Quando todos pensaram que os filmes de heróis estavam caminhando para o fim (ou quase isso), Deadpool & Wolverine surge para salvar o dia! Sucesso de público e crítica, a produção traz exatamente o que se poderia esperar dela e, ao mesmo tempo, representa um sopro de ar fresco para o “universo cinematográfico” da Marvel – de lambuja, ainda temos uma divertida despedida da Fox, que foi comprada pela Disney (tecnicamente, ela ainda existe, mas a verdade é que foi engolida).

Na posição de alguém que não viu os dois filmes anteriores, meu receio era não entender muita coisa, mas garanto que foi tudo bem compreensível – sinceramente, talvez seja mais importante estar em dia com os memes. Ainda assim, acredito que é necessário atender a alguns requisitos mínimos: ter um conhecimento básico dos dois personagens do título e da série Loki (pode ser só a primeira temporada, mas a segunda seria recomendada).

Deadpool & Wolverine começa com um Wade Wilson (Ryan Reynolds) desacreditado, que aposentou o uniforme de Deadpool e tenta levar a vida como uma pessoa comum. Entretanto, tudo muda quando ele é recrutado por Paradox (Matthew Macfadyen) para uma missão meio ingrata: acelerar o fim de sua própria linha temporal. Por mais que isso venha acompanhado de benefícios, ele opta por uma estratégia secundária e resolve viajar para várias linhas paralelas em busca de quem realmente pode salvar seu mundo, Wolverine (Hugh Jackman).

Com essa premissa, o filme mergulha com empolgação no conceito de multiversos, aproveitando para fazer diversas referências divertidas, trazer excelentes participações especiais e até mesmo abordar o fato de que as pessoas já se cansaram disso tudo. Para quem é fã de quadrinhos e/ou tem saudades de alguns projetos do passado da Marvel, é um prato cheio.

Sinceramente, a habilidade de quebrar a quarta parede é o melhor superpoder de Deadpool – e ela é usada à exaustão, o que também pode ser definido como “na medida certa”. O personagem é desbocado e não fica quieto nunca, o que o torna extremamente enervante para quem convive com ele do lado de lá da tela; por aqui, isso se transforma em um senso de humor que não é comum no gênero (e que, convenhamos, não é para todo mundo).

Ao misturar isso com a irritabilidade e o gosto pela violência do coprotagonista, Deadpool & Wolverine cria uma dinâmica que simplesmente funciona. As cenas mais intensas de conflito entre os dois personagens, inclusive, são filmadas como um inuendo sexual (em mais uma escolha correta da produção).

Com o destaque dado a essa tensão entre os personagens principais, há pouco espaço para a trama realmente se desenvolver. Trata-se de um fiapo de história que explora conceitos interessantes e que realmente faz a conexão entre os heróis do catálogo da Fox com os da Disney, mas ninguém se importa de verdade com os planos da vilã Cassandra Nova (Emma Corrin) ou sua jornada.

É claro que Deadpool & Wolverine tem suas irregularidades narrativas e visuais, mas eu saí da sala de cinema sem me preocupar muito com isso. Inclusive, demorei um pouco para escrever esse texto porque queria “baixar a bola” da empolgação, mas ela voltou a subir à medida em que me lembrava de boas sequências e sacadas. Esse é um filme pipoca com humor de gente grande e que realmente vale a pena.

Outras divagações:
Ant-Man
Ant-Man and the Wasp
Ant-Man and the Wasp: Quantumania
Black Panther
Black Panther: Wakanda Forever
Black Widow
Captain America: The First Avenger
Captain America: The Winter Soldier
Captain America: Civil War
Captain Marvel
The Marvels
Deadpool
Deadpool 2
Doctor Strange
Doctor Strange in the Multiverse of Madness
Eternals
Guardians of the Galaxy
Guardians of the Galaxy Vol. 2
Guardians of the Galaxy Vol. 3
Iron Man
Iron Man 2
Iron Man 3
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far from Home
Spider-Man: No Way Home
The Avengers
Avengers: Age of Ultron
Avengers: Infinity War
Avengers: Endgame
Thor
Thor: The Dark World
Thor: Ragnarok
Thor: Love and Thunder

Ao contrário da maior parte dos filmes de ficção, um documentário normalmente exige alguma preparação do espectador, especialmente se ele envolve uma pessoa (e não uma situação, por exemplo). Mas é claro que eu não fiz isso antes de me aventurar em Fernanda Young: Foge-me ao Controle – no processo, fiquei com muita vergonha de mim mesma.

Logo no começo, percebi que tinha mentalmente misturado duas Fernandas diferentes. Depois, notei que não sabia de vários de seus créditos, embora conhecesse as obras. Mas foi apenas ao final que me dei conta que sequer lembrava da morte de Young, por mais que as circunstâncias tenham sido bastante marcantes para mim à época.

Talvez esse desconhecimento não tivesse me embaraçado em outros casos, porém Fernanda Young: Foge-me ao Controle me deixou com a sensação de que eu deveria ser íntima com a obra de sua retratada. Afinal, ela fala comigo, para mim, com uma linguagem que ecoa no meu ser.

Inclusive, o filme de Susanna Lira e Clara Eyer é bastante poético. Ele é construído a partir de retalhos conectados de forma associativa, como se um fio fosse puxando o outro, sem forçar temáticas e, eventualmente, indo e vindo. São trechos de livros, entrevistas diversas, cenas de seriados, fotografias, fragmentos de instalações artísticas e até vídeos com aparência caseira.

No meio de tudo isso, a personalidade forte de Young se sobressai. Ela é rebelde, romântica, inadequada, inconformada, depressiva, intensa e, sem dúvida, irritada com quem a chama de egocêntrica. Sobretudo, ela é uma mulher que luta contra um mundo machista, o que envolve tanto esconder sua feminilidade quando vivê-la com exuberância.

Aliás, meu desconforto em não saber mais sobre ela parece surgir no (e ser alimento pelo) próprio filme, nos momentos em que Fernanda trata da dificuldade de ser reconhecida enquanto escritora e de ser respeitada no meio literário. Se eu gosto tanto de ler e sou tão aberta a recomendações (até onde eu sei), por que nenhum deles caiu em minhas mãos?

Fernanda Young: Foge-me ao Controle mergulha nessa voz (e nesse corpo) punk, trazendo tanto os tópicos delicados – e tão variados: estupro, maternidade, dislexia, relações familiares – quanto a maneira com que uma pessoa tão complexa aparece dentro de sua própria obra. Os poemas, a seu modo, são mais reveladores que as fotos nuas. Mas mesmo os roteiros trazem o tom e o ritmo da autora, que sempre os escreve em parceria com o marido, Alexandre Machado.

Claro que, ao não seguir um formato focado em depoimentos e optar por não ser um mero resumo da vida de Fernanda Young, o documentário também não consegue ser algo completo, fechado, definitivo. Obviamente, essa foi uma escolha intencional e que faz bastante sentindo quando se considera a pessoa retratada, a forma como ela vivia e o seu legado. No final das contas, há algo de homenagem e de reverência – e, para quem assiste, isso parece ser totalmente justificado.

Fernanda Young: Foge-me ao Controle me deixou com vontade de devorar tudo o que essa mulher escreveu – e de chorar porque não terei a oportunidade de ter contato com coisas novas. Por mais que eu tenha iniciado essa jornada absolutamente despreparada, minha vontade é de não seguir assim.

Se alguém duvidar do talento de Margot Robbie, uma boa opção para rebater qualquer argumento é I, Tonya. A produção, que rendeu a primeira indicação da atriz ao Oscar, é uma cinebiografia com personalidade e que abre bastante espaço para o elenco mostrar a que veio.

Para começar, o roteiro de Steven Rogers é assumida e maravilhosamente contraditório, uma vez que se baseia em entrevistas com as pessoas envolvidas nos acontecimentos – e cada uma, naturalmente, puxou as coisas para o seu lado (vale destacar que a escolha destes pontos de vista específicos também importa). Com isso, I, Tonya não se compromete com uma única versão e tudo pode ser questionado, mesmo quando todos parecem estar de acordo.

A história acompanha a carreira de Tonya Harding (Margot Robbie) como patinadora no gelo, desde suas primeiras aulas sob o olhar atento de Diane Rawlinson (Julianne Nicholson), aos quatro anos de idade, até as consequências de um determinado “incidente” armado por um falso guarda-costas, Shawn (Paul Walter Hauser). No caminho, ela sobrevive a um relacionamento péssimo com a mãe (Allison Janney), a um casamento violento e tóxico com Jeff (Sebastian Stan) e a uma série de outras dificuldades.

O detalhe é que, apesar de todos os empecilhos, Tonya chegou a ser uma das atletas mais importantes dos Estados Unidos por um breve período. Mas as coisas desandam de uma maneira desastrosa, abrupta e que beira o inacreditável. Sinceramente, eu só consigo acreditar na reviravolta do filme porque também creio que a estupidez humana não tem limites. E, se você tem dúvidas, os créditos incluem trechos das entrevistas reais.

Assim, apesar de ter uma temática pesada, I, Tonya é construído a partir dos aspectos mais absurdos e conflitantes dos seres humanos, o que faz com que muitos encarem a produção como uma “comédia negra” (não concordo, mas entendo a classificação). A escolha de Craig Gillespie para a direção do projeto, aliás, foi uma ótima pedida, já que ele parece ser especialista em mostrar as idiossincrasias das pessoas sem (necessariamente) as julgar, inclusive trazendo estas peculiaridades para a tela com charme e empatia.

Outra questão é que, embora a protagonista seja uma patinadora que tem que lutar por absolutamente tudo em sua vida, os coadjuvantes são fascinantes e têm espaço para brilhar. Inclusive, no meio de tantos personagens dispostos a “roubar a cena”, não deixa de ser impressionante que Margot Robbie tenha conseguido se destacar. Ela alterna de maneira crível uma aparente inocência com uma raiva inerente a quem já viu o que há de pior no mundo. Não é uma tarefa fácil fazer o público acreditar em alguém que não parece fazer sentido lógico (ao mesmo tempo, quem faz sentido lógico?).

Em resumo, I, Tonya consegue tratar de um assunto dramático de uma forma interessante narrativamente e com uma boa dose de humor, mas sem comprometer a seriedade de seus temas. Por conta desta destreza, acredito que este é um daqueles filmes que continuará sendo lembrado mesmo após anos de seu lançamento. Só espero que as façanhas da protagonista no gelo – feitas com computação gráfica, já que ninguém se habilitou a tentar para a câmera – continuem convincentes mesmo com o passar do tempo.

Outras divagações:
Lars and the Real Girl
Fright Night
Cruella

Vamos ser sinceros aqui: Eli Roth não é um cineasta conhecido por seu grande calibre criativo. Ele é a mente por trás de um monte de filmes de terror medianos e que, por alguma razão, recebeu a confiança da Lionsgate para tomar as rédeas um filme de ação de grande orçamento e com um elenco invejável.

Essa foi, certamente, uma aposta arriscada do estúdio para Borderlands. Mas ela se pagou? Não. Definitivamente, não.

Não falo isso nem como fã e nem como um completo novato na franquia. As minhas sensibilidades aqui, inclusive, talvez sejam as ideais para esse tipo de filme: conheço vagamente o mundo e sua ambientação, mas não sou suficientemente apegado a ponto de julgar o filme somente nestes méritos. Ainda assim, saí da sala de cinema com um só pensamento: por quê?

Juntando mais ou menos a trama dos dois primeiros jogos (e tomando uma série de liberdades criativas), Borderlands se passa em um futuro meio distópico. No planeta Pandora, uma raça alienígena ancestral – e que um dia dominou a galáxia – escondeu uma arca com resquícios da sua tecnologia, levando o planeta a se transformar em uma fronteira sem lei, repleto de foras da lei e caça-arcas em busca desse tesouro perdido.

Nesse cenário, Tina (Ariana Greenblatt) é uma menina que supostamente seria capaz de abrir a arca e que acaba sendo resgatada do seu cativeiro na grande corporação Atlas por Roland (Kevin Hart), um soldado da força de segurança da companhia que não quer ver a tecnologia alienígena caindo nas mãos dos patrões. Para recuperar a garota, o conglomerado contrata os serviços de Lilith (Cate Blanchett), uma caçadora de recompensas originária do planeta, mas que tem histórias não resolvidas no lugar.

Acreditem, foi mais difícil escrever essa sinopse do que parece. A produção faz um péssimo trabalho para apresentar as motivações de seus personagens e isso só piora com o passar do tempo, conforme novos nomes vão sendo introduzidos na trama. Um exemplo é Tannis (Jamie Lee Curtis), que parece extremamente perdida e beira a incoerência.

Em contrapartida, Claptrap (Jack Black), um personagem que meio que veio a ser a mascote da série, parece estar bem representado. Entretanto, isso significa que ele é extremamente irritante em ocasiões e basicamente irrelevante narrativamente, justamente como nos jogos, o que talvez possa ser visto como um mérito (eu suponho?).

Essa falta de foco dá a impressão de que os enxutos 102 minutos de filme perderam uma meia hora na sala de edição, pois várias coisas acontecem sem explicação e parece haver informações que foram simplesmente perdidas. Tanto é que o filme não começa mal; ele tem uma ambientação ok, um texto que até funciona e uma trama objetiva o bastante. Porém, é difícil não chegar ao final sem uma expressão confusa graças à resolução rocambolesca e sem sentido.

Claro que Borderlands nunca foi exatamente uma série conhecida por sua narrativa rica e densa. O original é um jogo de ação sobre usar muitas armas meio absurdas em um cenário irreverente e 100% pueril. Dentro desse escopo, o texto dos jogos é satisfatório e, por mais que muita gente não goste do humor de Anthony Burch, o roteirista principal da série, não dá para negar que ele foi central para seu sucesso.

Mas isso é algo que Borderlands, o filme, não consegue replicar, soando mais como uma versão menor e sem alma de Guardians of the Galaxy do que qualquer outra coisa (um referencial que está ficando cada vez mais batido, inclusive). Ainda que o filme comece bem, com uma direção de arte acertadíssima em relação ao jogo (sinceramente a melhor coisa aqui) e diversas boas referências visuais legais logo de cara, ele rapidamente perde este espírito, tornando-se dolorosamente genérico.

Também fico um pouco chocado que a produção não tenha usado as armas dos personagens, uma vez que isso é um elemento central do jogo – é basicamente como fazer um filme do Mario em que ele não pula. Ou seja, as cenas de ação são bem arroz com feijão e nem arranham o potencial que o filme poderia ter se abraçasse os aspectos mais cartunescos de seu cenário. Há, talvez, só uma sequência que eu considero interessante visualmente e ela é bem curta.

No fim do dia, Borderlands é uma curiosidade interessante para quem gosta dos jogos e quer apreciar como o mundo foi trazido à tona pela equipe de produção – dos visuais dos personagens aos cenários e adereços, tudo parece ter sido feito com capricho. Mas, para desavisados que só querem um bom filme de ação e comédia, há opções significativamente melhores no mercado (Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves, lançado no ano passado, faz tudo que esse filme se propõe, só que melhor), mostrando que a maldição das adaptações de videogames continua firme e forte em Hollywood.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Meu primeiro contato com o diretor Ken Loach e com o roteirista Paul Laverty foi por meio de I, Daniel Blake que, sinceramente, deve figurar na lista de filmes que eu mais frequentemente recomendo para as pessoas (ainda que seja uma obra bem triste). Por isso, não pensei duas vezes quando surgiu a oportunidade de ver The Old Oak, que é um bom filme, ainda que não tão impactante e incômodo quanto seu “irmão”.

A história se passa em um vilarejo da Inglaterra que está envelhecido e empobrecido após o fechamento das minas de carvão que movimentavam a economia local. Com os preços dos imóveis em franca decadência, a pequena cidade acaba recebendo um grande grupo de imigrantes sírios, que dependem de ajuda para se ajustarem ao novo país – ao mesmo tempo, os moradores locais também estão passando por dificuldades.

Com isso, The Old Oak mostra tanto a intolerância quando os ressentimentos que tentam explicar reações por vezes injustificáveis. TJ Ballantyne (Dave Turner) é o dono do único pub da vila e, também, um homem com um enorme coração, que eventualmente ajuda Laura (Claire Rodgerson) em suas ações de caridade. Embora esteja sofrendo com o fim da cultura sob a qual foi criado (e com muitas outras coisas), ele não compartilha da acidez doída de seus clientes fiéis. Assim, ainda que após certa relutância, ele se envolve com os recém-chegados e resolve fazer algo em prol da integração.

Por sua vez, Yara (Ebla Mari) é uma das imigrantes. Com a vantagem de falar um bom inglês, sendo mais formal e educada do que as demais pessoas, ela é a filha mais velha em uma família de vários irmãos, esbanjando a maturidade forçada que vem com essa posição em um cenário de guerra. Tendo mais consciência que os demais a respeito do que realmente acontece ao seu redor, Yara se aproxima de Ballantyne e o motiva a fazer algo para tornar a vida melhor para todos.

Com várias sequências que mostram a delicadeza da situação, The Old Oak é muito sensível às dores alheias, mas não esconde de que lado está e nem o fato de ser bastante carregado politicamente. Assim, se você não concorda de antemão com os pontos apresentados, duvido que a produção por si só seja capaz de mudar a sua opinião, mas ela ressoa fortemente com quem já está a seu lado.

Pessoalmente, acho que o filme se beneficiaria de uma redução no didatismo, com menos discursos e lições de moral. Afinal, há várias demonstrações de causas e consequências, ainda que algumas delas sejam indiretas ou perceptíveis apenas em nuances. Uma das minhas sequências preferidas envolve a completa mudança de uma mãe desesperada, que passa a encarar os refugiados de outra forma após Yara ajudar sua filha; ao mesmo tempo, a imigrante tem um contato direto com a pobreza da população local.

Assim, no que parece ser uma marca registrada dessa dupla de diretor e roteirista, The Old Oak retrata pessoas bastante reais, ainda que seja inegável que há um recorte caricato na história. Para quem se dispõe a receber o impacto do que é mostrado na tela, há muitas lições a serem aprendidas, uma vez que problemas sociais tendem a ser muito mais complexos do que se enxerga à primeira vista.

Outras divagações:
I, Daniel Blake