Mesmo depois de um sólido primeiro filme, ainda havia algo na obra de Frank Herbert que aparentava inescrutável: o épico galático parecida ter diminuído em escopo ao ser tirado da vasta imaginação para ser colocado nos confins de uma tela. Não me entenda mal, eu gostei de Dune: Part One, mas não vi os lampejos de brilhantismo necessários para situar estes filmes no mesmo patamar de importância para o cinema que os livros tiveram para o gênero.

Mas Dune: Part Two talvez tenha me provado errado. Poder, finalmente, assistir a obra nos cinemas trouxe um arrependimento retroativo, já que fui obrigado a ver a primeira parte desta história no conforto do lar por conta da pandemia de covid-19, em uma televisão bem menos impressionante do que uma tela IMAX.

Obviamente, eu notei que a produção de Denis Villeneuve de 2021 era muito bonita, contudo, foi Dune: Part Two que finalmente me fez sentir que essa é uma experiência épica, daquelas que fazem valer a pena sair de casa. O filme legitimamente transforma a obra apenas com a força da sua primazia técnica, afinal, ainda que se possa argumentar que a narrativa sempre será melhor nas páginas dos livros, há algo que só é possível nos cinemas – e é preciso admitir que existe um grande valor nisso.

Com uma história politicamente densa, cheia de jargões e terminologias, e um universo nem sempre bem explicado pelos filmes, Dune: Part One sofria o calvário de aclimatizar seu espectador a um milhão de coisas diferentes, perdendo mais tempo com sua exposição do que com seus personagens. Assim, qualquer síntese que eu faça sobre a trama vai perder muito do seu nuance, mas vou tentar situar as coisas mesmo assim.

Seguindo adiante na história de Paul Atreides (Timothée Chalamet), há aqui a culminação da guerra contra o barão Harkonnen (Stellan Skarsgård) pelo controle de Arrakis. Cada vez mais próximo de Chani (Zendaya), Paul tem de se dividir entre a vingança desejada contra os assassinos de seu pai e a sua nova vida entre os fremen.

Além disso, ele precisa lidar com as profecias de salvação que parecem recair sobre a sua cabeça e o colocam como o messias dos nativos do planeta. Com a intervenção direta do imperador (Christopher Walken) sobre o conflito e a ascensão de Feyd-Rautha Harkonnen (Austin Butler) como o novo governador de Arrakis, cabe a Paul decidir o seu destino e o futuro tanto de sua casa quanto do próprio império da humanidade.

Felizmente, tirada aqui a necessidade de explicar tanta coisa, a sequência é bem mais feliz em duas frontes: apresentar seus momentos de maior intensidade e gravidade emocional, e investir completamente no espetáculo visual. Assim, ela é o merecido pagamento por todo o investimento narrativo da primeira parte.

O espetáculo entregue, com sequências lindas e inventivas, tem um visual muito seguro de si e um maior foco nos aspectos “esotéricos” do mundo, dando ao filme uma textura muito própria. Isso traduz bem o universo imaginado por Herbert, misturando uma boa fotografia e, especialmente, um brilhante trabalho de design de produção, que genuinamente trouxe esse mundo à vida, com arquiteturas e climas variados aos planetas retratados.

O trabalho da equipe de som foi igualmente excepcional, fazendo algum tempo que não via um filme tão impactante neste aspecto. Destaco tanto a ótima trilha de Hans Zimmer quanto o trabalho de design de som, que pontua de modo fantástico toda a trama, sendo mais um argumento para ver este filme nos cinemas.

Não que o filme seja só técnica. Ele tem uma trama mais pessoal do que o anterior e trabalha bem a sua mensagem central sobre os perigos da fé cega. Para quem temia que se tratasse de uma grande barriga para a conclusão da história – na já confirmada terceira parte dessa história – fico feliz em dizer que Dune: Part Two consegue fechar de modo satisfatório a sua trama central e ser uma adaptação muito competente do primeiro livro da série.

Entretanto, a produção não abre mão de já semear para a continuação, inclusive talvez de um modo bem mais direto e empolgante do que os livros fizeram, acertando o ponto de ser capaz de se segurar sozinha, mas deixando todo mundo com vontade de ver um pouco mais. Assim, Dune: Part Two é uma sequência que constrói e melhora boa parte das coisas mostradas no filme anterior, como um Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back de nossos tempos.

Aliás, o longa-metragem tem o potencial de firmar esse universo na mente de muitos fãs de ficção-científica que ainda não tiveram a disposição de encarar os livros. Ainda que esse não seja um filme perfeito, seus poucos defeitos – como uma duração excessiva e um ritmo e tom um pouco irregulares no primeiro ato – não reduzem suas qualidades. Assim, minha recomendação é excessivamente simples: se você teve algum interesse em Dune: Part One, Dune: Part Two é imperdível.

Outras divagações:
Arrival
Blade Runner 2049
Dune: Part One

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Um longa-metragem sobre a luta por direitos civis da população negra dos Estados Unidos com um protagonista homossexual. Não é por nada, mas Rustin parece material para o Oscar desde sua concepção – ainda assim, a produção conquistou apenas uma indicação e vem recebendo poucos prêmios nessa temporada. Mas já chego lá!

A história traz um recorte bem específico da vida de Bayard Rustin (Colman Domingo), no começo dos anos 1960. Afastado de seu amigo Martin Luther King (Aml Ameen) após boatos, ele não é bem visto por muitas lideranças do movimento negro e se distanciou da luta. Entretanto, com o acirramento da violência em protestos pacíficos, Rustin decide organizar uma ambiciosa marcha em Washington.

Um dos aspectos mais interessantes da produção é o retrato da dinâmica de forças. Bayard tem a confiança de uma “velha guarda” que tem prestígio, mas não está mais no comando, além de saber conquistar as novas lideranças, que ainda não têm voz suficiente; e ele talvez tenha um amigo bastante influente. Do outro lado, há pessoas importantes como Roy Wilkins (Chris Rock) e Adam Clayton Powell (Jeffrey Wright), que não acreditam nele e temem ter uma pessoa com um “passado criminal” na organização de um evento dessa magnitude.

Contudo, é fato que a marcha acontece (afinal, é um evento histórico) e o filme decide explorar como isso ocorre de uma forma mais prática. Assim, não demora muito para que as vontades se alinhem e as dificuldades se tornem aquelas já esperadas: o governo não está a favor do evento; os opositores começam a jogar sujo, usando o passado de Bayard contra ele; concessões precisam ser feitas; e por aí vai.

Outro ponto importante é que o protagonista de Rustin é um pacifista. Embora ele não fuja da briga, é perceptível que se trata de uma pessoa muito controlada e que prefere simplesmente desviar dos conflitos por meio de educação, sorrisos e inteligência. Mas traduzir isso para a tela acaba sendo um pouco problemático. Colman Domingo faz um trabalho primoroso e consegue criar empatia, contudo, o restante da produção carece da energia necessária para criar uma catarse satisfatória.

O detalhe é que estamos falando de um filme de George C. Wolfe, que já mostrou que consegue levar energia para a tela em Ma Rainey's Black Bottom. No entanto, um longa-metragem é um trabalho de equipe. Uma das escolhas dos roteiristas que mais me desagradou foi a atenção dada ao triângulo amoroso com o assistente Tom (Gus Halper) e o pastor Elias Taylor (Johnny Ramey). Essas sequências servem para dar peso às consequências de ser gay nos Estados Unidos nos anos 1960, mas sinto que isso estava posto de outras formas e não precisava desse enquadramento.

Rustin tem uma história muito interessante para contar, um elenco afinado e mensagens absolutamente necessárias (sim, mesmo hoje) – sob muitos aspectos, é um deleite. Infelizmente, a obra se perde nos clichês de como ela “deveria ser”, deixando de lado seus aspectos únicos em prol de uma narrativa pasteurizada. Sinceramente, fico bastante feliz que a produção não viu necessidade de esticar sua duração (o filme tem 1h46) e nem acho que isso seria necessário, mas gostaria que alguns enquadramentos fossem diferentes.

Outras divagações:
Ma Rainey's Black Bottom

Qual foi o melhor filme animado de 2023? Meses atrás, a minha resposta seria firmemente plantada em Spider-Man: Across the Spider-Verse (se formos considerar o atraso no lançamento de Kimitachi wa dô ikiru ka em terras brasileiras, ela segue a mesma).

Mesmo em um ótimo ano para a animação – com uma grande variedade de títulos tanto orientais como ocidentais –, a nova obra do Studio Ghibli e, possivelmente (mais uma vez), o último filme de Hayao Miyazaki, destaca-se. Se Spider-Man: Across the Spider-Verse representa o futuro da animação norte-americana, Kimitachi wa dô ikiru ka é a cristalização de toda a história da animação tradicional japonesa, além de uma despedida muito apropriada para o diretor.

A história acompanha Mahito Maki (Soma Santoki), um jovem que, depois de perder a mãe em um bombardeio durante a segunda guerra mundial, muda-se com o pai para o interior japonês. Lidando com o luto, a mudança para um lugar desconhecido e com o casamento de seu pai com sua tia Kiriko (Kô Shibasaki), Mahito se vê atraído por uma misteriosa torre nos fundos de sua casa. Há, ainda, a presença constante de uma estranha garça falante (Masaki Suda), que afirma que a mãe do menino ainda vive, o que o leva para uma jornada por uma terra misteriosa entre o mundo dos vivos e dos mortos.

Com uma animação belíssima, uma ambientação muito interessante e uma sensibilidade diretorial bastante forte, Kimitachi wa dô ikiru ka realmente soa como uma culminação da carreira de Hayao Miyazaki. Não acho que esse seja o seu melhor filme, mas certamente é uma obra que olha para trás e pensa no seu legado, no futuro do estúdio e em toda a sua história, tendo aquele gosto agridoce de despedida. Esse tipo de reflexão aparece frequentemente durante o filme, permeando não só seu subtexto, mas a própria motivação de alguns de seus personagens.

A trama tem todos os elementos típicos que vieram a ser associados com o diretor e roteirista. Da ambientação no período da guerra ao clima idílico do interior japonês, passando pelo limiar fantástico que o personagem cruza para encontrar um mundo de conto de fadas que é, em igual partes, tão cativante quanto grotesco e perigoso. Inclusive, a cota da típica heroína “miyazaquística” é suprida pela chegada relativamente tardia de Himi (Aimyon), na metade final da história.

Porém, o filme tem bem mais “clima” do que “história”. Às vezes, essa questão onírica chega a atrapalhar um pouco, com personagens e acontecimentos que só se resolvem porque sim, o que talvez incomode quem gostaria de uma trama mais concreta e bem amarrada. Entretanto, isso é algo que sempre acompanhou o diretor e é uma das razões pelas quais prefiro os filmes mais “pé no chão” de seu companheiro de estúdio, Isao Takahata. Também não duvido que parte do frescor da trama tenha se perdido para mim por conta das similaridades com Suzume no Tojimari, que é mais direto.

De qualquer modo, isso não reduz a noção de aventura e intriga do filme. Kimitachi wa dô ikiru ka tem alguns dos visuais mais legais e instigantes da filmografia de Miyazaki, com sequências absolutamente lindas e um constante senso de “peso” para tudo que os personagens fazem. Nesse caso, tenho que dar os parabéns também a um nome não tão conhecido: o diretor de animação Takeshi Honda. Veterano da Gainax, ele foi responsável por um sem-número de ótimas produções japonesas, tendo ainda trabalhado ao lado de Satoshi Kon em vários de seus melhores filmes.

Não sei se Kimitachi wa dô ikiru ka tem a mesma capacidade de atrair um novo público como Sen to Chihiro no Kamikakushi ou se é tão icônico e trabalha tão bem seus temas quanto outros filmes do Studio Ghibli. Mas, para alguém que acompanha a carreira de Miyazaki a décadas, é difícil não me emocionar em saber que dificilmente teremos mais um desses, sendo talvez o fim do próprio Studio Ghibli como o conhecemos. Isso torna Kimitachi wa dô ikiru ka um filme extremamente recomendado para todos os fãs de animação e o mais provável vencedor do Oscar deste ano.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Outras divagações:
Kaze no Tani no Nausicaä
Tonari no Totoro
Majo no takkyûbin
Mononoke-hime
Hauru no ugoku shiro
Gake no ue no Ponyo
Kaze tachinu

Durante uma das primeiras cenas de Saltburn, dois personagens conversam sobre como a vida de um deles parece um romance de Evelyn Waugh. A semelhança era tão clara que, sinceramente, achei que esta poderia ser uma adaptação de Retorno a Brideshead; inclusive, depois li que Jacob Elordi chegou a ler este livro para se preparar para o papel. Mas, quando eu já estava confortável, achando que sabia para onde a história iria caminhar, as coisas começam a divergir.

Saltburn começa em 2006 – ou seja, há celulares, mas não smartphones –, com o início de mais um ano letivo na prestigiada universidade de Oxford. Oliver Quick (Barry Keoghan) é um calouro bolsista que tem um jeito muito formal, roupas estranhas, dificuldades em fazer amigos e que não gosta muito de receber críticas, criando uma rivalidade com seu colega de orientação, Farleigh Start (Archie Madekwe). Já Felix Catton (Jacob Elordi) é um jovem simpático, popular e muito, muito, muito rico, além de ser primo de Farleigh.

Inesperadamente, Felix e Oliver criam uma amizade e se tornam bastante próximos, a ponto de Oliver ser convidado para passar as férias de verão na mansão da família de Felix (não é um castelo, mas está quase lá). Deslocado e sem jeito, ele vai aos poucos aprendendo a conviver com a irmã carente de atenção, Venetia (Alison Oliver); a mãe descolada da realidade, Elspeth (Rosamund Pike); o pai aristocrático, James (Richard E. Grant); e até mesmo a outra “agregada”, Pamela (Carey Mulligan).

Mas Saltburn funciona como um daqueles livros em que o narrador não é confiável e, aos poucos, percebemos que Oliver não é quem aparenta ser. O filme, então, torna-se um jogo em que nunca fica claro quão esperto o protagonista realmente é, quais são seus objetivos, até onde ele pretende ir e se ele realmente será bem-sucedido. Já adianto que, ao final, tudo fica esclarecido, mas eu preferia que um pouco do mistério permanecesse (puramente pelo charme da incerteza).

Com roteiro e direção de Emerald Fennell, a produção traz uma tensão de qualidade, o que parece ser a especialidade da cineasta. Ela consegue construir sua narrativa com cuidado e, ao mesmo tempo, trazer diversos elementos visuais interessantes e significativos, com destaque para as sequências que acontecem durante uma festa à fantasia com temática da peça shakespeariana Sonho de uma Noite de Verão. Cabe aqui uma curiosidade: a estátua do Minotauro presente no centro do labirinto (sim!) teve como referência o corpo de Barry Keoghan.

Com sua veia crítica apontada para a elite (financeira e acadêmica), Saltburn acaba sendo menos incômodo se comparado ao longa-metragem anterior de Fennell, Promising Young Woman. Além disso, por mais que seja maravilhosamente filmado e seja muito bem escrito, ele não compromete todas as fichas no dúbio; e é quando tenta se explicar que a produção escorrega e se torna apenas mais uma.

Afinal, querendo ou não, há muitas histórias similares por aí, ainda que esta seja particularmente bem executada e mereça atenção na atual temporada de premiações – o que está acontecendo, até onde consegui acompanhar. Saltburn é uma delícia, mas deixa um gosto amargo na boca.

Outras divagações:
Promising Young Woman