás, Sandra e Leah frequentemente roubam a cena e clamam atenção, sendo muito mais efusivas e carismáticas, o que funciona bem para manter a dinâmica.

No final das contas, Beautiful Thing conta uma história simples, que parece ocorrer logo ali, mas que ainda é um filme – a expectativa pelo final feliz está sempre à espreita. A narrativa não é particularmente inovadora e os personagens são curiosamente comuns. E é justamente por conseguir esse efeito que o filme funciona e se mantém interessante mesmo após 26 anos de seu lançamento.

Eu só fico triste que, depois de tanto tempo, alguns dos dilemas vividos por esses rapazes sigam existindo (mas quero acreditar que a internet os tornaria menos bobos). E a violência segue se repetindo.