Ir a cabines de imprensa tem vantagens e desvantagens; e, neste caso, houve um benefício quase acidental. Afinal, é uma pena que o lançamento oficial de Nosferatu no Brasil seja apenas em janeiro, uma vez que a história se passa nos dias que antecedem o Natal. Sim, é um terror natalino (mas sem luzinhas, pois não há eletricidade). Para ser melhor, só faltou uma sessão à meia-noite e um clima invernal (não se pode ter tudo).

Passado na Alemanha em 1838, Nosferatu é um deleite gótico em um início de era vitoriana. Os castelos têm grande participação – e as filmagens foram feitas em locais reais, na Romênia e na República Tcheca –, sendo complementados por figurinos maravilhosos, por uma fotografia de altos contrastes (e muitas sombras) e por uma maquiagem bem pensada. Ou seja, visualmente, a produção é tudo o que você poderia esperar.

Na trama, Ellen Hutter (Lily-Rose Depp) é uma jovem recém-casada que possui um histórico de “melancolia”. O diagnóstico, obviamente, é um eufemismo muito ruim para explicar que ela tem sonhos assustadores, sonambulismo, convulsões e por aí vai. Assim, o que ela realmente tem é uma conexão natural com “o outro lado”, o que acaba atraindo o interesse de uma criatura amaldiçoada.

As coisas começam a sair da esfera dos sonhos e a invadir a realidade quando o noivo Thomas Hutter (Nicholas Hoult) recebe a missão de vender uma mansão em ruínas para o conde Orlok (Bill Skarsgård). O negócio já foi acertado pelo chefe do rapaz, Knock (Simon McBurney), mas ele ainda precisa fazer uma longa viagem para que os papeis sejam devidamente assinados.

Durante a ausência do marido, a delicada Ellen fica sob os cuidados de um casal de amigos, o bem-sucedido Friedrich Harding (Aaron Taylor-Johnson) e sua doce, fiel e religiosa esposa, Anna (Emma Corrin). Assim, quando Thomas demora mais que o esperado para voltar e a saúde da jovem fica comprometida, eles chamam o médico local, Wilhelm Sievers (Ralph Ineson), que eventualmente apela para os conhecimentos do excêntrico Albin Eberhart von Franz (Willem Dafoe). Para completar, a peste bubônica chega à cidade.

Assim, com uma história relativamente simples, o que Nosferatu faz é explorar a relação entre os personagens diante de circunstâncias macabras e de muito desconhecimento. Sinceramente, a incerteza, a impotência e o mistério são realmente muito assustadores – e já sabemos que o roteirista e diretor Robert Eggers é capaz de lidar muito bem com esses elementos. De maneira geral, o filme constrói poucas cenas de susto, mas aposta em um clima de tensão e pavor constantes.

O único problema acontece quando as sequências se alongam um pouco demais e a voz gutural de Skarsgård começa a perder o efeito desejado, por exemplo. Além disso, com mais de duas horas de duração, Nosferatu não consegue segurar o efeito de manter seu vilão às sombras por muito tempo e, por mais que a maquiagem seja boa em ser horrível, o pavor inicial não gera efeitos tão prolongados assim. Mas faço a ressalva de que eu tenho dificuldades em lidar com obras de terror (vulgo: não consigo mergulhar muito bem no universo e acabo achando tudo engraçado).

Dito isso, é preciso completar que o elenco se entregou ao material. Lily-Rose Depp não precisou de efeitos especiais para suas cenas de contorção e tremedeira; Bill Skarsgård caprichou no trabalho de voz; e os demais estão perfeitamente convincentes dentro daquele universo, alternando entre incredulidade, horror e indignação.

Em resumo, Nosferatu é um filme muito bem produzido e que consegue convencer, mesmo com uma história que já foi contada e recontada tantas vezes. Para quem aprecia o terror gótico e/ou filmes que não apelam (constantemente) para sustos fáceis e gritos, acredito que esse é um lançamento a muito aguardado.

Outras divagações:
The VVitch: A New-England Folktale

A literatura de William S. Burroughs é tão estrambólica que mesmo um de seus textos iniciais (ditos “mais lineares”) podem sem difíceis de acompanhar. Além disso, há tanto espaço para diferentes interpretações que considero particularmente interessante ver adaptações para o cinema. Assim, além da presença de uma camada visual, há também a adição de um novo olhar sobre a obra.

Queer é baseado em um dos primeiros livros do autor e, como muitos, contém elementos autobiográficos, mas sem um compromisso com qualquer verdade. O protagonista, inclusive, se chama William Lee, um dos pseudônimos de Burroughs, que realmente tinha dependência química e morou no México. O detalhe é que o original foi, em grande parte, escrito enquanto o autor aguardava julgamento pelo homicídio acidental de sua esposa, o que acrescenta toda uma camada de dor e sofrimento que não necessariamente consta nas palavras.

A história se passa nos anos 1950, enquanto o expatriado William Lee (Daniel Craig) vive no México na companhia de uma pequena comunidade de estadunidenses. Ele não parece ter um emprego fixo e costuma gastar liberalmente em bebidas e drogas, mas é um tanto quanto descuidado em outros aspectos da vida, com seu terno branco mostrando desgaste. Além disso, com a exceção da amizade com Joe (Jason Schwartzman), ele parece estar deslocado mesmo em espaços da comunidade gay.

Eis que Lee encontra um novo objetivo de vida (ou um chamado à aventura) após conhecer Eugene Allerton (Drew Starkey), um rapaz de modos frios, mas que permite certa aproximação aos poucos. Juntos, os dois partem em uma viagem pela América Latina, buscando uma misteriosa planta que pode abrir as portas para a telepatia, o que os leva até a pesquisadora Cotter (Lesley Manville). O único problema é a eventual falta de drogas pelo caminho.

Com suas temáticas bem determinadas – a vida como um homem gay, o abuso de drogas e a obsessão por telepatia –, Queer parece ser o veículo ideal para o diretor Luca Guadagnino soltar a criatividade. Seja nas sequências que mostram gestos reprimidos ou nas cenas de uso de drogas, o filme tenta traduzir visualmente a experiência de Lee. Com o tempo, as coisas começam a se tornar confusas e, sinceramente, meio assustadoras, mas acredito que isso faz parte da adaptação de um livro de Burroughs.

Confesso que eu gostaria de uma solução melhor que o filtro amarelado para as cenas no México e que não reclamaria de uma narrativa um pouco mais ágil em alguns trechos, especialmente no primeiro terço do filme. Ainda assim, Queer soa como uma obra tão autoral que fica difícil imaginar algo diferente, melhor ou pior.

Para completar, Craig está ótimo no papel, sabendo entregar a ilusão de confiança, a intimidade da insegurança e a falta de conexão do personagem de uma maneira brilhante. Inclusive, há um contraste tão grande com o resto do elenco que acredito que houve uma decisão diretorial para ressaltar a humanidade de um homem que, sob certos ângulos, não geraria muita empatia – afinal, ele poderia ser encarado simplesmente como um depravado e drogado que decidiu gastar tempo e dinheiro para ir atrás de uma bobagem.

Sem conhecer seus limites, Queer é um filme exagerado, capaz de encostar tanto no cômico quanto no assustador. Ele brinca com assincronia (especialmente na trilha sonora) e usa de uma série de recursos que vão além do texto para contar sua história. Definitivamente, é uma obra única e que honra suas origens, seja o livro de Burroughs ou a filmografia de Guadagnino.

Outras divagações:
Call Me by Your Name
Suspiria
Challengers

Por mais que eu goste muito da obra de J.R.R. Tolkien, estou bem longe de ser uma especialista. Então, para me preparar para ver The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim, resolvi dar uma pesquisada básica.

Infelizmente, uma das informações mais comuns sobre o filme não tem relação com a trama ou com as origens dos personagens. Aparentemente, a produção foi realizada para garantir que a New Line não perdesse os direitos sobre o trabalho do escritor, já que o contrato prevê que ocorra um lançamento a cada tantos anos. Convenhamos que isso não é muito animador.

The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim conta a história de uma disputa de poder em Rohan, ocorrida quase dois séculos antes da trama envolvendo Frodo e companhia. Helm Hammerhand (Brian Cox) é o rei que nunca perdeu uma batalha, enquanto Wulf (Luca Pasqualino) vem de uma linhagem nobre, mas relegada. Movido pela vontade de se vingar, Wulf elabora um plano complexo e decide ir até as últimas consequências.

O detalhe é que os acontecimentos são narrados por Éowyn (Miranda Otto) a partir do ponto de vista de Hèra (Gaia Wise), a única filha do rei. Embora seja rotulada como “rebelde”, ela é bastante leal a sua família, tem sua própria história com Wulf e se envolve na disputa tanto quanto possível, inclusive liderando a resistência e buscando saídas quando todos os caminhos parecem fechados.

Com isso, The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim consegue se manter fiel às principais temáticas ligadas ao povo de Rohan – do amor aos cavalos ao orgulho desmedido, passando pelas mulheres fortes e guerreiras – e desenvolver uma história que se encaixa bem com os filmes já realizados. Por mais que a trama apele para algumas retomadas fáceis e clichês, elas não incomodam muito em um contexto que lembra lendas contadas e recontadas.

Outro ponto é que uma das principais motivações da protagonista envolve ser ouvida em uma sociedade patriarcal, machista e hierarquizada e, considerando um contexto “histórico” sem feminismo, ela o faz a sua própria maneira. Assim, ao mesmo tempo em que um público de masculinidade frágil pode simplesmente ignorar certos pontos do roteiro (às vezes, até mesmo inconscientemente), outra parcela vai encontrar muitos paralelos e questões importantes para discutir. O fato de que as ações de Hèra não viraram canções, por exemplo, é só um começo.

A escolha por fazer o filme em animação, entretanto, não parece ter uma justificativa clara. Acredito que o longa-metragem funcionaria bem com atores e um bom orçamento para figurinos e efeitos especiais, já que há muitas cenas de batalhas (mas não sei se isso estava disponível). De qualquer modo, os cenários estão belíssimos e são muito bem detalhados, ainda que alguns momentos deixem a desejar na fluidez dos movimentos.

Além disso, também não entendi muito bem a estética de anime escolhida para os personagens. Obviamente, há um vínculo com o diretor Kenji Kamiyama e entendo que esse tipo de traço tem ganhado espaço no “ocidente”, mas não vejo uma relação direta com Rohan e o estilo da história. Por mais que eu goste de animes, há um claro descolamento, ainda que isso não atrapalhe diretamente o andar das coisas.

Com isso, preciso dizer que The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim é um filme com irregularidades, mas que consegue ocupar um espaço interessante. É uma produção para quem gosta de fantasias grandiosas em essência, mas já se cansou um pouco dos excessos que algumas produções do gênero receberam. Para completar, a história é bem construída e fechada em si mesma, o que é um bálsamo em meio a tantas continuações e/ou finais com cliffhangers.

The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim pode não ser particularmente inovador ou um grande chamariz para novos fãs, mas ele é uma boa pedida para esse final de ano. Enquanto alguns fazem compras de última hora, outros vão ao cinema.

Outras divagações:
The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring
The Lord of the Rings: The Two Towers
The Lord of the Rings: The Return of the King
The Hobbit: An Unexpected Journey
The Hobbit: The Desolation of Smaug
The Hobbit: The Battle of Five Armies