Lá vamos nós para mais um filme de Makoto Shinkai. Embora algumas das temáticas do cineasta já estejam um pouco “cansadas” (se você, como eu, tem acompanhado o trabalho dele, sabe que vários de seus filmes têm muitos pontos em comum), a verdade é que ele sempre muda sua ótica o suficiente para que possa trazer novos questionamentos, explorando diferentes ângulos e personagens. Suzume no Tojimari é mais uma destas viagens por um mundo normal afetado por uma premissa fantástica.

Suzume Iwato (Nanoka Hara) é uma garota normal, mas com um passado triste e uma relação sensível com a tia, Tamaki (Eri Fukatsu), que é responsável por sua criação. Um dia, ela percebe que enxerga algo que seus colegas da escola simplesmente não veem. Assim, enquanto a cidade enfrenta um terremoto, ela parte em busca de um jovem misterioso com quem cruzou naquela manhã, Souta Munakata (Hokuto Matsumura), e que, por sua vez, está buscando por uma porta específica. O que se segue faz com que Suzume e Souta acabem partindo em uma aventura pelo Japão que pode ter consequências trágicas.

Desta forma, mais uma vez, temos um fenômeno natural ganhando proporções místicas e mexendo com os personagens de uma maneira bastante emocional. Suzume no Tojimari, em específico, faz referência a um terremoto real, que aconteceu em 2011. Esta conexão com mostra um lado bastante específico do cineasta e permite que sua mensagem sobre trauma e luto fique ainda mais pertinente.

Outro ponto importante neste sentido é que a produção dá uma aliviada no enquadramento romântico (embora, ele esteja presente de um jeito que considero meio torto), focando bastante em questões familiares. Há tanto os atritos entre a adolescente Suzume e sua tia cheia de responsabilidades quanto uma batalha de expectativas entre Souta e seu avô (Kôshirô Matsumoto). No meio disso, as amizades mostram seu valor.

Além disso, Suzume no Tojimari tem um lado “road movie” que funciona muito bem para forçar personagens a se comunicarem sobre questões difíceis, ainda que eventualmente eles ainda precisem de um “empurrão” místico. Para completar, isso traz de brinde uma série de cenários que são um deleite para os olhos. Em vez dos ambientes fechados e cheios de detalhes ajudarem a definir os personagens, os espaços abertos fazem com que eles precisem agir para mostrarem quem realmente são.

Também é preciso apontar que o filme tem aquela característica de “ir além” do terceiro ato. Quando você acha que a história chegou aonde deveria ir, percebe que ainda há mais pela frente, que há mais uma camada a ser desembrulhada antes que eles possam voltar para casa. Esta estrutura pode parecer cansativa e alongada, mas ela também funciona para quebrar expectativas e fazer com que a obra tenha algo de único e imprevisto (o que é sempre bom, não é mesmo?).

Suzume no Tojimari provavelmente não é o filme mais emocionante da carreira de Makoto Shinkai, mas ele tem uma mensagem própria e uma recompensa emocional significativa. Mais uma vez, ao nos guiar por seu mundo fantástico, o diretor e roteirista nos leva a lugares novos e nos encanta.

Outras divagações:
Byôsoku 5 senchimêtoru
Kimi no na wa
Tenki no ko

Quando Closer foi lançado, eu até tinha idade o suficiente para ver o filme e entender sua história (a classificação indicativa no Brasil é de 14 anos), mas definitivamente não tinha a maturidade necessária para compreender tudo o que estava se passando na tela. Agora, muitos anos depois, posso realmente embarcar nesse conto urbano de seduções e traições.

Com direção de Mike Nichols e roteiro de Patrick Marber – que também escreveu a peça original –, acredito que este longa-metragem costuma ser mais lembrado por seu estilo do que por sua dramaticidade. As perucas coloridas, a iluminação peculiar, os figurinos elegantes, os cenários vazios e as ruas cheias: tudo isso vem facilmente à memória, ainda mais se acompanhado pela característica trilha sonora (que, aliás, não envelheceu tão bem quanto o restante da produção).

Ainda assim, é por meio do drama que Closer realmente sobrevive ao tempo. Alice (Natalie Portman) é uma jovem americana que deseja reconstruir a vida em Londres. Após um acidente, ela conhece Dan (Jude Law), um jornalista que ganha a vida escrevendo obituários, e a conexão entre eles é quase instantânea. Alguns anos depois, Dan conhece Anna (Julia Roberts) e parece disposto a fazer qualquer coisa para a conquistar; no processo, ele inadvertidamente a aproxima de Larry (Clive Owen), um dermatologista que, a princípio, só queria fazer sexo virtual.

Após alguns intervalos de meses, ou até mesmo anos, estes personagens voltam a se cruzar. Cada nova interação traz uma atualização sobre a vida deles, mostrando o que deu errado, o que deu certo e as curvas feitas pelo caminho. Contudo, não é como se eles realmente estivessem desconectados uns dos outros. E o novelo só vai se tornando mais emaranhado com o passar do tempo.

Com isso, Closer explora como quatro indivíduos repletos de falhas conseguem se machucar e machucar as pessoas ao seu redor. No fundo, não há ninguém “bom” ou sequer “certo” na trama: todos são péssimos. Eles parecem se jogar de corpo e alma em relacionamentos, mas nunca confiam de verdade (nem deveriam, dadas as circunstâncias). Eles mentem, sofrem, erram, julgam os outros e, principalmente, jogam com os próprios sentimentos e os alheios. É uma brincadeira de adultos onde todos sempre perdem.

Assim, embora seja um filme sobre relacionamentos, não há muito romance no decorrer da produção. Com cada protagonista focando em si mesmo, o mundo retratado é bastante duro e amargo. Os diálogos são rápidos e provocativos até demais, deixando clara a origem teatral do material, de modo que qualquer humanidade (ou fragilidade) precisa ser expressa por meio de nuances. Ainda bem que o elenco é impecável.

A verdade é que este longa-metragem não é particularmente único ou inovador, mas ele consegue cumprir seu objetivo com excelência a ponto de ser constantemente lembrado; cada peça está no lugar certo. Para completar, histórias sobre pessoas problemáticas e com comportamentos destrutivos parecem encaixar bem com a atual geração, ainda que o tom melancólico não ande tanto em voga. Mesmo vinte anos após seu lançamento, Closer parece algo estranhamente novo.

Outras divagações:
Who's Afraid of Virginia Woolf?
The Graduate
The Birdcage

Alguns dias atrás, Pete Docter, atual CEO da Pixar (e, cabe dizer, diretor e roteirista do primeiro Inside Out), mencionou em uma entrevista para a Bloomberg que, diante das recentes falhas do estúdio em produzir obras com o mesmo impacto de outrora, a Pixar iria se focar menos em contar histórias que representavam a “busca da catarse de um diretor” para focar em experiências mais universais. Esta estratégia para restaurar o status do estúdio no topo do cinema de animação também envolve investir mais em sequências e menos em filmes originais.

Ou seja, independente do floreio corporativo que Docter quisesse passar (sinceramente, não entendo o que acontece quando um criativo como ele chega a uma posição de gerência e passa a fazer declarações desse tipo), a verdade é que a Pixar está rumando para uma direção muito distinta do seu passado de glória, assumindo sua posição como mais uma engrenagem na máquina de conteúdo da Disney.

É uma grande ironia. Inside Out foi um filme surpreendentemente pessoal, muito inspirado na própria relação de Docter com a filha, e fazia um bom balanço entre ser simples o suficiente para ser compreendido por todas as faixas etárias e profundo o suficiente para agradar os fãs mais velhos. Em comparação, Inside Out 2 parece sair com o pé esquerdo, representando bem essa fase desesperada da Pixar em tentar encontrar algo que faça sucesso depois de boas produções que foram esquecidas por conta do cenário pandêmico e outras que foram esquecidas por bons motivos.

Com um conceito que contradiz um pouco o filme anterior, vemos a chegada da puberdade de Riley (Kensington Tallman/Isabella Guarnieri) e das “novas emoções” que vêm com ela: Anxiety (Maya Hawke/Tatá Werneck), Envy (Ayo Edebiri/Gaby Milani), Ennui (Adèle Exarchopoulos/Eli Ferreira) e Embarrassment (Paul Walter Hauser/Fernando Mendonça). Elas dificultam fortemente o trabalho de Joy (Amy Poehler/Miá Mello) e das demais emoções primárias da garota, que agora têm que lidar com recém-chegados que ameaçam mudar radicalmente a personalidade de Riley nesse momento atribulado.

Fiz todo esse prefácio para dizer que, sim, é possível ver as marcas da nova filosofia que vem assolando a Pixar. Apesar de ser simpático, Inside Out 2 sente falta da “textura” e da complexidade que o primeiro filme possui, parecendo uma versão menor e menos interessante de uma história já contada.

Enquanto o original apresenta conceitos profundos de um modo fácil, este os simplifica – o que faz uma grande diferença, permitindo que a resolução de problemas da psique, que poderiam ser considerados formativos para qualquer um, sejam solucionados em um passe de mágica. A própria Riley é uma personagem menos interessante, pouco definida individualmente, e com dramas de mais difícil conexão.

Especificamente, Anxiety parece ter sido forçada a se encaixar na importante (porém um pouco esgotada na ficção) discussão sobre ansiedade e saúde mental. A personagem não se encaixa organicamente na dinâmica apresentada ou sequer funciona bem como uma “antagonista”; além disso, os demais sentimentos de Riley também são alvos de grandes mudanças.

Por mais que a produção tente nos vender isso como “trabalhar novas facetas dos personagens”, é preciso considerar que eles são arquetípicos destas emoções. Ou seja, as alterações acabam soando como uma grande falha de caracterização ou uma incapacidade de pensar em como encaixar personalidades bidimensionais em uma nova história.

O próprio filme é menos inventivo e interessante ao apresentar visualmente seus conceitos, coisa que o anterior fazia muito bem. Apenas uma ou duas cenas tentam fazer coisas diferentes com sua animação ou estilo visual. Inside Out 2, assim, fica no feijão com arroz, ainda que seja uma animação competente e bastante bonita quando se esforça.

A dublagem nacional também deixa um pouco a desejar, com uma cadência e escolhas meio esquisitas de adaptação. Apesar de não ter nenhuma grande crítica em relação ao elenco nacional (não sou um grande fã, mas também não é particularmente ruim), em tempos de streaming, questiono ainda mais a estratégia de dar tanta ênfase para a distribuição da versão dublada e deixar a legendada em segundo plano – para se ter uma ideia, das mais de oitenta sessões do filme em Curitiba, apenas uma é legendada.

Afinal, sinto que o público que apreciaria a versão com as vozes originais é aquele que estaria disposto a ir ao cinema já na estreia, ao invés de esperar alguns meses para a inevitável chegada da produção ao Disney+. Além disso, a temática de puberdade é menos interessante para o público mais novo, que já cansa de ouvir esse papo na vida real, reduzindo um pouco o apelo do longa-metragem para quem precisa da dublagem.

Inside Out 2 é ruim? De jeito nenhum. Inclusive, nem posso dizer que ele é decepcionante pelo simples fato de que eu já nem esperava muito. É um filme perfeitamente mediano, que joga extremamente seguro em suas escolhas e que tem poucas ambições artísticas, mas que tem o envolvimento de gente competente o bastante para que o resultado não seja ruim.

Por outro lado, a produção também não tem ninguém interessado ou experiente o suficiente para fazer com que brilhe de verdade. Isso fica bem claro na escolha de equipe: enquanto Pete Docter foi responsável por vários dos melhores filmes do estúdio, como Up, Monsters, Inc. e Soul, a diretora da sequência, Kelsey Mann, tem uma filmografia quase inexistente, assinando o roteiro de The Good Dinosaur, um dos maiores tropeços da Pixar, e de alguns curtas.

Sinceramente, estou bastante pessimista com o futuro da Pixar e Inside Out 2 não ajuda a acalmar meus medos. O bebê já foi jogado com a água do banho e os ótimos filmes originais de 2019 para cá foram largados aos tubarões pela estratégia de streaming da Disney na pandemia. Mas é importante lembrar que chegamos a este ponto após a década de 2010 ser apinhada de continuações com alguns dos filmes mais fracos da história da Pixar.

Em breve, talvez os executivos da casa do Mickey se lembrem de que abusar da boa vontade do público gera resultados cada vez piores. Os próximos anos, com Elio e Toy Story 5, talvez sejam um ponto de virada para o estúdio e para a própria Disney, que também não parece dar uma dentro, e será preciso ver o que acontece com a animação ocidental até lá.

Outras divagações:
Inside Out
Soul

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Logo nos primeiros momentos de Cassandro, você sabe para onde a história irá. Com certeza, as vidas das pessoas retratadas envolverão abuso de drogas, traições, discriminações diversas, além de uma série de outras pequenas e grandes violências. O detalhe é que, embora isso possa até ser verdade – e até esteja presente no filme –, o enquadramento dado não é o óbvio. Esse é um filme sobre um menino com um sonho e um homem que realiza este objetivo a sua própria maneira.

Baseada em uma história real, a produção foi escrita e dirigida por Roger Ross Williams, que possui no currículo um documentário em curta-metragem sobre o lutador. Assim, eu me arrisco em dizer que esse é um projeto feito por um admirador que enxerga não apenas os fatos, mas os significados deles em um contexto mais amplo (ou seja, ele tem visão crítica, mas segue sendo um admirador).

Cassandro acompanha a ascensão de Saúl (Gael García Bernal) em sua carreira na lucha libre. Apaixonado pelo esporte desde pequeno, ele participa de torneios amadores sem muito sucesso, mas com grandes ambições. Sob a orientação de sua treinadora (Roberta Colindrez), ele busca seu próprio estilo e desenvolve um personagem “exótico”, um eufemismo usado para figuras efeminadas e destinadas a perder. Mas Saúl quer ganhar.

Em paralelo, seu dia a dia fora dos ringues é de sacrifícios. Criado pela mãe (Perla De La Rosa), ele tem uma relação muito próxima com ela, que se preocupa com a falta de discrição trazida pelo novo personagem, uma vez que Saúl é gay (algo que não era comum na lucha libre, mesmo entre os lutadores “exóticos”). Como se não bastasse, ele se envolve com um homem casado (Raúl Castillo). O detalhe é que, justamente quando a carreira de Saúl parece ter uma guinada, sua vida pessoal é abalada por coisas além de seu controle.

Com isso, Cassandro parece intercalar duas histórias distintas, mas que são centradas em um mesmo protagonista. Enquanto uma parece ser rodeada de vitórias e destinada a um choque de realidade, a outra se mantém com os pés firmes no chão, já destilando dramas. Dessa forma, nenhuma das duas tramas segue exatamente o caminho que se espera, ainda que o resultado não seja imprevisível.

O detalhe é que a produção paga um preço por esse pretenso equilíbrio. Ao não apostar nos exageros da lucha libre e de seu próprio protagonista, ela perde um pouco do fascínio e do brilho que são naturalmente vinculados a estes elementos. Se alguém esperava uma versão dramática de Nacho Libre ou da série Glow, Cassandro deve ter decepcionado. Sob muitos aspectos, essa é só mais uma cinebiografia.

Ao mesmo tempo, o filme também não mergulha de cabeça em seus dramas. Muitos elementos são colocados na tela e tratados apenas de forma superficial: o protagonista é gay em um ambiente de “machos”, é um usuário de drogas, é um “bastardo” que foi rejeitado pelo pai após se assumir como homossexual, é um estadunidense filho de uma imigrante e que busca por si mesmo do outro lado da fronteira, e é muitas outras coisas. A identidade de Saúl é traçada, mas sua relação com tudo isso fica totalmente a cargo da interpretação do espectador.

Em sua tentativa de aquecer corações, Cassandro não expõe seus personagens; é como se tentasse exibir e proteger ao mesmo tempo. Inclusive, as sequências finais deixam este objetivo bem claro. A participação do lutador El Hijo del Santo, que interpreta a si mesmo, traz um ar quase didático ao longa-metragem, mostrando como a figura criada por Saúl impactou seus admiradores e mudou seu esporte.