Os fãs de Godzilla vivem um momento único. Por um lado, nunca tivemos tantos filmes do mostrengo em tão pouco tempo – graças à versão americana da Legendary que, apesar de não ser absurdamente competente, é decente o suficiente para render seu quarto título. Por outro lado, é difícil olhar para os rumos da série no ocidente e ver que suas raízes essencialmente nipônicas estão sendo pouco a pouco esquecidas no mar de sequências e universos compartilhados que Hollywood oferece.

De qualquer modo, sete anos depois de experimentar com uma radical releitura da franquia com o divisivo Shin Gojira, a Toho volta aos cinemas com uma filosofia oposta ao seu filme anterior. Gojira -1.0 é um verdadeiro retorno aos temas que consagraram o filme de 1954 como um clássico.

Capitaneado pelo diretor e roteirista Takashi Yamazaki, mais conhecido por seu trabalho em animação e adaptações de outras propriedades, Gojira -1.0 é um filme de época que, tal como o original, retorna ao Japão pós 2ª Guerra. Agora, a narrativa é centrada em Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki), um ex-piloto kamikaze que apenas sobreviveu ao conflito devido ao ataque de uma misteriosa criatura gigante em uma ilha onde havia parado para reparos do seu avião.

Assolado pela culpa de não ter realizado sua missão e pela covardia na hora de enfrentar o monstro, Koichi retorna para Tóquio ainda assombrado pelos fantasmas da guerra. Na cidade, ele encontra a jovem desabrigada Noriko (Minami Hamabe) e a bebê que ela carrega, acolhendo-as meio a contragosto e, eventualmente, formando laços. Porém, com o possível retorno do monstro e o perigo que ele representa, Koichi precisa encarar seu passado, juntando-se a um grupo de ex-soldados e marinheiros dispostos a enfrentar a criatura.

Com uma dose bastante generosa de drama, este é um dos filmes do Godzilla com menos Godzilla. Talvez também seja a produção recente em que ele menos funciona como um personagem, servindo mais como um obstáculo narrativo para o lado humano da trama. Obviamente, não há nada de incomum no “monstro como metáfora” e a noção de um Godzilla com “personalidade” é relativamente recente.

Ainda assim, se comparado à força quase divina de destruição que tínhamos em Shin Gojira ou à opção mais bestial da Legendary, o Godzilla desta produção acaba ficando particularmente apagado. Essa é a versão menos interessante do personagem nos tempos recentes, o que pode acabar desapontando aqueles que forem aos cinemas esperando algo centrado nos monstros e na destruição.

Porém, não acho que podemos jogar essa centralidade do drama humano contra o longa-metragem, pois Gojira -1.0 é um filme surpreendentemente competente quando se trata de apresentar esse aspecto da trama. Afinal, é uma representação sólida e verossímil do Japão no período pós-guerra.

Nesse cenário, o protagonista é atormentado pelo transtorno pós-traumático e pela inabilidade de tirar seu coração do campo de batalha. Ainda que isso às vezes descambe um pouco para o melodrama e uma interpretação exagerada, o recurso funciona bem para fazer com que essa seja uma produção fundamentalmente carregada por seus personagens humanos e não pelo monstro, sendo capaz de comover o público com ou sem a participação do personagem titular.

Se o Godzilla de 1954 representava a ameaça nuclear e dava corpo aos temores de aniquilação da população civil japonesa, esta encarnação talvez represente a guerra em um aspecto mais subjetivo. O filme dá forma aos traumas coletivos de toda uma geração de soldados que se viram impotentes para fazer alguma diferença em uma guerra entre uma nação que não estava preocupada com seu bem-estar e uma superpotência com um poder de destruição incomparável. Enfrentar o monstro é lidar com esses traumas e encontrar forças para seguir em frente.

Assim, a mensagem central tem um bom resultado nessa ambientação – realizando as ambições do terceiro ato de Shin Gojira de uma forma muito mais efetiva –, ainda que não entregue nada de particularmente original ou revolucionário. Nesse sentido, o filme acaba sendo mais “redondo” e palatável que seu antecessor direto, trocando um pouco da esquisitice e das ambições narrativas por uma execução técnica caprichada e uma história que funciona bem tanto no seu país de origem quanto no ocidente. Tudo isso sem cair na galhofa que ficou conhecida por aqui, fazendo valer o peso que a série tem.

Não sei se os fãs da destruição descerebrada que marcou o título nos últimos anos vão ser saciados. Mas Gojira -1.0 é um bom filme, resgatando as origens do personagem e trazendo essa veia mais adulta para os dias de hoje. Sinceramente, recomendo a produção a todos os interessados que forem capazes de encontrar uma das raras sessões presentes nos cinemas nacionais.

Outras divagações:
Shin Gojira

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Aquaman and the Lost Kingdom é o adeus oficial ao universo da DC imaginado por Zack Snyder. Mas, após as recepções de mornas a negativas para Shazam! Fury of the Gods e The Flash, dificilmente alguém achava que este longa-metragem traria uma redenção, ainda mais com o clima de fim de festa estando mais do que perceptível. Em um cenário em que a Marvel vai mal das pernas e os filmes de herói têm dificuldade em empolgar, o desânimo contamina toda a indústria.

Por ter gostado do primeiro Aquaman mais do que a média – afinal, ele abraçou a veia carnavalesca e melodramática do gibi enquanto seus colegas pareciam envergonhados em mostrar qualquer elemento mais fantástico –, o melhor que eu poderia esperar era um final que não colocasse uma pá de cal. Ou seja, eu queria que Aquaman and the Lost Kingdom permitisse uma saída de cena com certa dignidade.

Seguindo diretamente o filme anterior, Arthur Curry (Jason Momoa) tem que lidar com sua nova vida como rei de Atlantis, casado com Mera (Amber Heard, cuja participação foi reduzida a somente o essencial) e com um filho pequeno para cuidar. Além das dificuldades em conciliar suas funções como herói, monarca e pai, ele precisa encarar David Kane (Yahya Abdul-Mateen II), o Black Manta, que retorna querendo vingança e, dessa vez, está empoderado por forças místicas. Com o mundo inteiro em risco, Arthur é obrigado a recorrer ao seu irmão, Orm (Patrick Wilson), aprisionado devido a crimes contra Atlantis.

Com uma narrativa construída em cima da relação entre Arthur e Orm, Aquaman and the Lost Kingdom até consegue se diferenciar do antecessor e ter um pouco de charme. Eu genuinamente gostei da dinâmica entre os dois personagens e da maneira como ela se desenvolve durante o filme, especialmente pelo contraste entre o protagonista e Orm, que ressignifica sua relação com Atlantis e com a própria família. Isso transforma um personagem que era um vilão sem sal em um deuteragonista até que interessante.

Porém, em todo o resto, Aquaman and the Lost Kingdom parece ter sido construído de partes e pedaços de filmes mais interessantes e bem-sucedidos do que ele. As sequências e os personagens lembram um estranho pastiche de batidas narrativas que, a essa altura, soam um pouco cansadas, não trazendo inovações e nem mostrando a que vieram. O vilão é uma versão menos interessante de si mesmo, a ação é dependente de longas sequências de computação gráfica, a trama é repleta de inconsistências e o próprio mundo submarino é menos vibrante do que no filme anterior.

A narrativa também se mostra meio desconjuntada durante o primeiro e o último ato. A controversa participação de Amber Heard talvez seja responsável por uma mudança de planos que afetou a produção negativamente, tirando o peso emocional da relação de Arthur com Mera e seu filho. Porém, não consigo ver um cenário em que isso se resolveria de modo excepcional e acho que o filme inteiro perde.

Aquaman and the Lost Kingdom não chega a ser ruim e, sinceramente, encontrei menos problemas do que nos demais filmes da DC lançados nesse ano. Ao mesmo tempo, é um filme que já entra em campo derrotado, tendo desistido de lutar contra todas as circunstâncias que iam diretamente contra ele e se contentado em entregar o mínimo (antes que David Zaslav decidisse mandar o filme para o mesmo limbo onde está Batgirl).

De qualquer modo, não sei se um investimento maior de energia iria elevar a produção para além do “simpática”. Mas é meio triste ver que o filme se tornou um produto sem identidade própria. Parafraseando T. S. Eliot, acho que é assim que o universo da DC acaba, não com uma explosão, mas com um gemido, em uma grande pilha de potencial não realizado e decisões questionáveis. Espero que James Gunn não cometa os mesmos erros no futuro.

Outras divagações:
Man of Steel
Batman v Superman: Dawn of Justice
The Batman
Black Adam
Suicide Squad
Birds of Prey: And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn
Wonder Woman
Justice League
Aquaman
Shazam!
Shazam! Fury of the Gods
Joker

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Eu não sei muito sobre quem é Priscilla Presley ou mesmo sobre suas conquistas. Mas acredito que isso não é necessário para entender a mensagem que Priscilla está tentando passar. Sob muitos aspectos, o casal retratado é um exemplo de um determinado tipo de relacionamento, inclusive caindo em vários “clichês” desta dinâmica, o que é enfatizado pela fama, pela riqueza e por outras características específicas deste contexto.

Outra questão relevante é que esta produção tem um ponto de vista e não o esconde: ela é baseada na autobiografia de sua protagonista, que também é creditada como produtora. Por conta disso, o longa-metragem não tem apoio da Elvis Presley Enterprises – ou seja, não espere por muitas músicas com o característico vozeirão – e, ainda em sua fase de roteiro, desagradou a filha do cantor, a já falecida Lisa Marie Presley.

Com roteiro e direção de Sofia Coppola, a história começa no início dos anos 1960 e acompanha a vida da jovem Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny), uma adolescente do Texas que nem entrou no Ensino Médio e vive entediada na Alemanha, para onde seu pai foi transferido no exercício de suas funções como militar. Por meio de conhecidos, ela passa a frequentar a casa de Elvis Presley (Jacob Elordi) no país e os dois logo engatam um namoro, apesar da diferença de idade de 10 anos.

Irritada com os pais e encantada com o relacionamento com um homem bonito, rico e talentoso, Priscilla se deixa levar. Em pouco tempo, ela se vê sozinha em uma casa enorme e em uma nova cidade. Sem nenhum vínculo além de seu namorado famoso, a jovem acaba tendo que conviver exclusivamente com a família, os funcionários e os amigos dele, além de se ver obrigada a seguir as regras dele, inclusive sobre como ela deve se vestir e se sentir.

Assim, embora Priscilla leve apenas o nome de sua protagonista, a verdade é que ela conta a história de um relacionamento, com início, meio e fim. Neste mesmo sentido, também vale dizer que se trata de um drama, e não de um romance. Claro que, sob diversos aspectos, os dois vivem algo mágico e maravilhoso, mas o passar do tempo e a maior maturidade de quem conta a história – em relação a quem a “vive” – fazem com que certos pontos amargos ganhem destaque.

Além disso, é preciso admitir que Cailee Spaeny carrega uma enorme responsabilidade. Ao mesmo tempo em que apresenta um jeito de menina e uma voz delicada – que contrastam enormemente com as presenças masculinas –, ela tenta apresentar o amadurecimento de uma mulher. Sua personagem não é absolutamente ingênua, mas com certeza não tem o calibre emocional que é demandado dela. É um retrato delicado de construir, que está em boas mãos com Sofia Coppola, mas que ainda depende de um público receptivo.

E, obviamente, há um contexto histórico a ser observado. Os protagonistas não têm redes sociais e não discutem relacionamentos tóxicos; eles também têm visões claras (e até mesmo coincidentes) sobre o papel de um homem e de uma mulher em um relacionamento. Mas esta é uma trama de 1960 sendo contada por pessoas que vivem em 2023 – e ambas estas datas são relevantes para que Priscilla seja o filme que é.

Por não se tratar da cinebiografia de um cantor famoso, Priscilla não vem acompanhado de toda a empolgação que estas obras têm trazido. Em contrapartida, também não cai nas mesmas fórmulas narrativas. Assim, este não é um filme que encontra ecos em outras produções similares, mas ele espelha muitas outras histórias conhecidas e bem mais próximas, de avós, mães, tias, amigas e nós mesmas.

Outras divagações:
Lost in Translation
Somewhere
The Bling Ring
The Beguiled

Não sei qual é a frequência em que isso acontece em outros países, mas o Japão normalizou a prática de fazer filmes que são continuações de séries animadas. Eiga Bakuten!! é mais um exemplo neste sentido, funcionando de uma maneira bem típica. A produção é uma sequência direta dos 12 episódios exibidos em 2021, sendo praticamente um capítulo alongado.

Para quem não está familiarizado, a história acompanha o time de ginástica rítmica masculina de uma escola japonesa após sua classificação para competir nacionalmente. Isso envolve desde a competição em si até as consequências dela para cada um dos personagens, com as diferenças entre os alunos que seguem na escola, os que estão prestes a se formar e até mesmo o professor que coordena o grupo (Takahiro Sakurai).

Com esta trama, o filme se distancia um pouco do protagonista da série, Futaba Shôtarô (Shimba Tsuchiya), embora o seu olhar sobre os acontecimentos siga sendo determinante. A trajetória mais marcante, por sua vez, passa a ser de Watari Kôtarô (Hiroshi Kamiya), o único veterano que segue no grupo. É ele quem recebe a missão de ser o novo capitão do time, embora não se sinta exatamente preparado – especialmente após seu desempenho na competição e um anúncio que recebe do técnico.

De qualquer forma, Eiga Bakuten!! dá um jeito de incluir todos os personagens já conhecidos, permitindo que cada um tenha espaço para mostrar um pouco de sua personalidade. A maior parte deles não tem nenhum desenvolvimento relevante, de modo que há um ar de “participação especial” em vários destes momentos. Ainda assim, não é como se este filme fosse totalmente dispensável em uma eventual continuação (seja em formato de série ou outro filme), já que o status quo geral tem mudanças.

Aproveitando... Talvez você já tenha questionado o termo “time de ginástica rítmica masculina”. Ele soa estranho porque não se trata realmente de um esporte reconhecido internacionalmente (há até variações na interpretação do que isso implicaria). Mas o fato de que não há uma carreira real por trás deste esporte também tem suas consequências para os personagens.

Além disso, há a questão de que esta é menos uma história sobre o “sentimento esportivo/competitivo” (ou o que quer que isso seja) do que a série. Eiga Bakuten!! poderia ser um filme melancólico sobre as inevitáveis mudanças da vida e a necessidade de abandonar hobbies com a chegada de novas responsabilidades, mas ele prefere ser uma “esticadinha” dos bons momentos. Claro que isso também tem seu valor, mas tudo acaba soando imensamente passageiro, além de não resolver o conflito mais imediato.

Como uma obra isolada, Eiga Bakuten!! tem muito pouco a acrescentar. A animação não é particularmente fantástica, mas entrega um resultado legal. Já a história tem um ritmo estranho e fragmentado, sem conseguir verdadeiramente se aprofundar nos pontos que importam. Suponho que funciona para quem gosta bastante do material original, mas ele não consegue ser tão cativante quanto a série.

Aparecendo como mais um sintoma da “disneyficação” de qualquer forma de nostalgia minimamente capitalizável, o anúncio de Wonka provocou uma resposta quase unânime: “Realmente precisamos de uma prequela de Willy Wonka & the Chocolate Factory (ou mesmo de Charlie and the Chocolate Factory) em pleno ano de 2023?”.

Só para começar, o icônico personagem de Gene Wilder dificilmente pode ser visto como uma figura simpática. Para mim, ele sempre soou como um antagonista misantrópico e ensandecido para contrastar com a bondade ingênua de Charlie. Assim, quaisquer tentativas de torná-lo uma figura mais “humana” pareciam ir contra tudo que o personagem representa, em uma tentativa de lixar as arestas que tornavam Willy Wonka interessante no intuito de o transformar em algo mais amigável e fácil de vender.

Obviamente, eu não esperava que o filme consistisse em duas horas de Timothée Chalamet aprendendo a torturar crianças e escravizar sociedades inteiras – afinal, Hollywood não aceitaria esse risco criativo. Mas, quando tudo que sobra do personagem é uma cartola e a noção de “homem mágico do chocolate”, passa a ser difícil não enxergar a produção como um produto sem alma e pingando cinismo.

Ainda assim, não foi exatamente isso o que aconteceu. Com isso, escrever sobre Wonka é uma experiência particularmente difícil e admito que preferiria só não gostar do filme, sem fazer nenhuma reserva.

Dirigido por Paul King, Wonka tem uma história estranha, em que um jovem Willy Wonka (Timothée Chalamet), recém-chegado de uma viagem pelo mundo, sonha em abrir sua própria loja de chocolates para honrar uma promessa feita com a mãe (Sally Hawkins). Porém, ao encontrar a resistência da polícia local e dos membros do “cartel do chocolate”, ele se vê empobrecido e forçado a trabalhar para Mrs. Scrubbit (Olivia Colman). Então, ele conhece a órfã Noodle (Calah Lane) e outras pessoas na mesma situação, encontrando nestas amizades a possibilidade de escapar da servidão e de realizar seu sonho.

Com números musicais competentes (mas longe de oferecerem o nível de “grudência” que considero ideal), um roteiro leve, certa sagacidade e um clima fantástico suficientemente interessante, Wonka certamente não é a casca vazia corporativa que eu esperava. A produção tem diversos momentos genuínos, especialmente ao explorar coadjuvantes, e se diverte ao poder trazer personagens caricatos e mesclar todos esses elementos.

Infelizmente, esses elementos positivos não apagam completamente a noção inicial de que este é um filme absolutamente desnecessário. Pior ainda, ele é antiético ao personagem. Por isso, é até difícil respeitar a performance de Chalamet, que se esforça, mas que não consegue convencer no papel – em grande parte, por causa da maneira que foi escrito. Este protagonista pouco lembra a veia sardônica de Wilder ou até mesmo a esquisitice quase alienígena de Johnny Depp, sendo uma versão inofensiva e meio sem graça do personagem, que legitimamente não parece que se tornará o Willy Wonka que conhecemos.

Assim, eu realmente me pergunto se Wonka não seria apenas melhor como uma história original, com um personagem diferente. Tenho certeza que Paul King conseguiria trazer este mesmo senso de fantasia e maravilhamento típicos na obra de Roald Dahl de outra maneira. Aliás, alguns elementos típicos, quer sejam os chocolates ou os oompa-loompas, são tão insignificantes na história que poderiam ser facilmente substituíveis.

Isso torna difícil levar a opção artística de fazer esse filme a sério, mas suponho que o efeito seja menos vertiginoso para uma audiência que não tem muita familiaridade com qualquer uma das versões da história original. Wonka me parece o filme ideal para levar uma criança mais nova para o cinema, ainda que a produção esteja dependendo da nostalgia dos adultos para justificar sua existência.

Outras divagações:
Paddington

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle