Dentre os musicais de grande popularidade que marcaram época, Wicked é um dos que nunca tive a oportunidade de assistir ao vivo. Pelo menos aos paulistas resta o consolo de uma nova temporada da montagem em breve, impulsionada pelo lançamento do filme. Assim, por enquanto, tive de me contentar com algumas cenas avulsas e o álbum do elenco original.

De qualquer modo, tenho plena consciência da importância que essa peça tem para seus fãs e de como fazia falta torná-la mais acessível ao público. No entanto, adaptações de musicais sempre são uma faca de dois gumes: ao mesmo tempo em que podem expandir o alcance da obra para quem jamais teria acesso a uma boa montagem teatral, frequentemente enfrentam uma recepção negativa e, muitas vezes, parecem perder o ponto do formato.

Assim, depois de mais de uma década sem conseguir tirar o filme do papel, foi anunciado que a obra seria dividida em duas partes. Ou seja, uma peça de duas horas e meia foi transformada em dois filmes de duração ainda maior – isso sem, supostamente, adicionar novas canções. Para mim, Wicked: Part I parecia simplesmente uma tentativa um tanto cínica de capitalizar em cima de um nome reconhecível.

Para deixar os fãs ainda mais nervosos, a adaptação ficou a cargo de Jon M. Chu, que tem uma filmografia é inconsistente — embora eu admita simpatizar com sua adaptação de In the Heights. Soma-se a isso um elenco controverso: Cynthia Erivo já acumulava polêmicas antes de se vincular ao projeto e Ariana Grande que, por não ser uma atriz tradicional, virou alvo automático de críticas. Em resumo, ficou difícil acreditar que essa adaptação seria um sucesso.

Para quem chegou até aqui sem entender muita coisa: Wicked: Part I é baseado em uma peça que deriva de um livro que, por sua vez, funciona como uma prequela de O Mágico de Oz. O musical foi lançado na Broadway em 2003, com Idina Menzel e Kristin Chenoweth nos papéis principais (e que fazem uma breve participação no filme).

A história acompanha Elphaba (Cynthia Erivo) — a Bruxa Má do Oeste — e Glinda (Ariana Grande), que se tornaria a Bruxa Boa do Sul. Embora elas representem lados opostos na história original, as duas tiveram uma relação bastante próxima durante a juventude, quando estudavam na Universidade Mágica de Shiz, em Oz.

Foi lá que Elphaba, mesmo enfrentando intensa discriminação de seus colegas, chama a atenção da professora Morrible (Michelle Yeoh). A mestre enxerga um grande talento para a magia na estudante, algo que talvez seja suficiente para levá-la até o titular Wizard (Jeff Goldblum), na Cidade das Esmeraldas.

Dito isso, afirmo que Wicked: Part I é um filme – e uma adaptação – bastante aceitável e que eu me diverti consideravelmente. Apesar de não ser livre de falhas, a produção é caprichada, com cenários e efeitos práticos convincentes. Algumas cenas musicais, inclusive, são elevadas pelo ambiente ao redor.

No entanto, o uso de efeitos visuais é irregular, especialmente nos cenários. A prevalência de computação gráfica no famoso número de encerramento do primeiro ato foi um tanto decepcionante e reduziu o impacto de uma das mais famosas cenas da história da Broadway.

Além disso, diante das críticas ao elenco antes do lançamento, acho relevante dizer que isso não chega a incomodar. Tanto Erivo quanto Grande entregam boas performances musicais, embora distintas das originais, com alterações tonais evidentes para se adequarem ao estilo das atrizes – algo que pode dividir os fãs mais puristas.

No entanto, como o filme foi significativamente expandido para além das canções, os momentos de atuação direta sofrem um pouco. Cynthia Erivo, em particular, parece um tanto engessada no papel. Já Ariana Grande foi uma grata surpresa, mostrando-se carismática como Glinda, embora limitada dramaticamente – algo que prejudica o último ato do filme e, provavelmente, pesará ainda mais na segunda parte da história, que é menos leve e cômica.

Já em relação à divisão em duas partes, eu não acredito que isso tenha beneficiado a produção. Encerrando-se no final do primeiro ato da peça, o filme tem um momento catártico, mas não é impactante o suficiente para deixar o público ansioso pelo próximo capítulo, que só estreia daqui a um ano, tempo suficiente para o entusiasmo esfriar.

Além disso, o segundo ato de Wicked (como acontece com muitos musicais) é considerado mais fraco que o primeiro, possuindo menos números icônicos. Isso me faz questionar como a obra será adaptada e se haverá desvios maiores da peça para justificar a divisão e, talvez, tentar consertar alguns dos pontos mais criticados.

No geral, Wicked: Part I é o tipo de adaptação que não eleva o material original, mas também não o compromete. Musicais já são um grande risco no cinema, especialmente considerando que as adaptações recentes têm falhado tanto em bilheteria quanto em crítica. E não acredito que esse longa-metragem seja mágico o suficiente para reverter essa tendência. Ainda assim, é difícil tirar conclusões definitivas sobre algo que é apenas “meio filme”.

Contudo, se você tem algum carinho pela peça original ou por O Mágico de Oz, pode valer a pena conferir a produção nos cinemas. Por outro lado, se você é um daqueles que tem uma aversão irracional a pessoas cantando e dançando sem motivos, não há nada aqui para mudar sua opinião. Como fã de musicais, considero que minhas expectativas foram atendidas, mas não superadas.

Outras divagações:
G.I. Joe: Retaliation
Now You See Me 2
Crazy Rich Asians
In the Heights

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

No início dos anos 2000, houve especulações a respeito de uma continuação para Gladiator. A despeito das impossibilidades narrativas de continuar a história de Maximus Meridius, Hollywood sempre dá um jeito. Inclusive, é possível encontrar pela internet um roteiro absolutamente insano, que termina com o protagonista se tornando um guerreiro imortal que luta em guerras até os dias de hoje.

Essa história foi (felizmente) engavetada pelo estúdio. Mas isso não impediu que, mais de 20 anos depois, fosse dado o sinal verde para uma continuação que se propunha a ser algo muito mais geracional do que uma sequência direta de seu antecessor.

O detalhe é que, no momento, Ridley Scott não está com essa bola toda. Apesar de seu papel fundamental na história do cinema moderno, recentemente faltam sucessos do mesmo calibre de suas obras mais seminais. Com isso, não senti um grande otimismo em relação a Gladiator II, especialmente entre aqueles que têm apreço pelo filme original e que questionam se algo realmente bom poderia surgir da nova produção.

Em Gladiator II, vemos uma Roma quase duas décadas após a morte de Maximus. Controlada pelos imperadores gêmeos Geta (Joseph Quinn) e Caracalla (Fred Hechinger), a cidade se afunda em corrupção, travando guerras de conquista para sustentar os excessos da elite romana.

Uma dessas guerras, pela dominação da Namíbia, leva o general Acacius (Pedro Pascal) a se confrontar com um soldado a serviço da nação “bárbara”, Hanno (Paul Mescal). Derrotado pelas legiões romanas, Hanno é vendido como escravo, tornando-se um gladiador a serviço de Macrinus (Denzel Washington), um mercador ambicioso e com pretensões de poder, que promete vingança contra Acacius se ele sobreviver aos jogos.

Assim, Gladiator II não tenta reinventar a roda e entrega exatamente o que se espera: cenas de ação, uma reconstrução de época interessante e o mínimo necessário de pathos para sustentar a sua história. No entanto, falta o magnetismo que fez com que o primeiro seja um clássico, parecendo uma imitação pálida.

Paul Mescal tem alguns momentos interessantes, mas não alcança o mesmo impacto de Russell Crowe e raramente exibe a mesma presença de Maximus. Denzel Washington talvez seja o maior destaque do filme, sendo o único a ter mais espaço para mostrar a que veio, com um personagem que possui um arco dramático completo e motivações bem definidas. E, dentro dessa dinâmica, quem mais sofre é Pedro Pascal, que é pouco aproveitado pela trama.

Com um roteiro um tanto apressado, Gladiator II não parece ter as duas horas e meia que tem, para o bem ou para o mal. A história avança continuamente, sem momentos de tédio, mas isso implica que algumas cenas estão faltando e que o drama não tem tempo para respirar, fazendo com que as transformações dos personagens pareçam abruptas. Isso é especialmente problemático com Hanno, apresentado como um líder carismático dos gladiadores, mas que pouco faz para merecer essa posição e que tem uma série de mudanças de comportamento mal justificadas.

Por sua vez, a ação é competente e visceral, ainda que sofra com alguns momentos de computação gráfica de qualidade questionável, especialmente em relação aos animais. As coreografias das lutas são apenas razoáveis, sem nenhuma sequência de combate realmente excepcional.

Já a trilha sonora, que no filme de 2000 foi assinada por Hans Zimmer e Lisa Gerrard, agora está a cargo de Harry Gregson-Williams. O compositor tem trabalhado com Ridley Scott há alguns anos, mas não atinge a mesma potência ou a capacidade de intensificar os momentos mais emocionantes do filme. Sinceramente, mal lembro das músicas.

Ou seja, mesmo com uma história que segue de perto as batidas narrativas do filme original, Gladiator II nunca alcança as mesmas alturas. Apesar disso, ele consegue ser competente, o que é mais do que muita gente esperava, considerando que se trata de mais uma continuação que ninguém pediu e que parece ter pouco a dizer.

Eu me diverti com o filme e reconheço suas qualidades, mas também sei que ele está longe de ser algo especial. A falta de riscos criativos me faz pensar que talvez ver um Maximus imortal lutando no Vietnã fosse um resultado mais interessante do que tentar trilhar a mesma história. Gladiator II é uma boa desculpa para ir ao cinema, mas, se você espera por algo à altura do primeiro filme, é melhor reduzir as expectativas.

Outras divagações:
Alien
Blade Runner
Prometheus
The Martian
Alien: Covenant

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Neste ano, o golpe de 1964 completou 60 anos e, por mais que o discurso ufanista que minimiza as atrocidades e violações de direitos humanos tenha esfriado, não falta quem olhe para aquele período com óculos cor-de-rosa. Ainda que esse público provavelmente não vá assistir a Ainda Estou Aqui ou possa descaracterizar completamente sua mensagem, espero que o filme ajude quem nunca viveu o período a entender um pouco sobre as feridas abertas deixadas pela ditadura militar no Brasil.

Dirigido por Walter Salles, Ainda Estou Aqui é baseado no livro de memórias de Marcelo Rubens Paiva. Assim, acompanha o doloroso processo vivido por Eunice Paiva (Fernanda Torres) antes, durante e após a prisão e o desaparecimento de seu marido, o ex-deputado e engenheiro Rubens Paiva (Selton Mello), pelas mãos do exército em 1971, assim como sua infindável busca por respostas e, quem sabe, um semblante de justiça.

Ainda Estou Aqui é um filme comovente, sem dúvidas, mas não de um jeito brega ou gratuito, sendo o tipo de obra que deixa um misto de nó na garganta e um senso pungente de revolta. É, sem dúvidas, uma obra política e admito que minha própria história com o tema, bem como o contato próximo com inúmeros defensores e defensoras dos direitos humanos, acaba me colocando em uma posição complicada para julgar a obra. Ainda assim, acredito que a produção se sustenta muito bem.

Grande parte do sucesso se deve à excelente atuação de Fernanda Torres. Admito que ela não me convenceu nos momentos iniciais do filme, mas ganhou uma força e um protagonismo absurdos, mostrando uma performance cheia de nuances e que expressa bem essa jornada emocional de esperança, fúria e resignação. Selton Mello é bom nos momentos em que aparece e consegue transmitir a simpatia de Rubens Paiva, tornando sua ausência ainda mais sentida. Já o elenco infantil e adolescente não se destaca particularmente, mas também não chega a incomodar.

Em termos de adaptação, houve a escolha consciente de colocar a ênfase em Eunice, deixando de lado até mesmo a visão de Marcelo da situação; uma decisão compreensível, considerando que Guilherme Silveira está longe de ter a experiência dramática para carregar o filme. Ainda assim, as cenas na casa dos Paiva possuem uma espontaneidade e dinâmica muito contagiantes e esse retrato certamente se beneficia da vivência pessoal de Salles – que era amigo da família e frequentava a casa na época.

A direção não tem muitas firulas, mas a proximidade e a vivência pessoal fazem com que o filme mantenha um senso bem palpável de época, com uma reconstrução de cenário auxiliada por diferentes tipos de câmera e uma paleta de cores que grita “verão carioca”. Isso contrasta com a constante tensão envolvendo os militares e a virada tonal que a história dá após a prisão de Rubens. A diferença é ainda realçada pelo ótimo uso da trilha sonora, que pontua toda a trama.

Ainda Estou Aqui é um recipiente da memória coletiva nacional visto sob o prisma íntimo do drama familiar. Apesar de não ser isento de falhas (acho que, por exemplo, seus epílogos se estendem um pouco demais), é tão bem-sucedido em sua mensagem central que é impossível não o recomendar.

Entendo aqueles que não são os maiores fãs do tema, já que a ditadura talvez seja um dos tópicos mais revisitados na produção cinematográfica brasileira. Mas, considerando que já fazia algum tempo desde o último filme deste calibre, acho que dá para deixar essas ressalvas de lado e dar uma chance. Especialmente porque, mais do que um bom filme, Ainda Estou Aqui é uma obra importante, reforçando a necessidade de lembrar daqueles que lutaram pela democracia e pela justiça no Brasil em um tempo em que retrocessos são uma possibilidade real e assustadora.

Outras divagações:
On the Road

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Se você acompanha o universo dos mangás e/ou da animação japonesa, deve saber que Spy x Family é uma série muito popular atualmente. A premissa é divertida, o visual é charmoso, os personagens são exagerados e todo o contexto é interessante. Basicamente, trata-se de uma trama de espionagem com elementos sobrenaturais e que se passa em um cenário similar ao de uma Alemanha após a Segunda Guerra Mundial. Mas também é uma história sobre uma família que se gosta muito.

Apesar do sucesso televisivo, Spy x Family Code: White não pressupõe nenhum conhecimento prévio. Inclusive, o filme utiliza vários minutos para apresentar os protagonistas, as conexões entre eles e suas principais motivações.

Loid Forger (Takuya Eguchi) é um excelente espião, que tem como missão principal formar uma família e se infiltrar em território inimigo, aproximando-se de líderes políticos. O que ele não sabe é que a esposa que escolheu, Yor (Saori Hayami), aceitou o casamento de fachada porque ela mesma é uma super assassina. Por sua vez, a filha adotada também tem um segredo, pois Anya (Atsumi Tanezaki) consegue ler os pensamentos das pessoas. E o cachorro da família tem visões do futuro.

Mas Spy x Family Code: White não traz nenhum avanço significativo em relação à trama principal. Pelo contrário, a produção parece um episódio especial, isolado e alongado, que não representa grandes consequências. Se você gosta da série, mas não assistiu ao filme, o máximo que pode acontecer é perder alguma referência pontual.

Em resumo, a história envolve uma missão bastante delicada, que demanda que Loid deixe de lado seu papel de pai e marido – aliás, a própria ideia da família pode estar em risco em meio a cortes orçamentários e/ou uma guerra iminente. Contudo, ele decide mostrar eficiência e misturar as duas coisas, cuidando da nova missão ao mesmo tempo em que leva a família para viajar com o objetivo de fazer com que Anya vença um concurso culinário.

Com isso, cada personagem precisa fazer o que julga necessário para lidar com uma série de imprevistos, cumprir suas metas e, claro, manter os seus segredos. No percurso, eles enfrentam trambiqueiros, militares violentos, explosões, perseguições, sequestros e uma terrível carência de licor de cereja sem álcool.

O resultado é interessante e divertido, mas isso também não impede que Spy x Family Code: White seja um filme irregular. Com uma estrutura que realmente se assemelha a um episódio da série, a sensação é de que a história foi esticada além de seu limite. Os conflitos vão escalonando e se misturando, proporcionando que a história seja coesa e tenha uma crescente, mas o ritmo tem seus problemas e a falta de consequências reais acaba pesando (mesmo o “código” do título acaba não tendo muita relevância).

De qualquer forma, essa é uma ótima opção para quem estava com saudades dos Forgers e de suas aventuras. Spy x Family Code: White tem todos os elementos que fazem a série ser reconhecida e funciona como um bom passatempo enquanto novos episódios não são lançados.

Embora But I'm a Cheerleader tenha um status de “filme cult”, preciso admitir que sabia muito pouco sobre a produção até um tempo atrás. Mas, de repente, referência a essa produção de 1999 começaram a pipocar por todos os lados e bom... Quem sou eu para resistir?

O filme é uma comédia satírica que explora não somente a problemática de seu tema principal (os campos de “conversão” para homossexuais) quanto papéis de gênero, heteronormatividade e, até mesmo, machismo e patriarcado. Tudo isso sem posar de intelectual e com um claro foco em um humor fácil e óbvio – inclusive, uma das principais críticas à obra é trazer personagens muito estereotipados (ao mesmo tempo, considerando o contexto e as características da produção, acho que ela tem esse direito).

But I'm a Cheerleader acompanha uma jornada de descobertas para Megan (Natasha Lyonne), uma adolescente bastante inocente e que parece estar enturmada em sua escola, fazendo parte da torcida organizada e namorando um dos jogadores do time de futebol americano, Jared (Brandt Wille). As “rachaduras” em sua vida social e familiar, entretanto, não demoram a aparecer, ficando evidente que todos estão incomodados por “algo” em Megan e a tratam diferente por conta disso.

A situação chega ao ápice quando os pais da menina (Bud Cort e Mink Stole) organizam uma intervenção com a presença do namorado e das amigas de Megan, onde todos demonstram preocupação com ela e seus comportamentos. Mesmo sem entender exatamente o que está acontecendo, a garota é levada embora para um acampamento comandado por Mary Brown (Cathy Moriarty) e por Mike (RuPaul). O objetivo é curar Megan de suas “tendências lésbicas”.

Nem preciso dizer que o efeito é o contrário do pretendido. Presa em um local com diversas garotas lésbicas e rapazes gays, a protagonista é forçada a encarar sua própria sexualidade e entra em contato com a experiência de outras pessoas que viveram coisas parecidas. Se antes ela parecia cega à própria natureza, o acampamento a fez querer viver um grande amor ao lado de Graham (Clea DuVall).

Tudo isso poderia ser um drama, mas a diretora e roteirista Jamie Babbit entregou uma comédia exagerada e muito colorida, onde todo o “tratamento” oferecido é claramente ineficiente. But I'm a Cheerleader é repleto de insinuações sexuais e fica claro que nenhum dos “convertidos” realmente “mudou de lado”. O objetivo maior, como os próprios adolescentes ficam cientes, é aprender a disfarçar (não que eles consigam).

Ao mesmo tempo, o fato é que locais como esse realmente existem e são capazes de fazer muito mal às pessoas que passam por eles. Tratar o assunto como motivo de ridículo é uma forma válida de expor a ineficiência e o absurdo da realidade. Além disso, suponho que seja sempre válido rir da própria desgraça.

Aliás, But I'm a Cheerleader sabe justamente o que é preciso levar a sério. Megan parece ser a única personagem que não está ciente de que tudo é uma grande piada – ela realmente se surpreende com as injustiças do mundo e vive uma jornada de crescimento e autodescoberta. Com isso, o relacionamento dela com Graham também é encarado com os pés mais próximos do chão, ainda que esse não deixe de ser um filme para adolescentes.

Sinceramente, But I'm a Cheerleader foi uma excelente descoberta para mim e espero que seu espaço na cultura pop e no imaginário popular só venha a crescer. Assim que terminar de escrever, partirei em busca de um gif onde  Melanie Lynskey declama “It's really easy to be a prude when you're not attracted to him, isn't it?” (É muito fácil ser puritana quando você não se sente atraída por ele, não é mesmo?).

Não sei exatamente quando eu parei de me importar com as adaptações de animações clássicas da Disney para “live action”, mas isso aconteceu bem antes de The Little Mermaid chegar aos cinemas. Assim, embora o filme de 1989 tenha marcado a minha infância, isso não foi o suficiente para me motivar a ir ao cinema, de modo que acabei conferindo a produção quase que por acaso, em uma tarde desocupada de férias.

Para começar, eu sabia de antemão que algumas mudanças foram feitas. Os objetivos principais eram compreensíveis: dar mais tempo de tela para o príncipe, proporcionar uma motivação mais consistente para a vilã e ajustar detalhes nas letras das músicas que não seriam “politicamente corretos” nos padrões atuais. A questão é que, por mais que isso faça diferença, a produção segue parecendo uma cópia estranha da animação e não algo novo.

Mas vamos ao básico! Com direção de Rob Marshall, The Little Mermaid conta a história de Ariel (Halle Bailey), a mais jovem sereia entre as sete filhas do rei dos sete mares, Triton (Javier Bardem). Assim como as irmãs, ela é proibida de ter qualquer contato com a superfície e sempre ouve histórias terríveis sobre os humanos. Contudo, isso não impediu que ela desenvolvesse uma curiosidade que beira a obsessão – e a coisa só piora quando ela presencia um naufrágio e se sente compelida a salvar Eric (Jonah Hauer-King), o príncipe de um reino próximo.

Sensibilizada após ser repreendida por suas ações, Ariel acaba sendo presa fácil para sua tia malvada, Ursula (Melissa McCarthy). As duas firmam um acordo em que a jovem – transformada em humana, mas sem seus “encantos” de sereia, incluindo sua voz – tem um prazo de três dias para conseguir um beijo de seu verdadeiro amor. Caso consiga, Ariel poderá ser humana para sempre; caso falhe, ela deverá servir Ursula. Entretanto, por mais que a moça conte com a ajuda de um caranguejo, Sebastian (Daveed Diggs); um peixe, Flounder (Jacob Tremblay); e um pássaro, Scuttle (Awkwafina), a missão ganha complicações porque a bruxa do mar usa de uma série de trapaças.

Por esta breve sinopse, já é possível ver que as modificações feitas em The Little Mermaid são realmente detalhes. Com isso, o motivo dos 40 minutos a mais de filme recai principalmente em cenas prolongadas e acréscimos feitos aqui e ali para dar mais tempo de tela a determinados atores. Além disso, há duas músicas novas, mas nenhuma delas – apesar da assinatura de Lin-Manuel Miranda – é realmente marcante (isso sem contar que uma das minhas canções favoritas foi cortada).

Assim, em muitos momentos, o longa-metragem parece uma refilmagem quadro-a-quadro da animação, com a desvantagem de que as criaturas não-humanoides perderam muita expressão por conta do visual “realista” dado aos animais. Vale acrescentar que os dubladores realmente fizeram seu melhor, mas é realmente difícil conseguir encantar em forma de crustáceo (ou com o olhar de peixe).

Talvez The Little Mermaid tivesse mais sorte se a ideia de uma refilmagem com atores fosse uma novidade, o que realmente não era o caso. Com uma fórmula cansada e um visual que não impressiona mais, o filme serve apenas como uma espécie de curiosidade, representando uma fase da Disney repleta de escolhas erradas. Ao não conseguir ser melhor que o original e sequer possuir uma magia própria, a produção parece fadada a eventuais descobertas de curiosos no serviço de streaming.

Outras divagações:
Nine
Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides
Into the Woods
Mary Poppins Returns

Eu realmente achei que, beirando os 90 anos e após ser duramente “cancelado”, Woody Allen realmente não faria mais filmes. Mas suponho que ele simplesmente não consegue parar. E aqui estamos.

Coup de chance se passa em Paris (majoritariamente), mas traz o mesmo espírito nova-iorquino já conhecido do cineasta. A “tradução” funciona bem, com gente rica sendo fútil, mesquinha e desprezível em qualquer lugar do mundo. Além disso, o ar cosmopolita de ambos os locais realmente permite certa intercambialidade (ainda mais se você, como eu, não é nem de Nova York e nem de Paris).

De qualquer forma, a trama envolve um casal onde cada um encara o mundo de uma forma bem diferente do outro. Jean (Melvil Poupaud) não acredita em sorte, tendo construído tudo ao seu redor cuidadosamente, da carreira ao casamento. Fanny (Lou de Laâge), por sua vez, praticamente navega pela vida, o que trouxe altos e baixos ao longo do percurso e a levou diretamente para os braços de Jean.

Essas duas perspectivas são testadas com a chegada de Alain (Niels Schneider), um escritor sonhador que era apaixonado por Fanny nos tempos de escola e que resolve testar sua sorte quando a encontra na rua, totalmente por acaso (de acordo com ele, pelo menos). Aos poucos, os dois se aproximam romanticamente, mas a infidelidade tem consequências inesperadas – e, de alguma forma, a mãe de Fanny (Valérie Lemercier) se envolve na confusão.

Com isso, Coup de chance mistura decisões morais questionáveis (e, também, muito humanas) com um infeliz encontro de personalidades. Juntando isso ao fato de que dinheiro não é um problema para essas pessoas e que nada parece ter consequências muito graves justamente por conta disso, temos seres humanos desinibidos de amarras.

Dito isso, ainda que a história me agrade, o ritmo da narrativa causou certo estranhamento, com o foco mudando inesperadamente entre os personagens – Fanny é a clara protagonista até certo ponto, mas perde motivação e se torna mais uma em um mar de coadjuvantes. Também senti falta de um desenvolvimento maior para Jean, embora haja algo de interessante em sua metamorfose de homem de negócios competente para vilão desenfreado.

De qualquer modo, os atores conseguem segurar as inconsistências e Coup de chance parece funcionar justamente por não se levar a sério demais. Considerando que se trata de uma espécie de conto sobre a sorte, a produção também explora o azar e consegue lidar bem com esse balanço, mostrando as consequências do inesperado.

Ou seja, este é um típico filme de Woody Allen, que conseguiria uma recepção bem melhor em outros tempos, ainda que nada de alcance estratosférico. Inclusive, é difícil resistir à tentação de dizer que, aqui, o cineasta também é um homem testando a própria sorte. Ao apelar para um cenário europeu, ele encontra uma abertura maior para contar as histórias de sempre e repetir seus temas – com a vantagem de contar com o charme de Paris e da própria língua francesa. Mas seus fantasmas ainda o perseguem e é difícil se desvencilhar completamente.

Outras divagações:
Bananas
Everything You Always Wanted to Know About Sex * But Were Afraid to Ask
Sleeper
Love and Death
Annie Hall
Interiors
Manhattan
Stardust Memories
A Midsummer Night's Sex Comedy
Zelig
Broadway Danny Rose
The Purple Rose of Cairo
Hannah and Her Sisters
Radio Days
September
Another Woman
Crimes and Misdemeanors
Alice
Shadows and Fog
Scoop
Whatever Works
Midnight in Paris
To Rome with Love
Magic in the Moonlight
Irrational Man
Café Society

Em 2019, o diretor Todd Phillips disse que não tinha interesse em uma continuação de Joker e que esse não era o tipo de filme em que uma sequência faria sentido. Entretanto, depois de US$ 1 bilhão na bilheteria e o desespero da Warner em tentar emplacar alguma coisa da DC, não há integridade artística que resista.

A verdade é que Phillips tentou de verdade e que esse não é um filme preguiçoso. Eu realmente acredito que toda a equipe de produção tentou o seu melhor para fazer desta uma obra diferente, com algo próprio a dizer. Mas, talvez pelos próprios méritos da produção original, o resultado é algo que trilha os passos do primeiro filme sem entender que ele já havia esgotado o que pretendia dizer.

Inclusive, Joker: Folie à Deux constantemente se refere aos eventos de seu antecessor. O longa-metragem até tenta colocar elementos novos aqui ou ali, mas eles são muito mais estilísticos do que necessariamente transformativos para a trama ou para os personagens, soando geralmente como meras distrações.

Em Joker: Folie à Deux, vemos a repercussão dos atos do primeiro filme. Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) está preso e aguardando julgamento. Ajudado por sua advogada, Maryanne Stewart (Catherine Keener), ele está recebendo tratamento psicológico e pode até ser considerado inimputável, ou seja, ao invés de ser executado pelos seus crimes, Arthur seria levado para um hospital psiquiátrico. Porém, ao conhecer Lee (Lady Gaga) as coisas mudam, já que ela aparenta ser uma grande fã e tenta trazer a faceta dormente de volta a qualquer custo.

Assim, enquanto Joker tinha uma tensão imanente, essa continuação parece estar, tal como seu protagonista, perdida em um mar de expectativas. O filme quer, ao mesmo tempo, ser um drama de personagem (como o anterior), trazer elementos narrativos mais familiares ao universo dos quadrinhos, explorar o controverso formato de musical; e apresentar um grande segmento de filme de tribunal.

Ou seja, Joker: Folie à Deux passa por uma verdadeira crise de identidade. Tentar este monte de coisas enfraquece a mensagem vista no filme de 2019 e deixa de lado boa parte do subtexto.

Mas vamos tirar o elefante da sala. Joker: Folie à Deux é um musical? Em várias métricas, sim, mas eu dificilmente o conceituaria como tal. Os números musicais não são muito memoráveis e raramente são relevantes ou ajudam a explicar a dimensão interna dos personagens. Um deles, talvez dois, são mais significativos, sendo que o melhor (musicalmente falando e de onde vem o único tema recorrente) é diretamente retirado do filme The Band Wagon, de 1953.

Então, esse aspecto da produção parece apenas um veículo para Lady Gaga mostrar suas capacidades. O detalhe é que, ao não se comprometer a ser um musical “de verdade” – onde essa ideia é bem explorada – e ficando em cima do muro, a produção talvez tenha escolhido a pior das alternativas.

Falando nisso, Joaquin Phoenix não é exatamente um cantor no nível de Lady Gaga. Ele até que se segura bem, tentando carregar sua performance muito mais na personalidade do que na técnica, o que funciona com diferentes graus de sucesso. Quanto ao restante, ele tem a capacidade de transformar completamente a aura do personagem, porém, não há o mesmo senso de tragédia e gravidade que visto no filme anterior, de modo que o resultado é menos digno de nota.

Do outro lado da moeda, Lady Gaga é perfeitamente aceitável no papel e convence com uma interpretação da personagem que é claramente inspirada na onda de fãs de true crime obcecadas. Com isso, ela inverte com sucesso a dinâmica natural de poder que normalmente vemos entre os personagens. Ainda assim, não é um trabalho com o mesmo nível de nuances e, comparada a Phoenix, ela termina o filme bem apagada e sem uma catarse.

No geral, Joker: Folie à Deux é um filme competente, mas que nem de longe chega à altura de seu antecessor. As canções não alcançam nenhuma nota nova, de modo que tudo que ele tenta transmitir já estava no filme de 2019 – e de um modo mais interessante e instigante.

A falha completa das instituições sociais, o niilismo constante no mundo contemporâneo (que glorifica comportamentos destrutivos unicamente porque eles são contra o sistema vigente), e o perigo em ignorar esses sinais de alerta: tudo isso já estava presente, só que era melhor executado e não havia a necessidade de jogar esses elementos na nossa cara.

Já quanto à trama mais textual, acredito que o filme também dá uma grande volta para chegar a lugar algum. Embora seu desfecho não seja de todo ruim, sinto que ele apenas piora o que já havia ficado claro anteriormente.

Mas tirem suas próprias conclusões. Joker: Folie à Deux é um filme que pode ir de terrível a ótimo, a depender de quem assiste e das expectativas. Vi muita gente que morria de amores pelo filme anterior e que detestou o que foi feito, mas também houve quem gostou bastante do que foi oferecido. Só não acho que a produção vai conseguir ganhar um novo público. Então, se esse é um filme no seu radar, provavelmente vale a pena conferir, ainda que ele não seja tão fresco e “revolucionário” (com o perdão da hipérbole).

Outras divagações:
Man of Steel
Batman v Superman: Dawn of Justice
The Batman
Black Adam
Suicide Squad
Birds of Prey: And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn
Wonder Woman
Justice League
Aquaman
Aquaman and the Lost Kingdom
Shazam!
Shazam! Fury of the Gods
Joker

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Digamos que eu estivesse procurando algo bobo para assistir, que me fizesse rir um pouco e que também trouxesse um pouco de leveza. The Lost City me pareceu ser uma boa pedida e entregou exatamente o que eu pedi (o que não quer dizer que seja a melhor opção).

Com direção dos irmãos Aaron e Adam Nee, a produção é uma comédia assumidamente ridícula e exagerada, acompanhada por um leve toque de romance. O longa-metragem também é daquele tipo que não se leva a sério, embora tenha uma protagonista sisuda – o que não parece combinar muito bem com o tipo de livro que ela escreve, mas já chego lá.

A trama de The Lost City acompanha a escritora Loretta Sage (Sandra Bullock), que está em crise após a morte do marido, um arqueólogo. Os dois eram companheiros de pesquisa e ela é uma pessoa muito acadêmica, embora suas obras sejam aventuras “picantes” que sempre contam com a presença de Alan (Channing Tatum) na capa. O modelo, inclusive, é tão vinculado à obra que ele é até mesmo convidado para acompanhar Loretta no tour para divulgação de seu mais recente volume – e os fãs estão mais interessados nele que na autora.

Logo após o início do tour, entretanto, Loretta é sequestrada por Abigail Fairfax (Daniel Radcliffe), um milionário obcecado em encontrar um valioso tesouro perdido. Ele acredita que ela é a única pessoa capaz de traduzir um manuscrito e decifrar a localização do objeto em questão. O plano, entretanto, encontra obstáculos após Alan e a editora Beth Hatten (Da'Vine Joy Randolph) contratarem o mercenário Jack Trainer (Brad Pitt) para o resgate de Loretta. Enquanto Alan parte com Jack para uma missão mais direta, Beth tenta usar todos os caminhos legais para reencontrar a escritora perdida.

Com essa premissa bastante clichê, The Lost City se contenta em criar todo o tipo de situação absurda para seguir em frente, rumo ao óbvio. A protagonista está vestindo um macacão de paetês justíssimo (que precisa ser devolvido), a participação de Pitt é exagerada ao extremo, Radcliffe parece reencarnar seu papel de Now You See Me 2, Tatum precisa lidar com sanguessugas na bunda, há um bode a bordo de um avião e por aí vai. Algumas piadas se estendem por mais tempo do que deveriam, mas preciso admitir que há variedade.

Assim, eu diria que o humor do filme funciona dentro daquilo que ele se propõe. Não há brilhantismos ou momentos particularmente espertos, apenas uma sucessão de sequências inacreditáveis e propositalmente constrangedoras. Mas, pelo menos, a produção parece estar consciente disso e brinca com a própria narrativa ao rir do estilo barato dos livros de sua protagonista (que, sinceramente, teria capacidade para algo melhor).

The Lost City, assim como seu título, é bastante genérico e não deve ser lembrado por muito tempo, ou seja, não dá para esperar muita coisa da “experiência”, por mais que a produção seja relativamente caprichada visualmente. Mesmo assim, acredito que vale como uma aventura cômica para assistir sem qualquer compromisso e, de preferência, por gente que ri fácil de qualquer coisa.

É estranho como um filme rodeado de tantas expectativas e com a presença de grandes nomes pode acabar praticamente esquecido. Lançado em 2008, Speed Racer foi um fracasso de público e de crítica, o que era compreensível dado o aspecto esquisito da produção, repleta de cores e efeitos visuais exagerados (que não envelheceram lá muito bem).

Mas era de se esperar que alguns admiradores surgissem, nem que apenas pela assinatura das diretoras e roteiristas Lana e Lilly Wachowski. Porém, com um aspecto consideravelmente diferente do material original, o longa-metragem afastou fãs do anime. Com corridas cheias de acrobacias malucas e ênfase em batidas, também não atraiu entusiastas do automobilismo. E, com um fiapo de história, encontrou dificuldades em atrair novos públicos.

Ainda assim, não consigo deixar de achar que há alguma injustiça – mas admito que sou “suspeita” para falar da produção, já que criei vínculos emocionais com ela. Speed Racer possui corridas malucas e sem um pingo de realismo, cativantes justamente pelo absurdo. O visual colorido e as transições de cena constrangedoras também têm seu charme, lembrando mais um desenho animado que um filme com atores reais. É realmente algo que não vemos por aí.

Por sua vez, a trama é fácil de acompanhar. Desde criança, Speed Racer (Emile Hirsch) é apaixonado por corridas de carro, o que faz todo sentido, já que seu pai (John Goodman) monta este tipo de veículo e seu irmão mais velho, Rex (Scott Porter), é um piloto. A família, contudo, é marcada quando Rex opta por outra escuderia e, posteriormente, sofre um acidente fatal.

Já adulto, Speed começa a se destacar como piloto, para deleite também de sua namorada Trixie (Christina Ricci); de sua mãe (Susan Sarandon); de seu irmão caçula Spritle (Paulie Litt), que sempre está acompanhado de um macaco; e até do mecânico Sparky (Kick Gurry). Todos estão sempre juntos e vivem em uma divertida harmonia; uma família amorosa digna de comerciais de margarina.

O sucesso, entretanto, atrai a atenção do empresário Royalton (Roger Allam), que enxerga as corridas como uma mistura de grande evento de marketing e uma ferramenta de especulação financeira – e a presença de um bom piloto independente pode atrapalhar seus planos. Para enfrentar esta ameaça, Speed une-se ao misterioso piloto X (Matthew Fox) e resolve participar da perigosa prova que custou a vida de seu irmão.

Com isso, Speed Racer tem como vilão o próprio capitalismo e, por mais que os personagens lutem contra um esquema mafioso que determina os resultados das corridas, a verdade é que suas ações não resolvem a causa do problema. É uma aventura válida, mas o protagonista funciona como um coadjuvante dentro de algo que ele mesmo não compreende muito bem (e nem parece ter interesse).

Para completar, é bem difícil embarcar em uma visão inocente e “artística” de uma competição desse nível, já que estamos acostumados com eventos esportivos sendo realmente um apanhado de jogadas de marketing. Fora que a falta de consequências para os desastres das pistas é difícil de engolir, além de tornarem a coisa toda menos arriscada, diminuindo a “recompensa emocional”.

Desta forma, Speed Racer reúne uma enorme quantidade de boas ideias para um filme infantil, mas falha em comunicar que este era seu real público-alvo. Ao direcionar tudo isso, sem muito critério, para uma faixa etária um pouco maior do que deveria, o resultado simplesmente não convence e gera uma sensação de constrangimento para todos os envolvidos. É um longa-metragem legal e divertido, mas estranhamente deslocado.

Outras divagações:
The Matrix
The Matrix Resurrections

Existem muitos filmes bons por aí. Ainda assim, de vez em quando eu me pego assistindo coisas como How to Date Billy Walsh – que, definitivamente, não é uma obra-prima cinematográfica. Sinceramente, a produção não tem muitos méritos nem mesmo dentro do gênero comédia romântica adolescente (mas suponho que, nesse caso, também não é uma das piores).

A história se passa em algum lugar da Inglaterra e acompanha dois amigos bem diferentes, que se aproximaram por conta do destino e nunca se separaram. Archibald Arnold (Sebastian Croft) é um menino rico que tem de tudo, exceto o amor da menina por quem ele é apaixonado (adivinhe quem é?). Já Amelia Brown (Charithra Chandran) vem de uma família mais simples, perdeu a mãe na infância e está preocupada em terminar a escola sem ter vivido um romance.

Mas as coisas parecem mudar para Amelia quando um novo aluno chega à escola. Vindo diretamente dos Estados Unidos, Billy Walsh (Tanner Buchanan) é bonito, atlético, sabe ler (!) e é muito legal. Obviamente, ele atrai a atenção de diversas outras garotas, mas seus olhos se voltam para Amelia – especialmente depois que ela apela para um conselheiro misterioso (adivinhe quem é?) – e os dois percebem que têm muito em comum.

Mesmo com essa história previsível, How to Date Billy Walsh poderia ser divertido. Inclusive, fica bem explícito que John Hughes foi uma grande inspiração para o diretor Alex Pillai, ainda que não muito bem aplicada. Para completar, o filme apela para uma narrativa “estilo Fleabag”, com quebra de quarta parede e tudo, o que poderia funcionar com um texto mais esperto, personagens mais bem desenvolvidos e um narrador com um pouco mais de consciência de si mesmo.

Aliás, a produção se perde em definitivo quando deixamos de nos importar com os personagens. De repente, Archie não parece mais um menino tímido e genuinamente apaixonado, mas um rapaz obcecado e de moral duvidosa. Amelia, por sua vez, se torna apenas mais uma menina boba e fútil. E, como se não bastasse, há o fato de que a personalidade de Billy Walsh se resume a ser “zero defeitos”.

Sinceramente, acho que a única história que parece digna de ser contada é a do pai da menina (Kunal Nayyar), que é apenas um pano de fundo. Ele vive uma história de amor, um luto muito dolorido, uma recuperação pouco convencional (e os adolescentes riem dele por isso?) e, novamente, um romance.

Mas, voltando à trama principal... A caminhada de How to Date Billy Walsh rumo à conclusão faz muito pouco sentido. Sinceramente, considerando que o filme tem uma história tão simples, não entendo como conseguiram fazer com que o ritmo da narrativa ficasse tão estranho e fora de tom. Além disso, nenhum personagem secundário tem um propósito real (nem mesmo as “vilãs”) e tudo se resume a um clímax sem nenhum peso dramático. É quase como ver um desastre se formando à toa.

E, sinceramente, eu não quero nem comentar a questão dos efeitos especiais. Afinal, como diria a minha geração, dá muita vergonha alheia.

Beetlejuice é uma daquelas obras icônicas dos anos 1980 que seguiu um caminho difícil de compreender. Apesar do humor grotesco e questionável, tornou-se um desenho animado e se manteve na consciência popular, a ponto de recentemente ganhar um musical bastante elogiado. O que a produção não havia recebido durante todo esse tempo, porém, era uma continuação.

Convenhamos que o próprio Tim Burton passou por sérias idas e vindas em sua filmografia recente, encontrando uma espécie de “redenção surpresa” fora dos cinemas, o que talvez o tenha ajudado a sair da fase de filmes criticamente “mornos”. Além disso, com o retorno de Michael Keaton aos holofotes, uma continuação para Beetlejuice talvez tenha passado a fazer mais sentido.

Mais de 30 anos após o filme anterior, uma situação bem distinta está em jogo em Beetlejuice Beetlejuice. Lydia Deetz (Winona Ryder) encontrou sucesso em sua carreira como médium e apresentadora de televisão, mas agora enfrenta o desprezo da filha, Astrid (Jenna Ortega). A relação entre as duas desandou depos da morte do pai da garota e só piorou após a chegada de Rory (Justin Theroux), o novo namorado de Lydia.

Após o repentino falecimento do pai da própria Lydia, as várias gerações dos Deetz se reúnem novamente em Winter River para lidar com a perda. Mas o local continua sendo assombrado por Beetlejuice (Michael Keaton), que também se vê em uma complicada situação no mundo dos mortos devido ao retorno da sua ex-esposa Delores (Monica Bellucci), que busca vingança.

Escrever essa sinopse foi um exercício complicado. A verdade é que Beetlejuice Beetlejuice tem uma trama rocambolesca, que parece mais com uma série de vinhetas do que com uma história coesa e que ruma em direção a uma conclusão emocional. Em certo momento, a personagem de Ortega exclama que “o pós-vida é muito aleatório” – e sou obrigado a concordar.

Ainda que o filme original tenha este mesmo “problema”, ele não era acorrentado pela necessidade de fazer referências a uma obra anterior ou pelo senso de nostalgia. Isso, aliás, muitas vezes torna transforma a trama central deste novo filme em algo completamente sem foco, que não vai a lugar algum.

Porém, não acho que estamos aqui necessariamente pela trama principal – o objetivo maior é justamente ver todas as situações estranhas envolvendo o titular espectro. Neste sentido, Keaton talvez tenha entregado uma versão menos problemática do personagem, mas sem perder o charme bizarro pelo qual ele era conhecido. Fazendo caras e bocas, ele ajuda a entregar uma comédia genuinamente engraçada, especialmente por ser acompanhada de uma série de piadas visuais muito caprichadas.

Em vez de apelar para o excesso de computação gráfica, que serve como atalho para produzir resultados rápidos, o filme tenta, sempre que possível, usar efeitos práticos. Por meio de bonecos, maquiagem, stop motion e cenários montados, a produção se torna extremamente charmosa e denota um carinho e um esforço por parte da equipe – ainda mais quando tudo isso é acompanhado pela trilha de Danny Elfman, que continua fantástica.

Ainda assim, é difícil não lamentar o potencial não realizado do filme. Tanto Ryder quanto Keaton têm bem menos espaço para mostrar seus talentos do que eu esperava (sinceramente, como o personagem-título, Beetlejuice passa tempo demais ausente da história). Por sua vez, Monica Bellucci deve ter, no máximo, uma dúzia de falas no filme.

Ou seja, passamos a trama esperando por uma resolução daquela história que não chega a lugar algum, facilmente suplantada por coadjuvantes como Willem Dafoe e Catherine O'Hara, que tiveram bem menos espaço no material promocional. Se você gosta de Jenna Ortega, talvez seja mais bem servido, mas pessoalmente não acho que ela tenha calibre para carregar uma obra dessas como protagonista (ainda que também não atrapalhe).

Em uma época em que a nostalgia se tornou uma desculpa fácil para lançar filmes criativamente falidos, Beetlejuice Beetlejuice faz esforço suficiente para passar ileso pelo crivo crítico mais básico. Obviamente, este poderia ser um filme melhor caso se esforçasse para dizer ou expressar algo, em vez de ser uma coleção meio desconexa de ideias que devem parecer legais para Tim Burton e sua equipe de roteiro.

A produção fez uma tentativa sincera de recapturar o charme do original e, por mais que não tenha acertado na mosca, o resultado é perfeitamente palatável e serve como uma comédia de grande orçamento, algo que anda meio sumido. Eu não poderia dizer que Beetlejuice Beetlejuice é imperdível ou que vai ser tão icônico quanto seu antecessor, mas ele não é constrangedor, o que talvez já seja o suficiente.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Outras divagações:
Alice in Wonderland
Dark Shadows
Frankenweenie
Big Eyes
Miss Peregrine's Home for Peculiar Children

Quando todos pensaram que os filmes de heróis estavam caminhando para o fim (ou quase isso), Deadpool & Wolverine surge para salvar o dia! Sucesso de público e crítica, a produção traz exatamente o que se poderia esperar dela e, ao mesmo tempo, representa um sopro de ar fresco para o “universo cinematográfico” da Marvel – de lambuja, ainda temos uma divertida despedida da Fox, que foi comprada pela Disney (tecnicamente, ela ainda existe, mas a verdade é que foi engolida).

Na posição de alguém que não viu os dois filmes anteriores, meu receio era não entender muita coisa, mas garanto que foi tudo bem compreensível – sinceramente, talvez seja mais importante estar em dia com os memes. Ainda assim, acredito que é necessário atender a alguns requisitos mínimos: ter um conhecimento básico dos dois personagens do título e da série Loki (pode ser só a primeira temporada, mas a segunda seria recomendada).

Deadpool & Wolverine começa com um Wade Wilson (Ryan Reynolds) desacreditado, que aposentou o uniforme de Deadpool e tenta levar a vida como uma pessoa comum. Entretanto, tudo muda quando ele é recrutado por Paradox (Matthew Macfadyen) para uma missão meio ingrata: acelerar o fim de sua própria linha temporal. Por mais que isso venha acompanhado de benefícios, ele opta por uma estratégia secundária e resolve viajar para várias linhas paralelas em busca de quem realmente pode salvar seu mundo, Wolverine (Hugh Jackman).

Com essa premissa, o filme mergulha com empolgação no conceito de multiversos, aproveitando para fazer diversas referências divertidas, trazer excelentes participações especiais e até mesmo abordar o fato de que as pessoas já se cansaram disso tudo. Para quem é fã de quadrinhos e/ou tem saudades de alguns projetos do passado da Marvel, é um prato cheio.

Sinceramente, a habilidade de quebrar a quarta parede é o melhor superpoder de Deadpool – e ela é usada à exaustão, o que também pode ser definido como “na medida certa”. O personagem é desbocado e não fica quieto nunca, o que o torna extremamente enervante para quem convive com ele do lado de lá da tela; por aqui, isso se transforma em um senso de humor que não é comum no gênero (e que, convenhamos, não é para todo mundo).

Ao misturar isso com a irritabilidade e o gosto pela violência do coprotagonista, Deadpool & Wolverine cria uma dinâmica que simplesmente funciona. As cenas mais intensas de conflito entre os dois personagens, inclusive, são filmadas como um inuendo sexual (em mais uma escolha correta da produção).

Com o destaque dado a essa tensão entre os personagens principais, há pouco espaço para a trama realmente se desenvolver. Trata-se de um fiapo de história que explora conceitos interessantes e que realmente faz a conexão entre os heróis do catálogo da Fox com os da Disney, mas ninguém se importa de verdade com os planos da vilã Cassandra Nova (Emma Corrin) ou sua jornada.

É claro que Deadpool & Wolverine tem suas irregularidades narrativas e visuais, mas eu saí da sala de cinema sem me preocupar muito com isso. Inclusive, demorei um pouco para escrever esse texto porque queria “baixar a bola” da empolgação, mas ela voltou a subir à medida em que me lembrava de boas sequências e sacadas. Esse é um filme pipoca com humor de gente grande e que realmente vale a pena.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Ant-Man and the Wasp: Quantumania
Black Panther
Black Panther: Wakanda Forever
Black Widow
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
The Marvels
Deadpool
Deadpool 2
Doctor Strange
Doctor Strange in the Multiverse of Madness
Eternals
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Guardians of the Galaxy Vol. 3
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
Spider-Man: No Way Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok
Thor: Love and Thunder

Ao contrário da maior parte dos filmes de ficção, um documentário normalmente exige alguma preparação do espectador, especialmente se ele envolve uma pessoa (e não uma situação, por exemplo). Mas é claro que eu não fiz isso antes de me aventurar em Fernanda Young: Foge-me ao Controle – no processo, fiquei com muita vergonha de mim mesma.

Logo no começo, percebi que tinha mentalmente misturado duas Fernandas diferentes. Depois, notei que não sabia de vários de seus créditos, embora conhecesse as obras. Mas foi apenas ao final que me dei conta que sequer lembrava da morte de Young, por mais que as circunstâncias tenham sido bastante marcantes para mim à época.

Talvez esse desconhecimento não tivesse me embaraçado em outros casos, porém Fernanda Young: Foge-me ao Controle me deixou com a sensação de que eu deveria ser íntima com a obra de sua retratada. Afinal, ela fala comigo, para mim, com uma linguagem que ecoa no meu ser.

Inclusive, o filme de Susanna Lira e Clara Eyer é bastante poético. Ele é construído a partir de retalhos conectados de forma associativa, como se um fio fosse puxando o outro, sem forçar temáticas e, eventualmente, indo e vindo. São trechos de livros, entrevistas diversas, cenas de seriados, fotografias, fragmentos de instalações artísticas e até vídeos com aparência caseira.

No meio de tudo isso, a personalidade forte de Young se sobressai. Ela é rebelde, romântica, inadequada, inconformada, depressiva, intensa e, sem dúvida, irritada com quem a chama de egocêntrica. Sobretudo, ela é uma mulher que luta contra um mundo machista, o que envolve tanto esconder sua feminilidade quando vivê-la com exuberância.

Aliás, meu desconforto em não saber mais sobre ela parece surgir no (e ser alimento pelo) próprio filme, nos momentos em que Fernanda trata da dificuldade de ser reconhecida enquanto escritora e de ser respeitada no meio literário. Se eu gosto tanto de ler e sou tão aberta a recomendações (até onde eu sei), por que nenhum deles caiu em minhas mãos?

Fernanda Young: Foge-me ao Controle mergulha nessa voz (e nesse corpo) punk, trazendo tanto os tópicos delicados – e tão variados: estupro, maternidade, dislexia, relações familiares – quanto a maneira com que uma pessoa tão complexa aparece dentro de sua própria obra. Os poemas, a seu modo, são mais reveladores que as fotos nuas. Mas mesmo os roteiros trazem o tom e o ritmo da autora, que sempre os escreve em parceria com o marido, Alexandre Machado.

Claro que, ao não seguir um formato focado em depoimentos e optar por não ser um mero resumo da vida de Fernanda Young, o documentário também não consegue ser algo completo, fechado, definitivo. Obviamente, essa foi uma escolha intencional e que faz bastante sentindo quando se considera a pessoa retratada, a forma como ela vivia e o seu legado. No final das contas, há algo de homenagem e de reverência – e, para quem assiste, isso parece ser totalmente justificado.

Fernanda Young: Foge-me ao Controle me deixou com vontade de devorar tudo o que essa mulher escreveu – e de chorar porque não terei a oportunidade de ter contato com coisas novas. Por mais que eu tenha iniciado essa jornada absolutamente despreparada, minha vontade é de não seguir assim.