Uma das principais “vantagens” de ninguém se importar muito com o universo cinematográfico da DC Comics é que, de vez em quando, um diretor com uma ideia na cabeça pode simplesmente ignorar todo o resto e fazer o que tiver vontade. E foi mais ou menos isso o que aconteceu nesse projeto de Matt Reeves, que assina o roteiro ao lado de Peter Craig. Para quem não lembra, este filme foi originalmente anunciado como tendo direção e roteiro de Ben Affleck, mas o mundo deu muitas voltas e tudo mudou.

Em The Batman, acompanhamos a trajetória de um herói que sabe bater e que tem bastante apoio de bugigangas tecnológicas que só quem tem muito dinheiro pode comprar. Mas ele também apanha muito, leva tiros e anda por aí como se estivesse carregando uma armadura muito pesada (o que não faz muito sentido com sua agilidade nas cenas de luta, mas tudo bem). Fora da fantasia, ele é uma espécie de playboy emo (com direito a maquiagem escorrendo abaixo do olho e franja grudada na testa) que combate o crime sem muita esperança, como se tudo fosse um estranho projeto escolar destinado ao fracasso. Não há superpoderes ou uma grande moral.

No ponto em que a história começa, Bruce Wayne (Robert Pattinson) já atua como vigilante em Gotham há dois anos. Nesse período, ele atraiu o desprezo de muita gente, desenvolveu uma parceria com o capitão de polícia James Gordon (Jeffrey Wright) e gerou uma série de preocupações para seu mordomo/tutor/protetor Alfred Pennyworth (Andy Serkis). Mas, embora a mera projeção de seu símbolo no céu seja capaz de assustar o ladrão de rua, ele ainda não arranhou a face do crime organizado local. Aliás, isso nem parece estar nos planos.

As coisas mudam quando um serial killer começa a ir atrás dos poderosos, deixando recados para o Batman a cada crime cometido. Os cartões contêm charadas ameaçadoras, que podem indicar qual vai ser a próxima vítima ou dar pistas para que o vigilante tente impedir um novo assassinato. Para completar, a investigação acaba cruzando com os objetivos de Selina Kyle (Zoë Kravitz), uma jovem que está juntando dinheiro por métodos questionáveis para tentar ajudar uma amiga a fugir da máfia, liderada por Carmine Falcone (John Turturro) e seu braço direito, The Penguin (Colin Farrell). E, como se não bastasse, as eleições municipais estão se aproximando e acirrando tensões.

Como The Batman é construído como um filme de detetive – inclusive com certo ar noir –, o protagonista parece estar sempre um passo atrás do bandido, o que funciona bem e permite uma série de reviravoltas que não chegam a soar forçadas (assim como o herói apanha, ele também não é um gênio investigativo). O longa-metragem ainda inclui uma trilha sonora bem demarcada e várias cenas de porradaria, violência e perseguição, sempre com um visual meio chuvoso e sujo, além de frequentemente acompanhadas por uma câmera “tremendo”. É agoniante, mas combina com a produção e ajuda a manter um bom ritmo (afinal, são três horas de projeção e isso realmente cansa).

Escuro, misterioso e com um ar de desesperança, The Batman não sente a necessidade de recontar a origem do protagonista, ainda que os conflitos internos do personagem derivem de seu passado. Além disso, Gotham é muito bem retratada e ajuda a contar a história. Uma mistura de Chicago e Nova York, a cidade é uma metrópole corrupta, tomada pelo crime e marcada pela violência e pela pobreza. Assim, a podridão que vai sendo desvendada não chega exatamente a chocar – a corrupção nas instituições e o conluio entre polícia, políticos e o crime organizado não são novidade para ninguém que acompanhe um noticiário real.

Desta forma, o filme quebra com o que veio antes dele, mas sem reinventar a roda (tudo bem, não há nada de errado com a roda). É um longa-metragem de ação eficiente, misterioso e que se alimenta da mitologia já conhecida do personagem. Para um público cansado da “fórmula Marvel”, esse é um bom caminho.

Outras divagações:
Dawn of the Planet of the Apes
War for the Planet of the Apes

Uma das series mais amadas na história da televisão mundial, I Love Lucy também gera muita curiosidade em relação a seus bastidores – mesmo 60 anos depois. Com a pretensão de contar os acontecimentos de uma única semana, Being the Ricardos optou por um momento particularmente tenso e, sem muito compromisso com a verdade absoluta, juntou várias situações com o objetivo de deixar todos os seus personagens com os nervos à flor da pele.

Em plenos anos 1950, Lucille Ball (Nicole Kidman) era uma das estrelas mais amadas da televisão norte-americana. Depois de viver altos e baixos no cinema, ela encontrou alguma estabilidade atuando ao lado do marido, o cubano Desi Arnaz (Javier Bardem), e de colegas que passam o dia inteiro se espezinhando, Vivian Vance (Nina Arianda) e William Frawley (J.K. Simmons), além de ter bastante autonomia para trabalhar com o produtor Jess Oppenheimer (Tony Hale) e a roteirista Madelyn Pugh (Alia Shawkat). Ainda assim, ela era uma perfeccionista extremamente questionadora e o dia a dia não era fácil.

Eis que entram em cena três situações que podem colocar tudo isso a perder. Para começar, uma revista de fofoca detalha uma noite de traição de Desi. Em seguida, um programa de rádio acusa Lucille de ser comunista (o que é algo muitíssimo “antiamericano” nos anos 1950). E, para completar, ela está grávida (e a conservadora televisão do período não pode sequer insinuar que pessoas casadas façam sexo). Enquanto as consequências de cada uma dessas revelações se desdobram, um novo episódio começa a ser ensaiado – resta saber se, ao final da semana, ele realmente poderá ser gravado e/ou exibido.

Tudo isso é alternado com os dramas dos coadjuvantes, em especial Vivian – que está em crise com sua imagem, com sua personagem e com sua saúde – e Madelyn, que precisa tornar o programa engraçado, equilibrar suas lealdades e manter sua posição firme. E, ainda por cima, há flashbacks ajudando a construir os personagens principais e falsos depoimentos vindos dos personagens nos tempos atuais. Ou seja, embora a história principal de Being the Ricardos se passe em uma semana, há um universo de coisas acontecendo.

Obviamente, essa agitação é algo esperado quando temos um filme escrito e dirigido por Aaron Sorkin. A questão é que, dessa vez, ele realmente deu um passo maior que as pernas. Em muitos momentos, a narrativa fica confusa e elementos não previamente estabelecidos simplesmente surgem (por exemplo, eu demorei a entender que o casal principal já tinha uma filha e que certas cenas não eram “do futuro”). Além disso, embora eu não tenha nada contra alterar um pouco a ordem dos fatos para ajudar a narrativa (isso não é um documentário, afinal de contas), os fãs da série podem reclamar da falta de capricho e de compromisso nesse sentido; detalhes em relação a terminologias da televisão dos anos 1950 também ficaram falhos, o que atrapalha caso você tenha conhecimento suficiente para perceber.

O que salva a produção é o elenco. Nicole Kidman não se apega à noção de ser a Lucille Ball mais perfeita de todos os tempos, mas entrega sua versão de uma mulher meticulosa, durona e perceptiva, que encara tanto a comédia quanto seu casamento com a mesma seriedade – e você, de alguma forma, acredita que ela consegue se tornar magicamente engraçada às sextas-feiras. Javier Bardem, por sua vez, entrega uma das figuras mais carismáticas e encantadoras do longa-metragem, funcionando como uma “cola” entre todas as figuras que vemos na tela. E J.K. Simmons consegue trazer sutilezas suficientes para intercalar de maneira crível entre um velho turrão e um amigo sensível. Isso para citar só os três que estão concorrendo ao Oscar.

Being the Ricardos pode não ser uma obra-prima, mas é um exercício sobre o caos e o retrato de uma péssima semana de trabalho, daquelas onde todos podem ser demitidos a qualquer momento – quem já viveu, sabe como é: o desespero para “mostrar serviço” e a vontade de desistir andam lado a lado. De repente, as coisas se resolvem (para melhor ou para pior), mas esse desenrolar é agoniante. 

Outras divagações:
Molly's Game
The Trial of the Chicago 7

Antes de escrever uma resenha, eu sempre vejo o filme (obviamente) e faço pesquisas adicionais, tentando captar um pouco do contexto em que a produção foi feita, em informações que acabam se misturando às minhas próprias lembranças. Por exemplo, eu lembro de ter visto Searching for Bobby Fischer quando era criança, mas sem prestar muita atenção – não era um filme para mim, afinal de contas. Ainda assim, eu guardei que era “um bom filme” e, quando encontrei a produção na Netflix, resolvi dar uma chance.

Efetivamente, o longa-metragem tem realmente um elenco bem interessante e competente, mas o que me chamou atenção em um primeiro momento foi o fato de que não apenas se tratava de uma história real, mas que os acontecimentos eram relativamente recentes e os principais nomes foram mantidos. Baseado em um livro do pai do “protagonista”, Fred Waitzkin, o filme trazia a história de uma criança que, na época das filmagens, ainda nem era exatamente um adulto.

Hoje, sabemos que a promessa do menino-gênio do xadrez acabou não se concretizando. Também ficou claro o quanto a construção de seu “rival” dos tabuleiros era fraca e irreal. Mas, no fundo, nada disso representa o principal argumento de Searching for Bobby Fischer, que procura explorar a complicada relação entre pais e filhos quando expectativas de brilhantismo e sucesso entram no jogo. O que exatamente significa desejar o que há de melhor para seu filho? E quando a perspectiva de um futuro assegurado e brilhante, com todo um potencial alcançado, pode atrapalhar uma infância feliz?

A história envolve Josh Waitzkin (Max Pomeranc), um menino de sete anos que se interessa por xadrez, aprende o jogo observando homens na praça – com destaque para o exigente Vinnie (Laurence Fishburne) – e, quando decide se arriscar em algumas partidas, acaba impressionando os adultos. Enquanto ele intercala os tabuleiros com diversos outros jogos e brincadeiras, outros o comparam ao jogador profissional Bobby Fischer, que havia se afastado das competições e das câmeras, tornando-se uma espécie de lenda.

Com este potencial latente em mãos, seu pai (Joe Mantegna) contrata o melhor professor possível (Ben Kingsley) e começa a inscrevê-lo em torneios, nem sempre com o apoio da mãe do menino (Joan Allen). A cada novo troféu, Josh sente crescer o peso de uma responsabilidade que nunca desejou ter e, ao mesmo tempo, ele também acompanha com receio a escalada de outro garoto, aparentemente melhor que ele e verdadeiramente obcecado por xadrez, Jonathan Poe (Michael Nirenberg).

O diferencial de Searching for Bobby Fischer, assim, é focar na forma como o garoto reage à pressão, inclusive cedendo a ela, e em como um “talento” pode se colocar no caminho de uma vida mais completa – o xadrez poderia ser facilmente substituído por música, matemática ou algum esporte. Inclusive, uma das melhores sequências envolve a tentativa da professora do menino (Laura Linney) em fazer um alerta aos pais, observando que ele falava muito sobre os hotéis que estava conhecendo pelo país, mas não sobre os pontos turísticos das cidades que visitava.

Com isso, o longa-metragem mantém seus méritos por trazer questões importantes e raramente abordadas, com uma mensagem saudável. Talvez o protagonista pudesse ter se tornado grande (não me entendam mal, ele ainda é um jogador bem ranqueado e tem vários títulos, mas não é um “gênio”), mas a dedicação exigida e o custo disso poderiam ser altos demais para ele. Não é todo dia que cruzamos com um filme como Searching for Bobby Fischer.

Um jornalista de cinema que eu acompanho há alguns anos, chamado Roberto Sadovski, criou uma lista chamada “filmes que basicamente só eu acho incríveis”. A ideia é reunir produções que ele gosta, mas que não foram exatamente sucesso de crítica ou de público. Nem preciso dizer que vários desses títulos me chamaram atenção e, entre eles, acabei vendo Sea of Love, um suspense envolvendo uma investigação criminosa lançado em 1989.

Sob certos aspectos, esta produção dirigida por Harold Becker é uma amálgama dos clichês do gênero e do período. Há uma trilha sonora exagerada; uma iluminação que favorece o alto contraste; um mistério que deveria ser profissional, mas se confunde com a vida pessoal dos personagens; uma presença feminina perigosa e sedutora; e um protagonista masculino durão, porém perdido emocionalmente e com uma moralidade questionável.

Em Sea of Love, Frank Keller (Al Pacino) é um detetive da polícia de Nova York que poderia estar se aposentando, mas que não sabe o que faria consigo mesmo se parasse de trabalhar. Divorciado, ele também lida muito mal com o fato de que sua ex-esposa agora é casada com um colega da corporação (Richard Jenkins). Assim, sempre que possível, ele direciona suas atenções para o trabalho ou para confusões sem sentido que arruma por aí.

O mais recente caso que chega em suas mãos envolve o assassinato de um homem que morava sozinho e que foi encontrado nu na própria cama, com um tiro na nuca. Pouco tempo depois, um colega de outra delegacia se aproxima, alegando ter um caso bastante similar em mãos. Assim, não demora para que Frank e Sherman (John Goodman) se tornem parceiros, o que envolve reunir pistas de maneiras não muito convencionais.

A assassina que eles procuram tem um perfil bastante particular: ela mata homens que publicam poesias em jornais, em busca de encontros amorosos. A princípio, tudo vai bem, mas Frank acaba se envolvendo com uma das suspeitas, Helen Cruger (Ellen Barkin), uma mãe solteira que trabalha em uma loja de sapatos e tem ideias muito específicas sobre o que busca em um homem.

À medida que Sea of Love avança, a relação entre o detetive e sua investigada/namorada vai mudando, com ele se envolvendo cada vez mais em uma mistura (nada saudável) de amor e paranoia. Diversos aspectos são trabalhados para que a percepção sobre ela nunca fique muito clara: às vezes, ela parece absolutamente suspeita, mas em outros momentos dá a impressão de ser totalmente inocente. Ao mesmo tempo, a investigação vai avançando e abordando diversos ângulos, que nunca parecem ir a lugar algum.

Para manter o interesse do público nesse vai-e-vem, o longa-metragem abusa de efeitos sonoros e de iluminação, com o objetivo de criar dúvidas sobre Helen e, ao mesmo tempo, enfatizar sua sensualidade. O resultado, entretanto, é questionável e bastante forçado, de modo que o real direcionamento do filme acaba sendo um tanto quanto óbvio. E, no final das contas, o andamento do romance acaba sendo mais importante que a resolução do mistério (que, aliás, desaponta).

Assim, apesar de ter uma trama cativante e um elenco dedicado, Sea of Love acaba caindo em armadilhas próprias. Falta ao filme uma dose de perigo, que outras produções similares conseguiram trazer com maior habilidade. Se o enquadramento fosse outro, especialmente em relação à heroína, talvez a produção funcionasse melhor. Ainda assim, não é como se o filme fosse ruim: ele apenas se mantém na relação de produções que só mesmo o Roberto Sadovski acha incríveis.

Uma coisa que eu realmente admiro em contadores de histórias é quando a pessoa consegue aproveitar tudo o que está a seu alcance para enriquecer a narrativa. Não se trata exatamente de colocar aquele mínimo detalhe como uma parte integrante da trama, mas de criar um universo em que aquilo é absolutamente real e se complementa. A diretora e roteirista Jane Campion é uma dessas contadoras de histórias.

Em The Power of the Dog, por exemplo, os personagens são formados por muito mais do que aquilo que os atores entregam. O cenário que eles habitam, a roupa que eles vestem, a iluminação que eles recebem, o ângulo em que são filmados. Tudo isso tem algo muito potente a dizer sobre essas pessoas, complementando atuações de qualidade e interações retratadas com cuidado. Você “entende” quem eles são tão rápida e facilmente que uma pequena informação contraditória, por exemplo, passa a fazer toda a diferença.

Phil (Benedict Cumberbatch) e George Burbank (Jesse Plemons) são dois irmãos muito diferentes. Juntos, eles administram um rancho, onde levam uma vida bem confortável, com um bom número de empregados. Mas, enquanto o primeiro está bem-disposto – até demais, diga-se de passagem – a colocar a mão na massa, fazer todo o tipo de trabalho pesado e se enturmar com os “peões”, o segundo parece almejar algo diferente e se ressente do irmão.

Eventualmente, George se casa com uma viúva, Rose Gordon (Kirsten Dunst), e a leva para morar no rancho, alterando drasticamente a dinâmica existente até então. Ela tem um filho que está começando a estudar medicina, Peter (Kodi Smit-McPhee), e não demora para que o rapaz vire motivo de chacota entre Phil e seus funcionários por conta de seus modos afeminados. Porém, a dinâmica entre Peter e Phil começa a mudar quando um segredo é revelado.

Eu poderia detalhar mais a trama, mas acredito que é melhor ver The Power of the Dog sabendo o mínimo possível sobre a trama (embora reassistir possa trazer novas percepções). Sob muitos aspectos, o filme é sobre Phil: uma tentativa de desvendar aquela pessoa que parece um pouco perdida no tempo, atrasada e relutante. Ao mesmo tempo, trata-se de uma construção de tensão muito bem engendrada, com cada peça se somando e encontrando seu lugar.

Se há um defeito no filme, eu diria que é sua necessidade de se explicar. Algumas cenas conclusivas chegam a ser redundantes, repetindo informações como que para garantir que elas sejam compreendidas. Embora uma simples busca no Google já me indique que muitas pessoas não entenderam exatamente o que aconteceu, eu prefiro acreditar que elas simplesmente não estavam prestando atenção (o que acontece, não vou julgar ninguém) ou que há uma moda desnecessária de explicar finais (sempre uma possibilidade).

De qualquer modo, The Power of the Dog é um daqueles filmes que eu gostaria de ter tido a oportunidade de ver no cinema (o que é curioso, já que se trata de uma produção da Netflix). Além das atuações cheias de nuances e do suspense bem construído – daqueles que fazem você segurar a respiração –, a produção ainda conta com uma trilha sonora belíssima e uma paisagem de tirar o fôlego, com a Nova Zelândia se “disfarçando” de uma Montana (estado montanhoso do noroeste dos Estados Unidos) em plenos anos 1920. É um filme que enche os olhos e a mente.