Pessoalmente, eu agradeço muito pela gradual mudança no perfil dos diretores de ação nesses últimos anos. Após o estrondoso sucesso de John Wick, gente como David Leitch e Chad Stahelski cresceram na indústria, provando que são os coreógrafos e coordenadores de dublês que sabem como fazer uma boa cena de ação sem apelar para trucagens de câmera.

David Leitch, então, dirigiu o divertidíssimo Bullet Train e pegou gosto pelas comédias de ação. Agora, ele traz aos cinemas The Fall Guy, que poderia ser definido como uma “comédia romântica de ação” e, também, como uma grande carta de amor a todos os dublês e à pouco reconhecida comunidade que arrisca vidas para que os grandes astros do cinema possam brilhar mais.

Isso fica bem evidente nessa história, em que o protagonista Colt Seavers (Ryan Gosling) é o dublê do ator mais famoso do mundo, o egocêntrico Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson) – sim, a referência a Tom Cruise é direta assim. Durante uma performance que dá errado, Colt se machuca e precisa se aposentar prematuramente, sumindo do mapa e cortando contato com Jody (Emily Blunt), uma operadora de câmera com quem Colt estava envolvido romanticamente.

Tudo muda quando, mais de um ano depois, Colt é contactado por Gail (Hannah Waddingham), uma produtora que frequentemente trabalha com Tom Ryder, requisitando sua presença no set de um novo filme do ator. A produção é dirigida por ninguém menos que Jody, o que força Colt a sair da aposentadoria e o coloca em uma bizarra conspiração que envolve o sumiço misterioso de Tom.

Passando-se majoritariamente no processo de produção desse apoteótico filme de ficção científica, The Fall Guy realmente se compromete em mostrar um lado pouco falado da indústria. A história claramente ecoa as próprias experiências do diretor com a comunidade de dublês e com esse desejo de que ela seja mais reconhecida pelos espectadores.

Isso significa que, em vez do foco em lutas ou tiroteios, há várias cenas explorando outros aspectos da profissão. Ou seja, há desde perseguições de carro, barcos, saltos a trabalhos com animais, passando por pirotecnias e diversas outras coisas. É quase como se o longa-metragem falasse: “Viu, os dublês fazem tudo isso!”.

Porém, ao ser um comentário totalmente autoindulgente sobre a indústria, o filme perde alguns pontos na sua trama. Para mim, isso faz com que The Fall Guy seja a produção mais fraca de Leitch dos últimos tempos – o que não quer dizer que ela seja ruim, apenas que faltou o foco cirúrgico que fizeram Bullet Train, por exemplo, ser tão legal.

Enquanto, na produção anterior, as performances estavam a serviço do roteiro, aqui sinto que o roteiro está a serviço das proezas dos dublês. A trama, aliás, até mesmo se perde em meio às perseguições rocambolescas e à narrativa cheia de decisões questionáveis, que demandam um bocado de suspensão de descrença.

Ainda assim, este é um filme divertido. Ryan Gosling tem carisma o suficiente para segurar as pontas e seu personagem parece ser uma mistura dos arquétipos com que ele já trabalhou durante sua carreira. Sua química com Emily Blunt também está ótima e a parte de comédia romântica do filme funciona bastante bem, por mais que não converse muito com os outros aspectos da história.

O foco no casal, aliás, é tão grande que sinto que todos os coadjuvantes acabam ficando apagados. Eu gostaria de ter visto mais de alguns deles, como o personagem de Dan Tucker (Winston Duke), um coordenador de dublês que tem ótimas cenas, mas que some sem muita razão lá pelas tantas.

No mais, The Fall Guy é a definição de um filme pipoca: ele é divertido, leve e nunca se leva a sério. O aspecto de comédia romântica talvez torne a produção um tanto quanto única nesse cenário, e admito que há um bocado de coração e ternura onde é necessário. Porém, sinto que faltou um polimento e um roteiro mais ajustado para transformar o longa-metragem em algo memorável. Mas, se você só busca entretenimento, essa é uma boa pedida – as duas horas passam voando.

Outras divagações:
Atomic Blonde
Deadpool 2
Bullet Train

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Depois de uma série de projetos que falharam em criar burburinho, Luca Guadagnino parece ter encontrado em Challengers uma obra mais bem posicionada. Feito em parceria com o roteirista Justin Kuritzkes (que, apesar de ser basicamente um desconhecido em Hollywood, foi responsável pelo meme “potion seller”), Challengers é carregado da energia e da tensão sexual que tornaram o diretor conhecido em Call Me by Your Name, com uma roupagem de drama esportivo e um elenco que aproveita Zendaya no auge de sua popularidade.

A produção é centrada inteiramente na dinâmica entre três personagens: Tashi (Zendaya), Patrick (Josh O'Connor) e Art (Mike Faist). Eles são três tenistas que se conheceram na juventude e se meteram em um complicado triangulo amoroso que definiu suas vidas.

Tashi, a mais ambiciosa e talentosa do grupo, teve de se aposentar prematuramente devido a uma lesão, vivendo seus sonhos vicariamente como treinadora e esposa de Art. Ele, por sua vez, mesmo tendo se tornado um dos mais famosos tenistas do mundo, agora sofre com uma série de derrotas e problemas de confiança, especialmente quando precisa enfrentar seu antigo parceiro de duplas e ex-namorado de Tashi. Patrick, aliás, mesmo em um estágio decadente de sua carreira, jamais perdeu uma partida contra Art.

Indo e vindo através do tempo, Challengers é extremamente competente em situar as dinâmicas emocionais de seus personagens, com cada flashback adicionando uma nova peça do quebra-cabeças que redefine os relacionamentos no presente. Embora não exista nenhuma reviravolta radical, a maneira que todas essas informações são distribuídas e o que elas representam no plano geral são mais do que o bastante para envolver. Para completar, o filme transborda energia com um trabalho de câmera bastante ousado e uma boa trilha sonora que casa bem com esse clima.

A química entre os atores está no ponto, de modo que a produção vende a tensão sexual crescente entre eles. Mike Faist parece um pouco apagado lá pela metade do filme, quando seu personagem se torna mais uma peça no jogo do que alguém realizando as jogadas, mas sinto que ele recupera um pouco da presença e do protagonismo. Josh O'Connor certamente tem um papel um pouco mais interessante, embora seja Zendaya quem carregue a trama nas costas; o filme dificilmente funcionaria do mesmo modo sem ela.

O jogo de tênis em si nada mais é do que uma extensão dessa dinâmica romântica e sexual. Apesar de espelhar bem o relacionamento dos personagens, ele acaba tendo pouca centralidade; ainda assim, as partidas são suficientemente empolgantes para não passarem em branco. Inclusive, a principal disputa é responsável por um retorno emocional que, mesmo sendo meio previsível, funciona como a grande catarse da trama.

No entanto, acredito que essas sequências de jogo por vezes tiveram um excesso nos efeitos cinéticos de câmera e slow-motion. O resultado me pareceu um pouco exagerado e desnecessário, especialmente nas cenas que usam mais fortemente de efeitos visuais.

Challengers pode ser um filme complicado para quem não se sentem confortável com a constante sexualidade da história e/ou com o clima meio novelão (às vezes, no melhor dos sentidos), mas a energia constante e a execução competente fazem com que esse seja um filme sólido; um sopro de ar fresco em meio a uma série de produções bem mais estruturalmente convencionais. Challengers pode não ser o longa-metragem mais revolucionário do mundo, mas é o tipo de filme em que é difícil achar grandes defeitos e, certamente, faz valer o preço do ingresso.

Outras divagações:
Call Me by Your Name
Suspiria

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Existem filmes tão contaminados pelo discurso ao seu redor que se torna difícil falar sobre eles sem considerar o que é dito a respeito da obra. Civil War é um claro exemplo disso – e não se trata apenas de uma infeliz coincidência. Todo o marketing do filme se esforçou para instilar esse senso de grandiloquência política e instigar os espectadores a pensar nesse estranho mundo paralelo onde Texas e Califórnia se uniram em um movimento insurgente contra o governo americano.

Funcionou? Sem dúvidas, essa foi uma jogada que, em um ano de eleição e de ânimos já exaltados, parece ter dominado a conversa a respeito do filme. Mas, ao centralizar o debate em torno deste ponto, o filme se colocou como um destinatário de um escrutínio mais minucioso por parte dos seus espectadores, que esperavam que um filme da A24 com toda essa pompa teria muito a dizer. É justamente quando ele não tem que surgem os problemas.

Mesmo afastados desta carga histórica em terras brasileiras, não ficamos imunes a questões do gênero. Por mais que o filme tenha falhado em causar o mesmo rebuliço por aqui – provavelmente, o maior destaque é a presença proeminente de Wagner Moura –, eu ainda esperava por “algo”, um comentário sobre a divisão política e os arranjos sócio-históricos da sociedade norte-americana e sobre como essa divisão, conforme os pôsteres apontam, faz impérios ruírem.

O que eu encontrei foi algo decididamente diferente. Para começar, a trama se passa em um presente alternativo em que uma guerra civil divide os estadunidenses, mas não há explicações concretas sobre como isso aconteceu, ou seja, é preciso apenas aceitar que essa é a situação.

Nesse contexto, uma dupla de jornalistas – a fotografa Lee (Kirsten Dunst) e Joel (Wagner Moura) – parte em direção a Washington com o objetivo de documentar os últimos dias do conflito e, quem sabe, conseguir uma entrevista com o presidente do que restou do país (Nick Offerman). Nessa viagem pelo interior americano tomado pela guerra, eles se juntam a um jornalista veterano, Sammy (Stephen McKinley Henderson), e a uma jovem que idolatra o trabalho de Lee, Jessie, (Cailee Spaeny).

Ou seja, fundamentalmente, Civil War não é sobre a dita guerra civil; as razões do conflito são opacas, o seu desenvolvimento é pouco explorado e até mesmo o que vai acontecer depois que a guerra acabar é uma incógnita. Mas o filme explora o jornalismo de guerra e, especialmente, os jornalistas que participam destes processos. Sob esta ótica, Civil War é bastante sólido, com um grupo central de protagonistas interessante e que exemplifica bem o tipo de convicção ou ambição que você deve ter para colocar sua vida em risco. “É uma questão existencial”, diria um dos personagens.

O conceito é bem vendido pelos atores. Kirsten Dunst é uma protagonista sólida, que tem seus momentos, e cria uma boa dinâmica com a personagem de Cailee Spaeny, embora pudesse ter se beneficiado de um pouco mais de desenvolvimento. Isso vale apenas parcialmente para Wagner Moura, que convence com sua obsessão e seu jeito impulsivo, mas que poderia ter um pouco mais de gravitas em suas razões para ir a tantos extremos.

A falta de um fio condutor e esse clima de road trip lento podem afastar a parcela do público que espera por um foco maior na tal guerra. Ainda assim, a maneira como o conflito é retratado me satisfez, mostrando essa influência pervasiva no tecido social que alcança até mesmo quem propositalmente não quer tomar lados. Ao invés de ter grandes momentos de violência e combates, o filme traz as consequências da guerra e o efeito desumanizante que ela tem sobre nós.

Vale observar que isso tudo é acompanhado de um trabalho de direção e de som que são ótimos em colocar o espectador dentro do que está acontecendo. Isso é válido especialmente conforme o filme vai chegando ao seu fim (em um momento mais apoteótico, diga-se de passagem).

Mas permanece o elefante na sala: Civil War não é sobre política e, inclusive, evita falar de política a todo o custo. Talvez o propósito seja não alienar parte do público em um momento de clima carregado nos Estados Unidos, mas o diretor e roteirista Alex Garland, ao fazer isso, não apenas retira uma importante dimensão que dá peso a esse tipo de trama, mas abre margem para interpretações completamente equivocadas do material.

Para mim, a covardia em endereçar problemas muito reais e existentes no país também é um desserviço a própria profissão jornalística, que é ao mesmo tempo glamorizada e reduzida em suas motivações. Com isso, a produção parece esquecer que se trata de um ofício politicamente carregado e de quanto isso orienta o processo de cobertura.

Obviamente, eu não queria que todo esse aspecto do filme fosse mastigado, que ele tomasse um lado e/ou que desse nome aos bois – mas não é possível ter o bolo e o comer. Se Garland quisesse dar profundidade ao filme e a seus personagens, esse aspecto era inevitável; sem isso, a trama fica um pouco manca, eximindo-se de fazer qualquer comentário mais relevante que eleve o resultado de algum modo. Civil War é um filme competente e relevante, mas que vai ser mais lembrado pelo que deixou de fazer do que pelo que efetivamente fez.

Outras divagações:
Ex Machina

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

É estranho pensar que um dos diretores mais influentes da história do cinema brasileiro, na verdade, seja argentino – ao mesmo tempo, isso faz todo sentido. Hector Babenco olha para o Brasil com a compreensão de um vizinho latino-americano e o amor de quem não é daqui, mas escolheu esta terra para viver. Ainda assim, ele não se entrega a ufanismos.

Justamente por conta disso, Pixote: A Lei do Mais Fraco é um filme difícil de assistir. Lançado em 1980, ele conta a história de crianças de rua daquela época e, por mais que as coisas tenham mudado muito de lá para cá, a produção ainda machuca, ainda está próxima demais da realidade. Para completar, também dói o conhecimento de que a vida do ator principal seguiu mais ou menos como a gente imagina que a de seu personagem seguiria.

Pixote (Fernando Ramos da Silva) é um menino de 10 anos que vai parar em um reformatório em São Paulo. A vida dentro da instituição é cruel, mas ele a encara com a coragem daqueles que não conhecem um mundo diferente. Inclusive, em mais de um momento, adultos “de fora” comentam que a vida “lá dentro” é melhor.

Inicialmente solitário, o menino não demora a fazer amigos como Fumaça (Zenildo Oliveira Santos), um rapaz que sabe como conseguir maconha e cuja mãe aparece para visitas toda semana, uma raridade. Outros companheiros incluem: Lilica (Jorge Julião), que é constantemente ameaçado por ser gay; Dito (Gilberto Moura), que sonha em ir para o Rio de Janeiro; e Chico (Edilson Lino), que quer ser bandido quando crescer.

Após uma revolta dos internos, Pixote participa de uma fuga em massa e, junto de seus amigos, tenta levar a vida nas ruas. Eles ficam devendo para gente perigosa (Tony Tornado), tentam vender drogas – e são trapaceados por uma mulher de negócios muito séria (Elke Maravilha) –, roubam bolsas e carteiras e cometem todo o tipo de pequenos delitos até encontrarem refúgio aplicando golpes em conjunto com a prostituta Marília Pêra (Marília Pêra). O caminho, entretanto, é repleto de despedidas forçadas.

Pixote: A Lei do Mais Fraco parece ser formado por uma sucessão de episódios inacreditáveis, mas terrivelmente possíveis. A estrutura faz sentido com a história sendo contada e com as demais escolhas diretoriais. As crianças do elenco fazem parte desse mundo, brincam aquelas brincadeiras e vivem aquela vida. Há um desespero sincero que seus olhares parecem não entender, mas que os atores adultos e experientes querem ajudar a contar.

Inclusive, ao mesmo tempo em que seu protagonista não entende bem a realidade cruel que o cerca – uma dinâmica onde sexo e drogas são as principais moedas –, ele sabe que precisa endurecer rapidamente para poder se virar. Nunca fica claro como Pixote foi parar no reformatório, mas ele nunca questiona seu destino e não se vê como uma vítima da sociedade. Ele só olha para frente e segue firme, tendo o senso de companheirismo como seu principal valor.

Assim, Pixote: A Lei do Mais Fraco provavelmente é um dos filmes mais tristes e desoladores que já assisti. Não se trata exatamente de uma história de amadurecimento, já que pouco foi realmente aprendido. É uma perda da inocência acompanhada pelo acordar de um instinto de sobrevivência. Pixote não cresce, ele apenas endurece e segue em frente, rumo ao destino de seus irmãos.

Existem filmes que parecem atemporais (obviamente, isso não existe, mas alguns chegam perto). Em alguns casos – como em The Holdovers – o efeito acontece porque você já viu algo assim antes, ainda que não exatamente igual. A ideia e a mensagem se repetem e até mesmo a época em que a história se passa ecoa algo conhecido e querido. Por mais que o contexto dos personagens não seja algo com o que você consiga se identificar de uma forma mais imediata, há uma facilidade em criar empatia pelas circunstâncias e você se transporta para aquele lugar.

A história de The Holdovers, inclusive, não tem nada de atemporal ou universal; pelo contrário, ela é bem específica a um lugar e a um período. No inverno de 1970, os alunos de um colégio interno de New England são liberados para passar algumas semanas com suas famílias. Entretanto, como alguns estudantes não podem ir para casa por uma série de motivos, um professor rigoroso, Paul Hunham (Paul Giamatti), é escalado para cuidar deles.

Acontece que, por boa parte deste período, o grupo se resume ao professor, à cozinheira do local (Da'Vine Joy Randolph), que acabou de perder o filho na Guerra do Vietnã, e a um aluno inteligente, mas problemático, Angus Tully (Dominic Sessa). Essa convivência forçada durante o período das festas de final de ano faz com que essas pessoas acabem se abrindo umas com as outras, expondo feridas e quebrando ideias preconcebidas.

Assim, The Holdovers é uma história sobre pessoas que estão sofrendo por diferentes motivos e se apoiam umas nas outras – nada novo, mas algo de fácil identificação. Enquanto o professor parou de viver e resolveu se dedicar a tradições que não existem mais, a cozinheira vive um luto injusto e muito doído, já o estudante tenda entender o que sobrou de seu mundo após perder importantes pilares de sustentação.

Tudo isso é acompanhado com muito carinho e compaixão, inclusive beirando algo não muito realístico. Por mais que os personagens discordem e entrem em conflitos, os problemas reais não surgem das relações mostradas na tela e eles são capazes de criar uma espécie de rede de solidariedade, ajudando-se mutuamente. O núcleo restrito permite que o roteiro de David Hemingson tenha respiros e que cada ator possua espaço para desenvolver um bom trabalho, de modo que as falhas das pessoas retratadas se tornam apenas características humanas.

Sob muitos aspectos, The Holdovers é sobre uma família inventada que se descobre em pleno Natal – um pai, uma mãe e um filho. O diretor Alexander Payne declarou que não gosta do rótulo atrelado ao período em que a história se passa, mas é impossível dissociar as coisas; os próprios personagens reforçam todo o tempo de que esse é um momento muito triste para estar sozinho. Mas a conexão emocional não é dada, precisando ser construída.

Além disso, outro aspecto que sustenta a sensação de “universalidade” e/ou de “atemporalidade” da produção é o humor. Obviamente, não se trata de um filme que gera gargalhadas, mas há muitos sorrisos e momentos que aquecem o coração. A leveza é bem colocada e permite que tudo não descambe para um melodrama, fazendo com que The Holdovers gere aquela vontade de reassistir ao lado de pessoas queridas e, de preferência, no Natal.

Outras divagações:
The Descendants
Nebraska